EL AQUELARRE DE GOYA.

Transcripción

1 EL AQUELARRE DE GOYA. El Aquelarre, Fco de Goya ( ). Óleo sobre revoco trasladado a lienzo (140cm 438cm). Museo del Prado. El cuadro representa, como su propio nombre indica, un aquelarre en el que bastantes brujas de expresiones alucinadas rinden culto al demonio, situado a la izquierda del cuadro, vestido con hábitos eclesiásticos y representados como una silueta en sombra. La audiencia a la que predica está compuesta no sólo por brujas, también hay frailes y campesinos de rostros animalescos y gran fealdad que siguen atentamente su alocución; son una masa compacta de aspecto grotesco. A la derecha del todo aparece una joven sentada en una silla, probablemente va ser iniciada en los ritos satánicos para convertirse en bruja y da la sensación de estar ausente. A la derecha del diablo está su ayudante, una bruja de facciones bestiales y manto blanco (en contraste con el negro de Satán), que está junto a frascos, botellas, una cesta y una caja; todos ellos instrumentos para la ceremonia satánica que se va a desarrollar a continuación. Los rostros muestran sorpresa, miedo y expectación. Formalmente el autor ha creado una escena alargada en un formato de más de un metro de largo en el original al que le falta un trozo cortado en su traslado al lienzo. La escena está sometida a cierto movimiento elíptico, los personajes están sentados en círculo, similar a la Gallinita ciega. El centro de esta composición lo forma la mujer del pañuelo blanco a cuyos lados se encuentra el demonio en forma de macho cabrío que destaca en la escena por su tamaño y su enorme mancha negra y la mujer sentada en la silla, probablemente el retrato de Leocadia, amante de Goya, no demasiado favorecida al encontrarse junto a las brujas. 1

2 Como en la mayoría de sus pinturas negras, Goya, utiliza una paleta sucia de tonos sombríos, es decir, varios colores mezclados con negro (blanco, tierras, algo de rojo, negro humo y azul). La pincelada es muy suelta, pero en algunas figuras Goya realiza el contorno con líneas bastante finas, como por ejemplo la figura de la izquierda. La luz es expresiva, da fuerza, energía a la imagen, y se centra en las figuras de delante, donde tiene mayor movimiento la escena. Nos permite ver con mucho realismo la misma y percibir el morbo de la situación, junto con el hecho tan tenebroso que representa una invocación al diablo. Se utilizan fuertes claroscuros, como el pañuelo de la bruja sentada en la silla. La perspectiva es aérea, el rostro de las brujas que están situadas más lejos no se puede distinguir del todo bien, en cambio las de delante sí, lo que refuerza el primer plano. Todos estos elementos crean una escena de terror, macabra. Los rostros de las brujas están deformados y con el aspecto malévolo típico. Éstas, rindiendo culto al demonio, muestran su atención puesta en él y en la bruja de la silla. Además de un espectáculo tenebroso, al parecer, Goya nos intenta hacer ver una iniciación diabólica entre ambos. Las figuras están muy juntas y no hay espacio visible entre ellas, por ello nos da la sensación de que son bastantes brujas observando el espectáculo, lo cual es una verdadera novedad, crear un efecto de masa, no de figuras juntas. Goya realizó este cuadro entre 1819 y 1823, y fue parte de la decoración de su casa, la llamada Quinta del sordo, ya pasada su época en la que retrataba con entusiasmo y alegría cartones para tapices y primeros retratos. Una serie de sucesos personales como el quedarse sordo tras superar una enfermedad, supuso para el pintor un gran cambio tanto en lo personal como en lo artístico, iniciando una nueva fase en la que se dedica a pintar sus famosas pinturas negras Este cuadro, perteneciente a la serie negra, tiene mucho que ver con alguno de los caprichos, grabados realizados con un punzón sobre una plancha y pasados a tinta posteriormente que él mismo realizó. Ambos representan temas terroríficos, reuniones con el demonio y la brujería, temas de supersticiones populares heredadas a lo largo de los siglos. Esta visión de lo terrible, del mundo de las emociones y los miedos, la heredarán los pintores románticos. La utilización del negro y las variaciones del gris, ya habían sido experimentadas por Goya en algunos de sus últimos cuadros costumbristas, sirviéndole para crear atmósferas, sobre todo, en los cuadros de crítica social. A partir de 1814, con la restauración absolutista de Fernando VII, el pintor preferido del rey, y por tanto de la Corte, es Vicente López, mientras que Goya recibe muy pocos encargos. Es el momento en que se traslada a vivir a la Quinta del sordo, en 1819, lugar donde realiza una pintura sorprendente, la recreación de un asunto privado, una especie de monólogo consigo mismo, sin ningún tipo de finalidad económica ni propósito de exhibición, con lo que la mente y el pincel quedan en total libertad, ya que pinta para sí mismo. En estas pinturas, muestra un mundo de seres extraños, grotescos, fantásticos, con brujas, procesiones siniestras, viejos repugnantes, visiones, en definitiva en las que triunfa lo expresivo sobre la belleza de las formas. Lo Feo, el Mal, adquieren un carácter amenazador. Salen a la luz las feroces y desencantadas visiones que el artista había ido acumulando a lo largo de su vida, puesto que hay que tener en cuenta que cuando Goya inicia esta serie cuenta ya con más de setenta años, en los que ha ido acumulando recelos, resentimientos y sospechas de todo lo que le rodeaba. 2

3 Técnicamente, estas pinturas suponen un dominio total de la materia plástica con una audacia asombrosa que anuncia la libertad del arte contemporáneo, puesto que la mancha negra hace desaparecer la línea y gran parte de los colores y los símbolos desplazan a las formas concretas y reales. Las pinceladas se hacen pastosas, gruesas, largas, rápidas y expresionistas, llegando a utilizar la espátula para aplicar el color. Respecto a la gama cromática, utiliza casi en exclusiva los ocres, los tonos de tierras y sobre todo los grises y los negros que le dan nombre al conjunto. Están compuestas por 14 escenas al óleo que representan la crónica negra de España, reciben su nombre del inventario de un amigo del pintor, Antonio Brugada, ya que Goya no les puso nombre: -Las parcas, Duelo a garrotazos, Hombres leyendo, Paseo del Santo Oficio, La Leocadia, El gran cabrón, Saturno, Judith y Holofernes, Dos viejos, Dos viejos comien do sopas, Dos jóvenes burlándose de un hombre- CONTEXTO HISTÓRICO ( ) Goya vive en un entorno histórico muy significativo el tránsito del siglo XVIII al siglo XIX. De un lado, la España del siglo XVIII cuyas características más destacables serían las siguientes: Es un pais socialmente atrasado, políticamente reaccionario, con fuerte desigualdades sociales entre las diversas clases sociales, una agricultura en estado regresivo, carente de infraestructura y de clases medias. Existen ciertos círculos intelectuales abiertos a las ideas de la Illustración tardía en España. Son los liberales, sin apenas peso político, opuestos al clero y a la monarquía. Estos intelectuales enseñarán a pensar a Goya, a dar forma a sus ideas, y a comprender la realidad humana. Por otra parte, vivió los acontecimientos provocados por la Francia revolucionaria, con la que España entró en guerra. La Guerra de la Independencia contra los franceses ( ) que supone para Goya, como para el resto de los españoles, una etapa difícil y amarga. Nuestro pintor la pasó casi enteramente en Madrid, salvo un breve viaje a Zaragoza en 1808 para contemplar las terribles consecuencias del sitio sobre su ciudad natal. También vivió intensamente las contradicciones en las que se debatieron los ilustrados españoles entre la acogida entusiasta de las medidas liberalizadoras que promulgó José Bonaparte, el rey intruso, y el rechazo a las atrocidades cometidas por el ejército invasor. También el ambiente en el que se creó la primera constitución liberal de España, la Constitución Cádiz (1812)y asistió a la pérdida de gran parte del Imperio colonial español(1824). Cuando tras el trauma de la invasión francesa vuelve Fernando VII en 1814 al trono, fue protagonista de las fases Absolutistas y la fase Liberal: La vuelta a Madrid de Fernando VII desata la más brutal persecución contra los liberales y aquellos que habían colaborado con el gobierno intruso, entre los que se contaban algunos de los mejores amigos del pintor. Goya no se vería libre de sospechas y durante un año es sometido a un expediente de depuración para determinar su comportamiento durante los años de la guerra. Al final es repuesto en sus derechos, al igual que se librará de las garras del Santo Oficio, escandalizado ante el descubrimiento de Las Majas, aunque su estrella en la corte declina ante el ascenso de Vicente López. En 1820 la sublevación de Riego abre paso de nuevo a la esperanza para los liberales españoles y la Constitución de Cádiz es puesta en vigor otra vez, pero el envío de los Cien Mil Hijos de San Luis por parte de las potencias de la Santa Alianza supone el restablecimiento de los derechos absolutos de Fernando 3

4 VII y el comienzo de una oleada de terror y represión.el artista aragonés comprende que su seguridad peligra y se exilia a Burdeos donde muere a los 82años. Goya irrumpe en el arte español cuando el Neoclasicismo está a punto de ceder ante el Romanticismo. Su creatividad se adelanta al Romanticismo y al Realismo, abriendo perspectivas al arte fantástico de tipo visionario y casi impresionista. Se podria decir que no hubo género que él no tocara,es decir no hay un Goya:hay muchos Goyas. Primera etapa ( ). Nació en Fuendetodos, Zaragoza; desde muy pequeño se familiariza con el arte pictórico por mediación de su padre, dorador de profesión. A los catorce años entró a trabajar en el taller de José Luzán, un simple seguidor de la tradición barroca tardía, donde comenzó a copiar cuadros de otros autores. No es un niño prodigio; su realidad es lenta, hasta el punto de que su maestría le llega ya con cierta madurez, cercano a los 40 años.goya se trasladó a Madrid (1763) para estudiar pintura.trató de entrar en la Academia de San Fernando, pero será rechazado en dos ocasiones. Finalmente, ingresa en 1780, pintando su famoso Cristo en la cruz, inspirado en Velázquez, a quien tiene como uno de sus maestros además de a Rembrandt y la Nauraleza,como él reconocía.en Madrid entra en contacto con el pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico (pintor también aragonés de más prestigio fuera). Más adelante se casa con su hermana María Josefa. Además de la enorme influencia en su formación a él se debe que participara en el encargo de los frescos en la Basílica del Pilar de Zaragoza y que se instalara más tarde en la capital.en 1771 viaja a Italia y permanece durante aproximadamente un año en Roma., siendo esta época relativamente desconocida. Segunda etapa En 1175, gracias a su cuñado Francisco Bayeu recibe el primer encargo importante: una serie de cartones para tapices a partir de los cuales los artesanos habían de elaborar el tapiz, destinados a la fábrica real de Santa Bárbara, de la que Bayeu era uno de sus directores. Es así como pintó entre l775y 1792, en distintos períodos, sesenta y tres cartones, que son en realidad óleos sobre tela. El conjunto nos presenta un Goya dulce y amable, con influencias velazqueñas y un carácter narrativo y costumbrista. Los temas preferidos de Goya no celebran la grandeza y el poder, sino la alegría de la vida y la belleza; se relacionan con lo festivo y lo galante, destacando el papel concedido a la mujer y a los niños. Los títulos reflejan las costumbres del pueblo de Madrid, a quien Goya retrata: Es la vida de las clases aristocráticas y la vida del pueblo, especialmente de Madrid, llena de colorido y de alegría. El costumbrismo se refleja: En la indumentaria, primero a la usanza rococó, con personajes vestidos con trajes lujosos, ceñidos y multicolores, damas luciendo prendas almidonadas, con faldas de aros (miriñaque) y hombres con casacas y tocados de pelucas; después, siguiendo la moda neoclásica: cabellos y vestidos sueltos, damas de escotes pronunciados, hombres con calzón largo y estrecho o vestidos de frac, etc. El nexo común de las dos etapas será la aparición de majos y majas, personajes vestidos con indumentarias castizas : peinetas, mantillas, redecillas para el cabello, hombreras y faja en los vestidos. En las representaciones festivas: la fiesta de la vendimia; distintos juegos como el de la gallinita; bailes, como el de San Antonio; corridas de toros. En momentos de dolor, protesta o tragedia del pueblo, como representa en su obra E! entierro de la sardina. 4

5 El Quitasol (1777) es uno de los más logrados de la serie y se sitúa más allá de una mero obra decorativa tanto por la composición como por las relaciones de color.. La faceta de Goya retratista es una de las más importantes. Después de unos años de desarrollar esta actividad de pintor de tapices se convertirá en el retratista más solicitado y en la que basaría su prestigio, tan consolidado que Carlos IV acabaría por nombrarlo pintor de cámara el mismo cargo que había tenido Velázquez. Ahora, la pintura de Goya se pliega a los gustos de la aristocracia -no debemos olvidar que en aquel entonces casi toda la pintura gira en torno a la corte borbónica, y Madrid absorberá la mayoría de la producción artística- En todos los retratos Goya nos muestra su capacidad para realzar el temperamento, los rasgos psicológicos y sociales del retratado, estudiará al personaje intentando ofrecer una visión, no sólo del aspecto físico del representado, sino también del aspecto moral. Selecciona de sus personajes aquellas facciones, gestos y vestidos que pueden mostrar actitudes y emociones. Se convierte en el cronista de la sociedad a través de una abundantísima serie de retratos:la familia de Carlos IV, el retrato de Floridablanca o el de Jovellanos, La condesa de Chinchón, Doña Isabel Cobos de Porcel, las Majas, etc Otro tipo de encargo es el que recibe el artista en 1798: la decoración de las pechinas y de la cúpula dela iglesia San Antonio de la Florida una iglesia que manda construir Carlos IV en lugar de otra pequeña que había sido demolida. Asímismo, va a trabajar la temática politica y social.es el ciclo dedicado a los desastres de la guerra de la Independencia. En este sentido destacan los dos cuadros, mal llamados históricos, que representan los acontecimientos que tuvieron lugar en Madrid los días 2 y 3 de mayo de 1808: La carga de los mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo.en ambos cuadros Goya toma nota de la acción de un pueblo y de su reacción ante la violencia. Son dos de los muchos documentos que nos deja sobre las revueltas antifrancesas y sus consecuencias. Es la historia como desastre, como expresión de la violencia. Ambos están pintados en 1814 por encargo y tras haber solicitado permiso al Consejo de Regencia para pintar la sublevación del pueblo de Madrid. No debieron gustar a las autoridades porque permanecerán en los depósitos del museo hasta En 1819 el artista compra una finca junto al Manzanares; recibía el nombre de la Quinta del Sordo porque sordo era su antiguo propietario. Allí vivirá Goya hasta 1823 y allí decoró el comedor y el salón con catorce pinturas al óleo, conocidas como PINTURAS NEGRAS, porque presentan la crónica negra de España y a la que pertenece la obra propuesta a comentar; después fueron arrancadas y depositadas sobre lienzo. Aquejado desde hacía años por una completa sordera, acaba por aislarse de la vida social. En estas catorce obras donde expresa sus propios sentimientos el pintor recurre a colores oscuros y a temas lúgubres y de terror, que muestran la evolución de su mirada sobre las cosas y su pesimismo vital, cercano a los valores de lo que, andando el tiempo, daría lugar a la aparición del expresionismo -años más tarde, Munch también se inspirará en estos personajes-. Muchas de las figuras negras, al parecer, tienen su inspiración en la mente de Goya tras visitar manicomios, cementerios y hospitales de apestados. 5

6 GOYA Y LA TÉCNICA DEL GRABADO La Serie de Grabados. Goya ha de ser considerado como uno de los más grandes grabadores de la historia, a la altura únicamente de Durero, Rembrondt y Picasso. Su curiosidad le llevó a experimentar continuamente técnicas y procedimientos. Realiza los primeros tanteos hacia 1771 y se acoge después, en 1778, al interés de Carlos IV por conseguir la difusión del grabado español con una serie que reproduce copias de los cuadros de Velázquez, en las que recogió un impresionante fresco de la España de la época: costumbres, vida cotidiana, temas históricos... pasaron por sus planchas. Es aquí, precisamente, donde el artista va a explotar su vena más crítica y su espíritu mordaz. Se llama grabado a todas aquellas técnicas en las que el dibujo se realizo sobre planchas por medio de incisiones, una vez grabada la imagen, y tras la estampacidn, el contenido puede reproducirse una y otra vez por lo que queda dispuesto para difundirse mucho más que un cuadro.utiliza la técnica del aguafuerte y aguatinta sobre todo. Varias son las series de estampas que Goya concibió como una obra completa y cerrada. La primera son los CAPRICHOS ( ) tras contraer su enfermedad en Se compone de 80 láminas cuyos dibujos tienen como denominador común la crítica social en clave de humor. En ellos podemos encontrar un mundo de brujas, prostitutas, alcahuetas, ladrones, asesinos, duendes, frailes, diablos... Goya pinta La censura de los errores y los vicios humanos. La razón saca del incosciente los monstruos generados por el prejuicio, el fanatismo, la superstición. la ignorancia. Los títulos dados a cada uno de ellos, inspirados en el refranero popular, ya reflejan una voluntad de sátira: el sueño de la razón produce monstruos, Tu que no puedes. La segunda serie de grabados la constituye los "DESASTRES DE LA GUERRA" (1810), donde manifiesta su preocupación e interés por el devenir histórico del país y se muestra absolutamente crítico con la violencia, la crueldad y el embrutecimiento que la guerra significaba. Son 82 estampas hechas en agua fuerte y aguatinta, dibujos y grabados que tardarán mucho tiempo en salir a la luz pública (1863). Sin duda, los Desastres son la representación social más cruel y fuerte de la Guerra de la Independencia: ahorcados, empalados, apaleados, ajusticiados, degollados, fusilados, mutilados; hombres y mujeres que atacan o se defienden, soldados, guerrilleros, carretas cargadas de muer tos..., y las consecuencias de la misma. LA TAUROMAQUIA es una serie de grabados creada en 1816, mitad narración, siguiendo la línea de Moratín (algunas estampas son quizá ilustraciones para un libro suyo), mitad testimonio histórico, O quizá no sea otra cosa que el homenaje del ya viejo pintor a su enorme afición por el mundo de los toros, del que nos trasmite su ambiente festivo, tenso y trágico. LOS DISPARATES (proverbios o sueños) Son expresión de una huida hacia lo imaginario, penetrando en las entrañas del subconsciente. Esta serie está formada por 22 estampas de tono misterioso y sugestivo, con un cierto sabor a pesadilla. El progresivo distanciamiento de los temas de la vida diaria se evidenciará cada vez en algunos grabados y muestra, sin duda, la apertu ra de Goya hacia un cierto surrealismo. Son las más dificiles de interpretar por su temática cercana a la de las Pinturas Negras. 6

7 Goya aún domina otras técnicas gráficas, tales como EL AGUAFUERTE (de la que tenemos unos dibujos en los que reproduce cuadros de Velázquez como Los borrachos o Diego de Acedo, el primo) y la LITOGRAFÍA, con la que se entusiasmó, aunque la aprendió siendo ya muy mayor; con esta técnica realizó 23 obras entre las que se encuentran El famoso americano Mariano Ceballos, Bravo toro, Diver sión de España y Plaza partida. Estas series de grabados serán uno de los elementos que ayudarán a divulgar a Goya desde los tiempos del Romanticismo. Unos años después Goya acabará por exiliarse a Burdeos, alejándose de la violencia de Fernando VII. Allí siguió trabajando hasta su muerte, dando un nuevo giro a su pintura. Ahora, una obra como "la lechera de Burdeos" nos permite considerarlo un precedente claro y firme del impresionismo. Así pues, cronista crítico de su tiempo, protagonista de los inicios de la historia contemporánea de España, Goya es una especie de bisagra entre dos mundos, el del Antiguo y el Nuevo Régimen; uno de esos raros casos en la historia del arte en los que la biografía del propio personaje es casi tan interesante como su obra, siendo ésta, como ocurre en su caso, de una importancia primordial en la historia de la pintura. GOYA COMO ANTECEDENTE DE LA PINTURA CONTENPORÁNEA Hablar de la obra de Francisco de Goya ( ) es hacerlo del más importante artista de su época, cima de la pintura española, junto con Velázquez y Picasso. Un autor que, por su genialidad, escapa a toda clasificación y a la inclusión en una escuela artística determinada. Goya es precursor de corrientes artísticas que, como el impresionismo, acabarían triunfando en la segunda mitad del siglo XIX. Creador de una obra amplia, en pintura y grabado, Goya es testigo de un tiempo apasionante y decisivo para la historia de nuestro país y también protagonista, a veces sin quererlo, de esa misma historia que nos presenta en muchas de sus obras como hemos intentado analizar a través de este breve recorrido por algunas de sus obras. Aunque en la obra de Goya encontramos vestigios velazqueños e influencias de los dibujos y grabados de Durero y Rembrandt supone una innovación y una ruptura con la tradición.analicemos las corrientes artísticas y tendencias de los siglos XIX y XX que tienen en el pintor de Fuendetodos una fuente de inspiración y referencia: El romanticismo admira su atrevimiento temático. Rechazará el dibujo del Neoclasicismo frente al color y el movimiento. Facilita una nueva forma de expresar los sentimientos, introduciendo el análisis psicológico y convirtiendo la masa anónima en protagonista de muchos de sus cuadros, no es de extrañar que Gericault o Delacroix tengan mucho que admirar en Los fusilamientos de la Moncioa o en La carga de los Mamelucos. Los pintores realistas, entre ellos Courbet, a quien la prensa contemporánea acusaba de afear voluntariamente la realidad, tampoco niegan la huella del artista aragonés. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar El taller del artista ( ) donde el autor se autorretrata de forma semejante a como lo hizo Goya en La familia de Carlos IV. El impresionismo recoge sus aportaciones técnicas sobre la pincelada suelta que obliga al espectador a recomponer la forma, la técnica de manchas y el tratamiento de la luz. 7

8 Manet se inspira en Los fusilamientos de la Moncloa para La ejecución de Maximiliano y Monet tiene donde aprender en La Lechera de Burdeos. Los expresionistas a comienzos del siglo XX plasman el dolor y el miedo, el mundo interior de seres turbados para impactar al espectador,como El grito, de Munch o las escenas de temática religiosa, de Nolde, igual hizo nuestro artista en sus Caprichos o en las mismas Pinturas Negras. Al fauvismo le interesa cómo en su etapa final libera el color de su dependencia de la realidad. Los surrealistas se afanan en expresar el mundo de los sueños incorporando a su pintura las técnicas de! psicoanálisis, no inventan un arte nuevo, sino que continúan una tendencia que se ha mantenido en el arte pictórico desde El Bosco hasta Goya. Los elementos de crítica, de simbolismo y de visión interior del mundo son los mismos: ahi están los cuadros que representan las experiencias de la guerra de Dalí o Miró (1914) y los monstruos, de Ernst o lo fantástico, lo extraño y perturbador y las alusiones al tiempo (los relojes blandos) y a la muerte en la obra daliniana. A este movimiento le interesa el mundo de los Caprichos o de los Disparates como una inmersión en el mundo de las pesadillas. Verdaderamente puede apreciarse en Goya un significado universal que le hace antecedente de la pintura contemporánea.en general, la pintura de los siglos XlX y XX, con todas sus escuelas y tendencias, tiene en Goya su fuente de inspiración, en temas, técnica, estilo, compromiso y concepción del mundo. Y, sobre todo, porque hace entrar de modo definitivo en el mundo del arte la libertad de plasmar sus visiones teniendo siempre como fuente de inspiración al hombre y a la naturaleza. 8