Música Recuperación Pendiente de 3º. Alumno: Ricardo Cardo. Curso Actual: 4º de Diversificación

Transcripción

1 1 Música Recuperación Pendiente de 3º Alumno: Ricardo Cardo Curso Actual: 4º de Diversificación

2 2 ÍNDICE BIOGRAFÍA A. INTRODUCCIÓN... 3 B. LOS PRIMEROS AÑOS: HALLE y HAMBURGO ( )... 3 C. El JOVEN HÄNDEL EN HAMBURGO... 4 D. LA ÉPOCA DE ITALIA ( )... 4 E. HANNOVER y LOS PRIMEROS AÑOS EN INGLATERRA ( )... 4 F. DIRECTOR de la ROYAL ACADEMY of MUSIC ( )... 4 ESTILO Y APORTACIÓN MUSICAL DEL AUTOR EL ESTILO MUSICAL DE HÄNDEL... 5 EL LEGADO MUSICAL DE HÄNDEL A. EL LEGADO MUSICAL DE HÄNDEL... 6 B. LA PRODUCCIÓN MUSICAL DE HÁNDEL - CARACTERÍSTICAS... 6 Los oratorios... 7 La música vocal profana... 7 La música orquestal... 7 La música para teclado... 7 C. OBRAS MUSICALES MÁS IMPORTANTES... 8 EL BARROCO DE HÁNDEL. ETAPAS Y CARACTERÍSTICAS A. INTRODUCCIÓN... 9 B. ETAPAS... 9 C. CARACTERÍSTICAS... 9 BIBLIOGRAFÍA

3 3 A. INTRODUCCIÓN Georg Friedrich Händel fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental. Se trata del primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual. También es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía (construcción o textura musical formada por varias voces que suenan a la vez, con igual ritmo pero distinta melodía) y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio (forma vocal de la música clásica europea, de contenido religioso, basado en escenas de la Biblia y que consta comúnmente de coros, arias y recitativos que son interpretados por solistas, coro y orquesta. Su estructura es similar a la de una ópera, pero el oratorio no tiene representación escénica). Händel nos dejó un inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, que incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, destacando especialmente 43 óperas, 26 oratorios y obras corales. B. LOS PRIMEROS AÑOS: HALLE y HAMBURGO ( ) Händel nació en la ciudad de Halle, ubicada en el centro este de la actual Alemania. Su padre era barbero y cirujano de prestigio y había decidido que su hijo sería abogado. ANÉCDOTA La leyenda popular cuenta que en el granero de la casa donde vivía Händel, estaba guardado un viejo clavecín. Durante la noche se escuchaban sonidos armoniosos que se atribuían a un duende travieso. Pero un día, los moradores de la casa, decididos a aclarar el misterio, se proveyeron de una lámpara y varios garrotes, y se encaminaron hacia el granero, abrieron la puerta de improviso y, ante el sombro general, descubrieron que el duende travieso no era otro que el pequeño Jorge Federico quien, venciendo el temor a la soledad y la obscuridad, dejaba su lecho para ir a recrearse en el abandonado instrumento.

4 Cuando el padre de Händel observó el interés de su hijo por la música, cambió de idea sobre la carrera de Derecho y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de música. De esta forma, el compositor se convirtió en alumno del principal organista de Halle, Friedrich Wilhelm Zachau, quien le enseñó a tocar el órgano, el clave y el oboe. A la edad de 17 años lo nombraron organista de la catedral calvinista de Halle. C. El JOVEN HÄNDEL EN HAMBURGO Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del violín y del clave en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705, se estrenó en ese mismo lugar su obra Almira, que fue bien acogida por el público y poco después Nero. D. LA ÉPOCA DE ITALIA ( ) Poco más tarde, insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera, marchó a Italia. Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a Roma, donde disfrutó del mecenazgo tanto de la nobleza como del clero. En Italia compuso óperas, oratorios y pequeñas cantatas profanas. El motete Dixit Dominus (1707) se considera su primera obra maestra. Su estancia en Italia terminó con el éxito de su quinta ópera, Agrippina (1709), que fue estrenada en Venecia E. HANNOVER y LOS PRIMEROS AÑOS EN INGLATERRA ( ) En 1710, Händel regresa a Hannover (Alemania) donde trabaja como compositor y director de orquesta de la corte. Un año más tarde se traslada a Londres, donde estrenó Rinaldo (1711) con un gran éxito. En vista de ello, en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra. F. DIRECTOR de la ROYAL ACADEMY of MUSIC ( ) En Inglaterra, recibe el encargo de crear un teatro real de la ópera, que sería conocido como la Royal Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y 1728, que lo hicieron famoso en toda Europa. En esta empresa tuvo el privilegio de contar con los servicios de varios de los principales virtuosos vocales de primera línea de la ópera italiana: el castrado contralto Senesino, la soprano Francesca Cuzzoni, Faustina Bordoni, y el bajo Montagnana, entre otros. La estabilidad económica de la empresa, la disposición de los prestigiosos solistas y de una excelente orquesta, así como el gran entusiasmo del público permitió que Händel llevara a la Royal Academy a su época de mayor esplendor. En ella estrenó varias de las piezas cumbres de la ópera seria: Ottone y sobre todo Giulio Cesare, Tamerlano y Rodelinda, entre muchas otras. En 1727 el rey Jorge I firmó el "Acta de Naturalización" de Händel convirtiendo al compositor en súbdito británico. Poco después, el 11 de junio de ese mismo año, fallecía el monarca, siendo sucedido por Jorge II, con quien Händel no tenía buena relación. Para la coronación del nuevo monarca se encargó la música a Händel. Así nacieron los himnos «Zadok the Priest», «My Heart is Inditing», «Let Thy Hand be Strengthened» y «The King shall Rejoice». Las dimensiones de la orquesta y músicos requeridos eran extraordinarias Etc, etc, etc. 4

5 5 EL ESTILO MUSICAL DE HÄNDEL Händel evitó las rigurosas técnicas contrapuntísticas de su compatriota y contemporáneo Johann Sebastian Bach y basó su música en estructuras sencillas, de acuerdo con sus creencias estilísticas. No obstante, la obra de ambos compositores refleja la época en que vivieron. Tras ellos, la ópera tomó un camino diferente y los géneros favoritos del barroco, como la sonata para trío y el concerto grosso, se abandonaron durante mucho tiempo. El desarrollo de la orquesta sinfónica y del pianoforte permitió investigar materias que se habían descartado en el periodo barroco. El estilo de Händel es una extraordinaria síntesis de los principales estilos nacionales musicales de su época, cogiendo los mejores elementos y características de cada uno de ellos y superándolos por separado, como sus contemporáneos Bach y Telemann, donde además se añade el estilo inglés de Purcell, al que Händel le da un nuevo y vigoroso empuje, siendo el verdadero continuador de Purcell. Todo ello fruto de sus estancias en Inglaterra, Alemania e Italia, dando prueba de que Händel era un auténtico cosmopolita de su tiempo. Su estilo tiene la solidez y el contrapunto de la música alemana, la melodía y el enfoque vocal del bello canto de la italiana, la elegancia y solemnidad de la francesa y la audacia, sencillez y fuerza de la inglesa. Händel es un fiel continuador de estos estilos y técnicas, en que no aporta ninguna novedad a todas estas corrientes musicales de la primera mitad del siglo XVIII, aunque como Rameau, su música, especialmente en óperas y oratorios, adquiere un nuevo y especial sentido dramático y monumental, triunfante, poderoso y solemne que es único entre la música de su tiempo. Generalmente, su producción tiene una estructura empírica y simple de lenguaje vocal en la línea del bello canto italiano y sencillo pero templado y conteniendo un pudor expresivo que recuerda a Purcell en vez de a los compositores italianos, cuyas cualidades se cautivan rápidamente entre el auditorio, en donde domina la melodía y la homofonía, y, en esencia, de corte mayormente italiano, que es el estilo más presente en su música y el que más ha influenciado en todos los aspectos en su manera personal de componer. Etc, etc, etc.

6 6 A. EL LEGADO MUSICAL DE HÄNDEL El legado de Händel se basa en la fuerza dramática y la belleza lírica de su música. Sus óperas abarcan desde los esquemas rígidos y convencionales hasta un tratamiento más flexible y dramático de los recitativos, ariosos, arias y coros. Su habilidad para construir grandes escenas en torno a un sólo personaje la desarrollaron compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y el italiano Gioacchino Rossini en sus escenas dramáticas. La herencia más importante de Haendel es, sin duda, la creación del oratorio dramático, alejado de las tradiciones operísticas existentes y llevado a término por su imaginación creativa. Los oratorios del austriaco Joseph Haydn y del alemán Felix Mendelssohn están influidos en gran medida por los de Händel. Fue uno de los primeros compositores de quien se escribió una biografía (1760), que tuvo celebraciones por el centenario de su nacimiento y cuya música se publicó en su totalidad (cuarenta volúmenes, ). Ludwig van Beethoven alabó estas publicaciones. A pesar de que hoy día, al igual que durante el siglo XIX, se conoce a Händel por obras como El Mesías y Música acuática, cada vez más se intenta mostrar el resto de sus composiciones, especialmente las óperas. Su genio musical merece ser recordado en toda su amplitud. Etc, etc, etc. B. LA PRODUCCIÓN MUSICAL DE HÁNDEL - CARACTERÍSTICAS La vasta y abundante obra de Händel, muy prolífico como era la norma de la época, se compone de más 600 obras y se divide en 7 grandes grupos, agrupados en dos grandes bloques: en música vocal (dramática, oratorios, profana y religiosa) y musical instrumental (orquestal, de cámara y para clave) donde abarca todos y cada uno de los géneros de su época. En musical vocal, los géneros y obras que el compositor compuso y ha cultivado, que suman 286 piezas en total, son 43 óperas en lengua italiana, alemana e inglesa, 2 músicas incidentales para espectáculos en inglés, 26 oratorios en italiano, alemán e inglés, 4 odas y serenatas en italiano e inglés, 100 cantatas en italiano y español, 21 dúos, 2 tríos, 26 arias sueltas, 16 obras para conciertos espirituales, 41 athems, 5 The deums, 1 Jubilate y 3 himnos ingleses. En música instrumental, 78 en el ámbito orquestal: 34 conciertos para solistas, 23 concerti grossi, 4 oberturas, 7 suites, 2 sinfonías, 6 movimientos de danzas y conciertos sueltos, y 2 marchas. 68 en el ámbito de cámara: 22 sonatas para un instrumento solista y bajo continuo, 25 sonatas en trío y 19 movimientos sueltos de danzas, marchas y sonatas Y 186 en el ámbito del clavicémbalo: 30 suites y oberturas, y 156 movimientos de suite sueltas.

7 7 Los oratorios Su oratorio más famoso es el renombrado "Mesías" (1741). La historia cuenta que éste surgió después de un largo período de escasez en la producción musical del compositor, debido a una inspiración divina. Su coro más famoso es el majestuoso "Aleluya". Este oratorio fue representado en el Convent Garden y dirigido por el mismísimo Händel todos los años en la época de Pascua hasta el día de su muerte. La música vocal profana Fue muy destacada y triunfó por su esplendor en 1642 en la ópera de Las Maravillas de Grecia donde fue muy importante su ópera "Allegro ma non troppo". Este es el acontecimiento más importante de la vida del cantante y compositor de ópera Händel. La música orquestal Al margen de sus oratorios sobresalen sus conciertos, sonatas y suites para diversos instrumentos y dos obras orquestales magníficas: Música para los reales fuegos de artificio (compuesta por encargo del rey Jorge II de Inglaterra, estrenada en el Grenn Park de Londres en 1749) y Música acuática (compuesta en 1717) para una travesía que el rey Jorge I de Inglaterra debió hacer navegando por el Támesis. La música para teclado Las obras para teclado de Händel, en especial las destinadas al clavicémbalo, son una de las cimas, junto con Bach, Rameau, Couperin y Domenico Scarlatti, de la gran tradición barroca del teclado, cuyas obras más importantes y conocidas son las colecciones de grandes suites (HWV y HWV ), las seis fugas (HWV ) y los conciertos para órgano Op 4 y Op 7. En este ámbito, su maestro Zachow le familiarizó con la escuela alemana del clave y órgano, donde coge influencias de Kunhau, Froberger, Kerll y Buxtehude en sus composiciones destinadas al teclado. Toda la música destinada al teclado está escrita para el clavicémbalo, a excepción de los 16 conciertos para órgano solista y orquesta, Op.4 y Op.7, y varios sueltos, compuestos en la década de Este novedoso y poco común género, que se adaptaba muy bien al carácter de Händel, lo interpretaba él mismo en los intermedios de sus oratorios. Händel, en estos conciertos, hace una demostración muy virtuosa de su talento como organista y su original sonoridad donde con su carisma fascinaba y entusiasmaba al público, pero se tiene sólo una imagen incompleta de cómo debía sonar realmente esa música: en las ediciones no aparecen las ornamentaciones ni las secciones reservadas a la improvisación. No es de extrañar, pues, que Händel, como Bach, haya sido un notable improvisador al teclado, y su música para clave tiene un aspecto libre y espontáneo, al igual que el resto de su música instrumental. Händel compuso bastantes suites y oberturas en la música destinada al clavicémbalo, y su principal aportación a este género de origen francés son las grandes suites (HWV ), publicadas en Londres en Estas suites tienen una originalidad y una variedad muy grande en varios aspectos, en referencia a la suite francesa para teclado, siguiendo la norma como el resto de su obra instrumental. Adopta variados patrones y movimientos de diversos géneros: la sonata de iglesia, como en el caso de la Suite 2, la estructura clásica de la suite, como en el caso de la Suite 1, o una combinación de ambos géneros, como en la Suite 7, y diversos estilos, como el concierto en la Suite 4. Estas suites tienen una gran potencia y sentido dramático, un aire de grandeza que casi desborda el marco del clave, y utilizan tonalidades poco usadas en la primera mitad del siglo XVIII, como en el caso de la Suite en fa sostenido menor, y, entre la producción de teclado, es en estas obras donde está más patente la originalidad de Händel.

8 8 C. OBRAS MUSICALES MÁS IMPORTANTES 1 Ópera Giulio Cesare (1724) Roza T. Piangerò by G. Handel (opera Julius Caesar): 2 El Mesías, oratorio (1741) Coro y Orq. Via Magna Haendel. El Mesías. Hallelujah: 3 Música para los reales fuegos de artificio (1749) Handel: Music for the Royal Fireworks 1/2 (Ouverture): 4 Música Acuática (1717): Handel Water Music, Suite Nº 2 in D Mayor, Alla Hornpipe: 5 Salve Regina (1707) G.F.Handel ( ) Salve Regina in G minor HWV 241: 6 Suites para clave G.F. Händel Suite 5 in E air 'Harmonious Blacksmith': 7 Ópera Rinaldo (1711) y Rodelinda (1725) Haendel Lascia ch'io pianga: Marilyn Horne Handel Rodelinda "Vivi tiranno": A esta pequeña lista habría que agregar, casi por obligación, sus conciertos para órgano y sus seis fugas para teclado.

9 9 A. INTRODUCCIÓN El pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues, en este período se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad, ) como forma de ordenar y racionalizar la música. Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas, ). La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos. B. ETAPAS Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca: BARROCO TEMPRANO ( ). Se da un mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. Se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Las obras son, todavía, de poca extensión. Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. Los compositores más destacados son: en Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius. BARROCO MEDIO( ). Es la época de la ópera y la cantata, y con ella, la distinción entre aria, arioso y recitativo. La música instrumental va ganando terreno y se pone a la altura de la vocal. Se produce una vuelta hacia el contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época son: H. Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia. BARROCO TARDÍO ( ). Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal. Las formas adquieren unas dimensiones más largas, aparece el estilo concertado, ya bien constituido, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman. C. CARACTERÍSTICAS Si el arte Barroco representa al hombre de su época, la Música Barroca representa sus afectos y sentimientos. El hombre era concebido aún como miembro de un todo, no como individuo con libertad personal. La representación de los sentimientos humanos en la música barroca será pues estilizada y no personal. Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. Las más destacados son: LA MONODÍA: Los compositores del Barroco consideraron excesiva la complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya que así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. Por ello, una de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental). Esta técnica les permite comprender el texto y transmitir una mayor expresividad.

10 10 EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la composición. La melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo, pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas, creando un relleno armónico que va cambiando durante toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa. El bajo continuo se va a aplicar a todo tipo de música excepto a la escrita para un instrumento solista. Es la característica que define y distingue a la música barroca. Los acordes son improvisados, se especifican por medio de cifras que se escriben encima o debajo de la línea del bajo, dando lugar a un sistema de escritura denominado bajo cifrado TEXTURA: la textura que caracteriza a este período musical se llama monodía acompañada. ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se establece el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre. NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobre todo para la música orquestal, aunque también aplicable a la música vocal. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti, concertino, soli, ). Es un recurso para dar mayor expresividad a la música. El barroco busca el contraste. EL POLICORALISMO. Es uno de los inventos que hacen evolucionar de manera sustancial al canto. Se trata de relacionar no cuatro o cinco voces, sino hasta doce o más. Con ello, la sonoridad llega a unas novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos; se forman diferentes coros y se responden unos a otros. Se intensifica la fuerza emocional de las palabras dentro de la música vocal. Creando tres maneras de cantar el texto: recitativo, arioso y aria. Recitativo: declamación del texto siguiendo sus acentos; está a medio camino entre el canto y la declamación. Aria: melodía cantada y enriquecida mediante adornos. Arioso: está a medio camino de las dos anteriores. NUEVAS FORMAS como la ópera, el oratorio, la pasión, el concierto (grosso y solista), la suite, la sonata. Etc, etc, etc.

11 Etc, etc, etc. 11

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