Tema 2. El Barroco: urbanismo y arquitectura. Escultura y pintura barrocas.

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1 Tema 2. El Barroco: urbanismo y arquitectura. Escultura y pintura barrocas. El paso del Renacimiento al Barroco significa el paso de lo claramente delimitado, lineal o plástico a lo menos delimitada, incluso a veces completamente borroso; de la forma cerrada a la forma abierta, de la claridad absoluta a la claridad relativa, de lo estático a lo dinámico. El Barroco es el movimiento, lo profuso. La arquitectura, pintura y escultura se funden en una verdadera simbiosis de artes hasta el punto de que el ojo humano no sabe distinguir donde empieza uno y termina el otro. Sin embargo, el barroco no progresará técnicamente en ninguna de las artes. En arquitectura, se mantiene el esquema del siglo anterior: columnas con basa, capitel, entablamento o arco. En pintura se siguen representando las figuras con fingimiento de realidad al que contribuye la perspectiva lineal, la aérea, o el claroscuro. En escultura se siguen los principios figurativos anteriores y los mismos materiales, mármol y bronce especialmente. Frente al reposo, medida, cálculo, orden propios del Renacimiento, el Barroco será movimiento, gusto por el efecto y los contrastes, por lo escenográfico y teatral. Estos aspectos se manifestarán en todas las artes. En esta presentación tienes un buen resumen de lo que es y lo que significa el arte Barroco: Arte Del Barroco View more presentations from landa Cuál es el origen del término "barroco"? Historia del Arte Página 1 de 36

2 1. Introducción Se entiende por Barroco el arte surgido en Italia a finales del siglo XVI y que se extenderá por Europa a lo largo del XVII e incluso en los primeros años del XVIII, con un criterio propio y realizaciones diferentes según los países. El barroco nace en Italia, en Roma, impulsado por los Papas, con el objetivo de manifestar la veracidad, validez y grandeza de la Iglesia y de sus tesis a través de las creaciones artísticas, sin embargo su difusión por Europa hace que el movimiento se diversifique y podamos diferenciar tres modelos de barroco según el área geográfica donde se desarrolle: El Barroco de la Contrarreforma: Extendido por los dominios de los Hagsburgo, Italia y España, cuyas temáticas coinciden con la finalidad de comunicar exaltadamente los postulados del Concilio de Trento. El Barroco del Absolutismo: Desarrollado en Francia y a partir de la entrada de los Borbones en España, de carácter más clásico, con una finalidad de actuar como argumento convincente del poder real. El Barroco protestante: Desarrollado en los Países Bajos y Holanda, dirigido a una clientela de carácter burgués, con una predilección por los temas costumbristas, naturalezas muertas, interiores y paisajes. Con todo, básicamente podemos dividirlo en dos ámbitos: en uno predomina el espíritu del raciocinio y la abstracción, la sobriedad propia del ámbito dominado por protestantismo y en el otro, en el ámbito dominado por la Iglesia de Trento, se despliegan la imaginación, la sensualidad, el dinamismo y la riqueza. Historia del Arte Página 2 de 36

3 1.1. Contexto histórico Arte barroco. Contexto histórico e ideológico View more presentations from Sergi Sanchiz Torres El arte Barroco surge como manifestación del poder absolutista y también del poder de la Iglesia, lo cual se va a incrementar con el desarrollo del movimiento de la Contrarreforma, cuyo fin inmediato es exaltar la fe y la jerarquía eclesiástica. Las nuevas órdenes religiosas se convierten en portavoces de estas ideas. Se canonizan nuevos santos con lo que surgen nuevos temas. Historia del Arte Página 3 de 36

4 1.2. Características del arte Barroco Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco -manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas- hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental. Tenemos que dejar claro que fue el arte italiano el que dio respuesta inicial a estos nuevos planteamientos ideológicos, ya que su condición de principal escuela creadora de la etapa anterior (renacentista) y su vinculación histórica y geográfica al Papado, le convertían en el más preparado e idóneo receptor estético de las exigencias contrarreformistas. Asimismo, el deseo de convertir Roma en el símbolo del triunfo de la Iglesia Católica, también fue una de las causas del origen italiano de este estilo artístico. Así nació y se desarrolló el Barroco en Italia, manteniendo su vigencia hasta bien entrado el siglo XVIII. Otros países europeos recibieron al nuevo estilo con distinto grado de aceptación, adaptándose a sus respectivas situaciones y peculiaridades (escuelas nacionales). De esta forma, en Francia, encontramos el aspecto más clásico y racional del Barroco, para ensalzar a la monarquía y para mostrar la pujanza económica del país. Flandes, de la mano de Rubens, encontró en el nuevo estilo la posibilidad de exaltar tanto el poder político como el religioso. La protestante Holanda vio en su acercamiento a la realidad concreta un camino para reflejar su forma de vida burguesa. La zona centroeuropea, alejada durante buena parte del siglo XVII de la creación artística como consecuencia de la guerra y la crisis económica, lo utilizó, aunque tardíamente, para expresar con extraordinaria intensidad sus sentimientos religiosos. En Inglaterra, el Barroco tuvo una menor aceptación, ya que este país permanecía muy anclado en su tradición a causa del aislamiento exterior. En España, los reyes de la casa de Austria fueron los herederos del ambiente del Concilio de Trento, y a pesar de la precaria situación económica, se llevaron a cabo las intenciones de prestigiar a la Iglesia Católica y a la monarquía. Una vez leídos los contenidos anteriores, indica si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas: El arte Barroco nació en Italia Verdadero Falso Una de las características de la pintura y escultura barrocas es la insinuación de enormes espacios Verdadero Falso El arte Barroco fue un arte al servicio de la Reforma protestante Verdadero Falso El Barroco holandés estuvo al servico de la nobleza y del poder absoluto de los monarcas. Verdadero Falso Los artistas barrocos buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos. Verdadero Falso Historia del Arte Página 4 de 36

5 2. Urbanismo y arquitectura Para tener una idea general del urbanismo y la arquitectura barrocos te proponemos que veas la siguiente presentación: ARQUITECTURA Y URBANISMO BARROCO View more presentations from Tomás Pérez Molina. Historia del Arte Página 5 de 36

6 2.1. Características generales del urbanismo La ciudad del Barroco es la imagen del poder del gobernante y su importancia se mide por el tamaño y el número de habitantes. Tiene diversidad de centros articulados por plazas amplias. Éstas son uno de los más importantes elementos del urbanismo barroco: embellecen la ciudad, son punto de referencia para el trazado de calles, son un reflejo simbólico del poder civil o religioso (como la Plaza de San Pedro), son, a su vez, escenarios de fiestas y representaciones sociales y teatrales. Se suelen articular en torno a un edificio principal, normalmente una Iglesia o un Palacio, para resaltar su importancia. Destaca, en este aspecto, las reforma urbanísticas de Roma durante el papado de Sixto V (arquitecto: Fontana). La principal característica de la arquitectura barroca es la nueva concepción del espacio, consecuencia de la influencia contrarreformista. Se va a exigir de la arquitectura su vinculación al espectador mediante la persuasión y la participación. Aparece un nuevo concepto de ciudad como símbolo religioso que debe también persuadir al fiel de la supremacía indiscutible de la Iglesia, además el ordenamiento urbano refleja la estructura social del absolutismo. Las perspectivas monumentales dan una amplitud indefinida a la imagen del poder, y permiten los desfiles militares y civiles y las masivas manifestaciones rituales religiosas. Las plazas se convierten en centros de referencia urbano, dominadas por un edificio principal (una iglesia, un palacio), serán decoradas con fuentes, obeliscos, estatuas y planificadas urbanísticamente para crear perspectivas impresionantes Desaparece así la individualidad plástica de los edificios en favor de un conjunto superior: la ciudad como espectáculo, bien fuera espectáculo religioso (Roma), político (París) o ambas cosas en simbiosis (manifestaciones artísticas hispanas). Las fachadas de los edificios se van a concebir en función del espacio que le rodea, se construye en función de la plaza, de la calle o del paisaje que se sitúa. Desaparecen las formas geométricas, definidas en el Renacimiento para dar paso a la riqueza decorativa y a la variación óptica, conseguida esta última mediante la utilización de la luz que al incidir sobre superficies dinámicas altera su aspecto. Se convierte así la arquitectura barroca en aparente, abierta y expresiva. De nuevo la sensación viene a suplir a la razón. Título: Plaza Navona. Autor: Myrabella Licencia de documentación libre GNU Título: Fuente de los Cuatro Ríos Licencia: contenido libre Historia del Arte Página 6 de 36

7 2.2. Características generales de la arquitectura barroca Para iniciar el estudio de la arquitectura barroca te proponemos las siguientes presentaciones: Arquitectura Barroca Europea View more presentations from JUAN DIEGO Arquitectura Barroca Italiana View more presentations from instituto julio_caro_baroja Características de la arquitectura barroca El Barroco se inicia en Roma, alrededor de los Papas como grandes mecenas. La Arquitectura prevalece sobre cualquier otra manifestación artística, y escultura y pintura colaboran en el efecto plástico del conjunto. Frente a la belleza, armonía y equilibrio que se buscaba en el Renacimiento, en el siglo XVII quieren asombrar con la grandiosidad y el lujo, y expresar dinamismo y apasionamiento. Es una arquitectura llena de contrastes, ya sean cromáticos (se utilizan distintos materiales: ladrillo, piedra, mármol, bronce,...) o lumínicos (alternando zonas oscuras con otras fuertemente iluminadas). Pero sobre todo predomina el interés por el movimiento, en plantas, alzados, o en los propios elementos aislados (columnas, estípites, frontones, etc.). Historia del Arte Página 7 de 36

8 Las plantas típicas del Barroco pierden ahora sus formas tradicionales del Renacimiento (cuadradas y circulares) y se hacen más complejas. Aunque se imite el modelo jesuítico, aparecen plantas de muy diversas formas: ovales, elípticas, mixtilíneas, etc. Las formas abandonan las líneas rectas y superficies planas por las ondulantes. Los muros se quiebran y ondulan, se rompen frontones y entablamentos y se describen curvas, espirales, etc. Es el momento del apogeo de lo curvo, de los constantes entrantes y salientes en las fachadas. Incluso las columnas ondulan su fuste (columna salomónica). Las reglas que seguía la arquitectura en el Renacimiento, desaparecen. En la fachada se mantiene la división en plantas, pero la parte central se suele organizar verticalmente marcando el espacio central-vertical sobre el horizontal. Ese espacio, definido claramente a la vista, concentra la ornamentación principal del edificio. En las fachadas, por el gusto por el movimiento, los muros dejan de ser rectilíneos y de cruzarse en ángulos rectos, se ondulan. Son fachadas donde se muestra el dinamismo, el movimiento, los contrastes lumínicos (entrantes y salientes) y cromáticos, etc. La luz es muy importante para el arquitecto barroco. Los materiales serán importantes para conseguir los efectos lumínicos apetecidos por el artista. La luz se concentrará en unas zonas, mientras otras se dejarán oscuras. La decoración jugará un papel destacadísimo en la nueva estética. Dentro de un proceso general de enriquecimiento decorativo y progresivo hasta llegar al recargamiento, conserva los temas vegetales corrientes del arte clásico-renacimiento, advirtiéndose desde mediados del siglo XVII la tendencia a un tipo cada vez más naturalista. Así, la decoración ocupa todos los lugares, enmascara muros, etc. Los órdenes arquitectónicos se complican (de los órdenes clásicos, el más utilizado es el corintio -que tenía más motivos decorativos- y el orden compuesto romano). Los elementos decorativos ayudan a crear efectos ilusorios, teatrales, tan del gusto de la época. También, en los interiores de las iglesias existe una exuberante decoración: en la cubierta, por ejemplo, el artista barroco se esfuerza porque el cielo invada el interior del templo. Las bóvedas se cubren de pinturas que desarrollan escenas imaginarias, celestiales (celajes), etc. Las construcciones principales del Barroco serán las religiosas (templos, iglesias, etc.). También destacan los palacios y el urbanismo. En cuanto al templo, el Concilio de Trento impuso una nueva liturgia religiosa que concedía importancia al sermón y a la Eucaristía ante la multitud de fieles. Para ello se requiere, en el marco de estas grandes ceremonias, una buena acústica y visibilidad. De ahí el modelo de iglesia que impone la Compañía de Jesús en Roma a partir del templo de Il Gesú, que será copiado por toda la Cristiandad: cruz latina tradicional; espacio unitario con circulación independiente por capillas laterales; gran cúpula central en el crucero; etc. Aunque este es el modelo más destacado, se dan otros muchos. El palacio barroco: se rompe con el palacio-fortaleza renacentista y los edificios se abren por alguno de sus lados hacia patios, jardines, etc. Sus fachadas se hacen más dinámicas y sus salones principales resaltan por su abundante decoración. Es el edificio que manifiesta el poderío de la aristocracia ante el pueblo. Aunque la evolución es paulatina, la proporción y equilibrio del vocabulario clásico se transforma, y un nuevo vigor parece reemplazar la razón por la sensación, articulándose las fachadas mediante recursos que potencian la verticalidad o nuevos ritmos (...) La pared adquiere una significación dinámica a través de un rico repertorio de formas cóncavoconvexas, consecuencia de planes circulares, ovales o mixtos, afirmando las cúpulas, que tienden a emanciparse de la planta, su papel preponderante tanto al interior como en el espacio urbano. El muro parece desaparecer mediante juegos ópticos, y los medios adoptados para lograr la interpenetración espacial son increíblemente variados e imaginativos, insistiendo la decoración ilusionista en la preocupación del Barroco por la continuidad del espacio, que se enfatiza en el uso del espejo con efectos arquitectónicos originando una superficie infinita (...) Característica esencial del espíritu barroco es la fusión de elementos plásticos con el espacio al servicio de una idea, y la luz (oculta, radiante o simbólica) favorece la ilusión alcanzando notable protagonismo. R. CAMACHO: Barroco y Rococó: Arquitectura y urbanismo. En Historia del Arte. Vol 3. Alianza. Madrid 1997, pág Qué se potencia en las fachadas barrocas? Cuál es el elemento preponderante en muchos de los edificios barrocos? Qué tipo de decoración ayuda en el arte Barroco a alterar el espacio arquitectónico? Si quieres profundizar más en la arquitectura barroca te proponemos la siguiente presentación con abundante información al respecto: Arquitectura Barroca Historia del Arte Página 8 de 36

9 3. Principales arquitectos y obras barrocas Título: Bernini Licencia: dominio público Título: Borromini Licencia: dominio público Tíutlo: Mansart Licencia: dominio público Historia del Arte Página 9 de 36

10 3.1. Carlo Maderno Carlos MADERNO ( ) es el autor más representativo de la transición del manierismo al barroco, trabaja principalmente para el Vaticano. Sus obras principales son, primero, la fachada de la Iglesia de Santa Susana, inspirada en la del Gesú; y, segundo, la sistematización de la basílica de San Pedro, en la que adopta la planta de cruz latina con capillas laterales, y a la que agrega una fachada con grandes columnas rematada en un frontón sobre la puerta y ático con balaustrada y estatuas. Iglesia de Sta. Susana Fachada San Pedro Historia del Arte Página 10 de 36

11 3.2. Gian Lorenzo Bernini BERNINI fue escultor, pintor, decorador, urbanista y arquitecto, y recibió una educación jesuita que sirvió para utilizar su obra como el reflejo ideal del poder de la Iglesia. Fue el principal artista y arquitecto del Papado. Utilizó los más ricos materiales y a él se le debe gran parte del aspecto monumental de la Roma de la época. Entre sus obras más destacadas: Baldaquino de San Pedro (un encargo de Urbano VII, donde usó las famosas columnas salomónicas recuerdo del templo de Salomón-, ubicado sobre la tumba del apóstol) Palacio Barberini (Bernini construyó el cuerpo central y dos alas que avanzan a ambos lados) San Andrés del Quirinal (considerada como la obra maestra del autor. Tiene planta elíptica, en el exterior, el edificio está enmarcado por una pantalla mural cóncava de dos brazos, en cuyo centro surge un elegante pórtico convexo con entablamento curvo y volutas que sostienen el escudo de la familia papal) Plaza de San Pedro del Vaticano (la gran columnata con que Bernini cerró la Plaza es espectacular y está concebida, simbólicamente, como un gran acceso a la Iglesia que se abre dinámicamente a la ciudad, que abraza a los peregrinos que acuden a la bendición papal del Urbi et Orbi. Baldaquino de San Pedro Palacio Barberini San Andrés del Quirinal Plaza de San Pedro del Vaticano Historia del Arte Página 11 de 36

12 3.3. Francesco Borromini BORROMINI es otro de los grandes arquitectos del Barroco lleno de ideas nuevas que colaboró con Bernini y que realizó diversos trabajos para órdenes religiosas. No tuvo los medios de que dispuso el anterior y sus obras son más modestas y reducidas. Su fantasía fue evidente: inventó las fachadas onduladas, los frisos y tímpanos curvos y serpenteantes, los frontones partidos y cúpulas y plantas muy extrañas. Utilizó materiales más pobres que Bernini, como ladrillo y estuco, debido al menor poder económico de sus clientes, pero también buscando su ductilidad. Esto le permite mayor libertad y fantasía rompiendo con el sentido clásico de Bernini. Título: Borromini Autor: driggs18 Entre sus obras más destacadas: Sant'Ivo alla Sapienza San Carlos de las Cuatro Fuentes (la fachada es muy original, con formas ondulantes y sinuosas que denotan movimiento) Santa Inés en Plaza Navona Sant'Ivo alla Sapienza San Carlos de las Cuatro Fuentes San Carlos de las Cuatro Fuentes 2 Santa Inés en Plaza Navona Historia del Arte Página 12 de 36

13 3.4. Jules Hardouin Mansart Para entender mejor la figura de Mansart te proponemos que eches un vistazo a la siguiente presentación: Arquitectura Barroca Francesa View more presentations from instituto julio_caro_baroja El Barroco francés es un arte más cortesano que religioso. Los exteriores de los edificios presentan un carácter de clasicismo mientras que los interiores son muy decorados. Esto dará lugar al Rococó o estilo Luis XV. Las techumbres forman cuerpos prismáticos de gran altura en las que se abren los huecos de las buhardillas, llamadas "mansardas" porque se atribuyen a MANSARD. Los palacios tienden al horizontalismo mientras que las iglesias lo hacen al verticalismo mediante inmensas cúpulas. El arte barroco francés puede definirse como clasicista, prefiere la claridad, el orden y la serenidad a lo recargado y lo retórico, la obra así resulta sobria y equilibrada. En un primer período, hasta 1660, se desarrolla el denominado estilo Luis XIII, se mantiene la influencia italiana tanto en las construcciones religiosas, entre las que sobresale la Iglesia de Val de Grace (1645) obra de François Mansart ( ), aunque acabada por Lemuet. En las obras civiles, sobresale el Palacio de Luxemburgo (1615) obra de Salomon Brosse ( ), aunque los modelos italianos se abandonan progresivamente como se puede observar en la obra de Jacques Lemercier en el Palacio de París. El carácter clasicista y oficial se acentúa durante el segundo periodo, que abarca hasta el primer decenio del siglo XVIII, denominado estilo Luís XIV, entonces se fundan las academias, en 1671, se fundó la Academia Real de Arquitectura, estas instituciones marcan las directrices a las que debe someterse la creación artística. El palacio se convierte en el edificio más representativo del barroco francés, un edificio de grandes dimensiones, con una marcada horizontalidad, consta de una planta en forma de "U" hacia el jardín formando escuadra. Las fachadas se caracterizan por su severidad clásica, son uniformes y simétricas, con frecuencia en total desacuerdo con la distribución interior, sin embargo los salones interiores se llenan de ricos elementos ornamentales, con profusión de curvas. En este periodo se finaliza la fachada oriental del Palacio del Louvre ( ), en el que Claude Parrault ( ) y Luis Le Vau ( ), una obra clasicista, cuya planta baja es austera, de una gran solidez, con vanos de arcos rebajados, pero en el que sobresale la Historia del Arte Página 13 de 36

14 planta superior con una gran columnata, formada por columnas pareadas de orden corintio, las secciones central y final sobresalen ligeramente y tiene aberturas en forma de arco y otros detalles como la ornamentación con medallones y guirnaldas de flores.. Toda la fachada es una unidad compleja enfocada hacia el centro para dar una impresión simple y poderosa muy al gusto de la arquitectura oficial francesa. Siguiendo esta línea, Le Vau, Mansart y Le Notre, levantan el espléndido Palacio de Versalles, ensayando una perfecta integración entre el palacio y sus alrededores. En principio el palacio era un pabellón de caza levantando para Luis XIII en 1624, Le Vau remodela el edificio a partir de 1669, siguiendo el modelo que Bernini presentó para el Palacio del Louvre, la planta baja sólida, con almohadillado, la planta principal de gran altura, decorada con pilastras y columnas y la planta superior rematada con una balaustrada con estatuas. A partir de 1678 se hace cargo de las obras Jules Hardouin Mansart ( ), este cerró la terraza central creando en el espacio interior la Galería de los Espejos ( ) y acondicionó las dos alas laterales. El interior de la Galería decorado con espejos, pilastras de marmol rojo con capiteles y basas de bronce dorado y motivos decorativos barrocos, se cubre con una bóveda de cañón, decorada con estucos dorados y pinturas. También es obra suya la Capilla de Versalles ( ), de nave única y dos pisos, la superior para uso del rey y su séquito más cercano y la inferior para los cortesanos. Además completan el conjunto numerosas construcciones accesorias como las caballerizas, la Gran Orangerie, los pequeños palacios como el Trianón u los pabellones de Marly. Contribuyen a los efectos decorativos de la arquitectura los magíificos jardines, diseñados en la década de los sesenta por Le Notré, en el que la naturaleza es sometida a la voluntad humana, con escalinatas, plazoletas, avenidas, fuentes, estanques y esculturas Este palacio se convertirá en el modelo de mucho otros palacios europeos de fin de siglo. Frente a esta exhuberancia de formas, la iglesia más importante de la arquitectura francesa del periodo, la Iglesia de los Inválidos ( ) de J. H. Mansart, nos remite de nuevo a la relativa severidad de la contención clásica francesa. Con columnas pareadas en los dos pisos frontales (dóricas en la base y corintias en el cuerpo superior) y en el tambor de la cúpula, la planta de cruz griega con capillas circulares en las esquinas. Respecto al urbanismo son dignas de mención las plazas, concebidas como núcleo organizador del tejido urbano, amplias y de traza geométrica, rodeadas de casas de igual estructura y altura, como la plaza de los Vosgos o Real ( ) de planta cuadrangular con la estatua ecuestre de Enrique IV en el centro, la plaza del Delfín (1607), la plaza de Vendòme (1699) de planta cuadrangular, la plaza de las Victorias ( ) de planta circular, obras las dos de J.H. Mansart. Hablar del Barroco francés es hablar del Palacio de Versalles. Aquí te ofrecemos un vídeo y dos presentaciones sobre él: Título: Versalles Autor: artehistoriacom Historia del Arte Página 14 de 36

15 Versalles View more presentations from neni Chateau Versailles View more presentations from Viana Umaña, UES Historia del Arte Página 15 de 36

16 4. La escultura barroca Título: La escultura barroca Autor: artehistoriacom Una vez que veas el vídeo sobre la escultura barroca, completa los espacios en blanco del siguiente texto: La escultura barroca está caracterizada por la búsqueda del, el entre las diversas superficies a la hora de buscar efectos y la en la arquitectura para obtener intensidad. Abundará la escultura religiosa al servicio de la, pero también encontramos estatuas, y escultura. es el gran genio de este estilo y su de Santa Teresa su obra maestra, mostrándonos de manera exquisita la visión de la santa. La Ludovica Albertoni y la Fuente de los Ríos son otras de sus magníficas obras. En la corte francesa encontramos una escultura adaptada a los dictados de la Academia, siguiendo las reglas interpretándose de manera clara. Coysevaux y Girardon son los maestros más destacados. e La escultura española en el Barroco está centrada en lo, buscando el y el en las estatuas. La es el material más utilizado, empleando e incluso como cabello natural u ojos de cristal. En el foco castellano destaca la figura de, autor que evoluciona desde el idealismo y la elegancia del manierismo hasta formas naturalistas y dolientes. En la escuela sevillana encontramos a Juan, artista que valora la anatomía y logra captar la belleza natural, cargada de serenidad, tensión y fuerza interior. es el gran escultor de la escuela granadina y sus figuras se caracterizan por la gracia y el exquisito cuidado de la talla. Pedro de Mena también es granadino y realiza esculturas que rozan el misticismo, siendo uno de los maestros más hábiles en el trabajo de la madera. La escultura barroca española se culmina con Francisco y, destacando sus sencillas figuras para belén., quien pone en práctica una escultura cargada de Historia del Arte Página 16 de 36

17 4.1. Características generales Barroco. Escultura View more presentations from ies marqués de villena, marcilla Características de la escultura barroca: Naturalismo: el artista no interpreta la naturaleza, sólo la copia. Las figuras representan pasiones y sentimientos: el PATHOS. De los sentimiento se prefieren los de mayor exaltación. La figura humana aparece convertida en héroe. Cualquier tipo de persona aparece con su alma reflejada con gran nitidez. La importancia de los temas religiosos por el efecto sobrenatural de la ascética y la mística (Éxtasis de Santa Teresa de Bernini). Se tiende a la representación de los temas crueles y espantosos: martirios, sarcófagos con el cadáver tumefacto. Movimiento espontáneo, como una explosión. Es el movimiento en el acto, no en la potencia como era en el Renacimiento. Grupos de figuras que dan entrada al paisaje, como en el helenismo. Predominan las composiciones en diagonal, los escorzos, la asimetría. Ropajes muy movidos, de profundo claroscuro. La figura se funde en el ambiente que la rodea para conseguir un efecto más real. Desarrollo del retrato: detallismo, sensación de realidad, psicología del personaje. Contraste entre Renacimiento y Barroco: Renacimiento: simetría, plasticidad, naturalismo idealizado, movimiento, estatismo, retrato físico o de parecido, superficie tersa. Barroco: asimetría, pictoricismo, naturalismo pleno, movimiento en acto, retrato psicológico, superficie de calidades. Historia del Arte Página 17 de 36

18 4.2. Principales escultores y obras barrocas Escultura Barroca Italiana View more presentations from instituto julio_caro_baroja Además de Bernini, en Italia destacarán como escultores: Maderna: Santa Cecilia muerta: parece que la figura se retuerce en el suelo ligeramente e incluso se aprecia la señal del degollamiento. Pietro Tacca: Tiene muchas estatuas ecuestres como la de Felipe IV en la plaza de Oriente de Madrid. Influirá mucho entre los pintores. Historia del Arte Página 18 de 36

19 Gian Lorenzo Bernini La escultura barroca italiana gira en torno a BERNINI, cuya influencia se extiende hasta el último tercio del siglo XVIII. Su arte es naturalista, dinámico, con un sentido instantáneo y posee una técnica que trata de fundir la imagen con el ambiente. Valora las superficies, da carácter a la piel, matiza la anatomía, resalta la blandura de la carne, la forma de la pupila y, lo que es más importante, penetra en la intimidad de sus personajes. Domina todos los recursos de la técnica, reúne las distintas artes, etc. Título: La escultura de Bernini Autor: artehistoriacom Mientras ves el vídeo sobre Bernini intenta rellenar los huecos del siguiente texto: El genial Gianlorenzo Bernini se formó en el taller de su padre Pietro Bernini. Ya en sus primeras obras como la Cabra Amalthea, realizada hacia 1611, se pone de manifiesto su a la hora de trabajar el. Entre 1618 y 1625 realiza cuatro excelentes obras para el cardenal Scipione Borghese en las que retoma las formas clásicas como se observa en el grupo de y, representando el en el que la ninfa se transforma en árbol mientras huye de Apolo. La entronización en 1623 de su mecenas Maffeo Barberini como papa con el nombre de Urbano VIII permitirá a Bernini realizar una de sus obras más conocidas, el monumental sobre la tumba de San Pedro, ocupando el crucero de la basílica petrina con las cuatro columnas coronadas por el baldaquino de cuatro. Ya en estos años iniciales de la década de 1620 empieza su labor como retratista que culminará en la década siguiente. El de Constanza Buonarelli, la mujer de su colaborador, por la que el maestro se siente atraído es una de sus mejores muestras, siendo quizá superado por el busto del cardenal Scipione Borghese, mostrando en ambos trabajos toda la del modelo. La pérdida del favor papal en 1644 le llevará a dedicarse a encargos particulares, trabajando desde 1647 en su obra maestra: el para la capilla de la familia Cornaro en la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma. Bernini toma un texto de la propia santa como fuente: "Un día se me apareció un ángel singularmente hermoso. En su mano vi una larga lanza, en cuyo extremo parecía haber una punta de fuego. Esta, así me pareció, me la clavó varias veces en el corazón, de forma que entró en mi interior. Tan real era el dolor que suspiré varias veces en voz alta". En la misma línea destaca la Beata Ludovica Albertoni, una escultura de y en la que se expresa que su concepción escultórica sigue siendo al interesarse por los golpes de y la mórbida factura del mármol. Con Bernini la fuente urbana experimentará una nueva compenetración entre y como se desprende en la Fuente de los de la romana Piazza Navona, en cuyo basamento observamos las representaciones del, el, el y el Río de la, los símbolos de los ríos de los cuatro continentes hasta el momento conocidos. Entre sus últimos trabajos destaca el monumento funerario del papa Alejandro VII en el que se integra de manera espectacular la Historia del Arte Página 19 de 36

20 y la. Entre sus obras más destacadas, tenemos: Apolo y Dafne (obra de juventud que narra un hecho mitológico inspirado en Ovidio: momento en que Dafne se convierte en árbol al ser alcanzada y tocada por Apolo. Las líneas curvas descritas por los cuerpos y los ritmos diagonales dotan a la obra de dinamismo, de movimiento ascendente que se proyecta en el espacio) El éxtasis de Santa Teresa (grupo escultórico donde los contrastes lumínicos, la tensión de las figuras y su expresividad, los profundos pliegues ondulantes de los ropajes que transmiten la sensación de dinamismo y movimiento y crean sombras, son sus características más destacadas) Beata Ludovica Albertoni (donde refleja el punto culminante del "pathos": muestra la agonía ante la muerte) David (donde muestra expresión de energía y movimiento captado en el momento de la acción. La figura se retuerce sobre sí misma sin estudiar al rival. El rostro se contrae en acción de fuerza) Cátedra de San Pedro Sepulcro de Urbano VIII (donde vemos la influencia de Miguel Ángel y donde infunde movimiento mediante el juego de colores y el claroscuro de los materiales (bronce y mármol) y los personajes que lo integran) Busto del Cardenal Borghese (retrato comunicativo y abierto de gran naturalismo. Iris y pupila muy excavados con calidades perfectas. Será importante su labor como retratista donde el naturalismo barroco favorece su expansión). Apolo y Dafne Éxtasis de Santa Teresa Beata Ludovica Albertoni David Cátedra de San Pedro Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter con el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas: al sacarle me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay que desear que se quite, ni se contente el alma con menos que Dios. No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aún harto. Es un requiebro tan suave, que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensar que miento. SANTA TERESA DE ÁVILA: El libro de su vida Qué aspecto descrito en el texto se observa en la escultura? Historia del Arte Página 20 de 36

21 Aquí tienes una magnífica y completísima presentación sobre el Bernini escultor: Bernini Escultor View more presentations from Ana Rey Historia del Arte Página 21 de 36

22 5. La pintura barroca Para abrir boca con la pintura barroca aquí tienes esta completa presentación: Pintura del Barroco View more presentations from mercedes Historia del Arte Página 22 de 36

23 5.1. Características generales Características generales de la pintura barroca: Predominio del color sobre el dibujo: esto se aprecia en los grandes maestros como Velázquez y Rembrandt. El conjunto de la obra queda como algo vago e impreciso. Profundidad continua hasta el punto que de la pintura parece tener tres dimensiones. En el siglo XVI ya había preocupación por la perspectiva pero entonces toda la atención se centraba en el primer plano; los demás, paralelos a éste, contenían escenas secundarias o de un paisaje. En el siglo XVII esta sucesión de planos se rompe porque el cuadro se concibe como algo continuo, sin planos, al igual que la realidad, por ejemplo en la Avenida de Middleharnis de Hobbema. Los procedimientos para obtener esta tercera dimensión pueden ser muchos: líneas convergentes, series de escorzos, un primer plano desmesurado (por tanto, cercano en contraste con el fondo), un primer término obscuro (lo que nos incita a buscar la luz más hacia dentro), juegos de luces (como la perspectiva aérea de Velázquez que alterna planos de luz y planos de sombra). Hegemonía de la luz. En el Renacimiento la luz se subordinaba a la forma para definirnos mejor los contornos. En el Barroco es la forma la que se subordina y puede desvanecerse por la debilidad o intensidad del centelleo luminoso. La luz en correlación con la sombra, juegan un papel hasta ahora inéditos, especialmente en los primeros ensayos del estilo (tenebrismo). Composición asimétrica. Se prefiere lo que demuestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá del marco. Composición arquitectónica: se abandona la malla de horizontales y verticales del arte clásico (Virgen Muerta de Mantegna) y se utilizan líneas diagonales o formas partidas que no caben en todo el cuadro. Movimiento: se consigue gracias a la composición arquitectónica, gracias a las diagonales, pero también con las figuras inestables, los escorzos, las ondulaciones, hasta los paisajes adquieren mediante las ramas retorcidas, los suelos con cuestas y hoyos. Naturalismo. Se pinta lo que se ve. Por eso, es la gran época de la pintura de género, de los bodegones y del paisaje puro, sin figuras. Se valoran entre otros los temas costumbristas y también del retrato, no sólo en su vertiente física, sino también en la psicológica o moral. Teatralidad: muy adecuada para temas religiosos, sobre todo los que se refieren a la ascética y a la mística, busca la mayor impresión posible. Gran variedad de temas: religiosos, mitológicos, históricos, bodegones, paisajes. Predominio de la pintura al óleo sobre el fresco que mantiene su valor decorativo. El cuadro al óleo mantiene su valor por sí mismo. El artista se individualiza e independiza del gremio. Ya no se pinta sólo por encargo. El artista pinta lo que quiere y él mismo vende sus cuadros. Se multiplica el coleccionismo y esto estaría en relación con el ascenso de una burguesía cada vez más rica. Wolfflin ha señalado las características del barroco, oponiéndolas a las del Renacimiento, aunque algunas de las que se señalan ya se daban en la segunda mitad del siglo XVI. Estas características se reducen a cinco: Lo pintoresco, en oposición a lo lineal. Es decir, la fusión de la figura con el ambiente. La profundidad. La forma abierta, que rompe con la fuerza centrípeta y los contornos cerrados del Renacimiento. Unidad sólida de elementos, que se opone a la yuxtaposición o pluralidad de los mismos. La confusión o difuminado barroco de las formas, contraponiéndose a la nitidez de los perfiles del Renacimiento. En la primera mitad del siglo XVIII los temas se hacen más profanos, incluso los religiosos, se adopta un aire dulzón y risueño, aparece una luz difusa, como de neblina. Todo esto dará lugar al Rococó. Si estás interesado/a en profundizar en una visión general de la pintura barroca europea, aquí tienes la siguiente presentación: La pintura barroca europea. Caravaggio Historia del Arte Página 23 de 36

24 Unidad 3: Desarrollo y evolución del arte europeo 5.2. Principales pintores y obras barrocas Caravaggio Licencia: dominio público Historia del Arte Rubens Licencia: dominio público Rembrandt Licencia: dominio público Página 24 de 36

25 La pintura italiana: Caravaggio En Italia hay tres grandes escuelas de características muy distintas y de diversa aceptación, tanto popular como oficial (por parte de la Iglesia). Escuela naturalista cuyo principal representante es Caravaggio. Escuela de Bolonia o eclecticismo que no aporta nada nuevo caracterizándose por el clasicismo. Sus principales representantes son Annibale Carracci y Guido Reni. Escuela decorativa: realizan grandes frescos para decorar bóvedas y cúpulas. Generalmente forman composiciones unitarias que continúan la tendencia a las perspectivas y arquitecturas fingidas. Tendrá una repercusión muy fuerte en España. Representantes de esta escuela son Pietro da Cortona, Luca Giordiano y Tiépolo. Pintura Barroca en Italia View more presentations from ies senda galiana CARAVAGGIO es el pintor más importante del naturalismo tenebrista. Rompe con el ideal de belleza renacentista. En su estilo, el realismo y los estudios lumínicos son una constante. Se inspira en el mundo que le rodea para componer sus lienzos: todo lo que ve, lo vulgar, las escenas y tipos populares, y ello sin el tamiz idealizador de los clásicos, lo que resulta algo escandaloso e irreverente. Realza las figuras y escenas por los efectos de luz, haciéndolas destacar sobre un fondo oscuro: la luz no se difunde suavemente, sino que surgiendo del lateral, cae crudamente sobre las escenas delimitando claramente las formas iluminadas. Es una luz violenta. Las escenas se simplifican y la importancia de las figuras se halla establecida en función de la luz. No se interesa por el espacio, no hay arquitectura. El espacio se conforma con el color, la luz y los efectos atmosféricos y no con la perspectiva. En sus rostros sí que muestra interés por realizar interesantes estudios psicológicos. Entre sus obras, podemos citar: Joven Baco enfermo (un autorretrato) La Buenaventura San Mateo escribiendo (con una caracterización de los personajes muy realista y cruda; la composición es diagonal) Vocación de San Mateo (el tenebrismo es ya claro, utiliza una luz cargada de simbolismo para iluminar a las figuras principales de la escena) Crucifixión de San Pedro (donde aparecen figuras escorzadas, con efecto de luz poderoso y violento) Conversión de San Pablo (la Luz es el elemento que otorga ambiente místico y metafísico al tema) Cena en Meaux Entierro de Cristo (escena de gran realismo y naturalidad con efectos lumínicos que resaltan sobre todo el dorado de la piel de Cristo casi desnudo. Es una composición diagonal) Muerte de la Virgen (escena dramática de gran veracidad con personajes tomados de la calle: son todos modelos vulgares y la Virgen está tomada de un modelo de mujer ahogada en el Tíber, presentando el vientre hinchado con los pies desnudos y realmente muerta, situada sobre un camastro de tablas y paja nada lujoso. El centro lumínico y dramático es la Virgen sobre la que se proyecta una luz diagonal). Historia del Arte Página 25 de 36

26 Título: Vocación de San Mateo de Caravaggio Autor:artehistoriacom Mientras ves el vídeo sobre Caravaggio completa el siguiente texto: Mateo Contarelli, importante comerciante francés, compró para su gloria eterna la capilla Contarelli de la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma con la intención de ser enterrado allí. Encargó un completo programa de pinturas y esculturas dedicadas al santo que le daba nombre: San Mateo. Caravaggio recibió el encargo para los dos óleos laterales, con la en la izquierda y el de San Mateo en la derecha. Más tarde, se le pediría también la pala de altar central, con y el. Frente a los lienzos que Caravaggio había venido realizando con una o dos figuras, la Vocación de San Mateo presenta, que han de organizarse coherentemente y en profundidad en un espacio que ya no puede ser eludido por el pintor en una suerte de fondo perdido en la. Sin embargo, Caravaggio no renunció en absoluto a sus recursos, y de nuevo la es la que da estructura y fija la del lienzo. Así, tras la figura de Cristo que acaba de penetrar en la taberna, brilla un potente. Esa luz rasga el espacio para ir a buscar a la sorprendida figura de Mateo, que se echa para atrás y se señala a sí mismo dudando que sea a él a quien el Salvador busca. El personaje de primer plano, de espaldas, también dirige su mirada hacia Cristo y su discípulo, al igual que el joven que está junto al futuro santo. Un compañero de Mateo, vestido como un de la Roma que conocía tan bien Caravaggio, se obstina en no ver la llamada y cuenta con afán las monedas que acaban de recaudar. El anciano que se coloca entre Mateo y el contador tampoco recibe la llamada de Cristo y dirige su mirada hacia las monedas, interesándose por lo material y renunciando a lo espiritual. El de las, el empleo de tonalidades y los fuertes de luz y son las características que definen la pintura de Caravaggio, como se pone de manifiesto en ésta su obra maestra. Joven Baco enfermo La Buenaventura San Mateo escribiendo Vocación de San Mateo Historia del Arte Página 26 de 36

27 Crucifixión de San Pedro Conversiónde San Pablo La cena de Emaús Entierro de Cristo Muerte de la Virgen Una completa presentación sobre Caravaggio es la siguiente: Pintura Barroca. Caravaggio View more presentations from Ana Rey Historia del Arte Página 27 de 36

28 La pintura flamenca: Rubens Desde los primitivos flamencos esta escuela había perdido su originalidad a causa de la influencia italiana. Rubens volverá a darle todo su esplendor. El catolicismo mantiene vivos los temas religiosos, en oposición a Holanda, pero la escuela flamenca no destacará por la emoción religiosa sino por su optimismo, su carácter alegre, la preocupación por los aspectos placenteros de la vida. Son muy frecuentes los temas costumbristas: bodas, fiestas aldeanas, que enlazan los de Brueghel (Renacimiento). También hay preocupación por los bodegones donde intentar captar la calidad de los productos. El tema más típico en Flandes es el bodegón (naturaleza muerta): frutas, manteles, vasos, objetos de metal, se recortan sobre un fondo obscuro. Después se añaden animales muertos con lo que la sensación de lujo palpable se capta a través de la rica diversidad de motivos. Pintura Barroca Flamenca View more presentations from Alfredo García RUBENS será el principal exponente de la pintura flamenca en el Barroco. Sin embargo, es un pintor con claras reminiscencias italianas: tono clasicista en su pincel gracias a sus viajes constantes como diplomático a España e Italia. Estas características definen su estilo: a) Color: aprende de los venecianos como Tiziano.Utiliza el color cálido de gran intensidad y de pincelada amplia. b) Movimiento: composiciones muy dinámicas (diagonales, ritmo curvo, ondulaciones...). Adquiere de Miguel Ángel la ampulosidad de la forma y la composición dramática. El paisaje que pinta parece que hierve, se retuercen los troncos, nubes y resplandores. c) Formas humanas gruesas: múltiples desnudos de formas redondeadas. La mujer es pintada con cuerpo de madre, de carnes blandas, de poca sensualidad. El hombre es pintado varonil, musculoso. d) Importancia de la mitología en su obra. En las pinturas profanas, gusta de escenas con gran número de personajes, donde exhibe los mejores y más luminosos coloridos al servicio de un continuo movimiento y expresa el optimismo vital de quien puede abandonarse al placer del amor y la belleza. e) Sus retratos, sin una gran profundidad psicológica, son cálidos y variados en texturas y colores. Historia del Arte Página 28 de 36

29 Título: Rubens, la eclosión del Barroco. Autor: artehistoriacom Entre sus obras, destacan: Adoración de los Magos (de un riquísimo colorido) Descendimiento de la cruz (composición diagonal cuyo centro es el cuerpo desnudo de Cristo sobre la blanca sábana. Muy teatral, las figuras se retuercen) Levantamiento de la cruz (también de composición diagonal. Resaltan los escorzos y el movimiento) Sagrada Familia Rapto de las hijas de Leucipo Las tres Gracias (hay un perfecto estudio del desnudo femenino con mujeres carnosas del gusto del pintor. Delicado ritmo y sensualidad en su danza sobre un paisaje idílico de serena placidez que sirve para dar profundidad) Juicio de Paris Venus ante el espejo Autorretrato con Isabel Brandt Duque de Lerma El Jardín del Amor (alegoría del amor conyugal y homenaje a Elena Fourment). Adoración de los Magos Descendimiento de la Cruz Levantamiento de la Cruz El rapto de la hijas de Leucipo Las Tres Gracias Juicio de Paris Venus ante el espejo Duque de Lerma El Jardín del Amor Historia del Arte Página 29 de 36

30 La pintura barroca europea. La escuela flamenca View more presentations from guestc958f2b5 Historia del Arte Página 30 de 36

31 La pintura holandesa: Rembrandt Holanda es un país calvinista, comercial, auge de la burguesía Su personalidad está determinada por el mar y la tierra llana en lucha constante, cielos nubosos que difuminan la luz. Holanda es el país del paisaje puro como tema de la pintura. Por otra parte, el calvinismo ha modificado la mentalidad del pueblo: austeridad, predominio de lo civil, desaparición del mecenazgo de la iglesia. Predominio de una burguesía comerciante y marítima que quiere ver en los cuadros reflejado el bienestar de sus casas, el ambiente de sus calles y puertos. De ahí también el gusto por lo cotidiano. Dominan el color en pinceladas sueltas pero destacan por su preocupación por la luz que en los exteriores es vibrante y en los interiores, al penetrar por las ventanas laterales, ritma el espacio en volúmenes acentuados por zonas de sombra dando una sensación de ambiente tenue que parece poner en unión al hombre con el ambiente en que vive. También influye el sentido de nueva vida que se adquiere con la recién conseguida independencia después de la paz de Westfalia (1648). La influencia italiana es muy fuerte, sobre todo la de Caravaggio, aunque poco a poco se irá amoldando al propio carácter holandés. Presta especial interés a todos los temas, aún a los más nimios. Se abandona el retrato individual por el colectivo al que convierten en estampa social. Rembrandt tiene retratos importantes (Síndicos pañeros) pero el verdadero representante es Frans Halls, que sabe captar el auténtico sentido holandés. Suele hacer retratos corporativos: Arcabuceros de San Jorge, Regentes del Hospicio de Santa Isabel, Regentes del Asilo de Ancianos. Tiente también retratos individuales como "la gitana". En los temas de género es donde verdaderamente reside la personalidad social de Holanda. Hay diversas clases de género. Grotesco o aldeano, que proviene del Bosco y Brueghel. Hay más melancolía y menos bullicio que en Flandes. Van Ostade: Concierto de campesinos: la luz parece ya impresionista. Doméstico o de sociedad: también se llaman intimistas o de interiores. Son menos imaginativos pero mucho más minuciosos. Los personajes aumentan de tamaños aunque disminuyen en número. Todo se difumina en una especie de neblina, de atmósfera real. Autores holandeses destacados serán Vermeer de Delft y Pieter de Hooch. Pintura Barroca Holandesa View more presentations from neni El autor más destacado de la escuela holandesa es REMBRANDT. Es considerado el máximo exponente de la pintura holandesa del siglo XVII. Fue un pintor muy prolífico, que desarrolló de manera especial el retrato, tanto individual como colectivo. Contrariamente a la tradición en Holanda, sí cultiva el tema religioso, contemplado con profunda emoción y respeto. Es un pintor de carácter espiritual ajeno al desarrollo general de la Escuela Holandesa. Es el maestro del color (aplicado en manchas gruesas) y la luz (es profunda y antinatural y dota a sus cuadros de un Historia del Arte Página 31 de 36