HISTORIA DEL ARTE: LA PINTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX

Transcripción

1 Tema 14 (II) LA PINTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL. LA PINTURA REALISTA Y COURBET. LA PINTURA IMPRESIONISTA Y POSTIMPRESIONISTA. EL ARTE ESPAÑOL DE LA ÉPOCA INTRODUCCIÓN: EL REALISMO Es un movimiento artístico y literario que surge alrededor de Su finalidad es la representación objetiva, verosímil de la realidad. En cierta medida es una reacción frente a los excesos del Romanticismo. Rechaza el sentimentalismo, la temática histórica y orientalizante, extrayendo su inspiración en la realidad cotidiana. En esta época surgen las ideologías anarquista y marxista, el movimiento obrero y el proletariado son protagonistas de la historia. El evolucionismo, el positivismo, los avances científicos y técnicos, con el telón de fondo de la ideología hegeliana y el materialismo dialéctico, ponen fin al Romanticismo. Será una nueva época. CARACTERÍSTICAS Rechaza el subjetivismo y la evasión del arte Romántico. Se defiende de la realidad con el deseo de transformarla. Es una pintura objetiva, que no intenta embellecer la realidad. Representa la vida cotidiana en el campo, la ciudad, la intimidad, el paisaje o el trabajo, con minuciosidad. La veracidad. El realismo será acusado de feísmo, de no buscar la belleza en su arte, al representar la vida cotidiana de los trabajadores y campesinos; temas no dignos de ser pintados. Despoja al cuadro de convencionalismos o de cualquier tipo de idealización La contemporaneidad. El único tema digno de ser representado es el mundo coetáneo del artista. El compromiso social. El fin del arte es social, lo que va en contra de la idea romántica del arte por el arte. La temática del realismo nunca había sido tratada por autores anteriores, lo que exige el compromiso social del artista, siendo sus obras manifiestos de crítica social. La variedad en sus técnicas y estilo, ya que aquello que une a los artistas del realismo son los temas y no las características formales. Los avances de la fotografía son de gran importancia para los pintores realistas: capta y congela el momento de forma permanente, lo que sin duda fascina y es el punto de partida de muchas obras realistas. FRANCIA A mediados del siglo XIX Francia vivió grandes cambios políticos: la monarquía de Luis Felipe, la República, el Segundo Imperio, la Comuna de París y una nueva República. A la vez, se difunden las ideas de Carlos Marx; se produce el nacimiento del movimiento obrero en las ciudades que asisten al desarrollo de las comunicaciones y a la aparición de la fotografía. En este contexto, surge el nuevo lenguaje artístico que deseaba poner fin al mundo racional y legendario del clasicismo y a las idílicas y sugerentes imágenes del Romanticismo. La pintura realista quería llevar al lienzo la vida cotidiana, con paisajes cuyos elementos naturales adquieren protagonismo. La observación directa es el principal instrumento de trabajo. Pretenden alejar el esteticismo y la convención pictórica. Se trata de ser fiel a la realidad. Las raíces del realismo las hallamos en la pintura del paisaje decimonónica; en el momento en el que el paisaje romántico es abandonado por una visión diferente de la naturaleza: hay que observarla de forma directa. EL PAISAJE: COROT, LA ESCUELA DE BARBIZON Y MILLET CAMILLE COROT ( ): Supone el paso del paisaje romántico al realista, por lo que se le considera el primer pintor realista. De formación clásica, su ideal es crear un mundo de belleza, Página 1

2 serenidad y equilibrio, alejándose de toda corriente doctrinaria. Una de sus aportaciones es la pintura al aire libre, punto clave en la técnica impresionista. Se opone al romanticismo en la creación de atmósferas tranquilas, pero dotadas de un poder evocador y en su técnica minuciosa. En su obra se puede apreciar la unión de varias influencias: la pintura de género holandesa, temas galantes rococó y la variedad cromática del romanticismo. Todo unido a un detallismo minucioso, pincelada fluida y de gran textura y sensación de aire libre circulando libremente en las composiciones. Una de sus características revolucionarias es que desnuda al paisaje de todo elemento secundario, tratando de descubrir en sus cuadros una visión pura, real, deshecha de todo artificio, sentimiento y ornamentación. No idealiza el paisaje. Estudia los efectos de la luz y de los fenómenos atmosféricos sobre las escenas representadas: la Catedral de Chartres o el Puente de Nantes. En sus paisajes no se ven figuras humanas ni ruinas. En sus retratos femeninos los modelos no parecen posar, haciéndolo con gran naturalidad. ESCUELA DE BARBIZON. En torno a este pequeño pueblo trabajaron una serie de pintores: Rousseau o Díaz de la Peña, que tuvieron como maestros a Constable o Corot. Toman apuntes al aire libre, aunque muchas de sus obras las terminaban en el taller. Se interesaron por los cambios atmosféricos y sus efectos; así como por las filtraciones de luz. La temática de los artistas de este grupo girará en torno a los bosques, los prados, los arroyos; motivos en apariencia banales les permiten estudiar los efectos de la lejanía o las filtraciones de la luz entre las hojas de los árboles. El autor más reconocido es Theodore Rousseau ( ). Obra característica del pintor es Grupo de encinas, donde se observa la estética y la preocupación realistas propias de Barbizon Una preocupación parecida, pero con una paleta diferente da lugar al Impresionismo. JEAN FRANÇOIS MILLET: ( ). Su visión estética entronca con la Escuela de Barbizon en lo relativo a los sentimientos ante la naturaleza. La novedad aportada por Millet reside en introducir en estos paisajes franceses de gran formato, a los campesinos, a la gente del pueblo con sus miserias. Este hecho en sí mismo es polémico para el gusto burgués, acostumbrado a obras mitológicas heroicas o religiosas. Sin embargo huye de la pasión y emoción romántica, mostrando la realidad en toda su crudeza y frialdad; esto le supondrá ser tildado de socialista por la crítica burguesa. Afirmación desmentida por el autor, que dice que pinta lo que ve, lo que siempre ha visto y vivido, debido a sus orígenes humildes, desmarcándose de la lucha de clases. Dignifica la vida rural, sin caer en lo pintoresco ni hacer crítica social. Sus figuras son robustas y se presentan aisladas e incomunicadas y sus paisajes Página 2

3 tienen amplios horizontes. La luz es muy importante en su obra. Obras destacadas son: El Ángelus, Las espigadoras o El sembrador. El Ángelus: de tema campesino, refleja el rezo del ángelus de dos campesinos en un descanso de la labor. Es una composición simple, con figuras inmóviles, monumentales, que contrastan con el espacio vacío y los efectos de luz que crean una atmósfera poética. Millet influirá en un pintor tan distinto a él como Van Gogh. REALISMO SOCIAL: COURBET Y DAUMIER EL REALISMO SOCIAL: Se caracteriza por rehuir lo político y optar por la crítica social, con el obrero y la sociedad industrial protagonizando las obras de arte. Temas centrales: el mundo rural y urbano, las clases populares, los ambientes familiares y las escenas laborales. Se desacralizan los temas religiosos y se denuncian las condiciones de marginación, miseria y pobreza en que vivían las clases más bajas. Este arte fue rechazado por el público burgués. Gustave Courbet y Honoré Daumier son sus principales representantes. GUSTAVE COURBET ( ) es la figura principal del realismo pictórico. Pinta el mundo rural superando la nostalgia y la idealización, de una manera contemporánea. Su máxima era arte y vida deben ir unidas y por ello desarrolla un arte de crítica social y de denuncia de las desigualdades sociales. Es un artista comprometido, ya que se define a sí mismo como socialista. La manera de tratar a la sociedad de su época es lo que escandalizará, más que la estética de su obra. Su compromiso es introducir la realidad y la miseria de los estratos sociales más bajos en los Salones, sin idealización ninguna. Esta característica resalta en su obra El entierro de Ornans, donde aparecen figuras de todas las clases sociales, actuando como representante del proletariado el enterrador, lo que encierra una fuerte carga simbólica (el proletariado entierra a la burguesía). Está compuesto por figuras de tamaño natural, sin apenas relación entre ellas. Es un retrato colectivo de una ciudad pequeña, Ornans, con un paisaje como fondo. Prima el grupo sobre el individuo. Se muestra el ritual del entierro, aunque los asistentes parecen ausentes y no miran la fosa. Destaca la inexpresividad, la simplicidad, la escasez de volumen. Es un tema real, sin argumento en apariencia. Esta obra provocó un revuelo en su época, tanto por su estética cruda y realista, como por su simbología, inteligible para el público burgués. Ante las acusaciones recibidas, Courbet respondió que él pintaba lo que veía. Algunos autores la han calificado como manifestación visual del manifiesto comunista y entierro de la burguesía. Es un ejemplo del compromiso social de los artistas realistas. Otra de sus obras Buenos días, señor Courbet representa un hecho intrascendente, pero real: el encuentro con su amigo y un criado junto al perro. La fuerza de la obra reside en ella misma y no en el tema. Las figuras nítidas, se sitúan en una llanura soleada y con colores claros. HONORÉ DAUMIER ( ), conocido en su época más como caricaturista y litógrafo que como pintor. Su arte sigue el principio de hay que ser de su época. Critica a la sociedad y a la política que le tocó vivir. Sus temas se basan en la crítica de las condiciones de vida de las clases más humildes: campesinos, proletarios y clases sociales urbanas bajas. Su estética es diferente. Usa grandes manchas de color, a veces con sensación difuminada; pero no renuncia al dibujo. Los rostros recuerdan a las caricaturas satíricas que él realizaba. Su obra principal Vagón Página 3

4 de tercera refleja la vida cotidiana de unos campesinos en un tren. Líneas fluidas, formas rotundas y dominio del claroscuro son características técnicas y estilísticas destacables. Otra obra de crítica social es La Lavandera, donde denuncia las míseras condiciones de vida de las clases bajas de la ciudad. Su estilo se aleja de la representación objetiva y minuciosa de la realidad, usa el abocetamiento y la mancha de color, características del arte contemporáneo. EL REALISMO EN ALEMANIA E INGLATERRA: NAZARENOS Y PRERRAFAELISTAS LOS NAZARENOS fueron un grupo de pintores alemanes (Overbeck y Pforr) que, en pleno romanticismo, (1810) se establecieron en un monasterio en Italia y fundaron una hermandad. Sus trabajos son de autoría colectiva. Propugnaban la recuperación de la pintura del Quattrocento, reivindicando la pintura religiosa, la técnica del fresco y la claridad de la línea y del color. En 1848 un grupo de jóvenes pintores se reúnen en Londres para renovar el panorama artístico inglés. Creyeron necesario para ello dar la espalda a los géneros tradicionales, como el retrato o el paisaje y tratar temas de contenido social. Este grupo se llamará Hermandad Prerrafaelista. Sus presupuestos serán: a) Reacción contra el arte oficial b) Toma como modelo a los artistas italianos anteriores a Rafael, (de ahí su nombre). c) Reacción contra la sociedad industrial, soñando con volver a la sociedad medieval. Estas premisas se explican a partir de su deseo de veracidad, de mirar a la naturaleza para regenerar el arte, degenerado tras el Renacimiento. Admiran la obra de los primeros maestros del Renacimiento. Proponen volver a la infancia del arte. Su ideal es el arte medieval, con su significado religioso, coincidiendo en éste aspecto con los Nazarenos y pintar directamente de la naturaleza, recobrar la luz y los colores de esa época. Los Prerrafaelistas se encuentran a medio camino entre el Romanticismo y el Realismo, ya que se dieron en el grupo dos tendencias: a) Los que optan por el realismo del detalle, destacando Millais y Ford Madox Brown. b) Los que prefieren el lirismo y la evocación sentimental, en temas y estilo, acercándose más al romanticismo, como Rossetti. Realizan una pintura simbolista y moralizante, procedente de leyendas germánicas y anglosajonas, pasajes bíblicos y obras literarias de Shakespeare o Dante. Se caracterizan por los colores brillantes, heredados de las vidrieras góticas; por la importancia concedida al detalle y la línea, con efectos cercanos al realismo fotográfico. Este grupo reivindica la obra de arte como objeto ajeno a los procesos industriales, lo que les hace acreedores de cierto reconocimiento por parte de pensadores como Ruskin o de movimientos posteriores como Arts and Crafts. Entre los autores además de los citados, destaca Burne Jones. JOHN EVERETT MILLAIS ( ) muestra en sus obras predilección por temas relacionados con la belleza de la naturaleza presentada de forma muy personal, lo que en ocasiones es motivo de escándalo. Su obra más importante es Ofelia. FORD MADOX BROWN es prerrafaelista en su gusto y atracción por lo medieval y en su rechazo del academicismo, pero sus obras tienen un mayor calado social, como se puede detectar en su obra El trabajo. En esta obra muestra una mañana en una céntrica calle inglesa. El centro de la composición lo ocupan peones que trabajan a pleno sol de julio. Aunque no es una denuncia social como las realizadas por Courbet, Millet o Daumier, sí glorifica a los trabajadores a los que trata como héroes modernos. DANTE ROSSETTI (Ecce Ancilla Domini y la Anunciación) y BURNE JONES (El Rey Página 4

5 Cofetua y la mendiga). EL IMPRESIONISMO INTRODUCCIÓN Sin duda, el Impresionismo es una de las corrientes pictóricas más famosas entre el gran público. Hacia 1860, un grupo de pintores realistas reunidos en torno a Manet, deciden organizarse como grupo independiente con apoyo de algunos coleccionistas y marchantes, como forma de supervivencia profesional ante sus fracasos en las exposiciones nacionales. Desde finales del siglo XVII, los miembros de la Real Academia de Escultura y Pintura francesa podían exponer sus obras en uno de los salones del Palacio del Louvre. Solo aquellos que eran aprobados por un jurado conservador y academicista se exhibían en el Salón Oficial, que tenía carácter anual. Era un escaparate oficial y público, que ayudaba al artista a darse a conocer y a conseguir clientes. Las obras que se presentaron en 1863 fueron tantas, que el jurado rechazó muchas de ellas. Las protestas llevaron a Napoleón III a organizar un Salón paralelo, el de los "rechazados" que recogiera todas esas obras. Este salón oficial alternativo recibió gran afluencia de público, en parte para mostrar su rechazo al "nuevo arte". "Desayuno en la hierba" de Manet es una de las que más críticas adversas recibió. Dos años más tarde un nuevo escándalo rodeó a otra nueva obra de Manet, "Olimpia". El período de gestación de la corriente impresionista tuvo lugar entre 1863 y Esta corriente cristalizará en París en la década de En 1874 Monet, Renoir, Cézanne y Pissarro, ante la imposibilidad de exponer en el Salón Oficial, lo hacen en el del fotógrafo Nadar: era la primera exposición impresionista. Opuesta al arte académico y a los salones oficiales donde era rechazada, debe su nombre a un cuadro de Claude Monet "Impresión, sol naciente", expuesto en la primera exposición de El cuadro provocó tal impacto, que la crítica calificó a todo el grupo como "impresionista". Desde entonces se sucedieron varias exposiciones, siempre fuera del circuito oficial, hasta que en 1886, tras diferentes liderazgos e importantes secesiones, se dio por concluida la supremacía de los pintores impresionistas. Entra en escena el divisionismo o neoimpresionismo, con artistas como Seurat y Signac. Ambos habían abierto en 1884 el Salón de los Independientes. Sin jurado de selección y previo pago de una cantidad, cualquier pintor podía exhibir sus cuadros. Las relaciones entre el público y el artista se amplían. Surge la figura del "marchante", intermediario, o agente comercial, entre los artistas y el cliente. Ambroise Vollard o Paul Durand-Ruel son algunos de ellos; reflejan los cambios del mundo del arte, que se dirige hacia un voraz mercantilismo. A principios del siglo XX el Impresionismo estaba superado; seguía vivo, pero ya son otras corrientes las que dominan el panorama del arte. En 1907 Picasso expuso "Las señoritas de Avignon". Es, pues, en el último tercio del siglo XIX en el que reina el Impresionismo. Coincidió con el final del Imperio de Napoleón III, casado con Eugenia de Montijo. Esto facilita en Francia el reconocimiento de artistas españoles, como Velázquez y Goya; y cierta atracción por lo español. Además son pintores impresionistas los que rescatan del olvido a un pintor como El Greco. Francia sigue ejerciendo durante todo el siglo XIX de centro artístico mundial. París era el destino de cualquier artista que quisiera conocer las formas más novedosas y quisiera hacerse un lugar en el mundo del arte; que por un tiempo, seguía siendo europeo. Y es en París donde desarrollan su actividad los pintores impresionistas. Aunque compartieron elementos comunes, también hubo diferencias, en cuestiones fundamentales, como técnicas, tratamiento de la luz, y el color, temas y clientes. Tampoco hubo un intento de Página 5

6 sistematización, definición o elaboración de un programa estético. Como dice Calvo Serraller: "No hay impresionismo sino pintores impresionistas". Denominador común era el interés por el color y los reflejos de la luz en el paisaje, y pintar al aire libre en busca de las variaciones de la luz. Esta práctica la favoreció la difusión de la pintura en tubos de estaño, que permitía captar "la impresión" de forma rápida y directa. Sus integrantes dejan los talleres para pintar al aire libre, en busca de la captación atmosférica del momento a través de la luz y del color. Aplican el color en pequeñas manchas sueltas y brillantes, no mezclan los colores en la paleta; su fusión se produce en la retina del espectador cuando mira desde lejos la composición El impresionismo tampoco rompió totalmente con la estética anterior; es heredero de las aportaciones de artistas anteriores. Precedentes los podemos ver en: -La captación de la luz, asunto central para esta corriente, tiene sus precedentes en la pintura veneciana del siglo XVI y en Velázquez, a quien conocen y de quien dicen "es el pintor de los pintores" (Degas). -Los paisajistas ingleses, Constable y Turner recogen instantes lumínicos, disgregación de imágenes y vivencia personal de la naturaleza, cuestiones centrales para los impresionistas. -El realismo les influirá en cuanto a la observación del momento concreto y la representación de la naturaleza tal cual es. La Escuela de Barbizon es su precedente, y por supuesto, Corot influye en Pisarro y Monet, a los que recomienda "la naturaleza es el mejor consejero". -El costumbrismo es un rasgo de Manet, gran precursor del impresionismo, quien a su vez bebe estética y técnicamente de Francisco de Goya. En la revisión del lenguaje artístico se unieron los siguientes elementos: -La teoría de los colores, según la cual los colores secundarios (naranja, verde y violeta), se realzan si se sitúan próximos a los primarios (amarillo, azul y rojo), no empleados para su obtención. -La expansión de la fotografía valorada por unos y menospreciada por otros, aportó nuevos encuadres, angulaciones con primeros planos y figuras cortadas y descentralizadas. En el impresionismo influye por su instantaneidad. -La estampa japonesa, en cuanto a los contornos vigorosos, las composiciones oblicuas, las formas esquemáticas la síntesis del color, fue objeto de admiración por parte de los impresionistas. El impresionismo puede considerarse como la culminación del realismo pictórico; frente a la percepción subjetiva primaba la realidad; tanto, que les lleva a rechazar el color negro, al no existir como tal en la naturaleza. Su obra, lejos de ser espontánea, era concienzuda y precisaba muchas horas de taller. En cuanto a los artistas, han sido considerados bohemios, combativos e independientes, geniales, fugaces y convulsos en su trabajo y en su vida; pero no fueron un grupo cohesionado, ni estaban solos. Zola y Baudelaire, críticos, les apoyaron, y marchantes como Vollard o Durand-Ruel estuvieron a su lado. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA: 1. Preferencia por el aire libre, practicada ya por la Escuela de Barbizon, es una de sus señas de identidad; facilitada por la difusión de la pintura en tubos. La pintura, se fabricaba industrialmente; además los lienzos y pinceles son más fáciles de transportar, gracias a la Revolución Industrial. Reproducirán las diferentes fases del día y sobre todo las diferentes luces que se producen sobre un mismo paisaje u objeto. 2. Pincelada suelta y tonos más claros y luminosos. 3. Su importancia radica en la dinámica de cambio y renovación que van a imprimir en el arte occidental. 4. Compromiso con su tiempo, en modo diferente a los pintores románticos o realistas. Su visión Página 6

7 del mundo es optimista, los aspectos que retratan son gratos, amables e incluso alegres. 5. Sin embargo, no es sentimental. Es difícil hallar algo subjetivo en sus obras: sus ideales estéticos buscan objetividad, investigación visual y pictórica, más que reflejar el alma del artista. 6. Nuevos temas: Pintura al aire libre, con paisajes, las mareas, vistas fluviales, vistas urbanas, escenas nocturnas, fiestas populares, personajes bohemios, temas banales y reflejos en las aguas. 7. Nueva valoración de la luz y colorido, se suprime el color negro que no existe en la naturaleza, combinación de claro sobre claro con las que armonizaba sus composiciones. Utilizaron una gama luminosa: blanco, azul, rosa, rojo y violeta, reservando a las sombras tonos más fríos pero brillantes, con toques de colores complementarios en algunos lugares. Dijeron que ni el color ni la forma existen, y sólo es real la relación aire-luz. La luz y sus cambios son los verdaderos temas de la pintura impresionista. Se trata de representar el motivo tal y como lo percibe el ojo a través de la luz y antes de que el cerebro recomponga la imagen; de ahí que se llame a la pintura impresionista, "pintura para el ojo". 8. Nueva técnica suelta y ligera con pinceladas vigorosas, cortas, que a veces aporta mucha pasta, y otra muy diluida (yuxtapuestas), de diferentes colores. Modo de trabajo inmediato. Plasman las vibraciones de la atmósfera 9. Nueva valoración del espacio ilusorio, con angulaciones o encuadres atrevidos, las figuras a veces no ocupan el centro y están cortadas. Se renuncia a la perspectiva geométrica, y se capta el instante. 10. Encuentro entre ciencia y pintura, por las investigaciones de Chevreul, quien elabora la teoría del color, basada en los colores primarios y colores complementarios, y la combinación de ambos. 11. Negación del claroscuro, basado en la teoría anterior. Las sombras de los objetos se representan con colores, (no con el negro), dando pie a la teoría de las sombras coloreadas. 12. Nueva relación con el público: el espectador debe participar imaginando lo inacabado. 13. Nuevo modo de concebir la relación entre artistas, fundando una Sociedad Anónima que organiza una exposición colectiva en ETAPAS EL PREIMPRESIONISMO Su precursor será ÉDOUARD MANET ( ), concibe a su pintura como un homenaje a los pintores europeos y como visión realista. Sus principales influencias las recibe de la Escuela veneciana, la Escuela de Barbizon, Velázquez y Goya. Le interesa la visión sin prejuicios, propia del realismo. Entre otros cuadros pinta "El desayuno sobre la hierba" reinterpretación de "Concierto campestre" de Giorgione y Tiziano, presenta grandes manchas de color, colores planos, oposición de luz, abocetamiento, pincelada suelta y gruesa, etc. Causó un gran escándalo, por su tema, considerado pornográfico, como por su novedoso tratamiento formal. "Olympia" en la que reinterpreta la Venus de Urbino de Tiziano, muestra armonía de tonos claros y con la "Ejecución de Emperador Maximiliano", el "Pífano" y "Retrato de Zola" Manet culmina el realismo e inicia el impresionismo. Hay que señalar que prefiere el dibujo y el trabajo en el taller; rechaza la pintura al aire libre, la presencia de sombras y el empleo del negro, lo que le aleja del impresionismo. Pincelada firme, preocupación por el dibujo y fuertes contrastes de luz y de sombras, oposición a la gradación tonal, son características de su pintura. No expuso nunca con ellos, y solo sus últimas obras se acercan al Impresionismo. PINTORES IMPRESIONISTAS CLAUDE MONET ( ): Es el impresionista puro, que atraviesa las distintas fases del movimiento, pintando series como "Estación de Saint Lazare", "Catedral de Rouen" y "Ninfeas". Con la luz crea el color y la forma. Se centra en temas marinos, escenas fluviales y Página 7

8 paisajes; en los que refleja las variaciones cromáticas creadas por la luz natural a lo largo del día. Su obra es abocetada, de pinceladas rápidas, sugiriendo espontaneidad y fugacidad. Recibe influencia de los paisajistas ingleses (Constable y Turner). Redujo paulatinamente la presencia de la figura humana en su obra; tendió a la imprecisión de formas y se especializa en el paisaje. Su interés se centró en los efectos de la luz y de los fenómenos atmosféricos en los objetos, más que los propios objetos, como las versiones de la Catedral de Rouen: pintó la atmósfera que rodea a los objetos. En su etapa final, en sus obras "Nenúfares" y "Ninfeas", buscó la experiencia inmediata de la naturaleza, disolvió formas, redujo la perspectiva y e hizo desaparecer el horizonte. Anuló los principios de la pintura tradicional y se acercó a la abstracción. Entre sus paisajes tomados del natural, destacan los acuáticos. En estas obras estudia las variaciones de la luz sobre el agua y los reflejos, permitiéndole desarrollar la teoría de las sombras coloreadas. PIERRE- AUGUSTE RENOIR ( ): Pintor de gran sensibilidad, con experiencia en la pintura de porcelanas; eso explica lo translúcido de su pintura, en la que muestra gran interés por la luz y los matices del color, con pinceladas dinámicas y borrosas. Llena sus lienzos con motivos vitales, joviales y hedonistas. Sentía admiración por Boucher y Fragonnard, cuyo brillante cromatismo asumió. La obra de Rubens le hace desarrollar desnudos femeninos con formas y volúmenes barrocos. Incorpora la diagonal para crear profundidad, y usa el negro en sus obras. Comienza la investigación sobre el toque coloreado e indaga sobre la representación de la figura humana con el resplandor del sol incidiendo en desnudos femeninos. Le interesa la incidencia de la luz sobre la figura humana en movimiento. A partir de 1880 cambia el color por influencia del tono dorado, con obras como "Torso de mujer al sol". Es el pintor de la alegría del mundo parisino. Prefiere los fondos claros, sobre lienzos gruesos, con una leve capa de pintura. Es pionero en el uso del contraste entre tonos cálidos y fríos. Sus temas preferidos son las escenas de la vida urbana, pequeñas embarcaciones de remos, en las que se puede recoger la incidencia de la luz en el agua, el aire y los personajes, y los bañistas, consiguiendo imágenes sugerentes a través de vivas escenas que mezclan la naturaleza, los cuerpos desnudos femeninos y la intensidad luminosa. "Le Moulin de la Galette" es una de sus principales obras. Opta por la disolución de la línea, de los contornos y de las formas, en favor del color y de la luz, que parece filtrarse en las escenas. EDGAR DEGAS ( ): De formación académica, estuvo influido por los maestros renacentistas y por la fotografía. De la estampa japonesa le influye el dibujo y el uso de colores sin mezclar. Compagina escultura y pintura. Aunque participa en la mayoría de las exposiciones impresionistas, su obra tiene poco que ver con el mismo. De hecho, Degas prefería que se les llamara "independientes" y no "impresionistas"; término que hacía hincapié en la ruptura con el arte anterior y no una determinada forma de pintar. No pinta paisajes al aire libre; prefiere el trabajo en el taller y la luz artificial. Le gustan dos temas: las escenas de caballos y jinetes, y las bailarinas. Está interesado por el dibujo y pinta escenas ciudadanas. Le gusta la luz artificial con una peculiar manera de evocar el espacio, a través de diagonales y espejos, de figuras laterales y de vacíos centrales, con obras como: "El desfile", "Bailarinas en la barra", etc. Le atrae más el estudio del movimiento corporal que el de la luz y el color. Se interesa más por los seres humanos que por el campo. Su aportación principal serán sus composiciones,asimétricas, en las que no se observa la escena completay en la que el motivo principal está desplazado del centro, por influencia de las estampas japonesas. Sus obras están llenas de enfoques y encuadres fotográficos, que dotan a sus obras de instantaneidad e inmediatez. Sus iconografías se basan en escenas de ballet, en las que los tutús ayudan a tratar el movimiento y la incidencia de las luces artificiales, de teatro y de cafés. A sus personajes los trata con gran intimismo, mostrando resignación, amargura y tristeza en la mayoría de ellos. ("Absenta", "Bailarinas" "Carreras de caballos" Página 8

9 CAMILLE PISSARRO ( ): Amigo de Monet y Cézanne, profesor de Gauguin, encarna la exaltación del ambiente rústico y de la campiña francesa. Su papel más importante es como aglutinador del grupo. Evoluciona al puntillismo desde el impresionismo con obras como "Escarcha". Obras suyas son también "Tejados rojos" y "El jardín de las Tullerías". ALFRED SISLEY ( ): En la línea estética de Monet, se siente atraído por representar el agua, el cielo, la bruma y la nieve. Comenzará pintando paisajes de tonos relativamente oscuros, para pasar a recoger efectos la luz y pincelada más corta. Pinta paisajes constructivos con obras como "La inundación en Port Marly". Tenderá a la disolución de las formas, como en "Nieve en Louveciennes". OBRAS IMPRESIONISTAS El Almuerzo sobre la hierba: Cuadro de Manet, que supone la clara apertura del movimiento pictórico impresionista. Muestra a una mujer desnuda junto a restos de una merienda campestre y acompañada de dos jóvenes vestidos conversando. Tiene crudeza técnica, apariencia abocetada, aire lechoso casi plano del desnudo. Destacan los reflejos del agua con pinceladas a veces pastosa y a veces diluida. Olympia: Cuadro de Manet que representa una mujer desnuda con color lechoso, reposando sobre el diván blanco y chal beige, contrastando con el negro del fondo y el color de la sirvienta. La sirvienta entrega un ramo de flores a la prostituta. Bailarinas en la barra: Cuadro de Degas, con dos figuras concentradas en el baile sobre la barra sin atender al espectador, por lo que éste capta una instantánea. El suelo es diagonal, las figuras están en la parte superior derecha y la luz es artificial. Torso de mujer al sol: Cuadro de Renoir que representa a una mujer desnuda bajo una luz de sol tamizada por la vegetación entre la que se encuentra. Las sombras se consiguen con pinceladas azuladas o violáceas suprimiendo el negro. La pincelada es suelta y la figura está cortada. Baile en El Moulin de la Galette: Cuadro de Renoir situado en el Museo de Orsay, en París. Escena festiva de una baile dominguero en una tarde primaveral. Los personajes son: a la derecha tres amigos de Renoir, la pareja que baila a la izquierda es de una de sus modelos y un pintor cubano, y en el centro dos hermanas, una de ellas modelo. La modelo parece que presenta a los jóvenes a su hermana. Es una composición muy equilibrada con iluminación en jirones filtrándose entre las hojas de las acacias, las lámparas están ya encendidas. Escarcha: Cuadro de Pissarro de tema paisajístico. Es un paisaje desolado con una sola persona, tiene pinceladas muy cortas, con Página 9

10 HISTORIA DEL ARTE: LA PINTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL abruptos cambios de color, a veces superpuestas. La inundación en Port Marly: Cuadro de Sisley de tema paisajístico. Es una situación trágica, pero se representa sin dramatismo, destacan los reflejos de los edificios y árboles en el agua. Importa el paisaje y sus componentes, pero no la situación humana. Impresión: sol naciente: Cuadro de Monet, paisajista que refleja un amanecer en el que el sol rojo se refleja sobre las aguas del mar, sin apreciar apenas las líneas que delimitan el horizonte fundiéndose el agua y cielo. Ninfeas: Ciclo de cuadros de Monet, que representa la vegetación acuática de ninfas, con cercanía a la abstracción por la disolución de las formas. La luz lo impregna todo. ARTE NEOIMPRESIONISTA Hacia 1880 diversas corrientes pictóricas revisan las aportaciones del impresionismo. Interesan los problemas ópticos, la luz y color, creando un clima sumamente propicio para las nuevas aportaciones. GEORGES SEURAT ( ): Se interesó por Piero della Francesa e Ingres. Experimenta su técnica de puntos con colores puros, que colocados con complementarios permiten la aparición de un nuevo tono por su fusión en la retina del espectador (puntillismo o divisionismo), totalmente elaborado en 1884, cuando funda el Salón de los Independientes, entre sus obras están "El baño" y "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte". SIGNAC: Discípulo de Seurat y teórico del movimiento, con colores mezclados además de puros con obras como "El puerto de Marsella". Niega el impresionismo al sistematizarlo y pretender un arte elaborado en vez de fugaz. Las obras más destacadas son: Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte: Es un cuadro de Seurat, que presenta una escena cotidiana aparentemente natural, pero que esconde artificios como el mono, la caña de pescar de la mujer, etc. Bañistas: Es un cuadro de Seurat que presenta a chicos bañándose o tomando el sol, con puntos que el observador recompone. Utiliza colores muy vivos. ARTE POSTIMPRESIONISTA En 1886 se celebra la última exposición conjunta de los impresionistas, y otros pintores abren nuevos caminos a la pintura, recuperando el dibujo, el volumen, el sentido espacial y la expresividad de los objetos y personas, abandonadas por el impresionismo. Los integrantes de este movimiento se formaron en la estética impresionista, y sus aportaciones sentaron las bases de las vanguardias desarrolladas durante el siglo XX. Al descomponer la realidad en formas geométricas, Cézanne parece predecir el Cubismo; Gauguin antepuso sus arbitrariedades cromáticas y optó por el primitivismo, siendo precedente del fauvismo. Van Gogh es considerado padre del expresionismo, ya que vincula sus estados de ánimo con la pintura, distorsionando la realidad y el color. Y por último, Toulouse-Lautrec. PAUL CÉZANNE ( ): Para muchos es el padre del arte del siglo XX. No comparte con Página 10

11 los impresionistas el interés por captar los efectos cambiantes de la luz. El pintor no debe copiar, sino organizar lo que ve, estudiar racionalmente los objetos, no desdeñar el dibujo, considerándolo igual de importante que el color. Supone, pues, que la tridimensionalidad y la perspectiva, asuntos clave de la pintura desde el Renacimiento, pierden protagonismo y no sean asunto fundamental para el artista. Estudia los objetos desde todas las posiciones, lo que lleva a descomponer la perspectiva tradicional. Pinta bodegones y elige a sus amigos como modelos para ejercer su estudio de reducción de la realidad a cilindros, conos y esferas, con obras estructurales en series. Sus pinceladas son largas y visibles, de líneas casi paralelas, que expresan la solidez de la forma. Inicia una simplificación y síntesis de la realidad, y comienza a disolver el volumen a partir de algunos puntos culminantes con geometrismo de la que derivará la pintura cubista, con obras como Jugadores de cartas y Bañistas. Además de bodegones, pinta paisajes provenzales y la figura humana, reflejada con la mínima expresividad gestual y aspecto inacabado. VINCENT VAN GOGH ( ): Pintor holandés, formado en París, bajo el movimiento impresionista, apoyado por su hermano Theo van Gogh. Fue un artista solitario e incomprendido, sufría una inestabilidad psíquica de carácter congénito; por su amistad con Gauguin, por la dependencia económica de su hermano y sus fracasos emocionales. Conoce la obra de Constable, Turner y Millet. Tras una crisis personal, se interesa por la religión, pero en una misión decide hacerse pintor. Después, tras una estancia en París, vive en Arlés, donde define su estilo. A través de su pintura, interpretaba la realidad conforme se encontraba anímicamente. El color resplandeciente es el gran protagonista de sus obras. Lo usa con pinceladas densas de colores puros, que fragmentadas u onduladas, provocan una vibración óptica en todo el lienzo, expresando así su propio e inestable estado anímico. Tiene mucha influencia impresionista. Sus cuadros reflejan su estado de ánimo depresivo, que acabará llevándole al suicidio. Su estilo se caracteriza por la pincelada sinuosa y retorcida, violencia en la aplicación del color, el tema es el mismo, su propio drama interior, preparando el camino al expresionismo. Entre sus cuadros destacan: El dormitorio, Autorretrato y La noche estrellada. Logra la profundidad espacial usando pinceladas más largas y separadas, en primer plano y, al fondo, más pequeñas y compactas. En los interiores usa extraños juegos de perspectivas y contrastes de luz. El dibujo, simple, está formado por trazos sinuosos, flamígeros y contornos oscuros, utiliza la técnica del cloisonismo. Incorpora una gran variedad de colores: amarillo, verde, rojo, violeta y blanco. En obras como Los comedores de patatas, Autorretratos, La habitación del pintor Retrato del doctor Gachet o la Iglesia de Auvers-sur-Oise se observan estas características. PAUL GAUGUIN ( ): Pintor y escultor, precursor del arte moderno, definidor de la relación entre el plano pictórico y las tres dimensiones, su espacio es a través de tintas planas y encuadres oscuros e insólitos, con temas de cierto carácter mágico. Protesta contra el colonialismo y el etnocentrismo, pero también se considera al cuadro como creación, expresando el mundo íntimo del autor al desechar la naturaleza. Sus obras son: El Cristo amarillo, Matamúa y Manao tupapau. Admirador de Manet, Degas y Cézanne, desde el Impresionismo crea un estilo de gran fuerza expresiva, próximo al Simbolismo, menos naturalista y de formas más simples y abstractas. Usa colores puros, tal como salen del tubo. Su arte discurre entre el pintoresquismo, representado por su pueblo natal, Pont-Aven, sus campesinos y su fascinación ante lo exótico y el abandono de la civilización. Su pintura se basa en la técnica del cloisonismo: colores planos, contornos oscuros silueteados, perfectamente delimitados; técnica influida por el japonismo. Se caracteriza por su carácter decorativo, su calidad formal y por la ausencia de sombras y profundidad. Su nombre deriva del esmalte cloisonné. Un ejemplo es el Cristo amarillo. En su madurez dominan temas del erotismo y el ritual pagano de Tahití, isla donde vive desde 1891 Página 11

12 HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC ( ): Su existencia transcurre entre el recuerdo de una formación conservadora, su tara física y su vinculación a la noche parisina. No muestra interés por el paisaje, utiliza lápices de colores con los que representa escenas de circo y cabaret. Son instantáneas con forma disuelta entre líneas que reflejan la sordidez de una vida artificial. Hace del arte un vehículo colectivo de comunicación. Su obra va más allá de las sensaciones ópticas del impresionismo, capta los aspectos psicológicos del mundo que ve a través de su dibujo. Es independiente y autodidacta; su eclecticismo le ayuda a asimilar los tonos puros y las pinceladas yuxtapuestas de los impresionistas. En sus carteles recibe la influencia de la estampa japonesa, usando su ritmo de la línea, simplificación, sus amplios planos cromáticos y homogéneos. También le influye la técnica simbolista y la perspectiva y encuadres de Degas. Su vida nocturna le ayuda a captar un sinfín de tipos, que trata con prodigiosa psicología, haciendo de su obra un documento gráfico de su época. OBRAS: Jugadores de cartas: Cuadro de Cézanne, situado en una taberna en la que dos hombres juegan a las cartas. Aunque se elimina el ambiente de la taberna, al igual que el color con sólo tonos apagados, se representan las figuras con formas geométricas elementales. La montaña Sainte-Victoire: Cuadro de Cézanne que representa la citada montaña que se ve tan nítida como los árboles y la granja del primer plano. Intenta reinterpretan el paisaje clásico desde la experiencia histórica del impresionismo. El dormitorio: Cuadro de Van Gogh que representa la habitación en la que dormía, en la casa de Arlés. Tiene una perspectiva acelerada, los colores casi planos armonizan entre sí y transmiten emociones, reposo y estabilidad. La noche estrellada: Cuadro de Van Gogh. Es un paisaje inquietante con una alegoría de la muerte y el destino del alma hacia los astros. Las estrellas y la luna se agitan en remolinos y los cipreses se elevan como llamas oscuras. Es la autoexpresión de Van Gogh. Matamúa: Cuadro de Gauguin. Tiene un colorido irreal pero armónico que sugiere alegría y felicidad Refleja un supuesto viaje de Gauguin a Tahití, en el que descubrió un valle donde la gente vivía como antaño. Busca el paraíso. Cristo amarillo: Cuadro de Gauguin con un tosco Cristo crucificado al estilo románico (no sufre), de color amarillo, que se intensifica con los naranjas de los árboles. Busca lo mágico y maravilloso y no lo real. ESPAÑA Y LA PINTURA HISTÓRICA Durante el siglo XIX, tanto bajo el Romanticismo como con el Realismo, el retrato, el costumbrismo, el paisaje y la pintura histórica serán los temas principales tratados por nuestros pintores. El auge de la pintura histórica en España se debe a la predisposición favorable del público hacia la temática histórica, al predominio de ésta en los encargos institucionales, a que era tema obligado para conseguir las becas de ampliación de estudios en Roma y a los criterios de selección para las exposiciones universales. Eran obras de gran formato y aspecto teatral, Página 12

13 caracterizadas por su realismo y minuciosa documentación. Sus representantes fueron Casado del Alisal, con la Rendición de Bailén ; Gisbert, con el Fusilamiento de Torrijos y Rosales (Testamento de Isabel la Católica. La pintura del último tercio del siglo XIX entra en la modernidad con el realismo, en sus diversas variantes: el paisaje (Carlos de Haes) y la crítica social (Cuerda de presos, de López Mezquita, La carga, de Ramón Casas) Se podría hablar solo de coincidencias o del uso de ciertos logros impresionistas en la obra de autores como Mir, Regoyos, Rusiñol y Sorolla, aceptado tradicionalmente como el más impresionista de todos. JOAQUÍN SOROLLA ( ): Respondía al prototipo de pintor decimonónico: becado en Italia gracias a obras de contenido histórico. Diseñó su carrera para lograr el reconocimiento que obtendría dentro y fuera de España. Su consagración definitiva la consigue con el encargo de la Hispanic Society de Nueva York, de una serie alegórica sobre las regiones de España. Tras diversas estancias en Italia y París, llegó a Madrid, donde desarrolla obras de realismo social como Y aún dicen que el pescado es caro. A principios del siglo XX, define un estilo propio: bruscos contrastes entre luz y sombra, juegos del reflejo del agua sobre los cuerpos y, en suma, experimentaciones con el color y la luz. Capta la luminosidad del Mediterráneo, con interés por los reflejos de la luz, representa las sombras violetas y azules, aunque no usa la pincelada suelta y mezcla los colores en la paleta. Su principal obra es "Los nadadores". Si bien coincidió con alguna de las aportaciones del impresionismo, para referirse a su estilo suele usarse el término de iluminismo, por la importancia que otorga a la luz. Cosiendo la vela o Pescadoras valencianas son otras de sus obras más representativas. Nadadores: Cuadro de Sorolla que representa el reflejo de la luz solar en el cuerpo humano y el agua. Capta también la transparencia y movilidad del agua. Página 13