LA PINTURA EN FLANDES Y EN HOLANDA -RUBENS -REMBRANDT

Transcripción

1 LA PINTURA EN FLANDES Y EN HOLANDA -RUBENS -REMBRANDT

2 PINTURA BARROCA Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes. Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista. El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde los contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.

3 Pintura barroca en Flandes y Holanda En Flandes domina el panorama la figura de Rubens, desarrollando una pintura aristocrática y religiosa. En Holanda, la pintura será burguesa, dominando los temas de paisaje, retratos y vida cotidiana, con la figura de Rembrandt como su mejor exponente

4 RUBENS Pieter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 1577-Amberes, actual Bélgica, 1640)Pintor flamenco. Fue el pintor barroco más destacado de la escuela flamenca Sus características como pintor son las siguientes: la realización de grandes cuadros para altares, el alegre colorido (no tenebrismo) y una temática que va desde bodegones opulentos a retratos aristocráticos pasando por temas mitológicos.

5 Características de Rubens Como características de su obra destacan: - Dinamismo y movimiento de las figuras y la composición, con esquemas diagonales. - Colorido intenso y cálido, inspirado en la pintura veneciana. - Exuberancia de las figuras: hombres musculosos, mujeres carnosas y sensuales que se agrupan en composiciones de ritmo turbulento en formas enroscadas. - Cultivó todos los géneros y su influencia fue enorme.

6 TEMÁTICA RELIGIOSA Como pintor religioso: crea composiciones grandiosas y teatrales, con aspecto a veces de escenas cortesanas, como La Adoración de los Magos, que conectan con el sentido triunfal y el deseo de magnificencia de la iglesia católica.

7 El Descendimiento es una gran composición con numerosos personajes, grandilocuente y espectacular, crea un espacio dinámico, abierto, que desborda los límites del cuadro. El eje compositivo parte de la línea vertical de la cruz, tallada por dos diagonales en aspa, líneas que se cruzan en el cuerpo de Cristo alrededor del cual se organizan los personajes. Hay además un predominio de las líneas curvas y los escorzos, lo cual acentúa el movimiento y la profundidad en el cuadro. La luz y el color refuerzan la composición: la luz sigue el brazo de Cristo, la sábana y el cuerpo de la Magdalena, afianzando la diagonal; el color, intensifica el movimiento: una amplia zona al fondo oscura de colores fríos sólo parcialmente iluminados por la luz, y otra zona iluminada con contrastes cromáticos de colores cálidos. El movimiento de los vestidos y las posturas rebuscadas, contribuyen a la teatralidad.

8 LA ADORACION DE LOS MAGOS

9 Rubens pintó la Adoración de los Magos como un nocturno. San José y la Virgen aparecen a la entrada de un templo en ruinas, que simboliza la extinción del antiguo régimen pagano y el anuncio de la nueva Ley, para presentar al Niño Jesús a los tres Magos. Según San Mateo (el único de los evangelistas que recoge su visita) se trataba de hombres sabios procedentes de Oriente, pero para Rubens (como para gran parte de los pintores occidentales) eran Reyes. Visten magníficos atavíos regios, bordados en oro y forrados de pieles y se adornan con joyas preciosas, y van acompañados de un séquito real de pajes, soldados y esclavos.

10 La virgen con el niño La ascensión de la virgen

11 TEMÁTICA MITOLÓGICA Los temas mitológicos son un pretexto para introducir desnudos dinámicos y actitudes teatrales movidas; son composiciones de tipo históricoalegórico en las que junto a los personajes de la historia aparecen las divinidades del Olimpo: los desnudos de carnes abundantes, blandas y nacaradas, para los que utilizó a veces como modelos a sus esposas

12

13 Baco

14 Las tres gracias La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triangulo, estando la de enmedio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras. Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. Parecen más bien tres desenvueltas bacantes que las pudorosas Cháritas de la Mitilogía

15 RETRATOS Como retratista, crea un tipo de retrato cortesano, en el que más que la psicología del personaje, cuida el vestido y el escenario como símbolo de su categoría social.

16 Maria de Medicci

17 El duque de Lerma Aun siendo uno de los primeros retratos del maestro se pone ya de manifiesto su capacidad para penetrar en la personalidad de los modelos, mostrándonos el alma del personaje. Concretamente aquí nos exhibe la altanería y el orgullo del valido, dando la impresión de arrollar al espectador al ser visto desde un ángulo bajo aprendido del Manierismo, por lo que se especula sobre un contacto entre Rubens y El Greco. Rubens inaugura un nuevo concepto de retrato que seguirán Van Dyck y Velázquez Respecto al estilo, se observa el dibujismo característico de sus primeros años, con un detallismo maravilloso en la armadura o en los engarces del caballo. Con esta obra el maestro se da a conocer en España, donde sus pinturas gozarán de gran estima

18 El duque de Buckcinhamg

19 REALISMO

20 Rembrandt Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 dejulio de de octubre de 1669) está considerado uno de los más grandes pintores en la historia del arte europeo, y el más importante en la historia de Holanda. Rembrandt fue además un grabador experto, y publicó muchos dibujos. Sus contribuciones al arte tuvieron lugar en un período que los historiadores llaman la Edad de Oro holandesa, que corresponde aproximadamente al siglo XVII. En esa época, la cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política de Holanda alcanzaron su punto máximo

21 Temática religiosa

22 El hijo prodigo

23 Caracteristicas de los cuadros de temática religiosa en Rembrandt En los cuadros de temática bíblica, Rembrandt se convierte en un pintor tremendamente barroco interesado por el movimiento y por la violencia dramática de los temas, igual que hacía Rubens por aquellas fechas. Abraham recibió el mandato de Dios para que sacrificase a su hijo Isaac, tenido a edad ya madura. Sin dudarlo, Abraham construyó un altar y sobre él se disponía a matar a su vástago cuando oyó una voz del cielo que le frenó. Había demostrado su obediencia y acabó sacrificando un cordero. El momento elegido por el artista es el de mayor tensión al representar al ángel enviado por Dios sujetando el brazo de Abraham, lo que provoca que el cuchillo con el que se iba a realizar el sacrificio caiga al suelo. Mientras tanto, el anciano sujeta con su mano izquierda la cabeza del pequeño Isaac, cuyo cuerpo está en un profundo escorzo. La luz es utilizada por el pintor para acentuar aún más el momento intenso y dramático ya que procedente de la izquierda, ilumina la figura de Isaac que es el principal protagonista, el rostro y la mano de Abraham, dejando el resto de la escena en penumbra aunque la composición se abra por la izquierda con un paisaje.

24 Lección de anatomía La obra presenta una composición clásica en pirámide, con la que Rembrandt consiguió expresar óptimamente la idea de auténtica unidad espiritual ente los siete retratados, ninguno de los cuales era médico, con el conferenciante ante el que se agrupaban. Cada retratado mantiene una posición y una expresión distinta, concentrándose la luz en aquellos rostros o zonas del cuerpo que el artista quiere resaltar. El contraste entre las zonas iluminadas y las penumbras aumenta con el traje negro característico de la época y un tratamiento vaporoso de ciertas texturas gracias a una suave pincelada. La fuerza del cuadro se concentra en la diagonal formada por los cuatro personajes que se sitúan en dirección hacia las pinzas del doctor Tulp, que muestra una serie de músculos mientras diserta sobre los mismos. Para evitar distraer la atención del espectador, el fondo es neutro y no tiene apenas definición.

25 Detalle lección de anatomía

26 La ronda de noche

27 La ronda de noche En ella aparece la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da una orden a su alférez, indicado por el gesto de la mano y la boca abierta. Tras estas dos figuras están los integrantes de la Compañía, que pagaron una media de cien florines al pintor por el privilegio de mostrar sus cabezas entre las tropas integrantes de la Milicia que protege el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses, por lo que era muy apreciada. La escena se desarrolla al aire libre, pero no de noche como reza el título sino que se oscureció con el paso del tiempo y por eso tiene en la actualidad ese aspecto nocturno; de hecho, hasta el siglo XIX no se la conoció como La Ronda de Noche, sino como La Milicia del capitán Frans Cocq. La representación de retratos de grupo en los que aparecen milicias era habitual en Amsterdam por aquellas fechas, pero ninguno supera a esta obra por el realismo con el que está pintada, captando a la perfección los rostros y las actitudes de todos los personajes, en una sensación de movimiento y de vida muy difícil de superar. Los juegos de luz y sombra recuerdan la influencia del tenebrismo de Caravaggio. También hay que destacar cómo resbala la luz sobre los elementos metálicos, que ofrecen así mayor sensación de realismo.

28 Detalle la ronda de noche

29 Danae

30 Detalle Danae

31 Aristóteles contemplando el busto de Homero

32 Jan six

33 La novia judia. La interpretación clásica de la obra alude a la escena de un padre judío en el momento de despedirse de su hija que se va a casar.. La postura del hombre, al colocar el brazo tras la joven y la mano derecha a la altura del pecho, resulta bastante extraña, lo que acentúa aun más el enigma a la hora de interpretar el cuadro. Las miradas de ambas figuras no se relacionan entre sí, algo extraño en la pintura de Rembrandt. Lo más significativo es su manera de trabajar, con una pincelada muy suelta, de manchas que se observan claramente en el lienzo. El colorido es bastante vivo, con tonos rojizos y amarillos, mientras el fondo neutro es más oscuro, características comunes del tenebrismo. Conviene también destacar los detalles de las joyas de la muchacha, más elaboradas, que recuerdan el primer estilo del pintor.

34 La cena en Emaus Dentro del más puro estilo tenebrista Rembrandt realiza esta escena. Sin duda lo más significativo es el contraste entre luz y sombra. Dicha luz parece proceder de un foco lumínico artificial como habían hecho Tintoretto y Bassano en la Venecia de finales del siglo XVI. Uno de los discípulos queda profundamente sorprendido cuando ve a Cristo resucitado comiendo junto a él en la posada de Emaús. Solamente aparece la silueta de Cristo, mientras que al fondo observamos otra silueta, la del segundo discípulo, recortada sobre otro foco de luz anaranjada. Este efecto lumínico acentúa aún más el dramatismo y el efecto sorpresa de la composición, como se observa claramente en el rostro del discípulo que vemos. La pincelada es bastante suelta, observándose manchas en algún lugar.

35 San pedro y San Pablo Una de las características principales del naturalismo tenebrista es el tratar a los personajes divinos como personas normales; el fuerte contraste entre zonas muy iluminadas y zonas en penumbra, sería otro rasgo a destacar dentro de este movimiento. Ambas características las encontramos en esta escena en la que aparecen dos ancianos que pueden ser San Pedro y San Pablo o dos filósofos de la antigüedad discutiendo sobre un texto. Uno aparece de frente con la mirada clavada en el que vemos de espaldas, siendo destacable la expresividad de los ojos y de su gesto. Ambas figuras están perfectamente modeladas interesándose el artista por resaltar las manos y los detalles de los elementos que las rodean, como el excelente bodegón que encontramos en la zona de la derecha.el colorido oscuro, a base de grises, marrones, negros y ocres es el que utilizaban Caravaggio o Velázquez durante sus etapas tenebristas