Tema 1. El Renacimiento: origen y desarrollo del nuevo lenguaje en arquitectura, escultura y pintura. El Renacimiento italiano.

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1 Tema 1. El Renacimiento: origen y desarrollo del nuevo lenguaje en arquitectura, escultura y pintura. El Renacimiento italiano. Para una primera aproximación al tema te proponemos la siguiente presentación: Arte Del Renacimiento View more presentations from landa También puedes ver el siguiente vídeo a modo de introducción: Título:Introducción al Renacimiento. Autor: gatovolador14 Historia del Arte Página 1 de 46

2 1. Contexto espacio-temporal Los siglos XV y XVI suponen un giro total en la cultura y el arte en Europa. Sin embargo, las transformaciones vienen dadas en un contexto político, económico y social de cambio. En cuanto a la Economía, el desarrollo de técnicas comerciales, más la apertura del Mediterráneo tras las Cruzadas, promueven la economía monetaria, reafirmada con la producción de oro de las minas centroeuropeas y el uso de la moneda en las relaciones económicas. Nace una sociedad de mercado, regida por el Mercantilismo, que consideraba como factor primordial de riqueza la acumulación de moneda y metales preciosos. Dentro de esta sociedad mercantilista asciende paulatinamente una clase urbana: la Burguesía, que basa su importancia en la simple condición económica. En cuanto a la Sociedad, la burguesía mercantil e industrial es la más poderosa. Es una sociedad nueva, laica, que ha olvidado la fe e ilusión de anteriores generaciones capaces de levantar grandes catedrales. Hay un nuevo ideal en los hombres. En cuanto a la Política, el Renacimiento alumbra una idea del Estado cuya configuración ha permanecido, en lo esencial, hasta hoy: el Estado Unificado frente a la fragmentación del mismo en época feudal. Este nuevo enfoque político tiene un propulsor teórico: Maquiavelo, y su libro El Príncipe. En cuanto a la Cultura, aspecto que más nos interesa, el cambio es importante. Por qué surge el Renacimiento en Italia? Periodización En Italia hay dos etapas principales (adaptación de los elementos clásicos, mezcla de elementos) Siglo XV. Quattrocento o Primer Renacimiento. Centro: Florencia. Periodo de planteamiento de problemas. La arquitectura abandona la verticalidad gótica; la escultura se independiza y busca un canon de belleza humana: en pintura se logra el dominio del espacio y del volumen. Título: Florencia, cuna del Renacimiento Autor: artealmazan Título: La Florencia de los Médici Autor: artehistoriacom Siglo XVI: Primera mitad: Cinquecento, Clasicismo o Alto Renacimiento. Centro: Roma, pleno dominio de las formas ajustadas a cánones de belleza ideal. Segunda mitad: Manierismo o Renacimiento tardío. Historia del Arte Página 2 de 46

3 Nombre aportado por VASARI con un sentido peyorativo pero ha sido rehabilitado por la crítica moderna. Se cuestiona el concepto de belleza clásico, se busca la representación subjetiva de la realidad. Se produce una crisis generalizada representada por la consolidación de las monarquías absolutas, el avance de la reforma protestante, etc. En el resto de Europa el Renacimiento se extiende desde fines del siglo XV y abarca todo el siglo XVI. A partir del primer tercio del siglo XVI, y conviviendo con el Renacimiento pleno se producen cambios estilísticos notables que se apartan del clasicismo, incluso van contra él, pero que tampoco se acercan al Barroco. Es la etapa manierista, un arte refinado, amanerado, muy elitista, que exagera los defectos finales de los maestros clásicos. Este estilo refleja una sociedad en crisis, es el declive del equilibrio renacentista, y frente al orden de un mundo racional, se empieza a imponer el desorden de un mundo irracional. Es un estilo complejo que conserva elementos comunes del Renacimiento y del Barroco con los que convive, pero que tiene entidad propia, no marcando la continuidad entre los dos anteriores. Sus principales características son: A) Liberación del culto a la belleza clásica, a la serenidad al equilibrio y a la claridad del Renacimiento. A veces se trata de hacer lo contrario de lo que se hacía en el Renacimiento. B) Alejamiento de la realidad. Las obras reflejan una tensión interior que termina en el irrealismo y la abstracción olvidando la fidelidad a la realidad del Renacimiento. C) Es un arte intelectual, refinado y cortesano, por eso no tuvo expansión en las clases populares y quedó reducido a ciertas élites. En estas dos presentaciones tienes las más importantes obras del Quattrocento y del Cinquecento: Quattrocento Cinquecento View more presentations from akragas. View more presentations from akragas. Una vez vistas las presentaciones anteriores, indica a qué periodo del Renacimiento italiano pertenecen las siguientes obras: Historia del Arte Página 3 de 46

4 Quattrocento Cinquecento Quattrocento Cinquecento Quattrocento Cinquecento Quattrocento Cinquecento Quattrocento Cinquecento Historia del Arte Página 4 de 46

5 Quattrocento Cinquecento Historia del Arte Página 5 de 46

6 1.1. Una nueva mentalidad El Renacimiento representa una nueva concepción del hombre y de la naturaleza con respecto a la Edad Media. Los dos rasgos más característicos de la nueva época son: El Humanismo que se concreta en: Antropocentrismo: todo se estudia con referencia al hombre. Individualismo: el hombre se define por su individualidadfrente a la idea de colectividad de la Edad Media. El nuevo ideal humano es el hombre completo, armónicamente desarrollado. Racionalismo: frente al sobrenaturalismo medieval, el hombre renacentista confía en la razón humana como fuente autónoma de conocimientos. Se produce una separación entre cristianismo y la cultura laica que no es necesariamente anticristiana, aunque hay un afán de conciliar el pensamiento antiguo con el cristiano. Estuvo alentado por la formación de colecciones de la antigüedad, la difusión de la cultura clásica, las excavaciones arqueológicas y la formación de los centros de estudios humanísticos (academias), todo lo cual da lugar a una secularización de la cultura. El Naturalismo. Se valora a la Naturaleza en sí misma, no en cuanto creada por Dios. Vuelta hacia la realidad de las cosas. "Lo mismo ocurre con la arquitectura, pues teniendo necesidad de construir, habiéndose perdido completamente la forma y el buen modo de hacerlo, por haber muerto los artistas y haber sido destruidas y derribadas sus obras, los que se dedicaron a esa tarea, no edificaron ninguna cosa que por su colocación o su medida tuviese gracia ni dibujo ni razón alguno de ser. Por lo cual surgieron nuevos arquitectos, que en sus bárbaras naciones crearon la clase de edificios que actualmente es llamado entre nosotros estilo tedesco, los cuales hicieron algunas cosas que entre los modernos mueven más a risa que a alabanza para ellos. " Vasari, Vidas de artistas ilustres 1. A qué se refiere Vasari cuando habla de la forma y el buen modo de hacerlo? 2. A que estilo artístico se refiere como propio de naciones bárbaras, "estilo tedesco", indigno de alabanza?. Pista: en italiano tedesco significa alemán. Historia del Arte Página 6 de 46

7 1.2. Una nueva concepción del arte El artista: Durante el Renacimiento, los artistas no eran considerados más que meros artesanos, al igual que en la Edad Media, pero por vez primera fueron vistos como personalidades independientes, comparables a poetas y a escritores. Fiel reflejo de lo que decimos lo tenemos en la proliferación de biografías sobre artistas renacentistas: Las Vidas de Vasari. El mecenazgo: al igual que el artista asume, como recuperador de las glorias de la Antigüedad, su nuevo papel, el arte encarna nuevas funciones para los mecenas. Las obras realizadas por éstos, asumen un poder de prestigio y ostentación. El mecenas protegía casi paternalmente al artista a quien exige la conservación de sus antigüedades, la invención de artilugios militares o la construcción de su villa campestre, además de la pintura de un retrato, retablo, etc. Así, por ejemplo, grandes mecenas como los Médicis, apoyaron a Botticelli o Ghirlandaio. Arte y ciencia: la voluntad renacentista de equiparar arte y ciencia está demostrada. Para los artistas de la época, las ciencias son un medio para conocer y explicar plásticamente la realidad. Se experimentan varias técnicas pictóricas en esta época, la más importante de las cuales es la perspectiva lineal (inventada en la época), donde las líneas paralelas se representan como convergentes en un punto de fuga. Los artistas estudiaron el efecto de la luz natural, así como el modo en el que el ojo percibe los diversos elementos de la naturaleza. Desarrollaron la perspectiva aérea, según la cual los objetos perdían sus contornos y su color a tenor de la distancia que los alejaba de la vista. También se estudiaron, al intentar reducir las formas al lenguaje matemático, las formas del arte clásico, las ideas de proporción, orden y medida (antropocentrismo y antropometrismo). El Renacimiento de las imágenes: aunque en el arte renacentista perduró la iconografía religiosa, se recuperarán otras imágenes que enlazan directamente con la Antigüedad. La mitología pagana, autores como Ovidio, y el gusto por el desnudo, serán algunas de las nuevas preocupaciones de los artistas de la época. Los tratadistas: en la implantación y codificación de todos estos ideales, destacará la labor realizada por los tratadistas. Sobresalen muchos en esta época: Alberti (De Pictura, o De Re Aedificatoria), Filarete con su Tratado de Arquitectura, Diego de Sagredo, Medidas del Romano, etc. Durante el Renacimiento adquiere una dimensión la consideración social del artista que pasa a ocupar un puesto destacado en la sociedad. El arte del Renacimiento fue una manifestación y un componente importante de un mundo en el que, estando en crisis la estructura feudal, el individuo exigía resolver por sí mismo, fuera de la tutela eclesiástica, los problemas relativos a la realidad, al pensamiento y a la conciencia. En ese mundo, más propio, sin embargo, del pensamiento de una "elite... la de los humanistas, que del pensamiento social", el cambio de valoración social e incluso profesional del arte fue relativamente lento. En el siglo XV, el pintor, el escultor o el arquitecto, generalmente de procedencia modesta, hijo de artesanos o de comerciantes de escasa fortuna, salvo casos excepcionales como el de Brunelleschi, cuyo padre era notario, o el de Alberti, hijo natural de un patricio, eran considerados aún como artesanos. Después de adquirir los mínimos conocimientos de escritura y de lectura en escuelas monásticas y conventuales, quien quisiera dedicarse a las artes entraba como aprendiz en el taller de un maestro hasta que obtenía dicho grado, con el que se le permitía trabajar por cuenta propia. No era, pues, como cabría suponer, el genio o el talento innato (términos propios del siglo XVI) los que daban derecho a los artistas a ejercer su profesión, sino el aprendizaje conforme a las normas de un gremio laboral, cuya exigencia no se suspendió, y sólo en Florencia, hasta Como en la Edad Media, el taller no era sin más un lugar de aprendizaje, sino un centro de creación de obras de arte; en él, los aprendices se convertían en mano de obra barata a cambio de ser iniciados en los secretos del oficio. Allí, los jóvenes, casi niños, aprendían desde la fabricación de pinceles hasta la utilización del cincel, y también allí iniciaban sus primeras prácticas colaborando con el maestro en los fondos de las representaciones, en los paños, o en las partes menos importantes de las figuras. Ese espíritu artesano que gobernaba los talleres del Quattrocento tenía mucho que ver también con la dispersión de los encargos que recibían, desde retablos de altar hasta armas, diseños de orfebrería, taraceas, tallas pintadas, etc. Ello obligaba al artista a dominar varias técnicas, a la manera que lo había hecho el polifacético artesano medieval. De todas estas técnicas u oficios, la arquitectura, como integradora de todos los demás, era considerada la más noble. La obra de arquitectura era el símbolo más aparente y ostentoso de la nueva cultura, y a su práctica tendieron escultores como Brunelleschi, Michelozzo, Filarete, Bernardo Rossellino, Piero Lombardo; carpinteros, como Antonio da Sangallo, Giuliano da Sangallo y Benedetto da Maiano, y, entrando en el siglo XVI, pintores como Bramante y Rafael, por no citar la figura polifacética por excelencia: Miguel Ángel. Con todo, para Alberti (De re aedificatoria), "un arquitecto no es un carpintero o ebanista (...); el trabajo manual no es más que un instrumento para el arquitecto que, por medio de una habilidad segura y maravillosa y de un método, es capaz de completar su obra (...) y para poder hacer esto, debe tener un discernimiento perfecto en cuanto a las ciencias más nobles y exactas". Aunque, a decir verdad, en el Quattrocento, el oficio de arquitecto era el menos definido de todos los oficios artísticos, y ni tan siquiera había un gremio que velara por sus intereses profesionales o que supervisase, como en el caso de pintores y escultores, la educación de sus miembros. La formación múltiple, sin embargo, fue cediendo poco a poco a una cierta tendencia a la especialización, impulsada por el ideal de educación humanista y por la valoración creciente del arte en la sociedad de la época. Mientras que los teólogos medievales no hablaron Historia del Arte Página 7 de 46

8 casi nunca de las artes, y mucho menos de los artistas, sino del arte como abstracción y manifestación de la belleza divina, en el siglo XV empezó a sentirse cierto orgullo de aquellos artífices que convertían las mudas paredes o las maderas de los retablos en obras que confundían con la propia realidad. VV.AA. Hª Universal del Arte. Renacimiento (I).- Ed. Planeta. Barcelona págs Era el taller un mero lugar de aprendizaje? Cuál era el símbolo más aparente y ostentoso de la nueva cultura? Historia del Arte Página 8 de 46

9 2. La arquitectura del Renacimiento Título: Catedral de Florencia Título: San Pietro in Montorio Título: Villa Rotonda Título: Palacios renacentistas Autor: artehistoriacom Tras ver el vídeo sobre los palacios renacentistas, completa el siguiente texto: El Palacio de los en, construido en 1444 por Michelozzo, se convirtió en el prototipo del palacio florentino. Su planta es casi, con un patio como articulada con un que actúa de distribuidor de las diferentes estancias. Tiene rematándose con una espléndida. pisos, estando la planta baja de la fachada inspirado en el Palazzo Vecchio. En los pisos superiores decrece el aspecto rústico, Entre los años 1489 y 1507 Benedato da Maiano levanta el Palacio Strozzi, tomando como modelo el palacio Medicci, también con tres pisos, y amplia en, creando un espectacular juego de luces y sombras. Hacia 1456 inicia Alberti el Palacio Rucellai en cuya fachada las verticales de los tres pisos quedan marcadas por las de. La alternancia vano-muro-pilastra marca un ritmo perfectamente armónico. Al igual que el Strozzi y el Medici, este palacio también se remata con una. Enviar Historia del Arte Página 9 de 46

10 2.1. Características generales Para tener una idea clara de la arquitectura renacentista en general te proponemos la siguiente presentación: Arquitectura Renacentista View more presentations from pepegiraldez Las principales características de la arquitectura renacentista son: La arquitectura renacentista es una creación típicamente italiana y presupone al arquitecto una sólida formación científica. Se apoya en los estudios humanísticos de la antigüedad, en las excavaciones arqueológicas y en el descubrimiento y difusión de los libros de VITRUBIO. Frente a la antigüedad de las formas góticas oponen las formas y principios de la arquitectura clásica, pero no se trata de una copia sin más de los mismos, sino de una interpretación de las leyes en que se basaba el arte clásico. Van a tener muy presente la idea renacentista de belleza y perfección basada en un estricto racionalismo, creyendo en la validez universal de la forma absolutamente hermosa. El edificio es, de esta manera, el resultado de un estudio racional: proporción, concordancia, simetría y armonía. Se parte de la adopción de los órdenes arquitectónicos griegos y romanos pero no respetan sus proporciones sino que buscan una mayor esbeltez. Está estrechamente relacionada con los estudios matemáticos: Tiene un carácter racional y en ella prevalecen la armonía, la proporción y la simetría. Se basa en una serie de reglas que pueden ser estudiadas y perfeccionadas racionalmente. Toman como fundamento las formas básicas geométricas claramente perceptibles: círculo, cuadrado, cubo, etc. Muestran especial preocupación por las proporciones matemáticas de las construcciones, tanto en las estructuras como en las plantas: establecen unas relaciones simples de longitud, altura y profundidad, conseguidas a partir de módulos y de minuciosos cálculos matemáticos. Equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura: no debe predominar lo vertical sobre lo horizontal. Preocupación por conseguir la visión unitaria de la obra articulando armónicamente los distintos elementos entre sí y con el conjunto. La belleza para ALBERTI ésta fundada en una concordancia sistemática de todas las partes entre sí y con la totalidad, de manera que no se puede añadir, quitar ni alterar nada sin perjudicar al conjunto. Está presente también el antropocentrismo los arquitectos toman como modelo las proporciones del cuerpo humano para determinar las de un edificio. Esta referencia a lo humano ya se encontraba en VITRUBIO. El espacio se organiza de acuerdo con las leyes de la perspectiva considerada como método racionalizador de la visión. En este aspecto destacó el arquitecto Brunelleschi. Una vez que hayas visto la presentación sobre la arquitectura renacentista, indica si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas: Una de las características de la arquitectura renacentista es el uso de elementos arquitectónicos de origen gótico. Verdadero Falso Brunelleschi es considerado el creador del llamado "sistema perspectivo" Verdadero Falso Historia del Arte Página 10 de 46

11 En la arquitectura renacentista se utilizaron las guirnaldas como sistema decorativo. Verdadero Falso Las iglesias renacentistas utilizaron sólo las planta basilical de origen romano. Verdadero Falso Como elemento sustentante, en la arquitectura renacentista, se utilizaron columnas de estilo jónico. Verdadero Falso Elementos arquitectónicos En general, son elementos constructivos y decorativos tomados de la arquitectura romana clásica. El muro recupera su función de elemento sustentante y de cierre: es una superficie perfectamente delimitada. Órdenes arquitectónicos: Son los órdenes clásicos pero más esbeltos: los capiteles preferidos son el compuesto y el corintio. Se pueden superponer los órdenes: dórico ( toscano)- jónico- corintio. Con el manierismo se desarrolla el orden colosal que abarca varias plantas o pisos del edificio o incluso la totalidad de la altura del mismo. La columna puede tener el fuste liso o bien ser abalaustrada, es decir, constituida por varias molduras que forman ensanchamientos y estrechamientos. La pilastra adquiere tanta importancia. Arcos: Usan preferentemente el medio punto. Cubiertas Suelen utilizarse las abovedadas y adinteladas. Tipos: de cañón con casetones, de arista, cúpulas rematadas por una linterna. Etc. Pocas veces cubiertas planas de madera también con casetones. Decoración: Temas clásicos: guirnaldas, medallones, bucráneos, frutos, flores, etc. Se desarrolla un tema típico del Renacimiento: el grutesco, formado por seres fantásticos, vegetales y animales, enlazados formando un todo. Los grutescos están dispuestos geométricamente a partir de un eje de simetría: a esto se conoce como disposición a Candelieri. Contrastan el color blanco del enlucido en los muros y el gris de la piedra para dar un efecto de bicromía y al mismo tiempo resaltar los elementos constructivos. En algunas ocasiones emplean también los elementos constructivos con un valor puramente decorativo: columnas, pilastras, frontones, etc. Historia del Arte Página 11 de 46

12 2.2. Principales arquitectos y obras Brunelleschi dominio público Alberti licencia de documentación libre GNU Palladio dominio público Hay que diferenciar dos periodos como dijimos en el contexto espacio-temporal: Quattrocento, cuyas principales características con: El centro principal es Florencia, bajo el mecenazgo de los Medici. Se caracteriza por los estudios científicos basados en la perspectiva y en la idea de la proporción. La arquitectura goza de supremacía sobre la escultura y pintura. La arquitectura busca crear un nuevo lenguaje que rompa con el goticismo medieval. La segunda mitad del siglo se distingue por la abundante y menuda decoración Cinquecento, caracterizado por: El centro artístico se traslada a Roma, bajo el mecenazgo de los Papas (Julio II, León X y Sixto V). Para demostrar el poder creciente de la Iglesia y el Estado se recurre al clasicismo: se utilizan con mayor rigor los órdenes clásicos. La arquitectura pierde importancia frente a la pintura. Es un arte solemne y monumental pero se huye de todo colosalismo deshumanizado. Predomina la medida, el equilibrio y la proporción, alcanzando la idea de ésta una excepcional importancia. Disminuye, prácticamente desaparece, la menuda decoración anterior. Se prefiere una decoración basada en los efectos monumentales de los elementos arquitectónicos. Empleo de frontones triangulares y semicirculares en combinación. Se impone el uso de plantas centralizadas con cúpula símbolo del orden divino existente en el universo. LA ARQUITECTURA DEL MANIERISMO (DESDE 1520 APROXIMADAMENTE). Se rompe la unidad del espacio típico del renacimiento pleno: espacio múltiple, engañoso, con planteamientos escenográficos y que no responde a la realidad; se usan elementos como: mezzanino: pequeño piso medio sistema de biombos uso de espejos. Superposición abundante y abusiva de órdenes (el más rico arriba), tratados a distintas escalas (orden gigante: el que recorre varios pisos). El muro tiene tensiones diferentes: aparición del claroscuro y de los primeros movimientos. Se rompe el equilibrio anchura-altura en los edificios: profundos y poco altos. Vignola crea en IL Gesú (Roma) el modelo de iglesia contrarreformista donde combina rigidez, sobriedad, elegancia y grandiosidad con un gran efectismo teatral. Planta de cruz latina con el brazo del crucero poco destacado: gran rectángulo con ábside y con capillas laterales para la confesión. Planta funcional: desde toda la nave, incluido el crucero, hay visibilidad total del presbiterio. Aparte de Vignola, destacan Vasari (Patio de los Ufizzi) y Palladio en Venecia que es el difusor de un modelo de villas que será el que van a imitar los neoclásicos del siglo XVIII y XIX. Además de los arquitectos aquí estudiados, destacarán estos otros que tienes referenciados a la wikipedia: Historia del Arte Página 12 de 46

13 MICHELOZZO ( ) BENEDETTO DA MAIANO ( ) ANTONIO DE SANGALLO EL JOVEN ( ) VIGNOLA ( ) GIACOMO della PORTA ( ) Historia del Arte Página 13 de 46

14 Filippo Brunelleschi El artista que sienta las bases del nuevo estilo es el florentino BRUNELLESCHI ( ). Él abre el capítulo de la arquitectura del Quattrocento, y es para muchos, "el padre del Renacimiento". Aplicó con rigor matemático y geométrico sus proyectos, iniciando y desarrollando las leyes de la perspectiva lineal que aplicó a sus edificios. Su arquitectura se caracteriza por el equilibrio de las proporciones a la medida de la escala humana (antropometrismo). Entendía que la belleza surgía de la armonía entre las partes y de éstas con el todo; su obra se caracteriza por el equilibrio y la austeridad. Entre sus obras, destacamos: La cúpula de la catedral de Florencia (realiza un sistema de doble cúpula: interior semiesférica inspirada en el Panteón romano, y exterior apuntada que confiere al edificio un impulso vertical) Hospital de los Inocentes Iglesia de San Lorenzo e Iglesia del Santo Espíritu (en ambas iglesias adopta todos los elementos arquitectónicos clásicos inspirándose sobre todo en las basílicas paleocristianas. Para obtener mayor altura sin desproporcionar, coloca sobre los capiteles corintios un trozo de entablamento -algo muy típico del arquitecto-.) Capilla Pazzi. Brunelleschi dio también el primer tipo de los palacios florentinos del Renacimiento, con una parte baja de grandes sillares apenas labrados, con aberturas rústicas y pisos superiores de paramentos más finos, en los que se abre ventanas adoveladas, y rematando el cubo de piedra un monumental entablamento. Catedral de Florencia - cúpula Catedral de Florencia - cúpula Hospital de los Inocentes Basílica de San Lorenzo - exterior Basílica de San Lorenzo - interior Basílica del Santo Espíritu Capilla Pazzi Historia del Arte Página 14 de 46

15 Leone Battista Alberti Otro arquitecto fundamental del Renacimiento en sí es ALBERTI ( ). Profundo conocedor del arte romano y fiel seguidor de Vitrubio, fue un tratadista reconocido: De Pictura, De Sculptura y De Re Aedificatoria, fueron sus tratados más conocidos y seguidos. Su arquitectura se basa en proporción y la armonía de los elementos que constituyen el edificio. Es de una extraordinaria monumentalidad. Entre sus obras, destacan: San Andrés en Mantua (de planta de cruz latina y una sola nave con una gran bóveda y una cúpula en el crucero. Alberti va a buscar sus modelos en las construcciones abovedadas de las grandes termas romanas, que permiten dar a las naves mayor anchura. Las naves laterales han desaparecido, y las capillas abiertas a la nave central única, que ha ocupado su lugar, se convierten en una serie de centros de interés secundario que acompañan a la gran nave y parecen darle aún más anchura. Las columnas han desaparecido también y han sido sustituidas por pilares gigantescos. Esta iglesia se convertirá, pues, en modelo a imitar durante todo el renacimiento y el barroco) Iglesia de San Sebastián en Mantua. Palacio Rucellai (con su fachada Alberti creó un modelo de superposición de los órdenes clásicos que fue imitado durante más de 400 años). Título: Fachada de Santa María Novella Autor: artehistoriacom San Andrés de Mantua San Andrés de Mantua - interior San Sebastián en Mantua Palacio Rucellai Historia del Arte Página 15 de 46

16 Bramante BRAMANTE ( ) es el artista que sirve de nexo entre el Quattrocento y el Cinquecento. Se inicia bajo las formas anteriores pero cambia hacia un nuevo clasicismo. Hace desaparecer casi totalmente la decoración. Muestra preferencia por las estructuras simples: es lo constructivo lo que le interesa especialmente. Consiguió fundir con éxito los ideales de la antigüedad clásica y los de la cristiandad, al tiempo que su grandeza, su expresividad y su dramatismo espacial fueron los cimientos del barroco del siguiente siglo. Su estilo clásico, junto al de su discípulo Rafael, ilumina la obra de Baldassare Peruzzi, Giulio Romano, Iacopo Sansovino y la familia Sangallo, los arquitectos que dieron forma al nuevo esplendor de la ciudad eterna. En Roma, produjo obras como el Tempietto (1502) una representación a menor escala del clásico tholosgriego situado en el patio de San Pietro in Montorio. Una serie de palacios privados que incluían la casa de Rafael (destruida en el siglo XVII) y, como su proyecto más notable, el diseño de la nueva basílica de San Pedro. Para la primera iglesia de la cristiandad católica, Bramante trazó una planta de cruz griega, con cúpula. Miguel Ángel tomó parte en la construcción realizando algunos cambios que modificaban la nueva estructura arquitectónica pero respetando el diseño original de Bramante, que ejerció una fuerte influencia en los arquitectos del Cinquecento. San Pietro in Montorio He aquí una presentación en la que se analiza la principal obra de Bramante: Templete De San Pietro In Montorio View more presentations from jany Historia del Arte Página 16 de 46

17 Michelangelo Buonarroti Entre los artistas más importantes del Manierismo destaca MIGUEL ÁNGEL ( ), que destacará como escultor y pintor, si bien también realizó obras como arquitecto. Este personaje reinterpreta los elementos clásicos de una forma muy personal y dramática. En su faceta de arquitecto destaca por sus trabajos en la Basílica de San Pedro en el Vaticano. Miguel Ángel suprimió la mayoría de detalles del proyecto de A. de Sangallo. Recogió la idea de Bramante de planta centralizada, pero esta vez con una sola entrada y no cuatro. Corona su proyecto con una gran cúpula a imitación de la de Brunelleschi. A él se deben otras obras como las escaleras de la Biblioteca Laurenciana de Florencia; la capilla Médicis, etc... Muestra Imagen Cúpula Vaticano Cúpula Vaticano Biblioteca Laurentina Si no se visualiza bien el documento de Enrique Valdearcos Guerrero, puedes leerlo desde este enlace. Cúpula de San Pedro del Vaticano View more documents from bandetorre Historia del Arte Página 17 de 46

18 Andrea Palladio Uno de los arquitectos más destacados del Cinquecento es ANDREA PALLADIO. Sus obras más destacadas son una serie de villas en el campo que construyó próximas a Venecia. Particularmente significativa es la villa Rotonda o Capra, un edificio cupulado con idénticas fachadas en sus cuatro lados. Más que otros edificios, la villa Rotonda sirvió de inspiración al estilo neopalladiano, movimiento arquitectónico inglés que dominó el diseño de edificios en el siglo XVIII tanto en Inglaterra como en las colonias angloamericanas. Utilizó un tipo de arco entre dinteles que será conocido como arco palladiano. Otra obra es la basílica de Vicenza. Villa Rotonda Basílica de Vicenza Historia del Arte Página 18 de 46

19 3. La escultura del Renacimiento Antes de adentrarnos en la escultura del Renacimiento conviene ver el siguiente vídeo: Título: La escultura renacentista Autor: artehistoriacom Mientras ves el vídeo sobre la escultura renacentista, completa el siguiente texto: Spengler ha señalado que el ocupa un ha sido la única etapa de la Historia del Arte occidental en la que la. La cuna de este nueva corriente escultórica la encontramos en. Sin embargo, la inspiración clásica no implica copia ni reproducción sino recreación, buscando aportar nuevos valores a y. El, la preocupación por la y los estudios de proporcionadas y se fija una canon son las principales novedades formales de la escultura renacentista. Las figuras se hacen, con dominio espacial en la implantación de la figura. En Italia encontramos dos grandes etapas: y. En el Quattrocento destacan las personalidades de Lorenzo, autor de las del Baptisterio de Florencia; Jacopo della Quercia, autor del Sepulcro de Hilaria del Carreto; y, escultor que aportará gran naturalismo a sus figuras, como observamos en el o el. Verrochio es el creador del monumento al Colleone, una de las estatuas ecuestres más impactantes. llena la mayor parte del Cinquecento. Entre sus espectaculares obras sobresalen la y el, excepcional muestra de la terribilitá que define los trabajos de Buonarrotti. Cellini, con el Perseo de la Logia dei Lanzi, y Giambologna, con el Mercurio del Bargello, son los dos creadores que acompañan al genio en este siglo. Enviar, el La siguiente presentación te ayudará a tener una visión de conjunto de la escultura del Renacimiento: Escultura Italiana Del Renacimiento Historia del Arte Página 19 de 46

20 View more presentations from Alberto Rubio Una vez vista la presentación anterior sobre la escultura del Renacimiento, has de indicar a quién de los principales escultores de los que se habla en ella le corresponden las siguientes características: El tema principal de su obra es el hombre Ghiberti Donatello Lucca della Robbia Verrochio Es considerado el primer escultor renacentista. Ghiberti Donatello Lucca della Robbia Verrochio Manifiesta una gran fuerza interior en sus personajes. Ghiberti Donatello Lucca della Robbia Verrochio Realiza la primera estatua ecuestre del Renacimiento Ghiberti Donatello Lucca della Robbia Verrochio En sus obras predominan los tonos azulados Ghiberti Historia del Arte Página 20 de 46

21 Donatello Lucca della Robbia Verrochio Historia del Arte Página 21 de 46

22 3.1. Características generales Las principales características de la escultura renacentista son: La escultura se independiza de la arquitectura, adquiere interés por sí misma. Continúa siendo fundamentalmente cristiana aunque se subordine el simbolismo religioso a la consecución de la belleza. Centran su interés en la belleza formal de las figuras. Abundan también los temas mitológicos. El artista goza de más libertad en el tratamiento de los temas. Acentuado naturalismo: buscan la representación de la realidad aunque a veces ésta se idealice. Interés por el hombre: estudios anatómicos. Preocupación por la expresividad. Se intenta crear modelos ideales, que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento. Utilización de la perspectiva en los relieves. Materiales: mármol, alabastro, bronce. En España se utiliza la madera (más expresividad) Se practica tanto el relieve como la escultura exenta. LA ESCULTURA DEL MANIERISMO ( DESDE 1520 APROXIMADAMENTE). Mantiene en buena parte los aspectos formales de la etapa anterior. Al ser el arte plástica por antonomasia, la forma predomina sobre el contenido y le da una grandilocuencia sólo comparable a las esculturas del helenismo. Las figuras serpentinatas cobran primacía en esta etapa: tanto la figura como el grupo ha de tomar la forma de la letra S exagerando el contraposto clásico. También se produce una estilización de las figuras alargándose el canon a las diez cabezas. Los escultores manieristas de la segunda mitad del siglo XVI se van a plantear la cuestión de la multifacialidad de la obra como una exigencia teórica, como un problema intelectual para el que se requerían soluciones. Estos planteamientos van a dar una importancia cada vez mayor al modelo, al apunte plástico que introdujera Miguel Ángel. Hasta este punto la escultura renacentista pedía un escultor estático; el infinito número de puntos de vista convierte al espectador inmóvil en un espectador cinético. Se inician, pues, en este período dos importantes novedades: la necesidad de modelos de cera o barro para conseguir la multifacialidad inicia un proceso lento a lo largo del cual el modelador se convierte en verdadero escultor, y el escultor original en un artesano, en un técnico. Se abre así un abismo entre ejecución e invención el bloque de mármol ya no significa una norma sagrada e intocable, sino que se libera de las limitaciones que la piedra le imponía. Esto implica la apertura de un camino hacia la utilización de más de un bloque de mármol para una sola figura. Si te apetece más ver las características de la escultura a través de una presentación de powerpoint, aquí te ofrecemos ésta: Escultura Del Renacimiento View more presentations from Alfredo Rivero Rodríguez Historia del Arte Página 22 de 46

23 3.2. Principales escultores y obras Título: Donatello Licencia de documentación libre GNU Título: Miguel Ángel Licencia: dominio público Además de los escultores aquí estudiados, en el Renacimiento destacarán: Quattocento: JACOPO della QUERCIA ( ) LUCA della ROBBIA ( ) ANDREA VERROCHIO ( ) Manierismo: BENVENUTO CELLINI ( ) JUAN DE BOLONIA ( ) Historia del Arte Página 23 de 46

24 Lorenzo Ghiberti El Quattrocento tiene en Italia una capital artística, Florencia, tan fecunda en escultura como en arquitectura. El primer escultor plenamente renacentista es Lorenzo GHIBERTI ( ), que inicia su estilo con muchas supervivencias formales del mundo gótico internacional. Fueron características de este escultor: la atención al detalle y la sensibilidad a la delicadeza, cualidades tácticas del modelado, que en su arte se mantuvo siempre en un primer plano. Lorenzo Ghiberti es conocido por los relieves que realizó en bronce dorado para la puerta del baptisterio de San Giovanni, Florencia; ilustran temas del Antiguo Testamento y fueron muy elogiadas por Miguel Ángel, quien la denominó la Puerta del Paraíso ( ), nombre con el se conocen desde entonces. Puerta del Paraíso Si quieres profundizar en el estudio de las Puertas del Paraíso, aquí tienes la siguiente presentación: Puertas del Paraíso Ghiberti View more presentations from Ainhoa Marcos Historia del Arte Página 24 de 46

25 Donatello El gran escultor de este periodo es DONATELLO ( ): fue uno de los artistas más influyentes del Renacimiento no sólo por la fuerza expresiva de sus figuras sino porque sirvió como vehículo de difusión de innovaciones artísticas en Italia, sobre todo en lo que se refería a la perspectiva. Estudió en el taller de Ghiberti aprendiendo las técnicas empleadas por éste. Influido por el pasado clásico, siente mucho interés por la figura humana aislada y por el desnudo, y usa del retrato ecuestre. Además, intentó representar los estados de ánimo y el curso completo de la vida: infancia, madurez, vejez. Fue el inventor del scciachato o aplastado, que consiste en la representación en bajorrelieve de complejos efectos de profundidad, utilizando para ello la perspectiva (influencia de Brunelleschi). Otras características del autor son: recupera la escultura como objeto exento, libre de enmarque externo para que pueda ser vista por todos lados; buscaba la belleza intentando que cazara con la naturalidad, esto se puede observar en los rostros y ropajes; la búsqueda de movimiento es otra característica y no solamente en la figura en sí, sino en todos los elementos de la obra; etc. Entre sus obras, podemos destacar: San Jorge El David realizado en bronce, la primera escultura exenta desnuda realizada desde la antigüedad San Andrés La Cantoria o Galería de niños cantores (catedral de Florencia) El condotiero Gattamelata, una de las primeras esculturas ecuestres desde la Antigüedad e inspirada en la de Marco Aurelio Judith y Holofernes La Magdalena (donde acentúa la expresividad). San Jorge David Cantoría Condotiero Gattamelata Judith y Holofernes La Magdalena Historia del Arte Página 25 de 46

26 Miguel Ángel MIGUEL ANGEL BUONARROTTI ( ) Vida Trabajó primero en Florencia en el taller del pintor GHIRLANDAIO y en el del escultor BERTOLDO (discípulo de Donatello). Bajo el mecenazgo de Lorenzo el Magnífico recibe una formación cultural neoplatónica, al mismo tiempo que estudia la escultura clásica en las obras de la colección de los Medici. En 1491 viaja a Bolonia y allí recibe la influencia de JACOPO della QUERCIA especialmente en cuanto al sentido monumental de sus figuras. En Florencia, los sermones de SAVONAROLA sobre la decadencia moral de Italia provocan en él una permanente angustia por el ansia de la muerte y de la salvación. De 1496 a 1501 permanece en Roma: el mecenazgo de Julio II le permite ampliar sus conocimientos del arte clásico y le proporciona múltiples encargos pero también es fuente de continuos enfrentamientos entre Miguel Ángel y el Papa. Su vida oscila entre Roma y Florencia. Muere en Roma en Título: Miguel Ángel Licencia: dominio público Características de su obra Practicó todas las artes aunque él se consideró, por encima de todo, escultor. En Miguel Ángel se realiza la idea universalista del Renacimiento italiano. En su obra, se reflejan las tensiones y el dramatismo de su vida. Supera el realismo de Donatello para intentar alcanzar la expresión estética suprema: la IDEA de belleza. Influido especialmente por dos obras de la antigüedad clásica: Torso Belvedere y Laoconte y sus hijos. Reacciona contra el detallismo y las figuras suaves y amables de los artistas de fines del Quattrocento. Realiza formas monumentales, duras, llenas de tensión. Al final de su vida busca la manifestación de una profunda espiritualidad mediante formas desgarradas; a veces incluso deja las figuras sin terminar para que la expresividad sea mayor. Pone las bases del Manierismo y del Barroco. Crea arquetipos humanos gigantescos: grandiosidad, fuerza y vitalidad. Presta especial atención al desnudo resaltando una musculatura poderosa y exuberante (estudio anatómico). Posturas variadas, a veces de movimiento muy complicado. Parte de esquemas piramidales, cerrados, para alcanzar formas alargadas, fusiformes, abiertas (como en la pintura de Leonardo). Los rastros expresan una gran variedad de sentimientos, especialmente los gestos dramáticos, patéticos; esto se conoce con el nombre de terribilitá. Su material más preferido es el mármol blanco de las canteras de Carrara. MIGUEL ÁNGEL es, sin duda, el genio de la escultura, arte que consideraba el suyo antes que arquitectura o pintura. Este artista, inicia su formación en la línea de Donatello (relieve de la Madona de la Escalera) y en el taller de Ghirlandaio. Buscó el ideal de belleza platónico y en ese sentido utiliza el mármol de Carrara como material noble más adecuado para acercarse a la Belleza.Será un creador de poderosas formas plásticas, figuras grandiosas no por tamaño físico sino también por su dimensión espiritual. Son el arquetipo de hombre y su tratamiento de la anatomía sólo es un pretexto para lograr el ideal de belleza buscado. En un sentido espiritual Miguel Ángel expresa los sentimientos más diversos, sobre todo el dramatismo y vitalidad contenido en las figuras, como algo casi propio de los Dioses: es la terribilitá. Estudia los problemas del movimiento y la composición. Busca la máxima expresión de la escultura dentro de una total libertad formal: en este sentido, descubre el valor de lo inacabado, es decir, el valor expresivo que puede lograrse dejando ciertas partes de la obra en fase de rudo boceto. De este modo, lo inacabado introduce en las artes un nuevo elemento figurativo que cobrará mucha importancia hoy día: el toque del cincel del autor. En sus obras se puede observar tanto el clasicismo como el anticlasicismo, con lo que también puede ser considerado como un escultor manierista. Historia del Arte Página 26 de 46

27 Entre sus obras destacan: El David La Piedad El Moisés El sepulcro de Julio II Los sepulcros de la familia Medicis La Piedad Rondanini Título: Miguel Ángel escultor Autor: artehistoriacom David La Piedad Moisés Piedad Rondanini Una vez que veas el vídeo sobre Miguel Ángel escultor, completa el siguiente texto al tiempo que vuelves a oír el vídeo: Aunque también se dedicó a la y la, la verdadera pasión de Miguel Angel fue la. Inició su aprendizaje en el taller de Ghirlandaio para entrar al poco tiempo en la escuela patrocinada por Lorenzo de Medici, donde tuvo como maestro a Bertoldo di Giovanni. Hacia 1492 realiza el relieve de la Batalla de los Centauros, que quedaría inconcluso. Toma como modelo a la, mostrando en un reducido espacio la lucha entre hombres y centauros, destacando los de las diferentes figuras. El cardenal Riario encarga a Miguel Angel en 1496 una estatua de ebrio, finalizada al año siguiente. Sin embargo, el cliente no quedó satisfecho y no le pagó el trabajo. El dios del vino se presenta desnudo, acompañado de un pequeño sátiro, sosteniendo la copa de vino con su mano derecha y dirigiendo hacia ella su mirada, delatando su gesto el estado de embriaguez en el que se encuentra. La que se conserva en San Pedro del Vaticano es una obra juvenil, encargada en 1498 por el cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas. Se trata de una obra cuya iconografía no tiene precedentes en Italia, reprochándose al artista la del rostro de María, a lo que Miguel Angel respondió aludiendo a la pureza y virginidad de la Madre de Dios. El Florencia, como un es considerada su obra maestra. Fue realizado entre 1501 y 1504 para la ciudad de, emplazándose delante del Palazzo Vecchio. Tiene 434 centímetros de altura, una escala, en sintonía con las obras de la Antigüedad. Su provocó problemas, siendo incluso apedreada durante el traslado desde el taller del maestro hasta su emplazamiento. Destaca la cabeza de mirada, que irradia en su gesto una poderosa energía concentrada. Pero el proyecto más grandioso emprendido por Miguel Angel sería la tumba del papa II, mausoleo que recordaría a las tumbas imperiales, integrado por más de 40 esculturas. Este majestuoso proyecto no se pudo llevar a cabo, quedando como muestra el espectacular que hoy se halla en la iglesia de San Pietro in Vincoli, donde mejor podemos encontrar la terribilitá que identifica la obra del maestro. La elaboración de las Historia del Arte Página 27 de 46

28 de los Médicis en Florencia se prolongará entre 1520 y En la de Lorenzo nos encontramos al duque sentado en meditabundo silencio, acompañado por las alegorías del y la. En la de Giuliano, duque de Nemours, la figura del coraceado preside la tumba, acompañado también por dos nuevas alegorías, la y el. Enviar "Y Miguel Ángel, aun cuando era difícil sacar del bloque una figura sin piezas añadidas, cosa que los demás no se atrevían a hacer, y como lo habían deseado durante muchos años, en cuanto llegó a Florencia trató de obtenerlo. Era esta una pieza de nueve brazas, y en ella, por mala suerte, un cierto maestro Simone de Fiesole había comenzado a labrar un gigante, con tal mala traza, que al vaciarlo entre las piernas, lo habían dejado abandonado por muchos años". VASARI, Giorgio: "Vida de Miguel Ángel", en Vidas de los más excelentes arquitectos, escultores y pintores italianos, de Cimabue a nuestro tiempo. Florencia, A qué obra de Miguel Ángel se refiere el texto? En qué te basas para hacer esa afirmación? Si quieres ver más obras de Miguel Ángel te proponemos la siguiente presentación: ESCULTURA ITALIANA DEL CINQUECENTO: MIGUEL ÁNGEL View more presentations from JUAN DIEGO. Historia del Arte Página 28 de 46

29 4. La pintura del Renacimiento A modo de introducción sobre la pintura del Renacimiento, te proponemos la siguiente presentación: Renacimiento Pintura View more presentations from Mavi Pastor Historia del Arte Página 29 de 46

30 4.1. Características generales La función de la pintura es narrar historias porque es la ciencia de la visualización del mundo mental. En el Renacimiento la pintura es poesía muda. Será obra de un taller artesano: exige un boceto inicial e intervención directa del maestro. Así el boceto inacabado se valorará artísticamente, y la autoría constituye el valor primordial de la obra: el artesano ya es artista. Sus orígenes hay que buscarlos en Giotto, quien en el siglo XIV ya rompió con los convencionalismos medievales. Se codifica un nuevo sistema visual tomando como modelos la Naturaleza (mediante el estudio de las formas humanas) y las obras de la Antigüedad (se evoca lo clásico). Se representa el espacio tridimensional, como escenario en el que se desarrolla la acción como si fuera una escenificación teatral. En este sentido, se valora: la composición, el espacio, el volumen, el gesto, la iluminación (la luz es un sistema que ayuda a configurar el espacio resaltando los planos de la escena). Así, el fondo opaco medieval se supera con fondos transparentes y abiertos, que se pueden pintar gracias al óleo. Y el método de representación visual contempla: la perspectiva inventada por Brunelleschi y experimentada en pintura durante el Quattrocento) y el sistema de proporción de base antropomórfica. El dibujo es muy practicado: las líneas marcan las figuras, lo que puede derivar en una apariencia plana de las formas. Temas: hechos históricos, de fe, y hechos mitológicos, con interpretación de alegorías, emblemas y jeroglíficos que crean escenas un tanto ambiguas. La pintura se realiza sobre muros, tablas y lienzos, con las técnicas del fresco, temple y óleo. LA PINTURA DEL MANIERISMO ( DESDE 1520 APROXIMADAMENTE). Predomina la estilización: alargar las figuras, engordarlas, someterlas a motivos geométricos, fantasear... y las líneas serpentinatas. La parte principal del tema ocupa lugares secundarios. Predominio de las líneas diagonales en las composiciones. Poco interés por la profundidad Aspectos contradictorios: temas religiosos y tendencias al erotismo simultáneamente. Tratamiento especial de la luz para crear misterio. Se valoran los contornos. Uso distinto del color: no es en función de la naturaleza sino en función de la plástica ( los colores a veces no responden a la realidad). Virtuosismo del artista. Carácter escenográfico e ilusionista y decorativo en los frescos de los techos (bóvedas celestes). La pintura al fresco de palacios y villas es muy importante y en ella se desarrollan programas iconográficos complejos. Retorno al horror vacui en muchas composiciones, sobre todo al fresco. Como principales autores destacan los de la escuela veneciana: Veronés: representa la suntuosidad, el lujo y la riqueza; convierte las escenas religiosas en profanas; el lugar central de la composición lo ocupan figuras secundarias, sobre todo, perros; muy colorista, con tonos suaves: rosas, azules pálidos y verdes; muy escenográfico, con fondos con arquitecturas blanquecinas. Tintoretto: escorzos exagerados y figuras voladoras y blanquecinas por sobreexposición a la luz. Aparte están Andrea del Sarto, Bronzino, Parmigianino y Archimboldo. "La ciencia de la pintura comprende todos los colores de la superficie y las figuras de los cuerpos que con ellos se revisten, y su proximidad y lejanía, según proporción entre las diversas disminuciones y las diversas distancias. Esta ciencia es madre de la perspectiva, esto es, de la ciencia de las líneas de la visión, ciencia que se divide en tres partes; de éstas, la primera solamente comprende la construcción lineal de los cuerpos (perspectiva lineal); la segunda, la difuminación de los colores en relación a las diversas distancias (perspectiva de color); y la tercera, la pérdida de determinación de los cuerpos en relación a las diversas distancias (perspectiva menguante) (...)" Leonardo da Vinci: Tratado de la pintura. "La pintura contiene en sí tres partes principales que son dibujo, conmesuración y colorido. Por dibujo entendemos los perfiles y contornos que contienen el objeto. Por conmesuración, entendemos los perfiles y contornos colocados proporcionalmente en su lugar. Por colorido entendemos dar los colores como aparecen en los objetos, claros u oscuros según reciban la luz." Piero della Francesca: De prospectiva pingendi, Libro I Qué tipos de perspectiva existen según Leonardo? Historia del Arte Página 30 de 46