El arte de la Antigua Grecia está caracterizado por la búsqueda de la belleza ideal,

Transcripción

1 El arte de la Antigua Grecia está caracterizado por la búsqueda de la belleza ideal, recreando al mundo con base en el modelo platónico. Este arte es una continua carrera hacia el triunfo del naturalismo. Los griegos estaban convencidos de que a través de la representación del hombre se podían también transmitir valores, junto a la perfección de un cuerpo sin defectos, la perfección del espíritu, el pensamiento y la acción. Estas relaciones se explicitan en el Canon de Polícleto. Los escultores griegos fueron de los primeros en buscar la identidad propia en sus obras, básicamente en la forma en la que debían representar un cuerpo determinado. Se puede decir que lo que hacían era desarrollar un diseño de autor. Los egipcios basaron su arte en el conocimiento; los griegos comenzaron a servirse de sus ojos. Los artistas desarrollaron en sus talleres nuevas ideas y nuevos modos de representar la figura humana. Cada innovación fue ansiosamente recibida por otros que añadieron a ella sus propios descubrimientos. Cuando uno de estos artistas descubría la forma de esculpir el torso, otro hallaba que una estatua podía parecer más viva si los pies no estaban afirmados exageradamente al suelo. De esta forma y no exclusivamente en este arte, el artista fue aprendiendo y desarrollando nuevas técnicas, no sólo por su conocimiento y observación personal, sino también por el contacto con otros artistas. El relieve griego ha sorteado todas las limitaciones de la rigidez en sus piezas. La distribución ya no es geométrica ni angulosa, sino que es limpia y bella, holgada y flexible. El arquitecto y escultor griego Fidias es el responsable de una estatua de madera de 12 metros de alto de la diosa Pallas Atenea. La imagen era casi primitiva y salvaje. Sin embargo esa no era su visión, para Fidias era más que un simple ídolo, era un gran ser humano. Su poder residía, no en su mágica fascinación, sino en su belleza. De esta forma Fidias había dado al pueblo griego una nueva concepción de la divinidad. Este nuevo canon impuesto en la divinidad continuó desarrollándose a lo largo de toda la historia de la Grecia antigua. No existe ningún cuerpo vivo tan simétrico, tan bien construido

2 y bello como los de las estatuas griegas. Se cree con frecuencia que lo que hacían los artistas era contemplar muchos modelos y eliminar los aspectos que no les gustaban. Comienzan con una meticulosa reproducción de un hombre real al que iban embelleciendo, suprimiendo toda irregularidad o todo rasgo que no se ajustara con su idea de un cuerpo perfecto. Según Gombrich (1992): Hay quienes dicen que los artistas griegos idealizaban la Naturaleza a la manera como un fotógrafo retoca un retrato eliminado en él los pequeños defectos. Algo similar ocurre hoy en día, donde los modelos y actrices ocupan un poco ese espacio, el de las deidades de la antigua Grecia. Estas que en su momento fueron inmortalizadas en piedras, madera o bien frescos o pinturas, hoy son retratadas por una cámara de fotos, perfeccionadas en postproducción y admiradas por todo el mundo. Se puede observar cómo en la obras del fotógrafo Benjamín Furland los cuerpos y rostros se acercan a la perfección en cuanto a belleza se refiere, al menos lo que está considerado hoy en día como perfección estética. Ya sea por un trabajo de postproducción, limpiando errores e impurezas, o mismo en toma intentando encontrar el ángulo más favorable de los modelos, los cuerpos responden a la perfección que buscaban los griegos en la antigüedad. Pero no solo físicamente son comparables con la estatuaria de los antiguos griegos. Las obras de Furland cuentan con dos elementos que destacaron del resto al arte griego: el retrato y el contrapposto. La idea del retrato, tal como se concibe en la actualidad, era extraña a los griegos y recién comenzaron a concebirla como una imagen con una relación de fuerte parecido con un individuo a comienzos del período helenístico. En los períodos anteriores las estatuas de un general o un deportista victorioso, para conmemorar su victoria y ofrecerla a los dioses, no tuvieron gran parecido referencial. Un retrato sería poco más que la representación convencional de una apuesta figura humana ataviada con la vestimenta y los atributos de su función y actividad y el artista no se preocupaba por reproducir la forma de su nariz, o los

3 rasgos y expresión característicos del personaje. Sin embargo esto cambia en el periodo helenístico de la antigua Grecia, donde el artista intenta no solo copiar las facciones del individuo al que retrata, sino que comenzaban a mostrar algún tipo de expresión. Contrapposto se refiere a la contraposición de los ejes de hombros y de caderas en una escultura. Este recurso permitía dar a la figura una gracia y una flexibilidad mayor que las de las rígidas figuras primitivas. Entre sus contribuciones originales a la tradición griega de la escultura se encuentran el desarrollo de nuevas técnicas, el perfeccionamiento de la representación de la anatomía y de la expresión emocional humana. Se busca dar una enfatización de los aspectos humanos cotidianos y del encaminamiento de la producción para fines puramente estéticos y, ocasionalmente, propagandísticos. Esto mismo ocurre con la fotografía de Furland, donde se busca resaltar la belleza de la persona, con fines meramente estéticos y publicitarios. Otro arte al cual la fotografía de Benjamín Furland hace directa referencia es al arte barroco. Este arte se caracteriza por el naturalismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo. El barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento. El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores.

4 Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque naturalista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Esta técnica empleada por Caravaggio está presente en la obra de Furland. Fondos oscuros, con bellos cuerpos y rostros, resaltados por pensados hacez de luz, ubicados de forma estratégica para destacar ciertas partes de los modelos. Ambos trabajan los claroscuros con el mismo fin, crear una escena dramática. Los artistas barrocos elegían para representar el punto más dramático de una acción, buscando invocar la emoción y la pasión. Esta misma alusión está presente en la fotografía de Furland. Se puede apreciar que los rostros fotografiados por el artista están en plena acción, así como también los cuerpos, son expresiones pasionales. De esta manera la obra de Furland se puede dividir en dos partes: qué es lo que fotografía y cómo lo fotografía. Los cuerpos perfectos y proporcionados y los rostros hermosos, es lo que él fotógrafo busca destacar, así como también lo hacían los griegos. El cómo responde a cánones más cercanos a los presentes en el arte Barroco. Utiliza la luz para dar más expresividad y dramatismo a las escenas. Normalmente deja una zona en penumbra, resaltando la figura que se encuentran en un espacio oscuro, así logra mayor expresividad. En el caso de la obra de Benjamín, la iluminación procede de un único e intenso punto de luz. El flash busca simular a la luz natural, ya sea con un haz puntual, o como un baño sobre las figuras. La luz intenta repetir los efectos que se podrían obtener con luz natural, en el caso de utilizar al sol como fuente de iluminación. Furland busca levemente exagerar esta luz para causar un considerable juego de claroscuros y así resaltar aún más a las figuras, generando un impacto mayor en el espectador.

5 Entre los dos periodos han transcurrido más de 18 siglos, sin embargo ambos están más que presentes hoy en día. Los actuales cánones de belleza son similares a los de la antigua Grecia, donde constantemente se busca un cuerpo perfecto para poner frente al lente. Perfecto ejemplo de esto es la fotografía publicitaria del artista Benjamin Furland, quien rescata y fusiona este ideal con el juego de luces y sombras tan representativas de arte barroco. Creando de esta forma una alianza perfecta entre la antigua Grecia y el Barroco.

6 Bibliografía -Gombrich, Ernst. (1992). Historia del Arte. Alianza. Madrid. -Hauser, Arnold. (2002). Historia social de la literatura y el arte: desde la prehistoria hasta el barroco. Debate. Buenos Aires.