El Barroco. El barroco musical abarca aproximadamente de 1600 a 1750 (muerte de Bach)

Transcripción

1 El Barroco El barroco musical abarca aproximadamente de 1600 a 1750 (muerte de Bach) Durate el barroco se estabilizan las grandes monarquías europeas (monarquías absolutas), que se rodean de pompa y grandiosidad. La música, como con el resto de las artes, se convertirá en un elemento propagandístico tanto de la corte como de la iglesia. Observa la decoración de las iglesias o los interiores de los salones de los palacios. Pues bien, el efecto que se quería conseguir con la música era el mismo. El arte Su estilo es muy expresivo, con un gran sentido de lo dramático. Puede llegar a ser efectista y recargado, debido a la pasión por la fantasía y la ornamentación La ciencia Descartes pone los cimientos del método científico (la experimentación frente a los conocimientos heredados). Galileo, Kepler y Newton consiguen una explicación matemática de las leyes naturales La música La música barroca es también muy llamativa, vital, llena de movimiento y efectos dramáticos. La profusa ornamentación que se observa en las artes plásticas tiene su paralelo musicalmente en unas líneas melódicas cargadas de notas de adorno. improvisadas a menudo por los propios intérpretes.

2 El Barroco Musical Entendemos por barroco musical al período de 150 años que va desde el nacimiento de la ópera y el oratorio hasta el fallecimiento de Bach ( ). Dos son las características que aglutinan a la mayor parte de la música de estos años: 1- La teoría de los afectos 2- El bajo continuo La teoría de los afectos El hecho musical que más aglutina la música que hacemos llamar Barroca es la llamada teoría de los afectos. Se cree que la música es capaz de conducir al oyente a ciertos estados anímicos. Algunos de los afectos barrocos son la ira, la grandeza, el asombro, el heroísmo, el dolor... Se trataba de representar esas pasiones en el oyente a través de cierto número de figuras retóricomusicales. El Bajo continuo Otra de las características más distintivas del barroco es la inclusión del bajo continuo (basso continuo). Éste constaba de dos secciones: una línea de bajo tocada por un instrumento grave, como el violonchelo, el contrabajo o el fagot. una secuencia de acordes, tocada por un instrumento capaz de realizar esta labor, como el clavicémbalo, el órgano o el laúd. La sección del continuo constituía la base armónica de la obra musical, no teniendo una función melódica. La labor de desarrollar las melodías la realizaban el resto de instrumentos sobre los pilares establecidos por el continuo. La monodia acompañada y el nacimiento de la ópera La monodía acompañada es el estilo nacido a fines del S.XVI a partir de una reacción hacia lo complicado de la polifonía renacentista. Se llegó a la conclusión de que una melodía bien cantada por un solista y acompañada, expresaba mejor los sentimientos. La melodía afectaba los sentimientos de los oyentes, ya que se consideraba que combinar muchas líneas melódicas anulaba la capacidad expresiva que una sola podría tener además de dificultar la comprensión del texto. Para adecuar más la expresión de los sentimientos del textos a la música se inventó un nuevo estilo de canto, que se hallaba entre el recitado hablado y la canción. Este nuevo estilo se llamó stile recitativo. Un ejemplo del mismo es L Euridice de J. Peri. Este estilo recitativo no debe confundirse con el término monodía, ya que este último abarca a todos los estilo de canto con solista. Junto a esta nueva monodía surge otra línea creada en función de ésta denominada bajo continuo, explicada en el apartado anterior. Una ópera es una obra teatral en la que se combinan el soliloquio, el diálogo, los decorados, la acción y la música continua. Podemos decir que lo que ahora llamamos ópera sólo data de los últimos años del S. XVI. Una de las primeras manifestaciones de lo que hoy conocemos como ópera surge con el nacimiento del estilo monódico y más concretamente del llamado estilo recitativo. Un ejemplo de ello es L Euridice de Peri anteriormente tratada. Pero sin duda alguna, la primera obra maestra de la historia del género fue el Orfeo de Claudio Monteverdi (1607). El desarrollo de la música instrumental

3 Durante el período barroco la orquesta comenzó a adquirir forma por primera vez. Entre las características que dotan a la orquesta barroca de su sonoridad particular podemos señalar: una sección principal de cuerdas (base de la orquesta barroca), sobre las cuales los compositores añadían otros instrumentos según la ocasión: una o dos flautas, oboes, fagotes, tal vez trompas y ocasionalmente trompetas y timbales. el sonido omnipresente del continuo efectos de contraste, especialmente de dinámicas y timbres. Tipos de obras 1- Para un reducido grupo de intérpretes Sonata para solista y continuo En este tipo de obra sólo se debía indicar la parte del solista, ya que los instrumentos del continuo se sobrentendían. Debido a que la parte del continuo era interpretada por al menos dos instrumentistas, en la sonata para solista intervenían tres músicos como mínimo. Sonata a trío (triosonata) Dos solistas y continuo. En la sonata para solista se daba más importancia a la improvisación. Aquí se prima el diálogo. Existían dos tipos: la sonata de iglesia (más seria y contrastante) y la sonata de cámara (de carácter más ligero y con aire de danza) 2- Composiciones para orquesta El concierto Una de las formas instrumentales más importantes del barroco fue el concerto (concerto = enfrentamiento). Hubo dos tipos principales de concierto, según la distinta forma de desarrollar el principio de contraste El concerto grosso: un pequeño grupo de solistas (concertino) contrasta con una orquesta de cuerdas (ripieno) El concerto solista: un solista (que a menudo interpreta pasajes de gran dificultad), se contrapone con la orquesta. La forma concerto desarrolla ampliamente el principio de contraste expuesto anteriormente, siendo pues una característica de la música barroca. En el solo concerto, este principio se fortalecerá más. 3- Música para un solo instrumento Tocata composición de carácter improvisatorio compuesta fundamentalmente para teclado. Música Vocal La ópera La cantata El Oratorio. Forma musical religiosa barroca, de carácter narrativo, sin representación escénica. Su estructura argumental está basada en recitativos, arias, duetos y coros, muy similar a la ópera

4 INSTRUMENTOS BARROCOS COMPOSITORES Monteverdi Vivaldi Bach Handel Corelli Purcell

5 El Clasicismo Fijándote el el período del Barroco visto en el tema anterior, puedes plantearte las siguientes cuestiones: 1- Quién consumía música culta? 2- Cómo subsistían los músicos? 3- Dónde se escuchaba música culta? 4- Compara tus respuestas con la situación actual Tus respuestas irán orientadas a que los músicos vivían dentro del sistema de patronazgo, siendo mantenidos por la iglesia o la corte. De la misma forma, los lugares destinados al cultivo de la música culta, estaban reservados a los citados estamentos. Evidentemente esto ya no es así, pero... Cuándo se produjo este cambio? Pues fue precisamente en el período del clasicismo, cuando se pusieron los cimientos del público moderno. El Público Moderno Antes de nada, hay que tener en cuenta que durante el S.XVIII se produjo un cambio social importante: 1- El crecimiento del comercio hace que la riqueza se transfiera a la clase burguesa (antes la propiedad de la tierra era sinónimo de riqueza) 2- Comienzan a cuestionarse los privilegios de las clases nobles 3- Escepticismo hacia la autoridad impuesta de cualquier clero (más propio de la Edad Oscura) 4- Esfuerzos por conseguir una forma más democrática de gobierno (Revolución Francesa) Fue la ÓPera (ejemplo de lujo y ostentación), el primer lugar donde el sistema de patronazgo comenzó a desintegrarse. En 1637 Venecia inauguró el primer teatro público. era posible para cualquier ciudadano acceder a las representaciones mediante el pago de entrada. Ya en el S.XVIII, la ópera se convirtió en espectáculo público en toda Europa. El concierto público tardaría más en aparecer. En Italia existían las academias, sociedades creadas muchos siglos antes, donde se discutía sobre asuntos diversos. A finales del S.XVIII, se convirtió en costumbre ofrecer conciertos, transformándose algunas de ellas en entidades de concierto. Francia tenía los conciertos espirituales (en principio organizados como sustituto de la actividad operística prohibida en cuaresma). Inglaterra ofrecía conciertos en Londres para beneficio de los intérpretes y los estados germano-parlantes poseían los "collegia musica" La consecuencia de todo esto será trascendental, ya que el futuro de la música europea no estará al servicio de la iglesia o la corte, sino en la captación de un público perteneciente a la emergente clase media. A finales del S. XVIII TOMARÁ FORMA UN "PÚBLICO" EN EL MODERNO SENTIDO DEL TÉRMINO

6 La creación de este "público" tendrá otras consecuencias. - la nueva clase burguesa se acerca a la música - incremento de la interpretación en el hogar - desarrollo en la confección de pianos La Ilustración y el racionalismo La cultura durante el clasicismo adopta un cariz más racionalista. Esta nueva forma de pensar influirá en el arte, prestándose especial atención dentro de la música a la forma y al equilibrio en la construcción de las frases. La guia a la hora de componer será la naturalidad y la belleza Los protagonistas Italia: Boccherini. Alemania: c.p.e. Bach, Beethoven. Austria: Haydn, Mozart 1 Música instrumental 1.1 Sonata 1.2 Sinfonía 1.3 Concierto 1.4 Música de cámara 2 Música vocal 2.1 Ópera 2.2 Misa 2.3 Cantata 2.4 Oratorio

7 El Clasicismo Musical Características musicales Textura más ligera y clara, menos complicada que la música del Barroco. Existe una tendencia general hacia la homofonía, pero sin olvidar el contrapunto Nace un nuevo estilo denominado estilo galante, con frases musicales perfectamente proporcionadas y estructuradas. Se otorga importancia a la gracia y la belleza, objetivo a conseguir, pero dentro de los márgenes de la proporción y la moderación. La música así formada resulta sencilla y fácil para el oído, sin llegar nunca a asombrar al oyente. Mayor variedad y contraste de materiales musicales dentro de una pieza: melodías, tonalidades, ritmos, dinámicas; ahora se utiliza el crescendo, el diminuendo, el sforzando; cambios frecuentes de timbre y carácter (durante el barroco, los músicos habían procurado que cada una de sus piezas se mantuvieran dentro de una misma atmósfera o clima desde el comienzo hasta el final) Crece la orquesta. La orquesta, que había comenzado a tomar forma en el barroco, comenzó a crecer en el clasicismo, cayendo el desuso la utilización del continuo y del clavicémbalo. Al final del S. XVIII los instrumentos más importantes de viento madera, se combinan para formar la sección autónoma de las maderas (flautas, oboes, clarinetes, fagotes). Dentro de esta orquesta se incluirían también las trompas, y a menudo trompetas y timbales. El piano reemplaza al clavicémbalo por tener una capacidad expresiva mucho más poderosa. La importancia de la música instrumental aumenta. Los tipos principales son: la sonata clásica, la sinfonía, el concierto, el trío y el cuarteto de cuerdas (música de cámara), el divertimento y la serenata. Los tipos principales de música vocal serán la Misa y la Ópera La claridad, la simplicidad, la proporción, la belleza y la moderación, se convertirán en objetivos a conseguir dentro de la música de este período La forma sonata es la estructura o forma musical de mayor importancia; se utiliza casi siempre para confeccionar el primer movimiento de trabajos de gran envergadura (aunque también se utiliza para otros movimientos y para piezas individuales) Formas instrumentales Sonata Clásica/Sinfonía/Concierto/Trío/Cuarteto La sonata clásica es una obra compuesta de varios movimientos y escrita sólo para uno o dos instrumentos. Si el compositor escribía una obras para tres instrumentos, ésta pasa a llamarse trío; si era para cuatro instrumentos, cuarteto (principal forma de música de cámara en este período). La Sinfonía será una sonata escrita para orquesta, y el Concierto una sonata para uno o dos instrumentos solistas con orquesta. Las sinfonías y las obras como tríos y cuartetos consistían en cuatro movimientos, contrastantes entre sí en términos de velocidad y carácter. Una Sonata podía tener cuatro, o a veces tres, movimientos. El concierto clásico no incluía el minuet (tercer movimiento), por lo que siempre tenía tres movimientos. Un esquema de sonata clásica (que evidentemente podía variar): PRIMER MOVIMIENTO (forma sonata) SEGUNDO MOVIMIENTO (forma ternaria, tema con variaciones) TERCER MOVIMIENTO (minuet y trío) CUARTO MOVIMIENTO (rondó) Audición: 2º movimiento del concierto para clarinete y orquesta en La mayor de Mozart. 1) En qué se diferencia el acompañamiento de la sección B del de la sección A? 2) Qué diferencia hay entre la música del clarinete solista en la sección B y en la sección A? Audición: Escucha las siguientes audiciones y decide si se trata de una sonata, un concierto, una sinfonía, un trío o un cuarteto. Qué instrumentos intervienen en cada caso?

8 Audición: Escucha los siguientes fragmentos musicales y señala si se trata de una sonata, un concierto, una sinfonía o un cuarteto. Qué instrumentos intervienen en cada caso? FORMA SONATA La forma del primer movimiento es la conocida en la actualidad como forma sonata. Está constituida por dos secciones, cada una de las cuales puede repetirse. Esta es su estructura: Sección primera La exposición: Aquí tiene lugar la presentación de los temas o ideas principales que constituyen la obra. Suele haber un tema (o grupo de temas) en la tonalidad principal, y un segundo grupo en la dominante. Al final de la exposición se crea una tensión que tendrá que resolverse posteriormente. Sección segunda El desarrollo: Los motivos o temas que han sido presentadas en la exposición, son utilizados ahora en una serie de combinaciones en las cuales se pasa por las tonalidades más diversas (evitando la tonalidad principal). Se crea así una fuerte sensación de tensión que alcanza su climax cuando la música se dirige hacia la tonalidad principal, para dar comienzo la recapitulación La recapitulación: Vuelve a exponerse el material de la exposición, pero todo él en la tonalidad principal. Es la vuelta al reposo. Audición: Sonata fácil de W. A. Mozart. - Sigue la partitura de la obra y localiza las distintas partes que constituyen la forma sonata. - Cuántos compases tiene el tema a? y el tema b? - Qué tema te parece que es más enérgico?, cuál es más lírico? - En qué nota comienza el tema b en la exposición? En qué nota comienza el tema b en la reexposición? Por qué esto es así? - Intenta señalar algún motivo que forme parte del tema a o del tema b. Indica el número de compás Formas vocales La ópera italiana sufrió en la época anterior una serie de abusos que ya hemos comentado: decorados suntuosos, arias da capo en las que el cantante inventaba su versión para lucirse, castrati, etc. Pues bien, a medidos del Siglo XVIII, algunos compositores intentaron cambiar las prácticas operísticas heredadas del siglo anterior eliminando los excesos de las arias. Introdujeron formas distintas del aria da capo y potenciaron el uso de música coral e instrumental. El objetivo era hacer la historia más natural y creíble (recuerda las teorías sobre la naturalidad de la música ya comentadas en este período). A esta atmófera de reforma contribuyó el florecimiento de la ópera cómica. Este género tenía un estilo más ligero que la ópera seria italiana, ya que el argumento principal trataba de gentes y lugares conocidos en lugar de personajes mitológicos. En 1752, la presencia en París de una compañía italiana que representaba óperas cómicas, desencadena lo que se conoció como la guerra de los bufones. Por un lado estaban los partidarios de la ópera italiana, que veían la lengua francesa como inapropiada para el canto. Rousseau fue uno de sus defensores, siendo su aria J'ai perdu tout mon bonher, de su ópera Le Devin du village, un ejemplo del nuevo estilo melódico italiano. En el bando contrario estaban los defensores de la ópera francesa, con Rameau a la cabeza, el cual había sido escogido como el más eminente de los compositores franceses vivientes y defensor de la ópera francesa ( escurioso que Rameau fuese duramente atacado años antes porque sus óperas eran consideradas demasiado modernas y contrarias a la tradición).

9 CUESTIONARIO DE LA PELÍCULA AMADEUS Nº1- En qué época vivió Mozart? Nº2- A qué actividades se dedicó Mozart cuando todavía era un niño? Nº3- Qué tuvo que ver el padre en su formación Musical? Nº4- Quién fue Salieri? Nº5- En qué ciudad vivió Mozart antes de establecerse en Viena? Nº6- Por qué se empeñó en trasladarse a Viena y no a otro lugar? Nº7- Vivió Mozart bajo el sistema de patronazgo? Nº8- Quién fue José II? Qué tiene que ver en la vida de Mozart? Nº9- Cuál es el objetivo final de la música del clasicismo frente a la música del Barroco? Nº10- Cuál fue la gran aportación de Mozart al mundo de la ópera? Nº11-Cita las óperas compuestas por Mozart que se mencionen en la película Nº12- Cuáles de ellas están escritas en italiano y cuáles en alemán? Nº13- En qué consiste la leyenda que rodea a la composición de su misa de difuntos? Nº14- Podía disfrutar todo el mundo del espectáculo de la ópera en el siglo XVIII? Nº15- Qué es un singspiel? Nº16- Cómo fueron los últimos días de Mozart? HAYDN MOZART BEETHOVEN