VINCENT VAN GOGH. En esos días le escribió a su hermano la siguiente carta:

Transcripción

1 ( ) Renoir, Auguste ( ), pintor impresionista francés, famoso por sus pinturas resplandecientes e íntimas, en particular las que representan desnudos femeninos. Considerado como uno de los más grandes artistas independientes de su época, es famoso por la armonía de sus líneas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus muy variados temas pictóricos. A diferencia de otros impresionistas, le interesó más la representación de la figura humana individual o en retratos de grupo que los paisajes; además, tampoco subordinó la composición y plasticidad de la forma a los intentos de interpretación de los iluminación. Renoir nació en Limoges, el 25 de febrero de De niño trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas de París, a los 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Tras su ingreso en la Academia de Bellas Artes, en 1862, Renoir se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde conoció a Fridéric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley. Su obra más temprana estuvo influenciada por dos pintores franceses, Monet en su tratamiento de la luz, y el pintor romántico Eugène Delacroix en su tratamiento del color. En 1864 exhibió por primera vez su obra en París, pero no obtuvo cierto reconocimiento hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista. El baile del Moulin de la Galette (1876, Museo d'orsay, París) es una de las obras más famosas del impresionismo: una escena de un café, al aire libre, en la que queda patente el dominio de Renoir en el tratamiento de las figuras y en la representación de la luz. Otros ejemplos extraordinarios de su talento como retratista son: Madame Charpentier y sus niños (1878, Museo Metropolitano de Nueva York) y Jeanne Samary (1879, Museo del Louvre de París). Renoir consolidó su reputación con la exposición individual celebrada en la galería Durand-Ruel de París en Entre 1884 y 1887 realizó unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas (Museo de Arte de Filadelfia). Estas obras revelan su extraordinaria habilidad para mostrar el brillante y nacarado color y textura de la piel y para comunicar un sentimiento lírico unido a la plasticidad del tema. Su representación de la gracia femenina no ha sido superada en la historia de la pintura moderna. Muchos de sus últimos cuadros tratan también el mismo tema pero en un estilo cada vez más acentuado rítmicamente. Durante los últimos 20 años de su vida padeció de artritis. Aunque le era imposible mover las manos libremente, continuó trabajando con un pincel atado al brazo. Renoir murió el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes, una villa al sur de Francia. Otras destacadas pinturas de Renoir son: El palco (1874, Galerías del Courtauld Institute de Londres), Mujer del abanico (1875) y El Columpio (1875), ambas en el Museo d'orsay de París, El almuerzo de los remeros (1881, Colección Phillips de Washington), Los paraguas (1883, National Gallery, Londres) y Jarrón de crisantemos (1895, Museo de Bellas Artes de Ruán, Francia), uno de los numerosos bodegones de flores y frutas que pintó a lo largo de su vida.

2 VINCENT VAN GOGH Vincent Van Gogh, quien con el tiempo llegaría a ser un grán pintor, nació en 1853 en un pequeño pueblo de Holanda, al norte de Europa. Fue un niño difícil, sensible y nervioso. Su hermano Théo, a pesar de ser cuatro años menor que Vincent, siempre cuidó de él, pues era mucho mas sensato. Los lazos de afecto que unían a los dos hermanos eran excepcionalmente fuertes. Muy pocas veces se ha oído hablar de una relación fraternal tan conmovedora. Siempre estuvieron muy cerca el uino de el otro y ni siquiera la distancia pudo separarlos. Cuando, ya adultos, las circunstancias los obligaron a vivir en ciudades distintas, se escribían a dirario y en ocasiones hasta dos veces en un mismo día. Vincent tenía interés en hacer muchas cosas, pero por razones que él mismo desconocía todo lo que emprendía lo dejaba a la mitad. Así sucedió con la escuela, con un buen trabajo que tuvo en una galería de arte y con sus propósitos de dar pláticas religiosasa los mineros de una desolada región de Bélgica (país vecino de Holanda), a quienes deseaba, de todo corazón, brindar apoyo. Todo lo empezaba bién y tenía capacidad para llevarlo a cabo, pero por causa o por otra terminaba por abandonar cuanto se proponía hacer. Sin embargo, sí fué muy constante en dos cosas: su relación con su hermano Théo, durante toda su vida, y su amor por la pintura, a partir de que, a los veintisiete años, decidió ser pintor. Con el fín de prepararse para ello, empezó por copiar dibujos de un pintor a quién admiraba: Jean-François Millet (se pronuncia Yan Fransuá Millé). Vincent, que tenía los nervios frágiles y se angustiaba con facilidad, se dió cuenta de que dibujar lo tranquilizaba, por lo que, ademas de copiar los dibujos de Millet, se dedicó a hacer bocetos. Como para él no era facil comunicarse con los demás, escogió el camino del arte para expresar sus sentimientos. Los temas que en esa época trató fueron los realcionados con mineros y campesinos, por quienes sentía una grán simptía, pues eran gente trabajadora y sufrida. En esos días le escribió a su hermano la siguiente carta: "Querido Théo: Estoy copiando dibujos y creo que si los vieras no los encontrarías tan mal. Si ya tienes los que te pedí de Millet, el pintor que tanto me gusta, envíame los en cuanto puedas. Note preocupes por mí, si logro continuar dibujando me sentiré bién. He interrumpido mi trabajo para escribirte y tengo prisa por continuarlo, de manera que me despido. Te mando un fuerte y cariñoso abrazo. Vincent Un poco más tarde, Van Gogh frecuentó el taller de un primo suyo que era pintor. Ahí empezó a pintar al óleo y ralizó algunos paisajes, escenas de la vida campesina y naturalezas muertas. Sus pinturas revelaban ya una sensibilidad inquieta y apasionada. A Vincent le gustaba copiar la naturaleza, pero -como el decía- "no lograba ponerse de acuerdo con ella". Así pues, optó por crear una naturaleza propia utilizando sus colores y su imaginación. Sin embargo, podría decirse que a Van Gogh, mas que la naturaleza le interezaba la atmósfera. Captar en sus pinturas la

3 transparencia del aire, las partículas de luz, se convirtió en su mayor ambición. A este respecto le escribió a su hermano: "Mi querido Théo: Es todo un reto pintar la atmósfera, pero he descubierto que cuando uno realmente quiere hacer algo, lo logra". Cuando tenía terita y tres años, Vincent, con la ayuda de Théo, se fué a vivir a París. En esa ciudad, visitó todos los museos y entabló relación con varios pintores, con quienes se desvelaba bebiendo ajenjo y platicando sobre su tema favorito: la pintura. Así pudo ampliar sus conocimientos pictóricos, lo que se reflejó en su técnica. Empezó a utilizar un trazo gruezo y vigorozo, añadió a sus pinceladas puntos, rayas y pequeños cuadros y, sobre todo, adoptó los colores puros. La agitada vida que llevó en París durante mas de dos años y el largo y frío invierno parisino hicieron que el cuerpo y la mente de Vincent se debilitaran. Para recobrar sus fuerzas, decidió irse a vivir a un lugar mas tranquilo y con mejor clima. Escogió una tibia y luminosa región del sur de Francia que le ofrecía, además, una grán riqueza de colores. Ahí se deslumbró con el dorado resplandor del sol, el intenso azul del cielo y el brillo de las estrellas que alumbraban la noche. Al recorrer los campos iluminados por el amarillo-naranja de los girasoles y por el oro viejo del trigo maduro Van Gogh volvió a sentirse niño y se apoderó de él una grán alegría de vivir. Todo esto se reflejo en sus pinturas. Sus vigorosas pinceladas hacían que los objetos representados en ellas parecieran dotados de moviemiento, como si estuvieran animados por entensas emociones. Su paleta de pintor se fué llenando de colores vivos, y en ella mezcló el verde con el rojo, el azul con el naranja, el violeta con el amarillo. Su colorido guardaba poca relación con la realidad, pero!eso que importaba! Era su creación. Van Gogh pintaba de día y de noche. Pintaba cuando veía: su cama, sus zapatos; los campus de trigo y los girasoles; su propia cara y la de la gente del pueblo. Era como si se hubiera apoderado de él la fiebre del trabajo. Para poder pintar de noche, sujetaba varias velas de su sombrero y le amanecía pintando tabernas iluminadas, campos bañados por la luz de la luna y noches cuajadas de esctrellas.

4 En esta época fue a pasar una temporada con su amigo Paul Gauguin (se pronunciapol Gogá), también gran pintor. Vincent quería mucho a Gauguin y decidió, para representar sus deferentes personalidades, hacer dos cuadros: en uno representaría la silla en que Gauguin solía sentarse y en el otro su propia silla. En dichos cuadros podemos observar que mientras la silla de Vincent es muy simple: amarilla, de madera tosca, líneas rectas y asiento de mimbre, en el que reposan su pipa y un rollo de tabaco, la de Gauguin es más elegante: azul, de líneas curvas y asiento acolchonado, sobre el cual pintó un libro y una vela encendida. Con seguridad, Van Gogh usó esos elementos para expresar el cariño y la admiración que sentía por su amigo. Vincent estaba felíz con la visita de Gauguin y se desvelaba y se emborrachaban mas de lo debido. Si a eso añadimos que su reciente fiebre de trabajo lo había hecho olvidarse de comer y dormir, comprendemos que sus nervios, ya en sí frágiles, se debilitaron más todavía. Una noche en que los dos amigos discutían sobre arte, Vincent se enojó, perdió el control y se fue corriendo a su casa donde, en un arrebato, se cortó la oreja. Fué internado en un hospital para enfermedades nerviosas y el doctor que se hizo cargo de él, al darse cuanta de que la pintura era su razón de vivir, le permitió ir al campo a pintar acompañado de un enfermero. Así pues, Van Gogh siguió pintando girasoles, retratos y vistas de alrededores del hospital con los vivos colores y las vigorosas pinceladas con que intentaba expresar sus emosiones. C uando salió del hospital, lo primero que hizo Vincent fué tomar el tren para París, donde vivía su hermano Théo. Después de pasar unos dias con él, se fué a vivir a un pueblito cercano, Auvers-sur-Oiste al noroeste de París, donde cada mañana abandonaba su pequeño y humilde cuarto de hotel para irse a pintar al campo. Una mañana en la que, como de costumbre había salido a pintar, Van Gogh fue víctima de una nueva crisis nerviosa y se hirió gravemente. En cuanto su hermano se enteró, corrió a su lado y permaneció junto a él hasta el último momento. Théo, que había quedado inconsolable por la muerte de Vincent, falleció seis meses después, pero podría decirse que ni la muerte logró separar a los dos hermanos. Página1.. ( )

5 Monet, Claude Oscar ( ), pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión: Sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este período poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) -un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú-. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema -álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint- Lazare, el Sena- representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

6 ( ) Nace en Málaga el 25 de octubre de Su padre José Ruiz es pintor y profesor de dibujo, será quien le inicie en el dibujo y la pintura se establece con su familia en La Coruña se establece en Barcelona acude a las clases de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, pero al final del curso enfermó de escarlatina y regresa a Barcelona. Desde 1897 trabaja en Barcelona y entra en relación con los ambientes artísticos del modernismo catalán, frecuenta "Els Quatre Gats", lugar de encuentro de intelectuales viaja por primera vez a París, pinta Le Moulin de la Galatte y su Autorretrato se instala en Madrid donde funda y dirige la revista "Arte Joven", conoce a Jaime Sabartés, quien le acompañara toda su vida como amigo y como su secretario. De él realiza un retrato durante los años de la denominada Etapa azul en el que el mismo Jaime reconoce que Picasso supo leer sus sentimientos en el momento de entrar en el bar donde le aguardaba. Vuelve a París para hacer una exposición en la Galeria Vollard. Entre 1901 y 1904 lleva a cabo los cuadros que se conocen como Etapa Azul entre los que destacamos Madre con Niño, Niña con Paloma, El Beso, El Abrazo, La Vida, Autorretrato, Retrato de Jaime Sabartés, La Celestina. En 1905 su pintura cambia de color y empieza la denominada Etapa Rosa que se prolonga hasta 1906 con obras como Los Bolatineros, Arlequín, El Harén es considerado el año del nacimiento del Cubismo al pintar Las Señoritas de Avignon. A partir de aquí y conjuntamente con Braque, pues se desconoce quien de los dos aporta las ideas o va por delante en los descubrimientos, se afianza en la búsqueda de la geometría de la estructura y la reproducción del volumen, reduciendo los objetos a volumenes primarios. La huella de Cézanne se deja sentir, pero a diferencia de éste optan por las formas geométricas rectilíneas de cubos, pirámides, paralelepípedos. Este período que abarca hasta 1912 es el conocido como Cubismo Analítico, la mayoría de los cuadros de este período son bodegones, naturalezas muertas y retratos, destacan el de los marchantes Kahnweiler y Vollard. En 1912 introducen variaciones y se conforma el Cubismo Sintético que surge fruto de la introducción de los efectos del collage a la pintura al óleo, se reproduce de forma pictórica texturas, valores táctiles. Según Kahnweiler apareció por la necesidad de superación del intelectualismo y difícil legibilidad en que había desembocado el Cubismo Analítico. En 1914 se produce el estallido de la I Guerra Mundial, mucho de los amigos de Picasso están en el frente pues han sido llamados a filas, el poeta Apollinaire, Braque, Max Jacob, Picasso al no ser francés no es alistado y sigue trabajando, pero son años de soledad y de penuria, su compañera en esos momentos muere. Picasso es amigo de Jean Cocteau quien en 1917 le propone trabajar en los decorados y figurines del ballet ruso de Sergio Diaghilev. Acepta. Se traslada en febrero a Roma, trabaja fervientemente, la música del ballet

7 es de Eroic Satie, cuando se estrena el púbico expresa ruidosamente su indignación por el ballet pero aplaude el decorado de formas cubistas móviles. Durante estos meses ha conocido a la bailarina Olga Koklova, quien abandona el ballet para ir a vivir con Picasso. Picasso va a entrar en una nueva etapa, influido por ese viaje a Roma, y por un deseo que va a invadir a la mayoría de los artistas de esta época de centrarse y de volver al orden y hacia los clásicos para intentar superar el gran drama que supuso la I Guerra Mundial y las consecuencias posteriores que acarrea. Esta nueva etapa que se conoce como neoclásica se caracteriza po el uso de formas escultóricas e imágenes de una grandiosidad y se centra en el retrato. Pero durante estos años va alternar esta vía clasicista con sus obras de carácter cubista. Dentro del primer grupo tenemos Las Bañistas, Mujeres sentadas, Mujeres en la fuente y Mujeres a la orilla del mar, Arlequines, la Flauta de Pan. Dentro del segundo sin duda el cuadro más importan es Tres músicos que es una alegoría a su amistad con Apollinaire y Max Jacob. En 1921 nace su hijo primogénito, Pablo. Pinta Madre e hijo, tema que aparece una y otra vez, al igual que su hijo Pablo vestido de Arlequín. En 1924 aparece en París el primer "Manifiesto surrealista" de André Breton, Picasso participa en la primera exposición surrealista. Él nunca se considerará una artista surrealista, pero éstos intentan adscribirlo dentro de la nómina de los artistas del grupo. En 1927 ha entrado una nueva mujer en su vida Marie-Therese Walter que es su amante y modelo. Por este motivo Olga se separa de él en 1935 y ese mismo año Olga da a luz a Maya. Son los años de La Minotauromaquia y La musa. En 1936 estalla la Guerra Civil Española, al año siguiente el gobierno republicano le encarga una obra para el Pabellón de España en la Exposición Universal de París. La obra que entrega es Guernica. Desde 1936 Picasso está viviendo con Dora Maar quien aparece en múltiples retratos. En 1945 se entrega con entusiasmo a una nueva técnica que ha descubierto: la litografía y llega a realizar doscientas obras en tres años y medio. En estos años conoce a Françoise Gilot y en 1947 nace el primer hijo de ambos cuando están instalados en Ballauris. En esta ciudad mediterránea nace el ceramista Picasso. En 1949 nace su hija Paloma y una vez más la maternidad vuelve a hacer aparición en sus cuadros, así como los niños jugando, en la playa. En 1949 su litografía La paloma, es elegida por Luis Aragon para el cartel del Congreso de la Paz que se celebra en París y es una imagen que da la vuelta al mundo. Desde 1925 Picasso no aparece adscrito a ningún movimiento, pues si su obra antes de la II Guerra Mundial es difícil de encasillar dentro de alguna corriente artística, posteriormente es aún más díficil, este es el signo de Picasso: su originalidad, su discurrir innovando constantemente y tener sus propios signos de identidad, Picasso es más que nunca Picasso. Estos años son años de experimentación constante con nuevas técnicas, de forma que no deja ninguna sin tocar, sin que aparezca en su obra, es como si se cansara y necesitara ser nuevo, original siempre. En 1955 se instala en Cannes y llena el jardín, la terraza de su casa de esculturas de bronce. Olga Klokova ha muerto y Jacqueline Roque es su nueva compañera. En 1955 empieza el período que algunos críticos han denominado de "encuentro con los clásicos", en donde se dedica a reintepretar obras maestras de artistas como Delacroix, Velázquez, Manet y David. Del primero elige Mujeres de Argel, del segundo Las Meninas, del tercero Desayuno en la hierba y del cuarto El rapto de las Sabinas. En 1960 se traslada definitivamente a Nòtre-Dame-de-Vie, en Mougins, donde transcurrirán los últimos años de su vida. Grandes exposiciones se suceden a un ritmo extraordinario en todo el mundo. En 1963 se inagura el Museo Picasso de Barcelona, que reúne las obras donada por Jaime Sabertés, secretario de Picasso, junto con obras que tenía el Museo de Arte Moderno de la ciudad y Picasso cede la serie Las Meninas.

8 Sigue trabajando infatigablemente hasta que el 8 de Abril de 1973 Picasso muere. Podemos decir que vio su muerte, se enfrenta a ella y finalmente la aceptó, como evidencia el último autorretrato que muestra a Pierre Daix en las dos últimas visitas que éste realiza al pintor.