TEMA 7: El Renacimiento

Transcripción

1 TEMA 7: El Renacimiento El desarrollo de este tema lo voy a dividir en cuatro apartados, el primero tratará sobre los fundamentos estéticos del arte del Renacimiento, el segundo sobre el Renacimiento en Italia, el tercero sobre su influencia en España y en el último haré un estudio de una de las obras del Renacimiento más representativas, El Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina del Vaticano. Su planteamiento obedecerá el siguiente esquema: 1. FUNDAMENTOS ESTÉTICOS DEL ARTE DEL RENACIMIENTO 2. EL RENACIMIENTO ITALIANO EL QUATTROCENTO FLORENTINO EL CINQUECENTO. EL CLASICISMO 3. EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA ARQUITECTURA ESCULTURA PINTURA 4. ESTUDIO DE UNA OBRA REPRESENTATIVA: EL JUICIO FINAL CONCLUSIÓN BIBLIOGRAFÍA 1. FUNDAMENTOS ESTÉTICOS DEL ARTE DEL RENACIMIENTO Con el término Renacimiento se designa a un amplio movimiento cultural y artístico que surge en Italia a finales del siglo XV y se extiende por Europa en los primeros años del XVI, supone una valoración de la antigüedad clásica, al tiempo que sirve de marco al inicio de la Edad Moderna. Estos son sus fundamentos estéticos: El Renacimiento se caracteriza por una visión antropocéntrica del mundo frente al teocentrismo medieval. Se produce una exaltación de la naturaleza que se convierte en el eje de observación del mundo junto al hombre. Esto se manifiesta en el arte

2 mediante la construcción de villas en el campo, la creación de fascinantes jardines y la búsqueda de una estética natural. Otro fundamento es la valoración de la Antigüedad Clásica, si bien es cierto que durante la Edad Media se había continuado bebiendo de las fuentes de la tradición clásica, sobre todo de la latina, el mundo clásico proporciona ahora los modelos a seguir. Sin embargo, no se trata de imitar sino de superar, esto lleva a la búsqueda de un naturalismo idealizado, la aparición de la temática mitológica y un amor a la belleza como producto de la filosofía neoplatónica. Se produce un sometimiento del arte a las leyes matemáticas. Dado que los renacentistas eran consumados matemáticos, en sus obras buscaban la perfección matemática, son obras de arte caracterizados por el predominio de formas geométricas. El sistema de perspectiva fue inventado en Florencia en el siglo siglo XV por Brunelleschi, la idea era crear una ventana abierta al mundo (la fenestra aperta, que diría Alberti), era una perspectiva muy teórica (perspectiva lineal) donde las figuras del fondo aparecían con perfecta nitidez. Leonardo da Vinci aportó la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, dando lugar al sfumatto. El Renacimiento se caracteriza por la búsqueda de la proporción, belleza y armonía, tres términos que están íntimamente ligados entre sí, la belleza se consigue con la correcta proporción matemática de las figuras, lo que conduce a la idea de armonía. 1. EL RENACIMIENTO ITALIANO Son muchas las causas que explican la aparición del Renacimiento en Italia y no en otro país europeo, para empezar el desarrollo de las ciudadesestado que competían entre sí mediante la creación de manifestaciones artísticas y que permite el ascenso social de la burguesía (mecenas de los artistas) y el despegue del capitalismo. La caída de Bizancio en 1453 llevó a Italia, y en particular a Florencia, muchos sabios portadores del bagaje cultural clásico, sin olvidar la cercanía del clasicismo del Antiguo Imperio Romano. EL QUATTROCENTO FLORENTINO El siglo XV en Florencia es la fase del Renacimiento en la que los artistas luchan por el dominio de la técnica (todavía incipiente) y la creación de la forma artística. Florencia se convertirá en el "laboratorio" donde los artistas van a realizar investigaciones en arquitectura, pintura y escultura.

3 ARQUITECTURA La arquitectura renacentista nace de la admiración de las ruinas romanas y de la obra del tratadista romano Vitrubio Tratado de Arquitectura. Brunelleschi construyó sus edificios con elementos arquitectónicos clásicos: arcos de medio punto, bóvedas de cañón, columnas y pilastras, frontones... construye la primera gran obra del Renacimiento, la Cúpula de la catedral de Florencia, inspirada en la del Panteón de Roma, entre sus obras destacan la Iglesia de San Lorenzo y la Capilla Pazzi. Fijó el modelo de palacio renacentista con almohadillado alla rustica, como hacían los antiguos romanos en el Palazzo Rucellai. Alberti encarna al artista científico y erudito, escribió tratados de arquitectura (De re Aedificatoria), escultura y pintura. Sus iglesias son la práxis de su obra teórica, las llama templos con un deseo de unificar lo clásico y cristiano, sirven de ejemplo el Templo Malatestiano de Rímini, panteón para la familia Malatesta, del que destaca la portada a modo de arco del triunfo y la Iglesia de Sant Andrea en Mantua. Hizo descripciones de ciudades por lo que fue solicitado de asesor en Pienza, modelo ideal de ciudad renacentista abierta y amplia gracias a sus plazas mayores. Renovó la tipología palacial siguiendo las descripciones de Plinio, sus villas eran construcciones de pequeña altura que quedaban perfectamente integradas en el paisaje, es el caso de la Villa Belvedere construida para Inocencio VII sobre una colina en el Vaticano. ESCULTURA La escultura cuatrocentista tiene como modelo la escultura clásica. Ghiberti fue el primero en hacer uso de la escultura naturalista en Florencia al labrar las Puertas del Baptisterio de Florencia, "las puertas del Paraíso" al decir de Miguel Ángel, sus escenas más significativas son El Sacrificio de Isaac, Las Bodas del Rey Salomón y la Reina de Saba, La Historia de José... en ellas empleó la técnica del schiachiatto consistente en la multiplicación de los planos de profundidad (las figuras de primer plano tienen más bulto que las del fondo) esto permite representar la perspectiva, a lo cual contribuye el paisaje de fondo. Donatello fue el más grande escultor cuatrocentista, utiliza el sistema de proporciones de la antigüedad y el schiacciatto. Su David (primer desnudo del Renacimiento) o el San Jorge manifiestan perfectamente el uso del naturalismo idealizado. Su escultura, El Gattamelata, inspirada en la ecuestre de Marco Aurelio, se convierte en modelo a imitar por toda la escultura ecuestre renacentista, ensalza las virtudes del condotiero italiano.

4 PINTURA El problema que plantea la pintura renacentista es la ausencia de modelos de la antigüedad. La generación experimental de pintores, es un conjunto de artistas que establecen los principios de la pintura moderna. A esta generación pertenece Masaccio, que fue el primero en introducir la perspectiva en la pintura, tal y como nos muestra en El tributo de la moneda. Piero Della Francesca centró su preocupación en los juegos de luces y sombras, y en la representación de la proporción del cuerpo humano, una de sus mejores obras es El Bautismo de Cristo. Paulo Ucello se sintió atraído por la representación de la perspectiva y del movimiento, La batalla de San Romano es uno de sus mejores ejemplos. Andrea Mantegna es el más completo de los pintores cuatrocentistas de la generación experimental, supo sintetizar como nadie los nuevos hallazgos con la pintura de Flandes, con lo que sentará las bases de la escuela veneciana del color, su concepción de la perspectiva se realiza desde un "punto de vista bajo" lo que posibilita proyectar figuras en un cielo imaginario, lo aplica en la cúpula de la Cámara de los Esposos en el palacio Ducal de Mantua, es autor también de extraordinarios escorzos como El Cristo muerto. También existió un conjunto de artistas continuadores de la tradición del gótico, entre los que destaca Fra Angélico, autor de dulces vírgenes, si bien no duda en utilizar algunos recursos de la pintura moderna como la perspectiva, una de sus obras más emblemáticas es el Descendimiento de Cristo. La generación de pintores de fin de siglo se ocupa de la belleza, a ella pertenecen Ghirlandaio, Signorelli, Filippo Lippi, Perugino y Sandro Botticelli que dota a sus personajes de suaves rostros, creando un prototipo de belleza femenina donde plasma el amor platónico predicado por Marsilio Ficino, la belleza física es un reflejo de la belleza espiritual, paso hacia la unión con la idea de Bien que identifica con Dios, así lo demuestra en El nacimiento de Venus y La Primavera. EL CINQUECENTO. EL CLASICISMO El siglo XVI en Italia es la fase donde la forma artística alcanza el equilibrio y la perfección, por lo que se convierte en modelo ideal a imitar por las generaciones venideras. Durante este siglo Roma, gracias al mecenazgo de Julio II, y en menor medida Venecia, desplazaran a Florencia como centro de las artes. ARQUITECTURA

5 Bramante trabajó en Roma, es un maestro insuperable de lo que podríamos llamar composición arquitectónica, entre sus obras destaca el Templete de San Pietro en Montorio, un templo circular grecorromano coronado por una cúpula con linterna, es el mejor exponente de lo que él llamaba renovatio vetustatis. Miguel Ángel representa un cambio hacia el manierismo, creador del orden gigante de enormes pilastras, trabajó en San Pedro del Vaticano aportándole su gran cúpula inspirada en la de Florencia, otra obra suya es la Biblioteca Laurenciana cuya escalera manifiesta profundas dosis barrocas. Vignola fue autor de fascinantes villas de tipo clásico con aportaciones manieristas, dotadas de grandes jardines con los que fusionaba vegetación y arquitectura, así nos lo muestra en el Palacio Farnese en Caprarola. Andrea Palladio fue el mejor arquitecto del siglo XVI, trabajó fundamentalmente en Vicenza, su obra Los cuatro libros de arquitectura tuvo una influencia en Europa de tamaño capital, estableciendo tipologías para todas las construcciones, es el autor de la Iglesia del Redentor en Venecia, La Basílica de Vicenza, La Villa Rotonda, El Palazzo Chiericati en Vicenza, etc. ESCULTURA Miguel Ángel Buanorroti ( ) fue un genio polifacético pero ante todo escultor, por eso su arquitectura y pintura presentan un carácter escultórico. Características: monumentalismo y colosalismo de sus figuras dotadas de fuerza expresiva y tensión dramática (terribilitá), y el equilibrio entre masa y movimiento (contrapposto). Primeras obras. Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. Primera estancia en Roma. ( ) La primera obra que realizó fue un Bacus de medida natural, con gran parecido a una estatua clásica. Es ésta claramente primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura. En 1497 recibió el encargo de una Piedad, la originalidad con la que trató esta pieza Miguel Ángel se nota en la ruptura con el dramatismo con el que hasta entonces se trataba esta iconografía, que siempre mostraba el gran dolor

6 de la madre con el hijo muerto en sus brazos. Miguel Ángel, sin embargo, realizó una Virgen, serena, concentrada y extremadamente joven, y un Cristo que parece que esté dormido y sin muestras en su cuerpo de haber padecido ningún martirio: el artista desplazó toda clase de visión dolorosa con tal de conseguir que el espectador reflexionase delante del gran momento de la muerte. Retorno a la Toscaza. Piero Soderini, un admirador de Miguel Ángel le hace uno de los encargos más importantes de su vida: el David. Miguel Ángel realizó un modelo en cera y se puso a esculpir en el mismo lugar donde estaba ubicado el bloque sin dejar que nadie viera su trabajo durante más de dos años y medio, que fue el tiempo que tardó en acabarlo. Hizo la representación de la escultura en la fase anterior a la lucha con Goliat, con una mirada cargada de incertidumbre y con la personificación simbólica de David defendiendo la ciudad de Florencia contra sus enemigos. Los florentinos vieron el David como símbolo victorioso de la democracia. Esta obra muestra todos los conocimientos y estudios del cuerpo humano conseguidos por Miguel Ángel hasta esa fecha. La tragedia de la sepultura. El año 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra. El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. La gran escultura del sepulcro es la figura del Moisés, la única de las ideadas en el primer proyecto que llegó al final de la obra. La estatua colosal, con la terribilitá de su mirada, demuestra un dinamismo extremo. Está colocada en el centro de la parte inferior, de manera que se convierte en el centro de atención del proyecto definitivo. El resto del monumento fue realizado por sus ayudantes. Las tumbas de los Médici. El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, y su hermano Juliano. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que

7 envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la Aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador». Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales, contestó: «Y quién se dará cuenta de aquí a diez siglos?».[62] Otras obras. Del resto de su catálogo podemos destacar la Piedad Rondanini, que sería la última escultura en la cual trabajaría hasta la vigilia de su muerte. La religiosidad que muestran estas últimas esculturas es el resultado de una crisis interna del autor. Las imágenes de la Piedad Rondanini son alargadas y tanto el Cristo como la Virgen se encuentran completamente unidos como si se tratase de un solo cuerpo, se aprecia una frontalidad dramática de origen medieval. La dejó, inacabada. PINTURA Leonardo da Vinci constituye el paradigma de genio polifacético que domina todos los campos del saber, usó el método científico en la observación de la naturaleza y lo plasmó en sus obras teóricas como muestra en el tratado De Pintura. Aporta la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez (sfumatto), en un intento por captar la atmósfera, además concibe la luz como una fusión del negro y del blanco (claroscuro), lo que se traduce en la pérdida de importancia del dibujo en beneficio del color. Entre sus obras destacan La Gioconda, La Virgen de las Rocas de fondos paisajísticos misteriosos y La última cena. Miguel Ángel, como pintor, fue un claro predecesor de los manieristas, su obra magna es la decoración de La Capilla Sixtina donde combina su faceta de escultor, pintor y arquitecto, encuadra las escenas de Sibilas, Profetas, Ignudi (jóvenes desnudos) y el Génesis entre falsas

8 arquitecturas, esta obra culmina con El Juicio Final. Rafael Sanzio sintetizó lo mejor de los dos artistas anteriores y aportó su sello personal, su pintura es amable y colorista, en la que hace uso de composiciones geométricas bien estudiadas. Es autor de retratos de profunda psicología como en El cardenal, y de cándidas madonnas como La bella Jardinera, su obra más conocida es la decoración de las estancias vaticanas donde destaca La Escuela de Atenas. La escuela veneciana se caracteriza por un predominio absoluto del color sobre la línea, además por la gran importancia que adquiere el paisaje dotándolo de una racionalidad casi matemática, exalta la riqueza de la República de Venecia haciendo hueco en la pintura a sus telas, joyas y ambientes palaciegos, y proporciona más importancia al tema secundario que al principal. Entre sus pintores destacan: Giorgione, fundador de la escuela, con su Venus dormida; Tiziano, gran dominador del color y cultivador de todos los temas, resultan admirables el Martirio de San Lorenzo, La bacanal y el retrato de Carlos V en Muhlberg; Veronés, fue el pintor del lujo en medio de extraordinarios fondos como es el caso de Moisés salvado de las aguas del Nilo; Tintoretto, cuya tensión dramática semejante a la de Miguel Ángel le sitúa en la frontera con el manierismo, destaca El Lavatorio. EL MANIERISMO Este estilo se enmarca en un contexto histórico de crisis mediante la Reforma protestante y el inicio de la era de violencia (Saco di Roma de 1527), lo que cuestiona el mundo ideal renacentista, esta situación introdujo novedades artísticas, la forma abandonó el equilibrio y adoptó tensión dramática a la vez que ganaba fuerza expresiva, también se abandonó el lenguaje sencillo por temas y composiciones complejas de muy difícil entendimiento, el arte manierista es un estilo intelectual y elitista. Es la fase de inicio de la decadencia y ruptura de la forma equilibrada y perfecta del clasicismo. El origen de su nombre se debe a la consideración de que el artista se limita a copiar a los genios "alla maniera", de donde se deriva su etimología, hoy está superada esta visión simplista, por el contrario valoramos la fase manierista como el fruto de la crisis del lenguaje clásico. Arquitectura: Se utilizan los elementos de la arquitectura clásica pero con mayor libertad. Pintura: Las figuras humanas adoptan un canon alargado y estilizado (amanerado), los cielos se vuelven tormentosos y los colores se tornan vivos, como muestra Parmigianino en la Virgen del Colo Longo. Escultura: Triunfa la "forma serpentinata" como se aprecia en Perseo de Benvenuto Cellini y Mercurio de Juan de Bolonia, donde las figuras captan numerosos puntos de visión.

9 2. EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA El Renacimiento español es una síntesis del Renacimiento italiano y del espíritu medieval religioso español, es tardío, no se manifestará hasta el siglo XVI. ARQUITECTURA La arquitectura española renacentista se divide en tres estilos: El plateresco. Se desarrolla en el primer tercio del siglo XVI. El término se debe a la abundante decoración de las fachadas que recuerda a la labor de los plateros. Estas son sus características: como continuador del estilo Reyes Católicos muestra un total protagonismo de las fachadas profusamente decoradas con medallones y figuras heráldicas; los elementos clásicos, como los arcos de medio punto, conviven con arcos carpaneles y conopiales representativos del gótico. Sus obras más importantes son: la fachada de la Universidad de Salamanca de autor anónimo; la Casa de las Conchas en Salamanca; el Palacio de Cogolludo en Guadalajara de Lorenzo Vázquez, introductor de las formas italianas en España; la Escalera Dorada de la catedral en Burgos de Diego de Siloé; el Hospital de la Santa Cruz obra iniciada por Enrique Egas en el estilo isabelino y continuada por Alonso de Covarrubias, constituye un modelo de hospital de amplia difusión con planta cruciforme y patios entre los brazos. El purismo. Se desarrolla en el segundo tercio del siglo XVI. En 1526 se publica el libro de Diego de Sagredo, Medidas del Romano el primer tratado de arquitectura renacentista fuera de Italia, muy similar a la obra de Alberti De re Aedificatoria, desde entonces esta obra marca la pauta a seguir, imponiendo todos los elementos y características de la arquitectura renacentista. Entre sus obras destacan: la Catedral de Segovia de Rodrigo Gil de Hontañón; la Catedral de Jaén y la Iglesia del Salvador de Úbeda de Andrés de Vandelvira discípulo de Diego de Siloé; la Catedral de Granada de Siloé en la que utiliza un original pilar formado por columnas adosadas de proporciones clásicas; el Palacio de Carlos V de Pedro Machuca en la Alhambra de Granada, una construcción con patio circular, única en su género. El estilo herreriano. Se desarrolla en el último tercio del siglo XVI. Tiene su origen en el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial construido entre en conmemoración de la victoria española de San Quintín, Juan

10 Bautista de Toledo fue su primer arquitecto, había trabajado en Italia a las órdenes de Bramante, a su muerte en 1567 continuó Juan de Herrera, creador del estilo. Fue un estilo propagandístico de los Habsburgo y de la Contrarreforma, basado en el colosalismo y la monumentalidad, un estilo sobrio que aporta el sentido estático y ordenado, de austeridad decorativa tanto externa como interna, reducida a unas pirámides coronadas por bolas. El edificio está concebido como colegio, biblioteca, panteón real, palacio y convento, es una imponente masa horizontal de la que destacan las torres angulares coronadas por tejados de pizarra de inspiración flamenca al gusto de Felipe II. La planta es de un simbolismo de difícil interpretación, en el eje central se sitúa la basílica, y a su alrededor de forma simétrica los patios, como el patio de los Evangelistas y el de los Reyes, se completa el conjunto con otros jardines y huerta. ESCULTURA El primer tercio del siglo XVI está caracterizado por la presencia de artistas italianos dentro de la estética del quattrocento florentino que van desplazando la tradición gótica, es el caso de Torrigiano y Fancelli autor del sepulcro de los Reyes Católicos en Granada y de la tumba del Cárdenal Diego Hurtado de Mendoza. Bartolomé Ordóñez muestra este gusto italiano en el sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en Granada. El segundo tercio siglo del XVI desarrolla la escultura renacentista purista. Alonso de Berruguete, discípulo de Miguel Ángel, tomó de su maestro la fuerza dramática y la tensión dramática, presenta "formas serpentinatas" al igual que los manieristas, es el autor de la sillería del coro de la catedral de Toledo. Juan de Juni es de formación francesa, su obra busca la perfección, de ella destaca la Sepultura de Cristo destinado a la capilla funeraria de Fray Antonio de Guevara. El tercer tercio del siglo XVI desarrolla una escultura propagandística y académica cuyos mejores representantes son los milaneses León y Pompeyo Leoni. Se caracteriza por la solemnidad, serenidad, equilibrio, lujo de materiales y virtuosismo técnico. Sus obras más significativas son Carlos V dominando al temor de León Leoni que recuerda a los emperadores romanos, y los grupos sepulcrales de Carlos V y Felipe II de Pompeyo Leoni que adornan los laterales de la basílica de El Escorial. PINTURA La pintura del primer tercio del siglo XVI intenta fusionar lo italiano con la tradición flamenca anterior, es el caso de Juan de Flandes y Pedro de

11 Berruguete formado en la tradición hispano-flamenca y discípulo de Piero della Francesca, se caracteriza por su colorido de inspiración flamenca y la elegancia italiana. En el segundo tercio del siglo XVI la influencia italiana es mayor, sobre todo de Rafael, como muestra Juan de Juanes autor de La lapidación se San Esteban. En el último tercio del siglo XVI destacan los pintores decoradores del Escorial como Tibaldi, Zuccaro y Navarrete; y los retratistas de corte como Alfonso Sánchez Coello autor del Retrato del Príncipe Don Carlos y Pantoja de la Cruz que desarrollan un retrato frío, distante, elegante, aristocrático y detallista en la línea de Tiziano. Sin embargo, la figura más importante del siglo es El Greco, el más manierista de los pintores. Doménico Theotocopoulos trabajó a finales del XVI y principios del XVII, nació en Candia (Creta) y se formó en la influencia bizantina, que se manifiesta en el empleo de la maniera greca y en el uso de personajes que manifiestan una belleza idealizada con un canon alargado y estilizado (amanerado). En Venecia recibió las influencias de Veronés, Tintoretto y Tiziano, del que siempre se consideró discípulo, de ellos adquiere el predominio del color y las composiciones complejas. Una breve estancia en Roma le permite conocer la obra de Miguel Ángel, del cual aprendió a tratar los desnudos. En 1580 presenta al rey El Martirio de San Mauricio, que le había sido encargado para El Escorial, pero no fue del gusto de Felipe II que encarga la decoración del Monasterio a pintores de segunda fila. Entonces fija su residencia en Toledo donde dará a luz sus obras más importantes: La Trinidad, El Expolio, El Entierro del Conde de Orgaz, Vistas de Toledo, en ellos la espiritualidad alcanza su máxima culminación, los colores se hacen más fríos predominando los azules, grises y verdes. 4. ESTUDIO DE UNA OBRA REPRESENTATIVA: EL JUICIO FINAL No es clara la fecha en que se concibe la idea de realizar esta obra, Miguel Ángel se compromete a su ejecución en marzo de La muerte de Clemente VIII en septiembre de 1534, hizo que este proyecto fuera abandonado. Pero poco después Paulo III, nuevo pontífice, le encarga El Juicio Final, para el que, en abril de 1535, se empezaba a construir el andamiaje. La composición unitaria se ordena mediante franjas de figuras. En la franja superior se representa el mundo celeste, con Dios Juez en el centro, junto al que se sitúa la Virgen, a los lados santos, patriarcas y apóstoles, que forman una primera corona, más allá se sitúan los mártires, confesores de la iglesia, vírgenes y otros bienaventurados, a los pies de Dios, en posición predominante San Lorenzo y San Bartolomé, santos a los que iba a ser dedicada la Capilla Sixtina. La figura de un Dios Juez, con un brazo levantado, parece

12 impulsar el movimiento vertiginoso de todo el conjunto. En la franja inferior se representan en el lado izquierdo los salvados y en el opuesto los condenados. En la zona inferior, a la izquierda se desarrolla la resurrección de los muertos, y a la derecha el traslado de los condenados en la barca de Caronte, que les pega con un remo, ante el juez infernal Minos. Las casi cuatrocientas figuras que componen este fresco aparecen desnudas en un atmósfera apocalíptica, penetrada por el sentido de dramatismo entre la vida y la muerte. La obra representa el final del clasicismo dominante a principios del Renacimiento y el abandono de las ideas platónicas, Miguel Ángel rompe con la idea de toda concordia entre Antigüedad y Cristianismo. Con ella cierra el ciclo iniciado en la bóveda de la Capilla en torno a la idea de salvación. En la hora del juicio aparece Cristo Juez, como Apolo, terrible, justiciero e implacable. No existe ninguna referencia a la construcción del espacio mediante la perspectiva, no hay serenidad, ni armonía, ni se establece un espacio unitario y científico. En toda la obra domina la sensación de agitación, de movimiento constante, de confusión y drama. Cristo aparece en el centro dominando un sistema en el que destacan los elegidos, mientras los condenados se agitan convulsos y se precipitan a la perdición eterna. El 31 de octubre de 1541 se concluye la obra y toda Roma acude a verla, Vasari asegura que llena de estupor y maravilla. Con la obra Miguel Ángel plasma el triunfo de lo humano sobre lo divino. La desnudez de sus figuras no fue del gusto de la Iglesia, el Papa Pío V en 1549 ordenó a Daniele da Volterra cubrir las desnudeces más atrevidas. CONCLUSIÓN Hemos estudiado el arte del Renacimiento, sin duda, un estilo artístico de capital importancia en la Historia del Arte, supone una valorización del arte clásico, a partir de entonces y en particular a partir del siglo XVIII, los demás estilos artísticos se estudiarán en la medida en que sus formas se acerquen o alejen del clasicismo tomado como referencia. BIBLIOGRAFÍA RAMÍREZ, Juan Antonio: Historia del Arte. La Edad Moderna. Madrid, Alianza, ALCINA FRANCH, J.; BARANDIARÁN, I.; BENDALA GALÁN, M.; ELVIRA, M. A.; GARCÍA ORMAECHEA, C.; JIMÉNEZ, J.; HARTT, F.: Historia de la pintura, escultura y arquitectura. Ed. Akal, Madrid, HONOUR, H. y FLEMING, J.: Historia del Arte, Ed. Reverte, Barcelona, 1986.

13 SUMMA ARTIS. HISTORIA GENERAL DEL ARTE. VVAA. ESPASA CALPE. COLECCIÓN CUADERNOS DE HISTORIA DEL ARTE. VVAA. EDITORIAL HISTORIA 16 LAROUSSE. VVAA. Enciclopedia Ilustrada Artes y Obras Maestras, Ediciones Larousse S.A.