Historia General y del Arte. El siglo XX: Renovación arquitectónica a partir de nuevos materiales. La pintura del siglo XX

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1 El siglo XX: Renovación arquitectónica a partir de nuevos materiales. La pintura del siglo XX Historia General y del Arte El siglo XX: Renovación arquitectónica a partir de nuevos materiales. La pintura del siglo XX Kursaal de San Sebastián de Rafael Moneo Imagen en Flickr de Iñigo Mujika bajo CC Mark Rothko Imagen en Flickr de Cliff bajo CC

2 1. La arquitectura de finales del siglo XIX En este apartado vamos a acercarnos a la arquitectura de la segunda mitad del siglo XIX, quizá el otro gran momento de la revolución técnica más allá del gótico. La Revolución Industrial trajo nuevos sistemas de trabajo, nuevas relaciones sociales y, sobre todo, nuevas técnicas y nuevos materiales que revolucionaron los lenguajes y los esquemas constructivos. Durante este proceso verás cómo se llega a un sistema arquitectónico absolutamente novedoso y que poco o nada tiene que ver con lo que hemos visto hasta ahora. Puente Luis I. Oporto Fotografía en Flickr de Alfredo Miguel Romero bajo CC Chicago Reliance Building Imagen en Wikimedia Commons de J. Croker bajo autorización expresa del autor La arquitectura comienza abrir sus puertas más allá de la vieja Europa (que aún, y por poco tiempo, se mantiene a la vanguardia) para llegar a un país nuevo, vivo y con ganas de mostrar su fuerza y su capacidad creativa. Hay una cuestión importante y es que hablamos, por primera vez, de función. La arquitectura, se adapta a lo que se necesita, de ahí que el hierro se convierta en material fundamental y, de ahí que aparezcan estaciones de ferrocarril, puentes... Nos acercaremos también a la arquitectura de los EE. UU., concretamente en Chicago donde esos primeros rascacielos (de apenas 12 plantas) supusieron una auténtica revolución técnica y estética. De nuevo la adaptación a una función y a una disponibilidad. Y terminaremos volviendo a la vieja Europa para conocer un lenguaje arquitectónico nuevo, el modernismo, que tiene unas lecturas particulares según cada zona pero que, en cualquier caso, muestran un cambio de tendencia en el gusto del momento. Un gusto, por otra parte, puramente burgués.

3 1.1. Arquitectura en hierro Galería de las máquinas. Expo de París de 1869 Imagen en Wikimedia Commons de Claude Villetaneuse bajo Dominio Público Si hay un elemento que ahora se usa en arquitectura y que está relacionado con la Revolución Industrial, este no es otro que el hierro, un material que se llevaba usando desde la antigüedad y que ahora se va a convertir en clave para un nuevo lenguaje que busca, por encima de todo, la funcionalidad. Ahí está la clave de este nuevo lenguaje: la observación de la función por encima de la estética, algo que hasta entonces no era fundamental, pero que a partir de ahora es innegable. En el desarrollo de esta arquitectura confluyen tres claves, algunas de las cuales ya hemos mencionado: por un lado la posibilidad del uso del hierro como estructura gracias a los nuevos inventos asociados a la revolución industrial, por otro, la funcionalidad de la que hablábamos y, por último, el deseo de los arquitectos y mecenas por mostrar avance, crecimiento y modernidad. Ahí debemos encuadrar el desarrollo de las Exposiciones Universales que, durante el siglo XIX, se convirtieron en el banco de pruebas de la arquitectura en hierro. Los primeros intentos de usar el hierro más allá de la utilización de grapas o de pequeños elementos decorativas se produjeron con el neogótico, ya que la estilización que permitían los arcos y las columnas en hierro casaban a la perfección con el lenguaje vertical y apuntado del gótico. Al hierro, en ocasiones su sumaba el uso del vidrio, lo que aligeraba sobremanera el peso de las estructuras. Esto permitió la construcción de grandes espacios completamente diáfanos y de una modernidad que impresionaba a todos los visitantes. Perfecto, por lo tanto, para albergar espacios de las exposiciones universales. El Crystal Palace de la Exposición de Londres de 1851, o la Galería de las Máquinas de la Exposición Universal de París de 1889, son dos magníficos ejemplos de ello, aunque desgraciadamente ninguno de los dos sigue en pie. Pero el hierro también se usó en edificios, a priori, mucho más tradicionales, como en algunas bibliotecas en las que los arquitectos mezclan a la perfección el sentido estético con la funcionalidad que permite el hierro y que requiere el nuevo espacio. La Biblioteca de Nacional de París de Henri Labrouste es quizá el mejor ejemplo de ello. La Torre Eiffel El ingeniero Gustav Eiffel diseñó una construcción que fuera el santo y seña de la Exposición Universal de 1889, con la que se celebraba el primer centenario de la Revolución Francesa. Para ello diseña una torre de más de 300 metros de altura, construida completamente en hierro y cuyo sentido estético radicaba única y exclusivamente en la propia estructura de la torre. La torre no tenía una función precisa más allá de convertirse en el foco principal de la exposición, en la demostración definitiva de hasta qué punto la técnica, los nuevos materiales y la ciencia habían avanzado tanto como para ser capaz de construir un edificio de más de 300 metros en apenas año y medio. "Deep in Paris". Torre Eiffel Fotografía en Flickr de Trey Ratcliff bajo CC Por cierto, igual te interesa saber que la idea principal era desmontarla y venderla como chatarra una vez la Exposición Universal terminara. Al final, gracias al éxito que tuvo, se decidió mantenerla y, desde entonces, se ha convertido en quizá la imagen más representativa de la capital francesa. Biblioteca Labrouste. París Los primeros pasos de la arquitectura en hierro en París los dará Henri Labrouste, un magnífico arquitecto que será uno de los creadores pioneros capaces de mezclar en un mismo edificio la capacidad funcional de un ingeniero con la estética de un arquitecto. La Biblioteca Nacional de París, construida entre 1858 y 1868, es un espacio diáfano en el que lo importante no es ya el sentido estético, sino el funcional. La clave era generar un lugar abierto, en el que la luz penetrara de forma cenital y con pocos elementos estructurales que impidieran la entrada de esa luz natural. Para eso, nada mejor que el hierro, que permitía estructuras más ligeras y, por lo tanto, más estilizadas. Interior Biblioteca Labrouste Imagen en Wikimedia Commons de Paris 16 bajo Dominio Público Actividad

4 enorme éxito de este sistema constructivo: Los nuevos materiales: el hierro ofrece la opción de nuevas estructuras y, sobre todo, aligeramiento de pesos. La funcionalidad. Idea de mostrar por parte de los arquitectos crecimiento y modernidad. Pregunta Verdadero-Falso Lee las siguientes afirmaciones e indica si son verdaderas o falsas: 1. A pesar de los avances técnicos asociados a la Revolución Industrial, la Torre Eiffel apenas llegó a los 200 metros de altura. Verdadero Verdadero Verdadero Falso 2. En el estilo neogótico se comienza a usar el hierro como material constructivo. Falso 3. Una de las claves del éxito de la arquitectura en hierro era que permitió generar grandes superficies y espacios diáfanos, muy útiles por ejemplo, para estaciones de tren o grandes exposiciones. Falso 4. El hierro y el resto de nuevos materiales, como el vidrio, solo se usaron para edificios asociados a los nuevos usos. Verdadero Falso

5 1.2. La Escuela de Chicago Home Insurance Building. W. Le Baron Jenney Imagen en Wikimedia Commons de Cropbot bajo Dominio Público Pero en América todo era más fácil. Lo que en Europa era una revolución industrial, cultural o social, en EE. UU. formaba parte, en realidad, del inicio. No había viejas estructuras que destruir, ni existía una tradición estética o constructiva que influyera en los nuevos idearios. Por lo tanto, no había taras para la nueva creación y, como bien sabes, empezar desde cero es más sencillo. A esto hay que sumarle ese sentido práctico que, desde el inicio de su propia historia, está tan arraigado en la sociedad americana. El pragmatismo lo inunda todo, algo que va a hacer que los diseños urbanos y arquitectónicos de sus nuevas ciudades tengan un carácter completamente diferente al de las ciudades de la, a partir de ahora ya sí, vieja Europa. Las ciudades americanas, desde este momento, miran hacia el futuro, no tienen por qué mirar atrás para ver qué o cómo se hacían las cosas antes, con lo cual el paso más importante ya está dado, ya que no hay discusiones sobre la conveniencia de mantener un pasado que no existe. En este sentido, Chicago aparece como el gran campo de pruebas gracias a una desgracia: el incendio que asoló a la ciudad del estado de Illinois allá por el año La vieja ciudad está destruida y hay que hacer una nueva. Para qué basarse en lenguajes anticuados que impiden un crecimiento lógico? La civilización moderna va a tener aquí un lugar donde explotar libremente. La primera decisión que se toma es usar cualquier novedad técnica que implicara un favor estructural. De ahí que no solo el hierro, sino también el cemento y el vidrio se convirtieran en elementos clave para este tipo de construcciones. La segunda es poner por delante lo funcional. La estética, lo bello, lo armonioso, son cuestiones quizá importantes, pero siempre secundarias, ya que lo que prima es que el edificio se adapte bien a su función o uso y a las posibilidades existentes. En este sentido, enlazamos con la tercera cuestión: aprovechamiento del espacio... pero en vertical. Seguían siendo necesarias grandes construcciones, de superficie amplia, pero en una ciudad tan viva y que tanto crecía, no había suelo para todos, lo que obliga a buscar una solución, que no es otra que la de crecer hacia arriba. Los nuevos materiales y los nuevos sistemas constructivos permiten audacias técnicas difícilmente planteables hasta entonces. En Chicago, sin embargo, comienzan a desarrollarse los primeros rascacielos, de más de diez plantas. Sí la Torre Eiffel le supera mucho en altura, pero esta no era más que un elemento decorativo y, en origen, efímero. Aquí hablamos de edificios que han de ser habitados y que tienen un uso muy marcado. La última decisión de la que vamos a hablar aquí es la de abandonar el lenguaje decorativo tradicional que imperaba en Europa. Es curioso, Edificio Leitter II de Le Baron Jenney pero todos los arquitectos de esta escuela, en un momento y otro, marchan a París, a lo que era el Imagen en Flickr de Zol87 bajo CC centro arquitectónico y artístico mundial. Muchos vuelven abominando ese lenguaje tan arcaico y sin sentido para ellos como es el eclecticismo. Sí, podemos mirar atrás en detalles decorativos, se pueden plantear símbolos o bellos recuerdos, pero la idea de lo funcional y su adaptación al medio y a la realidad del momento son innegociables. Años tardará Europa en asumir esta idea, eso sí, cuando lo haga, triunfará un modelo conocido como racionalismo, del cual ya verás las escasas conexiones con el pasado que tiene. La Escuela de Chicago En la capital del estado de Illinois nos vamos a encontrar con la construcción de los primeros rascacielos de la historia, aunque no vamoss a ver grandes edificios de 80 plantas, para eso aún quedan unos 40 años. Los primeros rascacielos tenían entre 10 y 14 plantas y sí, ya eran toda una audacia técnica y una revolución conceptual ya que, a partir de ya, comienza a primar lo puramente funcional. Puro estilo norteamericano. Auditorio de Chicago. Sullivan y Adler Este edificio construido en torno a 1889 muestra una mole de 9 plantas en la que las nuevas técnicas y el nuevo ideario se mezclan con cierto saber ecléctico, heredado del gusto europeo por el pasado. De ahí que las dos primeras plantas aparezcan con un potente almohadillado. De ahí también, la a aparición de una sucesión de arcos abocinados en la sexta, y de ahí, por último, la cornisa bastante volada y decorada con molduras que rematan el edificio. Todo esto encuadrado en un potente edificio de planta rectangular, tremendamente funcional en el que los nuevos materiales son las auténticas estrellas. Este edificio muestra un aspecto mucho más, digamos, contemporáneo. Ha desaparecido cualquier rastro de lenguaje pasado y, a pesar de ser del mismo año que el Auditorium, lo cierto es que la imagen que proyecta es de mucha más modernidad. El edificio tiene 10 pisos y una actitud horizontal tremendamente clara, que queda aún más remarcada gracias a las ventanas apaisadas

6 (se conocen en arquitectura como ventanas Escuela de Chicago ) y al remarcamiento de las líneas horizontales (las que se generan entre dichas ventanas). La imagen global del edificio muestra la victoria definitiva del vidrio, del vano, del acero y del hormigón en la arquitectura y, como decíamos antes, la desaparición definitiva de cualquier rasgo del pasado europeo. Auditorium, de Adler y Sullivan, en Chicago Imagen en Wikimedia Commons de Finavon bajo Dominio Público Sullivan. Almacenes Carson Imagen en Wikimedia Commons de Beyond my Ken bajo CC Actividad En Chicago se pone en marcha un nuevo sistema constructivo basado en el uso de nuevos materiales: el hierro y el vidrio, pero sobre todo el hormigón. Esto unido a la falta de espacio provocó la necesidad de pensar en desarrollar los edificios en altura. Así surgen los primeros rascacielos, edicifios de hasta 12 plantas convertidos en oficinas o grandes almacenes. En ellos, lo que prima es la funcionalidad por encima de la estética, aunque es cierto que en un primer momento aún se pueden observar restos de las construcciones clásicas (pilastras, voladizos...). Los arquitectos más destacados del momento serán Adler, Sullivan y William Le Baron Jenney. Lee el siguiente texto y contesta a las preguntas que se plantean a continuación: "Sería de desear que durante unos años renunciáramos por completo a todo ornamento, de tal modo que pudiésemos concentrar nuestro pensamiento en la construcción de edificios que sean agradables en su desnudez". 1. Por qué crees que Sullivan expresa una idea como esta? Sullivan: "El ornamento en la arquitectura" 2. Qué concepto prima en la arquitectura de la Escuela de Chicago por encima de otros? 3. Crees que el futuro acabó dándole la razón a Sullivan?

7 1.3. El modernismo Broche de oro. René Lalique Fotografía en Flickr de Trishhhhh bajo CC A pesar de todo, a partir del último tercio del siglo XIX, Europa comienza a resistirse también al inmovilismo que atenaza al arte desde hacía casi 100 años. En pintura, primero el realismo, después el simbolismo y más tarde el impresionismo van a romper la dinámica establecida y se van a situar frente a los estilos arcaicos y paralizantes anteriores para ofrecer una nueva mirada, mucho más adaptada al momento que se vive. En arquitectura, al margen del hierro, el único movimiento que plantea una reforma y una adaptación a la actualidad será el modernismo, que muestra la necesidad de los arquitectos por rejuvenecer y renovar los esquemas constructivos. Pero ojo, el modernismo no es una revolución arquitectónica a nivel estructural, sino a nivel superficial. Es decir, no hay grandes cambios en cuanto a las plantas o los alzados de los edificios, sino que la revolución llega de la mano de cuestiones decorativas y por el uso de los nuevos materiales. Es más, es un movimiento que va a tener tanto éxito tanto en la arquitectura como, sobre todo, con el diseño, tanto de muebles como de joyas, o de elementos decorativos variados. El modernismo se desarrolla en casi todos los países de Europa occidental aunque, como siempre, con un lenguaje adaptado a las necesidades y la herencia de cada zona. Así, en Bélgica y Francia, hablamos de Art Nouveau, en Italia de Liberty, en Alemania de Junendstill, en Austria de Sezession y en España de Modernismo. Cada uno tiene sus peculiaridades, pero la base es la misma: hartazgo del eclecticismo y de los mandamientos de las Academias, uso de materiales nuevos, uso de líneas curvas, sinuosas y estilizadas, amor por el diseño y la decoración, la naturaleza y, por encima de todo, necesidad por romper con el pasado. Vidriera de la Cámara de Comercio de París Imagen en Wikimedia Commons de Magic- Bretzel bajo CC Eso sí, de entre todos los arquitectos del modernismo destacará un genio: Antoni Gaudí, que llevará el modernismo a su expresión de máxima libertad y creatividad. Actividad El modernismo es un estilo artístico basado más en cuestiones decorativas que en las estructurales. Según su origen se puede hablar de: Art Nouveau en Francia y Bélgica. Sezession en Austria. Modernismo en España. EL ART NOUVEAU. BRUSELAS. CASA TASSEL, DE VICTOR HORTA Horta concibe una fachada sencilla, pero alejada de los cánones clásicos, de modo que sobre un pequeño voladizo se eleva todo un balcón que ocupa prácticamente dos plantas y media. Con lo cual, los esquemas básicos de un balcón o un vano por cada planta desaparecen, presa de una libertad compositiva tremenda. Toda la calle central de la fachada aparece abierta gracias primero a un ventanal horizontal cortado con pequeñas pilastras; posteriormente a un gran balcón cerrado con una imponente cristalera y por último, a otro ventanal de líneas irregulares. Todo ello, articulado gracias a pequeñas columnillas en hierro que modulan y moldean un espacio sinuoso y tremendamente atractivo. El interior es aún más original. El vestíbulo y la escalera forman parte de un conjunto mitad arquitectónico, mitad diseño, en el que la línea recta ha desaparecido por completo, en el que las formas se anarquizan y en el que cualquier atisbo de funcionalidad queda supeditado al gusto por las formas y por lo decorativo.

8 Casa Tassel. Horta. Bruselas Fotografía en Flickr de Fonk bajo CC Interior Casa Tassel Imagen en Wikimedia Commons de Henry Towsend bajo Dominio Público LA SEZESSION. EL MODERNISMO EN VIENA. OTTO WAGNER En viena nos encontramos con un modernismo menos sinuoso, más geométrico, pero quizá más original, sobre todo en la búsqueda de la ordenación de los espacios interiores. La Casa Majolica Una explosión decorativa. Así podemos definir la fachada de este interesantísimo proyecto del arquitecto Otto Wagner de 1898, que se concibe como un gran espacio con cierto aire horizontal, de apenas 4 plantas, en la que lo más llamativo estructuralmente hablando es el balcón en hierro que se apoya sobre delgadísimas columnas, también en hierro, y el gran voladizo que remata la construcción. Otto Wagner. La Casa Majolica. Fotografía en Flickr de A. Currel bajo CC Pero lo más llamativo será la concepción de la fachada como un gran lienzo decorativo de tallos delgados y verdes y flores rosas que van recorriendo, cual alargadera, toda la fachada del edificio. Toda una genialidad. La Caja Postal de Ahorros de Viena Los apenas 7 años que separan ambas construcciones, han servido a Wagner para plantear su edificio desde un punto de vista más práctico, más adaptado al destino que el edificio tenía, en este caso, caja postal. En su fachada, los elementos decorativos son más horizontales, menos sinuosos y, quizá, más abstractos que los que veíamos en la Majolica. Quizá lo más llamativo fue que Wagner proyectó el uso de placas de piedra clavadas sobre el muro por remaches de aluminio, lo cual le confería cierto aspecto de caja fuerte al edificio. Nada más apropiado. O. Wagner. Caja Postal de Viena Imagen en Wikimedia Commons de Gryffindor bajo CC EL MODERNISMO CATALÁN. ANTONI GAUDÍ Aunque su obra no se limita a Barcelona, ya que construye obras maravillosas en lugares tan diferentes como León, Astorga o Santander, lo cierto es que el mayor número de obras que diseña y construye lo hace en Barcelona, así que aquí nos quedaremos. Situamos a Gaudí dentro del modernismo porque sus líneas y su espíritu son heredero directo de este nuevo lenguaje, pero hemos de tener en cuenta que el arquitecto barcelonés lleva su capacidad imaginativa y creativa mucho más allá, llegando a plantear edificios que van mucho más de un solo lenguaje estético, como es la Sagrada Familia. Antoni Gaudí Su obra no se limita a viviendas más o menos grandes. Su genialidad y su capacidad creadora le llevan a investigar espacios urbanísticos como el Parque Güell, o a plantear construcciones colosales, como la Sagrada Familia. Y todo, con un lenguaje basado en el movimiento, en la curva, en el amor por la naturaleza y en la genialidad estructural. Solo desde esta genialidad se puede entender que muchos de sus diseños se mantengan aún en pie. Imagen en Wikimedia Commons de Canaan bajo Dominio Público La Casa Batlló Construida en 1906, en ella, Gaudí despliega todo su genio creativo, con balcones abiertos, delgadas y sinuosas columnas en piedra, el uso de vidrieras coloridas y todo cubierto por una capa de cerámica de tonos coloridos provenientes de la escoria, aquella cerámica que sobraba en los hornos porque las piezas se habían roto o eran defectuosas. Gaudí usa estas piezas para decorar muchos de sus edificios. Aunque quizá lo más llamativo de la fachada sea el remate, a modo de escamas de un dragón o un gran lagarto que deambula, ondulante, por la parte superior del edificio. Más original imposible... o no. Pero es que el interior también es un canto a la ruptura, con espacios completamente originales y sin conexión entre partes. Igual diseña un hueco de escalera cubierto con cerámica de distintos tonos de azules, que plantea el salón de una de las viviendas con techos ondulantes, columnas en medio del espacio y ventanas en la que no queda ni rastro de la línea recta. Una genialidad.

9 Gaudí. Casa Batlló Imagen en Wikimedia Commons de Rapomon bajo CC Casa Milá (La Pedrera) Esta casa, también conocida como La Pedrera, es otra de las grandes obras del genio catalán y fue construida entre 1906 y Quizá menos espectacular que la casa Batlló, esta obra muestra toda su capacidad genial y creativa, diseñando un espacio basado exclusivamente en la naturaleza. De ahí que la planta sea tan ondulante, que los pasillos sean tan poco lineales, que las formas trapezoidales aparezcan como una constante y que al exterior todo parezca un gran monumento semiescultórico, de formas libres, curvas y tremendamente bellas. Gaudí. La Casa Milá Imagen en Wikimedia Commons de Diliff bajo CC Parque Güell El interés innovador de Gaudí le llevó también por el camino de lo urbanístico cuando su amigo Eusebio Güell le pidió que planteara una reorganización urbanística para un terreno importante que tenía en una de las colinas a las afueras de Barcelona (ojo, a las afueras de principios del siglo XX...). La idea era la de crear un espacio mitad parque mitad urbanización con viviendas de alto nivel, en un terreno ondulante e irregular que iba a necesitar de todo el genio del arquitecto de Reus. Todo el parque está lleno de elementos propios del imaginario de Gaudí: columnas situadas de forma oblicua, pilares a modo de estalactitas, estructuras que recuerdan más el tallo y la copa de los árboles que a un elemento arquitectónico... Antoni Gaudi. Parque Güell Imagen en Wikimedia Commons de Canaan bajo CC El parque tiene, además, un fuerte componente religioso (no en vano, Gaudí era un cristiano convencido) desde el punto de vista simbólico, como vemos en la idea de la ascensión a la cima del parque, que se remataba originalmente en una capilla (aunque esta no se construyó). No podemos ponernos a analizar cada parte del conjunto, solo diremos que merece la pena que te detengas unos minutos en la entrada al parque, con esa doble escalinata, un poco como la entrada al paraíso. También debemos mencionar la Sala Hipóstila o sala de las Cien Columnas, en las que las columnas dóricas arcaizantes se mezclan con un techo de bóvedas semiesfericas, entre las que se sitúan cuatro grandes plafones, que simbolizan las cuatro estaciones. Y por último la plaza, un espacio de más de 3000 m2 cuyo borde es la imagen más característica del parque, con ese banco sinuoso cubierto por piezas de cerámica de diversos colores. La Sagrada Familia El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (que ese es su nombre completo) es la obra magna de Antoni Gaudí. Se inició en 1882 y aún hoy se mantiene en construcción. Gaudí recibe el encargo de continuar con una obra de la que ya estaba concluida la cripta. A partir de ahí, el arquitecto catalán diseña un gigantesco espacio con planta de cruz latina y cinco naves y tres inmensas fachadas laterales, con unas dimensiones absolutamente descomunales, que el arquitecto catalán siempre vio como un símbolo de la ciudad y de la cristiandad. Durante más de 40 años Gaudí fue variando planos, rehaciendo maquetas y rediseñando el conjunto, hasta que la Guerra Civil (una década después de la muerte de Gaudí) paralizó definitivamente el proyecto. Quizá lo más característico de la construcción sería las tres gigantescas fachadas (dos en los laterales y otra a los pies), que estaban coronadas por torres de más de 100 metros de alto. Al interior, Gaudí genera un espacio genial, con un sistema de bóveda novedoso que requería el uso de columnas inclinadas para recibir los empujes oblicuos de dichas bóvedas.

10 Actividad Las figuras y características más destacadas de cada zona son los siguientes: En Bruselas: Victor Horta. Tenemos un modernismo sinuoso y ondulante. La casa Tassel. En Viena: Otto Wagner nos ofrece un modernismo más geométrico y cuadrangular, pero con un exquisito gusto decorativo. La casa Majolica. En Barcelona: Gaudí es la gran figura. Su modernismo es el más imaginativo y a las formas sinuosas une una creatividad sublim. Casa Batlló, Sagrada Familia... Observa las siguientes dos imágenes y responde a las cuestiones que se plantean a continuación: Hector Guimard Joseph Maria Olbrich 1. A qué tipo de modernismo corresponde cada obra? 2. Indica las características más importantes del modernismo que puedes ver en cada uno de estos diseños.

11 2. La arquitectura del siglo XX Entramos en el siglo XX, momento en el que la arquitectura, definitivamente, va a abandonar los postulados más o menos clásicos mantenidos hasta ahora. La revolución ya se inició en el siglo XIX con la aparición de nuevos materiales constructivos como el hierro, el vidrio o el hormigón. Pero será a partir del siglo XX, desde sus inicios, cuando el lenguaje cambie por completo. Es importante tener en cuenta la idea aquella de que la evolución que ha sufrido el mundo desde la entrada del siglo XX hace que la arquitectura tenga que dar respuesta a unos usos y unas ideas desconocidas hasta entonces. De ahí que dentro las nuevas formas aparezcan rascacielos, palacios de deporte, aeropuertos algo para lo que ningún lenguaje estético previo tenía respuesta porque no existían. Weltstadthaus en Colonia. Renzo Piano Imagen en Wikimedia Commons de Tohma bajo CC

12 " Qué fue del siglo XX?"

13 2.1. Racionalismo Así que entramos de lleno en el primer gran movimiento reformador de la arquitectura: el racionalismo que, como su propio nombre indica, responde a un concepto racional y funcional de la arquitectura, en la que priman las formas sencillas y la lógica constructiva antes que las cuestiones puramente estéticas. Esto no quiere decir que el resultado sean obras sin valor estético y sin fuerza, nada más lejano de la realidad. El racionalismo ofrece formas sencillas, simples, pero de una belleza espectacular. Le Corbusier. Villa Weissenoh Imagen en Wikimedia Commons de Tyke bajo CC LE CORBUSIER Es quizá el gran genio de la arquitectura contemporánea. Puede que no sea el más espectacular, ya que su obra llega muchos años antes que algunas más espectaculares como las de Frank O. Gehry, pero sí es el gran renovador de la arquitectura. El arquitecto suizo plantea algo que, de nuevo, los arquitectos habían abandonado: la medida del hombre. Todo lo que diseña lo hace pensando de la forma más racional posible en la comodidad y la adaptación que el ser humano debe tener a ella. Efectivamente, el edificio es el que se adapta a las necesidades del ser humano y no al contrario (como hemos vuelto a ver con las últimas corrientes). Toda su obra se basa en 5 principios básicos: Edificio sobre pilotes. Los pilotes son delgados pilares sobre los que se apoya la estructura de la construcción. Esto permite, por un lado, que los muros ya no sean los elementos sustentantes y, por otro, que se puedan abrir espacios en la parte inferior del edificio a modo de jardín o incluso de calle. Le Corbusier Imagen en Flickr de Susleriel bajo CC Ventanas longitudinales. Siguiendo los esquemas iniciados por la Escual de Chicago, Le Corbusier va un paso más allá: convierte todo el perímetro del edificio en una posible ventana. Esto es posible gracias a que los muros ya no son elementos sustentantes, de modo que pueden vaciarse lo que sea necesario. Planta libre. No ya es que la planta del edificio pueda ser de la forma que el arquitecto desee, es que, los diferentes pisos pueden tener plantas distintas, de nuevo gracias a estos pilotes que sirven como elementos de carga. Fachada libre. Ocurre lo mismo que decíamos antes: la fachada ya no está obligada a mantener una forma o un esquema determinado en toda la estructura gracias a la ausencia de los muros de carga, de modo que cada piso puede tener su propia fachada. Techos jardín. Le Corbusier gana un espacio más al edificio, convirtiendo los techos en azoteas vivibles como jardines, solariums... La Villa Saboye Construido en Poissy en 1929, es una pequeña edificación en la que Le Corbusier pone de manifiesto cada uno de esos cinco principios que citábamos anteriormente: la villa se apoya sobre pilotes, lo que genera un gran espacio que abre toda la parte inferior de la construcción. Por otro lado, todo el perímetro de la primera planta aparece rodeado por una gran ventana longitudinal. Del mismo modo, observamos como la planta baja tiene una disposición en planta que nada tiene que ver con el resto del edificio (ni el primer piso ni, por supuesto, la terraza). En la misma línea, la fachada es completamente diferente, ya que hablamos de espacios concebidos de forma diferente. Y, por último, la terraza se concibe como un espacio más dentro de la construcción como jardín y solarium. Villa Saboya. Le Corbusier Fotografía en Flickr de Omar Omar bajo CC Notre Dame de Ronchamp. Le Corbusier Fotografía en Flickr de Scarletgreen bajo CC Notre Dame de Ronchamp

14 Pero también desarrollo edificios en los que no sigue tan detenidamente estos postulados, sino que aplica una libertad conceptual y estética mucho mayor. Un ejemplo de ello es la iglesia de Notre Dame de Ronchamp, construida en Al exterior nos encontramos con formas completamente libres, que rompen el esquema clásico axial. Las formas onduladas se mezclan con el potentísimo techo que funciona a modo de visera. La alternancia de tonos blancos y grises se integran a la perfección con los pequeños vanos. Al interior, estos pequeños vanos generan un espacio de gran recogimiento y religiosidad, al más puro estilo renacentista. Actividad Le Corbusier es quizá el gran genio de la arquitectura contemporánea. Su capacidad para generar espacios funcionales con un concepto estético tan atractivos lo hacen único. Su obra se basa en cinco grandes cuestiones: Edificios apoyados sobre pilotes. Ventanas longitudinales. Planta libre. Fachada libre. Techos-jardín. Observa la siguiente imagen, la Unidad de Habitación que Le Corbusier construyó en el año 1948 en Marsella, y responde a las cuestiones que se plantean a continuación: Le Corbusier. Unidad de Habitación. Marsella Imagen en relatarte 1. Cuántas de las características de la arquitectura de Le Corbusier eres capaz de identificar en este edificio marsellés? 2. Dentro de qué estilo podemos encuadrar esta construcción? Explica por qué. WALTER GROPIUS El gran arquitecto del racionalismo alemán será Walter Gropius, que capitalizará las mejores construcciones del momento gracias a su

15 visión preclara de las claves de la arquitectura del momento. Para valorar su trabajo es necesario entender la íntima relación que en Alemania tenía el arte con la técnica, es decir, el diseño estético con la funcionalidad del edificio. Es cierto que para el racionalismo, la funcionalidad es un axioma, pero también lo es que Gropius lleva a su máxima expresión esta relación entre el uso y la estética. Mientras Le Corbusier tenía cinco grandes postulados de los que difícilmente se alejaba, Gropius es un arquitecto más interesado por las necesidades puntuales de tal o cual edificio, algo que confiere a sus construcciones una tremenda originalidad así como una adaptación al medio enorme. Walter Gropius 1919 Imagen en Wikimedia Commons de MrPanyGoff bajo Dominio Público Edificio de la Bauhaus Construido en 1926 en Dassau. Plantea un edificio de planta libre (siguiendo los conceptos de Le Corbusier, pero de un modo aún más abierto y adaptado a las necesidades) y cuyos volúmenes interiores se pueden apreciar desde el exterior gracias a los grandes ventanales del perímetro del edificio. Walter Gropius. Edificio de la Bauhaus en Dassau Imagen en Wikimedia Commons de H.M De bajo CC A pesar de su deseo de respetar la funcionalidad de cada edificio, Gropius no abandona un gusto estético íntimamente relacionado con el arte de su tiempo. En este caso, la sede de la Bauhaus tiene un aspecto básicamente cubista, gracias precisamente a esa apertura al exterior de los espacios interiores con los ventanales. De esto modo, Gropius lograba un juego de espacios y de volúmenes muy íntimamente relacionados con la obra pictórica de Picasso, Gris o Braque. MIES VAN DER ROHE Este arquitecto alemán es otro de los grandes genios de la arquitectura del siglo XX. Dentro de un racionalismo muy marcado, Mies van del Rohe muestra un gusto exquisito por el cuidado de los materiales. Quizá su característica más evidente sea el amor que siente hacia los espacios abiertos. Sus construcciones buscan siempre el exterior, miran hacia fuera para integrarse con el entorno. Tras unos primeros proyectos en los que el arquitecto de Aquisgrán pone las bases para la construcción de los grandes rascacielos, conoce a los artistas del grupo abstracto De Stijl, entre los que estaba Piotr Mondrian. Sus pinturas le inspiran mucho más de lo que parece, ya que a partir de ese momento, sus construcciones se hacen más accesibles, menos potentes y más cercanas, con paredes limpias y que miran al exterior, con espacios que sobresalen del edificio integrándose en el espacio externo del propio edificio. No son espacios diáfanos, pero sí sin grandes elementos que impidan el fluir de un espacio a otro. Pabellón de Alemania El mejor de estos ejemplos es el Pabellón Alemán para la Exposición de Barcelona de 1929, en el que Mies muestra cuáles son sus intenciones arquitectónicas: edificio integrado con el espacio, líneas que se mueven desde dentro hacia fuera, espacios abiertos y planta libre. Mies Van der Rohe Imagen en Wikipedia de Steven Andrew Miller bajo esta licencia Mies Van der Rohe. Pabellón alemán Imagen en Wikimedia Commons de Ashley Pomeroy bajo CC Actividad El racionalismo se caracteriza por un concepto funcional de la arquitectura por encima de consideraciones estéticas, aunque esto no quita que las obras que diseñan los racionalistas sean estéticamente muy atractivas. Los tres grandes maestros del racionalismo serán Le Corbusier, Walter Gropius y Mies Van der Rohe.

16 Observa las siguientes imágenes y contesta a las preguntas que se plantean a continuación: 1. A qué arquitecto crees que pertenece cada edificio? Justifica tu respuesta. 2. Dirías que ambas son obras relacionadas con el racionalismo? 3. Crees que la aparición de nuevos materiales tiene que ver con los nuevos diseños?

17 2.2. Organicismo Frank Lloyd Wright. Museo Guggeheim. Nueva York Imagen en Wikimedia Commons de Soerfm bajo CC Cuando parecía que los recursos y las ideas del racionalismo estaban en su máximo apogeo, resulta que comienzan a aparecer en dos sitios tan distantes como EE. UU y Finlandia, unas ideas arquitectónicas que van a ir más allá de lo que habían ido los grandes capos del racionalismo. Le Crobusier, Gropius, incluso Mies Van Der Rohe, habían puesto el acento de sus construcciones en la función, en la adaptación de cada edificio a su uso. Se trataba de hacer un edificio que fuera útil para lo que había sido proyectado. Pero mientras el racionalismo sostenía que la función era más importante que la forma, el organicismo dice que ambas son una única cosa. A partir de los años 30 y tanto en Norteamérica como en Escandinavia, surgen una serie de arquitectos que plantean la arquitectura como un concepto casi psicológico, tomada, por lo tanto, a la medida del hombre, pero no en relación a su función, sino en tanto en cuanto esta ha de servir al ser humano, independientemente del uso que se le vaya a dar. Para ello, se hace fundamental que el edificio esté adaptado al entorno para el que ha sido diseñado. El resultado va a ser siempre más libre, más difícil de imitar, más personal, con formas más complicadas y, por lo tanto, más caras. La lógica constructiva racionalista deja paso a una idea más poética y más relacionada con el espacio natural que rodea a la construcción. FRANK LLOYD WRIGHT Para un arquitecto americano, la dinámica social, económico y cultural de su país era un auténtico sueño hecho realidad. Riqueza, libertad creativa, ausencia de taras históricas y trabas academicistas Toda una autopista para que un arquitecto genial como el nacido en Wisconsin se convirtiera en el gran referente de la arquitectura orgánica en particular y de la del siglo XX en general. Partiendo del funcionalismo que aprendió en el estudio del gran arquitecto Sullivan (del que puedes conocer su obra volviendo a la Escuela de Chicago y viendo todo lo que se construyó entre finales del XIX y principios del XX), Wright decide ir más allá y acercarse más al ser humano. Su arquitectura abandona las imposiciones racionalistas para abrirse a una libertad orgánica en la que sus únicas obligaciones eran tener en cuenta que la construcción debía encarnar la psicología del que encarga la obra y adaptarse al medio natural en el que se instalaba la construcción. El organicismo de Wright es más un concepto que una secuencia estilística. No hay obligaciones que cumplir más allá de la adaptación al medio natural y el de la relación psicológica con la persona que encarga o va a habitar la obra. La casa de la Cascada Lloyd Wright Imagen en Wikimedia Commons de Martin H. bajo Dominio Público La Residencia Kauffmann, más conocida como Casa de la Cascada es quizá su obra más reconocible. Se dispone en medio de un bosque y justo encima de una cascada, lo cual complicaba sobre manera el diseño y la ejecución de la obra. Sin embargo, Wright es capaz de integrar a la perfección su edificio en un entorno tan particular como este, en el que los afloramientos rocosos (muchos de ellos se usan como paramentos del edificio), la aparición del agua y del bosque, casi podríamos decir que forman parte de la construcción. Casi todo lo que se ve del exterior es el gigantesco voladizo que se dispone sobre la cascada, de forma ortogonal y con un claro color crema que contrasta con el de la naturaleza que lo rodea. Al interior los espacios son independientes, tanto en cuanto a distribución como a diseño y uso, lo cual le confiere a la obra aún más creatividad y originalidad. Lloyd Wright. La Casa de la Cascada Fotografía en Flickr de Spike bajo CC Pregunta Verdadero-Falso Lee las siguientes cuestiones e indica si son verdaderas o falsas: 1. El organicismo basa su ideología en la función que va a tener el edificio por encima de todo. Verdadero Falso 2. Frank Lloyd Wright siempre tendrá en cuenta a la hora de diseñar sus edificios el entorno en el que estos iban a

18 3. La Casa de la Cascada cumple todos los requisitos que Le Corbusier planteaba en su obra. Verdadero Falso ALVAR AALTO Los problemas más difíciles no surgen de la búsqueda de una forma para la vida actual, sino del intento de crear formas que estén basadas sobre verdaderos valores humanos. Esta es una de las citas más famosas del arquitecto finlandés y que mejor define el organicismo que desarrolla. Como ya vimos en la obra de Lloyd Wright, lo importante es la relación del espacio construido con el ser humano y con su forma de vivir. Se abandona definitivamente, por lo tanto, la dictadura de la función como articuladora de la arquitectura. Aalto diseñó siempre edificios de gran sobriedad en los que los materiales y los medios usados estaban en íntima relación con su entorno. De ahí el uso constante de la madera, del ladrillo como materiales preferidos junto al vidrio, lo que le permitía generar espacios abiertos a la luz natural. Biblioteca de Viborg (antigua Viipuri) Alvar Aalto Imagen en Wikimedia Commons de Christian Leclerc bajo Dominio Público En este edificio, Aalto genera dos volúmenes rectangulares conectados con una intersección. El primer volumen estaba destinado a la lectura y a los servicios asociados: almacén de libros, guardarropa, sala de lectura y una sala de conferencias y el segundo volumen estaba destinado a cuestiones administrativas. La parte más interesante arquitectónicamente hablando será el volumen de mayor dimensión, en el que observamos una sucesión de secciones escalonadas en la que la de mayor volumen es la sala de lectura. En ella destaca el techo con lucernarios circulares, muy unidos y de grandes dimensiones. De este modo Aalto evitaba las sombras tan incómodas para el lector. Biblioteca de Viborg. Alvar Aalto Imagen en Wikimedia Commons de Reskelinen bajo CC Si tienes seis minutos, párate y dedícaselos a este vídeo en el que se hace un homenaje al genial arquitecto finlandés Alvar Aalto. Verás que su fama como creador organicista no se limita a la arquitectura, sino también al diseño de mobiliario. Actividad El organicismo basa su trabajo en un concepto más cercano al ser humano, dejando de lado el racionalismo para atender a las necesidades psicológicas de la persona que encarga la obra. Es una arquitectura, por lo tanto, a la medida del hombre, planteada para servirlo.

19 Observa las siguientes imágenes y responde a las cuestiones que se plantean a continuación: 1. Eres capaz de indicar a quién pertenece cada uno de estos edificios? 2. Cuáles son las características de cada uno de ellos? 3. Crees que son obras racionalistas u organicistas? Justifica la respuesta.

20 2.3. Tardomoderno y Posmoderno TARDOMODERNO Kenzo Tange. Catedral de Sta. María. Tokio Imagen en Wikimedia Commons de Morlo bajo CC Tras la Segunda Guerra Mundial algunos arquitectos comienzan un período de replanteamiento de esquemas y modelos constructivos que van a jugar un papel fundamental en la arquitectura posterior. Los planteamientos racionalistas comienzan a fundirse con las concepciones más orgánicas para dar como resultado obras mucho más libres y de una creatividad sin parangón. De este modo, a partir de los años 50, la arquitectura comienza a ver como las fórmulas elegidas son completamente libres y diversas, como comienza un interés por problemas urbanísticos algo que entronca con la destrucción brutal que Europa sufre con la Segunda Guerra Mundial y como las nuevas tecnologías se van abriendo hueco cada vez de un modo más evidente. Es lo que se conoce como arquitectura Tardomoderna, aquella que es directa heredera de los movimientos de los grandes arquitectos del racionalismo y el organicismo, en la que hay nuevos planteamientos, pero sin rupturas definitivas. LUIGI NERVI Este ingeniero nacido a finales del siglo XIX se convierte en uno de los grandes creadores del tardomoderno gracias a obras como las que vamos a visitar a continuación. Su obra es mitad monumental, mitad sensible, lo cual le confiere una estética muy particular. Como ingeniero que era, el dominio que tiene del hormigón reforzado (y de otros muchos materiales y técnicas) le permite un juego de tensiones y contrarrestos que dotan a algunas de sus obras de gran movilidad. Edificio Pirelli Su construcción fetiche será el Edificio Pirelli, que construye en Milán en 1960 y que rápidamente se convierte en el símbolo del crecimiento económico de la capital del la Lombardía. El rascacielos encargado por el dueño de Pirelli sube hasta los casi 130 metros del altura, en una perfecta y elegantísima conjunción de hormigón y vidrio. El extrema delgadez de sus formas, así como la planta hexagonal que diseña Nervi convirtieron al edificio en todo un símbolo de una nueva forma de construir. Luigi Nervi Imagen en Wikipedia de Kasper2006 bajo Dominio Público Nervi. Edificio Pirelli Imagen en Flickr de tochis bajo CC OSCAR NIEMEYER Este arquitecto que murió en diciembre del pasado año 2012 nació en Río de Janeiro allá por Desde 1940, su actividad ha sido muy intensa, convirtiéndose en uno de los grandes referentes de la arquitectura del siglo XX. Brasilia Su obra más importante la desarrolla en la ciudad que será creada para convertirse en la capital de Brasil: Brasilia. El urbanista Lucio Costa se convierte en el diseñador urbanístico mientras que a Niemeyer se le encarga la construcción de los edificios quizá más emblemáticos, como el edificio del Congreso Nacional, concebido como un conjunto de líneas rectas y curvas de una belleza enorme. El edificio semiesférico es el Senado y el edificio construido a modo de pebetero, es la sede de la cámara de los diputados. Entre ambas construcciones se encuentran dos estilizadas torres de oficinas. Oscar Niemeyer Imagen en Wikimedia Commons de MachoCarioca bajo CC Niemeyer. Edificio del Congreso. Brasilia Imagen en Wikimedia Commons de Gribiche bajo CC Oscar Niemeyer. Catedral de Brasilia Imagen en Wikimedia Commons de Victor Soares bajo CC

21 Catedral de Brasilia Estamos ante un espectacular edificio de hormigón y vidrio articulado en torno a 16 columnas que al exterior funcionan como dos manos que se unen y que llevan la mirada del fiel o del espectador hacia el cielo. Al interior, la cubierta funciona como una apertura al cielo más que como una techumbre gracias a los tonos verdes y azules de sus vidrios. Además de las obras vistas aquí, merece la pena que te detengas tres minutos para disfrutar del siguiente vídeo, en el que se muestra una de sus últimas creaciones: el museo de arte contemporáneo de Niterio (cerca de Río de Janeiro). Niemeyer murió el pasado 2012, una de sus últimas obras es el espectacular Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi RENZO PIANO Este arquitecto italiano pasó a la historia con apenas 32 años, edad con la que gana el concurso (junto a su compañero, el inglés Richard Rogers) que se convocó en París para remodelar y reactivar una zona deprimida en puro centro de la capital Francesa. Se trataba de rediseñar un espacio hasta entonces ocupado por un mercado de época napoleónica que le diera un nuevo vigor a ese espacio del 4º arrondissement. Centre Georges Pompidou Piano y Rogers diseñan un edificio entendido como un gran contenedor transparente, vacío y móvil que albergara sin problemas las colecciones de pintura y escultura del siglo XX (espectaculares, por cierto), la biblioteca y las diversas salas proyectadas. Desde fuera da la sensación de que se ven todas las entrañas del edificio: tubos, barras, cables todo dentro de un aspecto de modernidad impresionantes. Tanto es esto así que se considera al Beaubourg (que es como se conoce al edificio) como el primer ejemplo de arquitectura HighTech. Renzo Piano Imagen en Wikimedia Commons de Igitur de uso libre Renzo Piano y Richard Rogers. Centro Georges Pompidou Fotografía en Flickr de José María Cuéllar bajo CC Lee el siguiente texto de Óscar Niemeyer y responde a las preguntas que se plantean a continuación: "No es el ángulo oblicuo que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el hombre. Lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las olas del mar, en el cuerpo de la mujer preferida. De curvas es hecho todo el universo, el universo curvo de Einstein". 1. Tanto en las imágenes que ves en los contenidos como en el vídeo tienes diversas obras diseñadas por el artuitecto brasileño. Eres capaz de decirnos en cuáles de estas obras podemos ver lo que dice en el texto?

22 referimos y explica por qué. JORN UTZON La Ópera de Sidney Entre 1957 y 1973, el este arquitecto danés desarrolló uno de los edificios más significativos de toda la arquitectura del siglo XX: La Ópera de Sidney, con un diseño tremendamente original, casi expresionista, en el que destaca la cubierta planteada como una sucesión de conchas prefabricadas. Todo el edificio se sostiene sobre un podio sobre el que se sitúan esas cáscaras que simbolizan las velas de una nave. Al margen de que técnica y estéticamente, el edificio plantea una imagen novedosa, lo más llamativo de la construcción es que, por primera vez, Utzon utilizó sistemas informáticos para el análisis estructural. Definitivamente, una nueva era había llegado. Jorn Utzon Imagen en Wikipedia de Elekhh bajo esta licencia Jorn Utzon. Ópera de Sidney Imagen en Wikimedia Commons de Bjarte Sorensen bajo GFDL POSMODERNO Los años 60, en casi todos los aspectos de la vida, se convierten en años de crisis, de replanteamientos de estructuras sociales, mentales y culturales. Mayo del 68 se convierte en el punto de inflexión de esta contestación ante el establishment, pero desde el inicio de esta década, se está removiendo esta necesidad de cambio. En arquitectura todo esto se va a ver reflejado en la crisis de la modernidad, que va a dar lugar a un sistema diferente, que es contemporáneo a la vez que irónico, que es técnicamente rico a la vez que popular. Hablamos del Posmoderno y en este estilo se incluyen obras muy diferentes, pero siempre con un nexo común que no es otro el de recurrir al revival y a cuestiones cercanas a la población. Es en realidad, una consecuencia lógica de la evolución de las artes. Digamos que el posmoderno es a la arquitectura, lo que el Pop Art a la pintura o la música Pop a la música. Se trata de eso, de acercar la cultura al público en general. Edificio M2. Kengo Kuma Imagen en Wikimedia Commons de Wiiii bajo CC MICHALE GRAVES Este arquitecto norteamericano nacido en 1934 es, quizá, una de las cabezas más visibles del movimiento posmoderno en arquitectura. Su obra mezcla a la perfección las líneas claras y la perfección técnica propia del movimiento moderno, pero a la vez, lo mezcla con elementos clásicos que humanizan y acercan cada diseño al público en general, haciéndolos más cercanos y menos fríos. Su obras más significativa es el Portland Building, edificio de la administración pública de la capital del estado de Oregón. Michael Graves Imagen en Wikimedia Commons de Pablo Riestras bajo CC Portland Building Esta construcción no solo posee la calidad y la técnica del momento, sino que también es capaz de dotarle de una escenografía y una decoración, completamente alejada de los presupuestos racionales y organicistas. Los pequeños vanos, el gran podium sobre el que se apoya el resto de la construcción, las pilastras clásicas (con las estrías de las columnas clásicas incluidas) rematadas con interpretaciones modernas de los capiteles clásicos (dóricos y corintios en la imagen que vemos) e incluso el frontón invertido que remata la fachada, muestran hasta qué punto Graves usa elementos clásicos y, por lo tanto, más cercanos al público en general. Portland Building. Michael Graves Imagen en Wikimedia Commons de Steven Morgan bajo CC

23 ROBERT VENTURI Vanna Venturi House Es el otro gran maestro de la arquitectura posmoderna. Su obra teórica es una constante de investigación sobre el pasado de cada región para adaptarlo a su arquitectura, así como una crítica al tecnicismo y deshumanización de la arquitectura moderna. No en vano, siempre fue un defensor de lo popular, incluidas las construcciones kitsch de Las Vegas. El uso de dibujos y pinturas, los vanos ubicados de forma aparentemente anárquica, las fachadas diseñadas de un modo tan original... Todo lleva a esa imagen de una arquitectura viva e íntimamente relacionada con el pasado y con el territorio en el que se sitúa. El edificio que vamos a ver es el que el arquitecto diseñó para su madre, la Vanna Venturi House, en Chesnut Hill, Philadelphia. En esta pequeña vivienda, Venturi muestra su íntima relación con Palladio y su Villa Capra. Formas sencillas y tremendamente clásicas, planteadas desde un punto de vista moderno, con vanos horizontales alargados (herederas de la Escuela de Chicago de finales del XIX) y una línea a modo de frontón semicircular que se relaciona íntimamente con la arquitectura manierista. Vanna Venturi House. R. Venturi Imagen en Wikimedia Commons de Smalbones bajo Dominio Público Actividad Tras le Segunda Guerra Mundial surgen una serie de movimientos que, partiendo de las bases del racionalismo y el organicismo, concibe una arqutitectura más adaptada a los nuevos tiempos, en los que la nueva teconología juega un papel fundamental. El tardmoderno es directa heredera de los movimientos anteriores y, más allá de nuevos planteamientos y un uso exacerbado de la nueva tecnología, nunca consigue romper los esquemas previos. Luigi Nervi, Oscar Niemeyer, Renzo Piano y Jorn Utzon son algunos de los mejores ejemplos de este movimento. El posmoderno, sin embargo, sí aspira a una ruptura más agresiva con los movimientos anteriores. Mientras estos se afianzaban en ciertos componentes e ideas algo elitistas, el posmoderno ofrece diseños más cercanos a la cultura popular. Digamos que entronca perfectamente con ese nuevo lenguaje popular que tanto éxito está teniendo en otros aspectos de la cultura. Robert Venturi o Michael Graves son dos de las grandes figuras de este estilo. Observa las siguientes imágenes y responde a las cuestiones que se plantean a continuación:

24 2. Qué caracterísitcas de cada estilo se aprecian en cada obra? 3. Cuál crees que de las dos imágenes se adecúa mejor al lenguaje popular que aparecen a partir de los 60? 4. Cuál de los dos edificios crees que se acerca más a los esquemas racionalistas? Explica por qué.

25 2.4. Deconstructivismo Zaha Hadid. Estación de funicular en Innsbruck Imagen en Wikimedia Commons de Hafelekar bajo CC Jean Nouvel. Torre Agbar. Barcelona Imagen en Wikimedia Commons de Alexander Z bajo CC Este movimiento surgido a mediados de los 80 parte de la base de que hay que romper las líneas clásicas y habituales, deconstruirlas y reformularlas, manipulando las estructuras existentes a través de formas geométricas no rectilíneas. El resultado suelen ser formas completamente originales, casi imposibles de definir, en las que lo que prima es la superficie mucho más allá del uso que tenga el edificio. Frente a la racionalidad de la arquitectura moderna, el deconstructivismo muestra movimiento y ausencia total de austeridad. Es difícil establecer una relación de los arquitectos asociados a este estilo, ya que algunos de ellos se mueven cómodamente entre diferentes líneas estéticas. Arquitectos como el francés Jean Nouvel, la iraní Zaha Hadid, el canadiense Frank O' Gehry o el británico Norman Foster, forman parte en un momento u otro de su obra de este estilo. Aquí solo veremos a los dos últimos. Frank O. Gehry. Museo Guggenheim de Bilbao Imagen en Wikimedia Commons de MykReeve bajo CC FRANK O. GEHRY Un arquitecto absolutamente rompedor, casi un iconoclasta, así podemos definir a este genio canadiense que decidió abrazar el deconstructivismo y enfrentarse a todas las teorías modernas y posmodernas con un modelo arquitectónico en el que la forma estuviese absolutamente por encima de la función y la racionalidad. Su obra más conocida, al menos en nuestro país, el Museo Guggenheim de Bilbao, aquel sobre el que toda la ciudad vasca cambió de look y se modernizó convirtiéndose en lo que es hoy. El edificio, está concebido como una gigantesca escultura en la que no hay una solo línea recta y que simboliza un barco que entra en la ría de Bilbao, cubierto completamente de placas de titanio, que recuerdan a las escamas y plumas de algunos animales. Frank O. Gehry Fotografía en Flickr de National Building Museum bajo CC A pesar de la unanimidad en cuanto a la estética y al éxito del edificio, lo cierto es que la polémica no lo ha dejado nunca de lado, ya que como espacio museístico, es decir, como contenedor de obras de arte, deja bastante que desear. En cualquier caso, no deja de ser cierto que el edificio se ha convertido en todo un referente de la arquitectura mundial contemporánea. NORMAN FOSTER Este arquitecto británico es uno de los más prolíficos de la actualidad, especialmente en grandes e importantes construcciones. Su estudio recibe constantes encargos de obras que pronto se convierten en referentes arquitectónicos de su entorno, como el Puente del Milenio, la torre Swiss o el nuevo estado de Wembley, las tres en Londres, los diseños de las estaciones del metro de Bilbao o la torre Caja Madrid en la capital de España. Aquí nos centraremos en una de sus construcciones más importantes y que más han trascendido: la cúpula del Reichstag en la ciudad de Berlín. El Reichstag es un edificio de finales del siglo XIX diseñado en un estilo ecléctico y que es todo un símbolo de la historia del siglo XX. En 1933 fue incendiado por los nazis, que necesitaban una excusa para suspender los derechos civiles elementales de los alemanes. En 1945 sufrió los bombardeos soviéticos cuando estos entraron en Berlín para derrotar a las tropas de Hitler. Fue aquí cuando su cúpula quedó destrozada. En 1989, con la caída del Muro de Berlín y la unificación de las dos alemanas tras 40 años de separación, la capital pasa de Bonn a Berlín y se decide tomar al Reichstag como símbolo de esa reunificación. Norman Foster Imagen en Wikimedia Commons de Bigbug21 bajo CC

26 Foster es el ganador del concurso que iba a rediseñar esa cúpula que se convertiría en todo un símbolo del país y de la Europa de los 90. En su diseño, el arquitecto británico, plantea una cúpula de vidrio que rodea a un cono que deriva la luz solar al interior del parlamento gracias a un complejo sistema de espejos. La cúpula tiene un diámetro de 40 metros y más de 23 metros de altura, lo que hace que la superficie acristalada sea de más de 3000 metros. Todo un hito arquitectónico que se ha convertido en referente cultural y turístico de la capital alemana. Cúpula del Reichstag. Norman Foster Imagen en Flickr de Daniela Hartmann bajo CC Aquí tienes algunos ejemplos más de la obra de Norman Foster Actividad El deconstructivismo se basa en la ruptura de las líneas clásicas y tradicionales para reformularlas con un lenguaje completamente nuevo y con muy poco que ver con lo que conocíamos hasta el momento. Lo cierto es que las formas definitivas casi siempre son imposibles de definir y están cargadas de originalidad, formas imposibles y genialidad. Desde luego, la austeridad no es una de las claves de este estilo. Es más, muchas de estas creaciones se convierten en obras de arte en sí mismas. Los arquitectos más destacados de este estilo serán Norman Foster y Frank O. Gehry. Pregunta Verdadero-Falso Lee las siguientes afirmaciones y responde si son verdaderas o falsas: 1. El deconstructivismo parte del uso de líneas rectas para mostrar un gusto evidente por las formas clásicas de la arquitectura Verdadero Falso 2. La austeridad es la seña de identidad más evidente del deconstructivismo.

27 lo aloja. Verdadero Falso 4. La construcción que posiblemente más fama ha dado a Norman Foster ha sido la reconstrucción de la cúpula del Reichstag. Verdadero Falso Observa las siguientes 4 imágenes e indica a qué estilo pertenece cada una. Ten en cuenta que para identificarlas tendrás que acudir a los contenidos de los apartados anteriores dedicados a la arqutiectura del siglo XX.

28 3. La pintura del siglo XX La pintura del siglo XX está repleta de diferentes estilos pictóricos, unos se suceden, otros coinciden en el tiempo, pero lo que define a todos ellos es el ansia de probar lenguajes creativos innovadores que se alejen de la tradición artística. La experimentación, como eje que vertebra todas estas corrientes, provoca que el objeto sufra diferentes transformaciones según la tendencia pictórica que lo represente: será restringido al color en el Fauvismo; geometrizado en el Cubismo, deformado en el Expresionismo, soñado en el Surrealismo; y desaparecerá definitivamente en la Abstracción. Más tarde, el objeto ya ni siquiera es el centro de atención de la obra de arte. No es que desaparezca de la obra como en la abstracción, sino que desaparece incluso de la idea de la creación artística. Será con la aparición del arte conceptual, en el que la clave ya no será el objeto representado, sino el concepto creado, la idea y su desarrollo. El producto final ha perdido su importancia. Un aviso importante: entramos a analizar un momento del arte que, por momentos, se hace complicado de "entender". Esto hace que la mayor parte del público se aleje del arte en cuanto aparece la abstracción. Aquí te recomendamos (casi rogamos) que, además de estudiar los estilos y las obras, trates de disfrutarlos. No entres en disquisiciones de si entiendes o no lo que una obra expresa (a no ser que lo indiquemos aquí), simplemente, cuando veas una obra disfrútala si te gusta, pero solo desde el punto de vista estético, sin valorar la dificultad de su realización, algo que, te anticipamos, es más que engañoso.

29 Imagen en Flickr de SpDuchamp bajo CC Imagen en Wikipedia bajo esta licencia

30 3.1. Las vanguardias I: Fauvismo, expresionismo, cubismo y Dadá FAUVISMO El fauvismo es una corriente pictórica que surge entorno a 1905 en París. Textualmente el calificativo de fauve significa fiera, nombre que le fue otorgado al grupo por un crítico tras una exposición. Se caracteriza por el uso de colores agresivos, que se emplean de forma subjetiva a elección del artista, sin que estos tengan una relación directa con la realidad, sino más bien con las emociones. A ello se le une un trazo negro contundente que intensifica unas perspectivas artificiales. Vlamink. El puente de Chatou Fotografía en Flickr de Theron LaBounty bajo CC Henri Matisse Es el máximo representante del fauvismo, introduciendo en sus cuadros grandes zonas de color desmesurado, que no suelen coincidir con lo objetivo. En Matisse es posible observar el rechazo hacia los postulados impresionistas, pues huye de la incidencia de la luz sobre los objetos y posicionándose más con los posimpresionistas en cuanto a la exaltación del color, como ya lo hicieran Van Gogh y Gauguin. Pero también toma de Cezanne la parte estructural de las cosas. En resumen, podemos decir que Matisse simplifica las formas, quedando solamente lo esencial. Matisse utiliza dos recursos que van a ser de enorme importancia en el futuro: por un lado lleva aún más lejos la idea de Gauguin del uso arbitrario del color, lo que demuestra con árboles azules, caminos verdes o tonos del cielo rosa. Por otro lado, y esto es algo que se va pronunciando con el paso del tiempo, la forma cada vez pierde más improtancia. No llega, ni siquiera se acerca, al extremo de la abstracción, pero sí es cierto que su línea curva, las formas redondeadas, y la ausencia de rasgos naturales suponen un gran avance. H. Matisse. Los bañistas Fotografía en Flickr de dalbera bajo CC la sensación de desorden y liberación. Su obra " La raya verde " pertenece a principios de su carrera, por lo que supone toda una declaración de intenciones del movimiento fauvista, teniendo en cuenta en color por encima de cualquier otra cosa, a pesar de no ser imagen objetiva. Para Matisse lo importante no es la apariencia y las facciones de su mujer, pues entiende que un cuadro no tiene que ser La raya verde. Henri Matisse Fotografía en Flickr de Ujwala Prabhu bajo CC exactamente la realidad y representar las cosas tal y como la vemos. Por ello, el interés recae en la articulación de series de colores, una línea verde principal que divide el rostro y que da nombre a la obra, al que se oponen otras bandas ondulantes en tonos rojizos. Por otro lado, " La danza", nos presenta una composición de gran tamaño en el que de nuevo la importancia es el color frente a la realidad. En ella se observan grandes manchas de color acotadas por contornos negros que marcan, sin mucha precisión, las siluetas femeninas. Los colores son planos, contraponiendo los cálidos de los cuerpos, que simbolizan la vida, frente al fondo de tono fríos dividido en dos zonas. La inferior verde, representando la naturaleza; y la superior azul, como si fuera un cielo del Mediterráneo. La exaltación de los colores se aúna con el ritmo y vibración de las danzantes, colaborando a EXPRESIONISMO La pintura expresionista tiene sus raíces en Alemania, en el grupo llamado Die Brücke, El Puente. Surge durante el periodo de crisis que supone unas expectativas no cumplidas, tanto a nivel social como político durante el reinado de Guillermo II. Esa desilusión lleva a estos artistas a reflejar la angustias del momento, en la que se asiste además a la Primera Guerra Mundial, reflejada en la esquematización de las formas, y en la utilización del color de manera subjetiva, así como en las composiciones dinámicas que reflejan un mundo interior temeroso y un espíritu desazonado. La finalidad de estas particularidades es inquietar al espectador a través de mensajes muy emocionales. Con la llegada del partido nazi quedó prohibida esta corriente pues fue considerada como un arte degenerado. Ernst Ludwig Kirchner Kirchner es uno de los representantes del grupo expresionista alemán Die Brücke, transmitiendo a la perfección todo ese ambiente turbador de la Alemania anterior a la Primera Guerra Mundial. Todo ese panorama se entremezcla con la caótica vida del pintor, dando como resultado la representación de personajes atormentados, soldados, prostitutas, gente del espectáculo, viandantes, bailarinas, etc. El avance del nazismo hace peligrar su obra. En este ambiente crispado, pues incluso habían incautado parte de su obra, decidió coger su pistola y acabar con su vida. Kirchner. Die Brucke Imagen en Wikimedia Commons de Canaan bajo Dominio Público En " Calle con buscona de rojo " Kirchner muestra la seducción que Berlín ha supuesto para él (teniendo en cuenta que viene de Dresde). Su pintura se ve afectada por el sentimiento de deshumanización de la vida de la ciudad. Su estilo se llena de aristas y se desfigura para transmitir esa insensibilización de la sociedad del momento. El centro de lienzo está marcado por la

31 mujer que viste de rojo, punto de atracción en la confluencia de vías. Kirchner. Calle con buscona de rojo Imagen en Wikimedia Commons de Botaurus bajo Dominio Público Edvard Munch El pintor noruego puede ser considerado el padre del expresionismo. La enfermedad, muerte y todo el dolor que vivió durante su infancia tras la muerte de su madre y hermana, el internamiento de otra de sus hermanas en el psiquiátrico y la severa educación de su padre, hizo que transmitiese a su obra una perspectiva de la vida muy desesperanzadora. De ahí que su pintura esté llena de personajes desazonados y escalofriantes, tristes y aislados. Técnicamente, su trazo es resuelto, predominando las líneas serpenteantes. El color está tratado de manera arbitraria, sintetizando los temas al máximo. " El grito " está considerada como la primera expresionista, ha llegado a convertirse en un símbolo del desasosiego más enardecido. El escenario es un paisaje real de la periferia de Oslo, con su puente, barcos y los fiordos al fondo. Sin embargo, son los colores los que sobresalen para resaltar la potencia de la obra, contraponiéndose los fríos, que simbolizan el desconsuelo a los cálidos, que encarnan el furor. La fuerza se potencia con el dominio de la línea curva. Ya Munch escribía en uno de sus poemas: Solo, temblando de angustia, sentí el grito vasto, infinito, de la naturaleza. Es probablemente la exasperación existencial del hombre moderno. El cuadro no fue aceptado por la crítica del momento, llegando a ser catalogado por el régimen nazi como degenerado. Realmente la obra ha ido más allá de su dimensión estética, llegando a convertirse en un icono cultural. Edvard Munch. El grito Imagen en Flickr de el judio bajo CC Actividad Todos los estilos de las vanguardias son herederos, de un modo u otro, del impresionismo y el postimpresionismo. La libertad creadora, compositiva, el uso del color... son características que cada estilo va haciendo evolucionar y utilizando de un modo diferente según los centros de interés que tengan. El Fauvismo parte de la idea del uso arbitratio del color y de las formas sencillas. Matisse es la gran figura de este estilo. El Expresionismo trata de mostrar la desilusión y las angustias de la sociedad del momento, especialmente en Alemania. Kirchner y, sobre todo Munch son sus figuras más destacadas. CUBISMO El cubismo tiene su origen en la obra de Picasso Las señoritas de Avignon. Para hallar sus influencias tenemos que remitirnos a la obra del posimpresionista Cezanne, así como al arte de los pueblos primitivos, fundamentalmente de los pueblos africanos e íberos. Su objetivo es la representación de los personajes y las cosas desde distintos puntos de vista simultáneos, por tanto, estos se descomponen en los volúmenes fundamentales para volver a ensamblarlos todos a vez en la tela como si de un puzle se tratara. En realidad, el cubismo plantea la imposibilidad de presentar las tres dimensiones que percibe el ojo humano en el lienzo (que son solo dos, alto y ancho), de ahí que plantee mostrar todas las partes de los objetos en esas dos dimensiones. El resultado es la geometrización de las formas y la ausencia de la perspectiva lineal que se llevaba empleando desde el Renacimiento. Podemos distinguir entre cubismo analítico y cubismo sintético: Cubismo analítico : se trata de la segmentación del objeto en varios planos para su posterior unión según los distintos puntos de vista. Los colores que predominan son los fríos y apagados. Cubismo sintético : el alejamiento paulatino de la realidad y el acercamiento a la abstracción supone la introducción de elementos de la realidad como referencia de la misma. Es el nacimiento de una nueva técnica, el collage. Juan Gris. El fumador Imagen en Wikimedia Commons de Botaurus bajo Dominio Público Georges Braque

32 Nacido en Francia y aunque comenzó cercano al fauvismo, se considera uno de los padres del cubismo junto a Picasso. Sin embargo, su obra está más sujeta a la realidad. Muestra interés por el equilibrio y la composición, con una especial inclinación hacia los aspectos más táctiles, como muestra con la incorporación de las letras de imprenta y pinturas combinadas con arena, creando superficies de diferentes tramas. " Mujer con guitarra " es una pintura tiende hacia la abstracción, podemos adivinar en la parte superior la boca femenina y los ojos, así como una forma trapezoidal marrón con las cuerdas de la guitarra. Esta obra está llena de estos componentes (el rostro de la mujer, la guitarra, etc.) que nos ayudan a dirigir la atención hacia la pintura, creando Braque una dinámica visual basado en el equilibrio. Este equilibrio viene dado por la armonía que consigue a través del color, concretamente de las tonalidades austeras que confieren a la obra un carácter sobrio pesar de la introducción de instrumentos musicales, más relacionados con el júbilo. Igualmente por la simplificación de planos, que se expanden como si fuera un abanico reproduciendo el efecto papier collage. Esta impresión se ve reforzada por el uso el uso del texto, que tanto Picasso como Braque lo utiliza a menudo para dar forma al significado de la obra. G. Braque. Mujer con guitarra Imagen en Flickr de Kvkteachart bajo CC Juan Gris José Victoriano González Pérez, conocido como Juan Gris, dominó con gran destreza el estilo cubista, especialmente fue considerado un maestro en cuanto al cubismo sintético se refiere. Son significativas sus naturalezas muertas en las que aparecen instrumentos musicales. " Botella y frutero " es una de sus obras más destacadas. Estamos ante un bodegón de tonos fríos, en el que a través de una geometría simple y muy aplastada se sitúa cercana a la abstracción. Se trata de un modelo de modernidad, sin duda, pero sin desvincularse de la tradición pictórica, pues la servilleta sobre la mesa hace alusión a uno de los inspiradores del movimiento, Cézanne. Juan Gris. Botella y frutero Imagen en Wikimedia Commons de Botaurus bajo Dominio Público DADÁ El dadaísmo surge en torno a un grupo de artistas que se establecen en Zúrich durante la Primera Guerra Mundial, y que coinciden con Tristan Tzara en el Cabaret Voltaire que se convertirá en el lugar de reunión. En realidad, el dadaísmo más que un estilo artístico es una postura emocional hacia el mundo del arte. Es un movimiento p rovocador, antiartístico que critica los modelos tradicionales ante el desencanto que vive esta generación de artistas. Por ello muestran una conducta subversiva, iconoclasta e irracional que se encaminaba a desmantelar todo el arte pasado. El Dadaísmo debe recoger los elementos del presente, por eso reclaman la presencia de objetos de la industria, la imprenta, el cine, el sexo, y también los guiños a la diversión y la ironía. Es más, el propio nombre del grupo artístico "Dadá", surge de una búsqueda arbitraria en el diccionario. El dadaísmo puede ser considerado además, un antecedente de unos esquemas estéticos posteriores: el arte conceptual y los happenings. Picabia. Machine, tournez vite Imagen en Wikipedia de Valeria Silva bajo Dominio Público Marcel Duchamp Marcel Duchamp es uno de los máximos representantes del arte dadá. Fue uno de los fundadores de la Sociedad de Artistas Independientes, que tenía comol objetivo organizar exposiciones alternativas. Esto no es una historia baladí, ya que en una de estas exposiciones (en las que además era uno de los miembros del jurado), Duchamp presentó su famosa obra " Fontana ", que no era más que un urinario con dos inscripciones: "1917", el año de realziación de la obra y "R. MUTT", el pseudómino con el que la firmó. Marcel Duchamp. Fontana Imagen en Wikimedia Commons de Ras67 bajo Dominio Público Fontana no era más que un ready-made, esos objetos ordinarios que son transformados en obras de arte. El artista tiene la atribución de escoger aquello que considere, pues será considerado arte todo lo que un artista elija independientemente de su valor artístico, de este modo lo que merece la pena son las ideas. En este caso, Duchamp juega con la descontextualización para otorgar el título de obra de arte a algo que, como objeto práctico no lo es. Solo el hecho de sacar un urinario de un cuarto de baño para colocarlo en un museo, ya lo convierte en obra de arte. De ahí la idea de la descontextualización. Pregunta Verdadero-Falso Lee las siguientes afirmaciones e indica si son verdaderas o falsas:

33 Verdadero Falso 2. Uno de los personajes más destacados del expresionismo fue Krichner. Verdadero Falso 3. "Mujer con guitarra" es una de las obras más destacadas dentro del cubismo analítico de Georges Braque. Verdadero Falso 4. El Dadá es un estilo antiartístico que será la base de estilos posteriores como el arte conceptual. Verdadero Falso Actividad El Cubismo plantea la imposibilidad de mostrar las tres dimensiones en un lienzo (que solo tiene dos, alto y ancho). Para ello, genera formas geometrizantes en las que aparecen representadas todas las caras de los objetos. Juan Gris, Georges Braque y, sobre todo, Picasso son sus grandes representantes. El Dadaísmo es un estilo casi antiartístico, que plantea la necesidad de acabar con todo lo anterior y reformular el concepto de Arte. Marcel Duchamp y sus "ready - made" es la figura más destacada de este estilo. Observa el siguiente vídeo y responde a las preguntas que se plantean a continuación: 1. Por qué al estilo liderado por Matisse se le conoce como Fauvismo? 2. Cuál es la clave, el punto más importante del estilo fauvista? 3. De qué influencia básica beben los pintores fauves? 4. El fauvismo es un estilo que respeta la imitación de la naturaleza? Justifica tu respuesta. 5. Tiene el fauvismo algún tipo de carga sentimental o expresiva, o el único punto de interés está en la estética? 6. "El cuadro obtiene su valor por sí mismo y no por lo que representa". Crees que el fauvismo es el único estilo que se hace cargo de esta idea?

34 3.2. Las vanguardias II: Picasso, surrealismo, abstracción PICASSO Sí, a Picasso lo sacamos fuera del cubismo y le damos entidad propia. Por qué? Pues porque es el gran genio del arte del siglo XX. Su capacidad le lleva a ir adelantándose a cada uno de los estilos que se desarrollarán en los primeros años y el cubismo será uno de ellos. Es cierto, también, que es muy conocido por su obra cubista, sin embargo, muchas de sus obras más conocidas ni siquiera forman parte de este estilo (el Gernika es un ejemplo de ello). El pintor malagueño nace en 1881 y pasa sus años de formación en Barcelona, desde donde se traslada a París. Hacia 1901 se inicia una etapa propia que tiene sus raíces en los movimientos de final de siglo, denominado periodo azul. En ella retrata a figuras tristes, de indigentes y personajes pesimistas a los que representa con todo su dignidad. De esta época son el retrato de Jaime Sabartés, La vida o El guitarrista ciego. Sobre 1904 comienza el periodo rosa. Su obra comienza a llenarse de personajes del mundo del circo. El color se vuelve el protagonista de la tela superponiéndose a un dibujo más suave, pues lo expresivo empieza a cobrar fuerza, dotando a la obra de un mayor lirismo. Esto podemos apreciarlo en Familia de acróbatas o Los dos hermanos. De esta época data también su amistad con Apollinaire, quien se convertirá en el teórico del cubismo; o con los marchantes de arte Ambroise Vollrad y Gertrude Stein. Pablo Picasso Imagen en Wikimedia Commons de Beao bajo Dominio Público El guitarrista ciego Imagen en Flickr de architekt2 bajo CC Los dos hermanos Imagen en Flickr de Thewhoo bajo CC Las Señoritas de Avignon Imagen en Flickr de Joseph Timmons bajo CC En 1907 pinta las Señoritas de Avignon, abriendo paso a un nuevo estilo artístico, se trata pues de los inicios del cubismo. Este protocubismo significa una ruptura con los modelos académicos, dando lugar a la vanguardia más revolucionaria. En esta obra va a aunar las influencias de las culturas primitivas junto con la tendencia a la geometrización de los objetos de Cézanne, reduciendo las formas y volúmenes. Entre 1909 y 1914 Picasso desarrolla su periodo cubista. En primer lugar, un cubismo analítico que apuesta por la reducción de la gama cromática y la prioridad de las formas tal y como se puede observar en Paisaje de Horta de Ebro, La fábrica o el retrato de Ambroise Vollard ; para pasar a una segunda fase sintética en la que introduce nuevos elementos en la pintura para prevenir una excesiva abstracción, como por ejemplo letras, que darán paso al collage. De este periodo son Ma Jolie y Naturaleza muerta con silla de paja, en el que al introducir un hule de rejilla de un asiento da una nueva magnitud plástica al descontextualizar el cometido de los objetos. Finalmente, terminará esta etapa experimental con el cubismo hermético del que Los tres músicos son un excelente ejemplo. Con la Primera Guerra Mundial se traslada a Roma para realizar los decorados del ballet ruso de Diaghilev. Allí conocerá a la bailarina Olga Koklova, con quien se casará y tendrá su primer hijo, Pablo. Estas nuevas circunstancias en su vida hacen que transforme su pintura, siendo este un periodo clasicista. De esta época destacamos "Dos mujeres corriendo por la playa" o " La flauta de pan ". Picasso. Paisaje de Horta de Ebro Imagen en Flickr de profzucker bajo CC Picasso. Retrato de Ambroise Volard Imagen en Flickr de Jmussuto bajo CC

35 Picasso. Naturaleza muerta con silla de paja Imagen en WikiPaintings bajo esta licencia Picasso. La flauta de pan Imagen en Flickr de jmussuto bajo CC En la década de los años 20 aparecen las primeras obras surrealistas. Picasso, siempre en evolución, se adhiere al movimiento del subconsciente a través de sus metamorfosis, escenas de playa con figuras antropomorfas, supuestas mujeres de pequeñas cabezas e hipertrofias. En todas ellas hay una relación con símbolos sexuales. Obras como " figura al borde del mar " son un importante ejemplo de ello. El inicio de los años 30 suponen un nuevo periodo de calma al conocer a su nuevo amor, Marie Thérèse Walter. Este nuevo tiempo de placer y pasión se traduce en un retorno al cubismo, pero de líneas más dulcificadas y curvilíneas, tal y como podemos ver en Muchacha ante el espejo. Sin embargo, la segunda mitad de la década se presenta más convulsa y traumática por el horror de la guerra civil. Será entonces que regrese a España para realizar un encargo que le realiza el gobierno de la República para el pabellón de España de la Exposición Internacional de París, el Guernica, una de sus grandes obras que se convertirá en un alegato contra la guerra y a favor de la paz. Durante sus últimos años se dedica a estudiar y reinterpretar la obra de los grandes maestros de la historia de la pintura occidental. Picasso. Bañosta junto al mar Imagen en WikiPaintings bajo esta licencia Picasso. Guernica Imagen en Los Recuros del Profe de Sociales Lee el siguente texto y responde a las cuestiones que se plantean a continuación: "La pintura es el arte que representa en un plano un fenómeno sensible. El medio de la pintura es el color, como fondo y línea. El pintor transforma en obra de arte la concepción sensible de su experiencia. Por medio de un continuo ejercicio aprende a usar sus medios. No hay reglas fijas para esto. Las reglas para una obra sola se forman durante el trabajo, a través de la personalidad del creador, la manera de su técnica y el tema que se propone. Estas reglas se pueden captar en la obra terminada, pero nunca se puede construir una obra basándose en leyes o modelos. La alegría sensible por el fenómeno visto es, desde el principio, el origen de todas las artes figurativas. Hoy en día la fotografía reproduce exactamente el objeto. La pintura, liberada de ello, recupera su libertad de acción. La sublimación instintiva de la forma en el acontecimiento sensible es traducida impulsivamente al plano. La ayuda técnica de la perspectiva se convierte en medio de composición. La obra de arte nace de la transposición total de la idea personal en el trabajo". KIRCHENER,E.L: "Crónica de la unión artística Die Brücke". (1913)

36 2. Cuáles son las reglas para su realización? se diferencian en algo con lo estudiado hasta el momento? 3. Se puede construir una obra basándose en leyes o modelos? 4. Cómo ha influido la fotografía en las artes plasticas? Actividad Picasso es el gran genio del siglo XX. Su obra pasa por diferentes etapas, en las que muestra su imponente capacidad para mostrar su genialidad. Desde los primeros años en su época rosa hasta el Guernica, pasando por otros muchos estilos (entre ellos el cubismo y el surrealismo) Picasso muestra ser un constante adelantado a su tiempo. SURREALISMO El movimiento artístico surrealista surge hacia la década de los años 20, vinculado al primer Manifiesto Surrealista escrito por el francés André Breton en En él se exponen las principales pretensiones que se pretenden, tales como escapar de la lógica de la realidad para sumirse en el mundo de lo irracional y lo inconsciente, en el automatismo puro que proviene del dictado del pensamiento. Esto provocará en la pintura escenas sacadas de los sueños, en las que los ambientes parecen infinitos y dominados por la soledad. Es frecuente, además, el deleite en las cuestiones eróticas derivadas de la doctrina de Freud que escandalizaron por entonces a la sociedad. René Magritte Este artista nacido en Bélgica es el maestro del llamado realismo mágico, pues sus obras son ininteligibles y realmente envueltas en un gran misterio. Esa confusión e inquietud proviene de la correlación que establece entre sus representaciones y los objetos, que está fundamentada en la similitud ideográfica. Magritte. El hijo del hombre Imagen en Flickr de Williamo! bajo CC Magritte. Ceci n'est pas une pipe Imagen en Flickr de Steven Zucker bajo CC En ese cuestionamiento de la realidad que el surrealismo nos propone, Magritte utiliza el nuevo lenguaje pictórico para favorecer ese alejamiento de la objetividad. Para ello, se libera de lo evidente, negando la realidad con una declaración que contradice lo que vemos, pues el arte va más allá de lo que el ojo alcanza. Pero la elección de ese enunciado, la justificaba también el artista para emplazar sus obras lejos de un lugar conciliador. Todo lo contrario, sus obras están envueltas en un halo misterioso regido por el fundamento de la paradoja y el disparate ante la legitimación de superchería. Magritte pinta una pipa perfecta, cuidada al detalle, y sin embargo nos dice que eso no es una pipa. Surrealismo puro. Salvador Dalí Este pintor nacido en Figueres es quizá el gran genio del surrealismo y quizá uno de los personajes más controvertidos del arte dei siglo XX. Cuando en 1926, después de haber conocido y vivido las otras corrientes de vanguardia, se decido por el surrealismo, con el que creará un mundo propio de imágenes que surgen de sus sueños, del subconsciente. De ahí que surjan imágenes imposibles, como relojes blandos o elefantes con delgadas de girafa. Llega incluso a crear un estilo que él denominará método paranoico crítico, y que lo define como un método espontáneo de conocimiento irracional basado en la asociación interpretativa crítica de fenómenos delirantes. Basta citar El gran masturbador o Seis apariciones de Lenin sobre un piano, para entender esa asociación caprichosa de ideas con la finalidad de expresar sobre la tela el mundo irreal. No obstante, este camino interpretativo lo hace de la mano de una excelente técnica para el

37 dibujo y el domino de la perspectiva tradicional. Una de sus obras más importantes será " La persistencia de la memoria ". En ella muestra un ambiente eterno y deshabitado, en el que aparecen cuatro relojes sobre un fondo de mar y rocas. De los relojes, tres son blandos y uno duro, sobre el que campan un grupo de hormigas. En el centro destaca una especie de rostro humano de largas pestañas que el artista utiliza en otras obras como el Gran Masturbador y El enigma de Hitler. La iluminación del cuadro es intensa e irreal a la vez, pues parte del exterior de la tela en la parte superior derecha. Esta irrealidad contrasta con la composición esmerada, en la que la horizontalidad creada por la orilla del mar junto con la rama del árbol es rota por las diagonales de la piedra sobre la que están dos de los relojes y la cara del ente, que confiere a la obra profundidad. También con el dibujo preciso y los colores brillantes, entre los que destacan los azules y ocres. Dali. La persistencia de la memoria Imagen en Flickr de IEDA PROFESORES bajo CC Joan Miró Este pintor catalán fue considerado por Breton el más surrealista de los surrealistas por su automatismo psíquico puro. Sus figuras se convierten en símbolos, perfiles orgánicos sinuosos o raros diseños geométricos. Estas, flotan sobre fondos planos de colores brillantes que modela de forma arbitraria. "Mújeres, pájaros y una estrella" es la obra con la que mejor identificamos a Miró. En ella, los conceptos de inocencia y libertad que Breton reseñaba en la obra de Miró, están presentes en una extraordinaria proximidad de ambos, al igual que la mujer de las estrellas. Miró. Mujeres, pájaros y una estrella Imagen en Flickr de IEDA PROFESORES bajo CC LA ABSTRACCIÓN El fauvismo, el cubismo, el surrealismo, todos estos estilos van mostrando de una forma cada vez más evidente, que el distanciamiento de los artistas con la realidad natural (tema tradicional de la pintura y el arte en general) es cada vez más evidente. Ahora llegamos casi a su paroxismo con la abstracción. La abstracción supone la negación de la idea clásica de que el arte es una reproducción de la realidad. De ahí que se produzca la renuncia a la figuración, optando por las composiciones en las que predominan los juegos geométricos y cromáticos, y en las que existe una total libertad de motivos a desarrollar. Vassily Kandinsky Kandinsky. Amarillo - rojo - azul Imagen en Flickr de Joao Araujo bajo CC Kandinsky es considerado el padre de la abstracción. Se dice que su inquietud por este estilo artístico surgió cuando al asistir a una exposición de Monet, no llegó a entender la obra hasta que leyó en el catálogo de que se trataba de espigas. A partir de ahí, perseguirá la independencia de la obra de su tradicional cometido de imitación de la realidad. Así lo haría cuando formó el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), que expondrá por primera vez en Sus acuarelas abstractas manifiestan este nuevo sentir en el arte, según el cual el artista no quiere plasmar el mundo tal y como es, sino las emociones y sentimientos que hay en él a través de las formas y colores. El propio Kandinsky decía en su tratado De lo espiritual en el arte que el problema de la forma es secundario en el arte. Por esto, el tema queda relegado a un segundo plano, primando la armonía cromática y lo espiritual. En " Amarillo - rojo - azul ", Kandinsky muestra una composición repleta de colores, líneas y formas ideadas para evocar el movimiento, como si se tratara de una coreografía de elementos que bailan. Esto impulsa la expresividad de las figuras y el colorido, que motiva a apreciarlos desde un punto de vista totalmente sensitivo. Entre estos elementos son indispensables la línea y el punto.

38 Paul Klee. Senecio Imagen en Wikimedia Commons de Nolan bajo Dominio Público Paul Klee Klee es otro de los grandes autores de este estilo, aunque siempre prefirió mezclar los esquemas abstractos con ciertas formas geométricas que ordenan la imagen. Uno de los mejores ejemplos es la serie conocida como " Senecio ". La redondez del rostro, perfectamente delimitado en su interior por el triángulo que forman una cejas o el arco de la otra. Además, la demarcación entre la figura y el fondo, da una impresión de que el personaje se extiende más allá. Todo ello confiere a la obra una gran fuerza expresiva. Piotr Mondrian Otra tendencia que se inclina hacia la geometría es la creada por Piet Mondrian quien en torno a la revista de Stijl, crea el Neoplasticismo. El estilo de Mondrian está enfocado hacia el racionalismo, buscando crear nuevas pautas expresivas a través de las relaciones de formas puras y colores, predominando, por tanto, la mente sobre los sentidos. Se inspira en el cubismo, pero avanza hacia composiciones geométricas en las que se diluye cualquier efecto figurativo. Hacia los años 20 llegó a suprimir la profundidad en sus obras, adoptando composiciones de cuadrados y rectángulos de colores planos para que nada interfiriera en la experiencia sensorial e insinuar una tercera dimensión. Piotr Modrian. Una de sus obras más conocidas es " Composición en blanco, negro y rojo " en la que Composición en blanco, negro y rojo Mondrian se acerca a la austeridad de los colores primarios, simplificados en los tres que dan Imagen en Flickr de IEDA PROFESORES bajo CC título al cuadro. Estos aparecen delimitados por gruesas líneas negras verticales y horizontales, dando como resultado una composición sumamente meditada, en la que los ángulos rectos son los protagonistas. En consecuencia, la tela se ocupa por cuadrados y rectángulos, que si contemplados independientes son inmóviles, en grupo se tornan dinámicos. Actividad El surrealismo parte de la base de la necesidad de representar no la realidad visible, sino la ensoñada, la que procede de lo irracional y del subcosciente. Magritte, Dalí y Picasso, cada uno con sus variaciones, son los mejores ejemplos de este estilo. La abstracción es, hasta el momento, el paso definitivo en el abandono de la figura y de lo real. Era un camino ya iniciado por postimpresionistas, continuado por fauvistas, cubistas... pero la abstracción lo lleva a su paroxismo. En él, lo importante son las formas y el color, no la representación de la realidad. Kandisnky, Klee y Mondrian (entre otros muchos), son los representantes más destacados. Pregunta Verdadero-Falso Lee las siguientes afirmaciones e indica sin son verdaderas o falsas: 1. Picasso fue un pintor que desarrolló toda su obra dentro del Cubismo. Verdadero Verdadero Falso 2. La pintura "Las señoritas de Avinyó" es una obra protocubista. Falso 3. El Guernica representa el horror de la población del pequeño pueblo vasco ante el bombardeo de las tropas nazis que colaboraron con el ejército sublevado. Verdadero Falso

39 Verdadero Falso 5. Piotr Mondrian es una de las figuras más destacadas del Neoplasticismo, uno de los movimientos asociados al surrealismo. Verdadero Falso

40 3.3. La pintura tras los años 50: expresionismo abstracto, abstracción pospictórica, Pop Art, neofiguración Wahrol. The Velvet Underground Imagen en Flickr de juanluru bajo CC El arte en IKEA Imagen en Flickr de juanluru bajo CC Desde 1950 la creación artística sigue un camino marcado por la libertad, la ruptura y la originalidad. Lo que vamos a ver a continuación parten de modelos estéticos anteriores (como todo en el arte), pero llevándolo, en ocasiones, a su máximo extremo. Es indudable que sin el recorrido anterior iniciado por los realistas, continuado por los impresionistas y determinado por fauvistas, cubistas, expresionistas y, especialmente por dadaístas y abstractos, los movimientos que vamos a estudiar a continuación nunca habrían sucedido. Desde el éxito sin paliativos de las corrientes abstractas, pasando por el arte popular ejemplificado en la figura de Warhol y llegando a la creación artística como concepto y no como obra en sí. EXPRESIONISMO ABSTRACTO Identificar la abstracción en realidad es algo harto sencillo. Ten en cuenta que el arte abstracto parte de la oposición al arte figurativo. Por lo tanto es un estilo que nace de lo más esencial del arte, en la que lo importante son las formas y el color y no la necesidad de representar la realidad. Y no hay necesidad de representar a la realidad porque, lo que se propone es la creación de una nueva realidad que corresponde únicamente al artista y al momento en el que vive. Es, por así decirlo, la representación de una realidad distinta a la natural. Pero esta idea de la abstracción ya existían 30 años antes con Mondrian, Klee o Kandisny. Qué hay de nuevo ahora? Pues la postura del artista, la implicación con lo subjetivo, con lo creativo y con lo expresivo y, como no, la pasión que el artista le pone a cada instante de su creación. Todo ello, sin duda heredado de los pintores surrealistas y expresionistas de las vanguardias artísticas. Libertad de creación, pasión por los colores y la expresión, originalidad tanto en las composiciones como en las formas de pintar, ausencia de formas naturales e incluso uso de materiales ajenos a la base y la tradición de la pintura (arena, arpilleras, elementos ferrosos y un infinito etcétera) son las características que puedes ver en el expresionismo abstracto. Jackson Pollock Pollock. Autumn Rhythm Imagen en Wikipedia de TonyTheTiger bajo esta licencia Su obra se caracteriza por su vitalidad, pasión, intensidad y expresividad. En conexión con los surrealistas, Pollock busca representar de forma dramática lo que surge del subconsciente, pero desde un punto de vista tanto técnica como compositiva completamente novedoso. Nuevos tiempos, nuevas realidades, nuevos modos artísticos. Lo más llamativo quizá sea la técnica que usa: " Action Painting ", que no era más que, sobre el lienzo dispuesto en el suelo, usar los pinceles de forma rígida y con movimientos bruscos y rápidos lanzar la pintura sobre él mientras caminaba a su alrdedor. Willem de Kooning Utiliza también el action painting, generando pinturas vivas y potentes, con trazos decididos, firmes y gruesos que resultaban en gruesas manchas de óleo. Como muchos de los pintores de la abstracción, De Kooning plantea su trabajo de modo intuitivo, sin un trabajo previo o predeterminado. Concentración, creatividad, vitalidad, energía son algunas de las características de una obra que, en realidad, se aleja algo de los expresionistas abstractos en tanto en cuanto, su obra es semifigurativa, especialmente en un momento de madurez en los que decide alejarse de los presupuestos más puros de la abstracción para hacer representaciones muy particulares de la mujer. DeKooning. Woman III Imagen en Wikipedia de Cyborg Ninja bajo esta licencia Mark Rothko

41 Toda la segunda época del pintor letón se basa en grandes composiciones articuladas en torno a una serie de líneas horizontales (normalmente 3 y nunca más de 5), en la que Rothko plasmaba toda su expresividad. Es cierto que su obra está lejos del movimiento y la intensidad de la de autores como Pollock, pero estos tres grandes trazos, estos tonos ocres sobre un fondo azul, casi mortecino, ayudan a mostrar una capacidad creativa tremendamente interesante. Dicen que Rothko, de pequeño vio como unos judíos letones eran obligados a excavar su propia fosa común y que nunca fue capaz de quitarse esa imagen del cerebro. Es muy posible que en estas líneas, Rothko evocara de algún modo aquellos terribles recuerdos. En cualquier caso, sus composiciones tienen un interesante punto de racionalidad con esas líneas tan marcadas, así como una sutileza importante en las variaciones de tonos de color y de contornos imprecisos. Rothko. Nº 61. Rust & blue Imagen en Wikipedia de Mandarax bajo esta licencia ABSTRACCIÓN POSPICTÓRICA La abstracción postpictórica es un movimiento artístico que sucede al expresionismo abstracto pero que tiene una lectura completamente diferente. Mientras el expresionismo abstracto es heredero del surrealismo y su obra está basada en el nervio, la potencia y la pasión, la abstracción postpictórica es heredera de la Bauhaus, de un esquema artístico más racional, frío y claro. Eso sí, la abstracción sigue siendo la gran clave de sus composiciones. No hay formas naturales, pero tampoco hay movimientos irracionales, sino líneas geométricas más claras y evidentes. No cabe duda de que estamos ante una nueva fase de la estética contemporánea. Frank Stella A Frank Stella le debemos la creación de varios esquemas compositivos que rompen de forma evidente esquemas que estaban completamente interiorizados en el ideario colectivo de la pintura. De este modo, frente al tradicional cuadro rectangular y de bordes sencillos, Stella crea los hardedges o pinturas de borde duro y los shapedcanvas o lienzos de formas distintas al rectángulo tradicional que creaban lo que algunos autores denominan cuadros objeto. Independientemente de las formas elegidas, lo cierto es que Stella es uno de los mejores ejemplos de la abstracción postpictórica, con formas de líneas sencillas, racionales, de colores planos y vivos, sin necesidad de expresión, quizá sin vitalidad y sin pasión, pero de un racionalismo y una belleza cuidada y sutil como no hay otras en estos momentos. Charlotta Tokayer es una de sus obras más conocidas. En ella, Stella presenta un pentágono completamente racional, y perfectamente medido, formado por una sucesión de 9 líneas de pintura metálica sobre el lienzo que culmina en un hueco que remata la obra. Frank Stella. Charlotta Tokayer Imagen en Flickr de rocor bajo CC Actividad A partir de los años 50 del siglo XX, aparecen una serie de estilos que llevan los pasos dados por los ismos de principios de siglo a su paroxismo. Tanto el expresionismo abstracto, como la abstracción pospictórica mantienen la idea de que la representación de la realidad ha quedado atrás. Lo importante es la forma, el color o la expresión, pero no ya la naturaleza o la realidad. Pollock, DeKooning y Rothko en el expresionismo abstracto muestran como no es necesaria la figura humana para expresar, para mostrar intensidad y pasión. El color, la raya y el movimiento son más que suficiente. Frente a ellos, Stella muestra, dentro de la abstracción pospictórica, como la racionalidad y el orden también permiten mostrar esquemas estéticos intensos e interesantes. POP ART El arte, a través de la abstracción, se estaba alejando del público a pasos agigantados, y quedando tan solo para el disfrute de unos pocos, una certeza de elitismo cultural que, aún hoy hace que gran parte del arte contemporáneo esté lejos de los centros de atención del gran público. Por esto, una serie de corrientes aparecen ante la necesidad de devolver el arte a todas las personas y al contacto con la realidad, en definitiva, de hacerlo más popular. Esta idea, no se llevará solamente a cabo con la vuelta de las imágenes, sino que estas estarán fundamentalmente inspiradas en la cotidianeidad, tanto de lugares, objetos, personas... En realidad, el arte no hace otra cosa que acercarse a lo que otras expresiones, como la música o el cine estaban llevando a cabo: acercarse a la masa, al pueblo, al ciudadano. En realidad, el Pop Art tenía una doble finalidad. Por un lado, concebir un arte popular cercano a la mayoría a través de las

42 representaciones de marcas y celebridades del momento, pues el expresionismo abstracto había llevado a una intelectualización desmesurada. Por otro lado, supone poner en tela de juicio la nueva sociedad de consumo. The Beatles. "She loves you". El éxito de la cultura popular Andy Warhol Artista gráfico, cineasta, pintor, publicista y esencialmente un provocador cuyas obras nos acercan a un mejor entendimiento de la sociedad de los 60. Para ello, elige la representación de una serie de temas como la fama y el glamour, el dinero, productos comerciales, símbolos, etc. En los que a través de diferentes versiones de cada uno de ellos, crea un arte seriado. Este es el caso de sus botellas de Coca-Cola, las latas de sopa Campbell o los retratos de personajes como Marilyn Monroe, Liz Taylor o Elvis Preysler. A través de estas muestras, Warhol quiere reflejar su malestar ante la institucionalización del arte, tan alejado de los espectadores, y acercarlo a ellos a través de la trivialidad. Es quizá el gran ejemplo de lo que fue el arte pop, pero no solo como corriente pictórica, sino como encarnación de lo popular, de aquello que forma parte de la cotidianeidad, pero desde el punto de vista del consumo y del hedonismo. No es raro que Warhol formara parte activa de ese pop rock sin el cual es imposible entender los años 60. Sus 10 serigrafías en papel dedicadas a Marilyn Monroe se han convertido en una de las imágenes más conocidas de este arte pop. Warhol aprovecha la fotografía que le hicieron a la actriz en el rodaje de "Niagara" para crear una obra inmortal. A. Warhol. Marilyn Imagen en Flickr de Oddsock bajo CC Roy Lichtenstein El estadounidense Lichtenstein busca su inspiración para sus creaciones Pop en el mundo de la publicidad (fundamentalmente de electrodomésticos), los dibujos animados y los cómics. Pero le dará un enfoque particular, pues transforma el aire de la obra al reemplazar la técnica repetitiva de las historietas por el trabajo más exclusivo y artesano del pintor. No obstante, utiliza unas técnicas que se asemejan y que le dan esa similitud, de ahí el empleo de los puntos, perfiles marcados por líneas gruesas y los colores primarios. Cualquiera de sus escenas está desprovista de algún propósito, pues su objetivo es convertirlas en pura ornamentación, por ello elige escenas con asuntos intrascendentes. R. Lichtenstein. Reverie Imagen en Flickr de K. Urbanowicz bajo CC NEOFIGURACIÓN Francis Bacon. Estudio de Inocencio X de Velázquez Imagen en Flickr de Libbyrosof bajo CC Tras la Segunda Guerra Mundial y ante el florecimiento de las corrientes abstractas, brota una actitud crítica que promueve un regreso a la cotidianeidad de las cosas y la existencia. Todo ello con una marcada conciencia social que aboga por las representaciones de imágenes de personas, pero incorporándoles las técnicas del expresionismo abstracto para deformar las figuras, en ocasiones con aspectos grotescos. Francis Bacon Autodidacta en un principio, se ve fuertemente influenciado por obras desgarradoras en las que el grito y el desamparo del ser humano son los protagonistas. Esto ocurre cuando conoce en Francia el cuadro de La matanza de los inocentes de Poussin o con la escena de la madre del Acorazado Potenkim de Eisenstein Igualmente descubre en Picasso las posibilidades de distorsión del aspecto humano. Para ello, utiliza un procedimiento afín al informalismo, mediante el cual logra una desfiguración del cuerpo reiterativa que evidencia el aislamiento, el miedo y el desconsuelo del ser humano. Todo esto lo logra sin renunciar a métodos tradicionales como el empleo del óleo y con ello las veladuras, y por supuesto, desde su gran admiración hacia los grandes maestros. Una de sus obras más conocidas es la versión que hace del retrato de Inocencio X de Velázquez. En ella, Bacon ofrece una imagen del tormento humano, en esta ocasión de un papa obcecado por el control del poder. Esta obsesión explota a modo de millares de chispas sobre un fondo en el que se distorsiona la imagen de Inocencio X, que a través de las facciones en la oscuridad esconde un grito sustancial. Para la elaboración de esta obra, Bacon utilizó placas de rayos x para dar sensación de velo interpuesto entre el personaje y el público.

43 Actividad Durante los años 60 surgen una serie de movimientos que van a tratar de devolver la expresión artística al espectador medio. Y lo hace en relación a los movimientos de expresión artística populares que tanto éxito tendrán. Warhol o Lichtenstein son dos ejemplos de pintores que, no solo se limitaron a crear un arte más cercano, sino también plantean un arte vinculado al consumo y al mercado. Un arte de su tiempo, al fin y al cabo. Al mismo tiempo, la Neofiguración liderada por Francis Bacon aprovecha esquemas más figurativos para expresar soledad, desgarro, pasión... Pregunta Verdadero-Falso Lee las siguientes afirmaciones e indica si estas son verdaderas o falsas: 1. Si hay una palabra que define al arte a partir de los años 50, esa es la de Ruptura. Verdadero Falso 2. El arte abstracto es un estilo que parte de lo más esencial del arte: la forma y el color. Verdadero Falso 3. El Pop Art se basa en la necesidad de un arte de las élites para las élites, alejado de la masa. Verdadero Falso 4. Francis Bacon y Frank Stella son las dos grandes figuras del informalismo. Verdadero Falso Observa las siguientes imágenes y responde a las cuestiones que se plantean a continuación 1. A qué estilo pertenece cada obra? 2. Indica al menos una característica de cada obra que lo relacione con el estilo al que pertenece. 3. Dirías que alguna de las dos pertenece a un estilo figurativo?

44

45 4. Apéndice En los siguientes apéndices podrás disfrutar de algunas curiosidades dedicadas a personajes tan complejos y fascinantes como Dalío Picasso o como el Arte Pop sigue vigente como actuación artística en diversos sentidos y expresiones. También podrás aprender algo más sobre algunos de los grandes genios del arte del siglo XX, tales como Oscar Niemeyer, Le Corbusier o el gran cineasta aragonés Luis Buñuel. Una de las propuestas que te hacemos en este sentido es la lectura de un par de artículos de la revista Jot Down Magazine. Si tienes tiempo, además de los dos citados artículos, échale un vistazo a lo que puedas, especialmente los dedicados a Historia. No solo son profundos, rigurosos y de calidad, sino que, además, suelen ser francamente amenos.

46 4.1. Curiosidades Pre-conocimiento El arte pop ha llegado hasta nuestros días como parte de la cultura general, de masas. Quizá las artes plásticas queden un poco al margen del gran público más allá de las representaciones de los 60 que vemos continuamente (como las de Warhol), pero en otras artes, como en la música, el pop sigue presente. Tanto es así, que muchos de los grandes grupos del momento aún se identifican con esta terminología. Oasis y Blur lideraron el movimiento del Britpop, con ese sonido Manchester que en realidad era tan heredero del sonido Liverpool de los 60. Pero no solo en Inglaterra o EE. UU. tenemos ejemplos de pop, en España, son muchas las bandas que se mueven dentro de este ámbito del pop rock (y no, no son las de Operación Triunfo). Es más, el que quizá sea grupo de rock independiente más importante del país, Los Planetas, publicaron su segundo disco bajo este título: Pop. Pre-conocimiento Dalí fue uno de los personajes más llamativos e importantes del surrealismo. Pero su figura trascendió a la pintura y se convirtió en un personaje en sí mismo. Si le dedicas unos minutos al siguiente vídeo, verás hasta qué punto tenemos razón.

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