recintos Focus y Pentación compran el madrileño teatro La Latina El Arteria Paral lel se abrirá el 20 de septiembre el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL

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1 recintos Focus y Pentación compran el madrileño teatro La Latina El Arteria Paral lel se abrirá el 20 de septiembre El pasado 15 de junio la empresa barcelonesa Focus y la madrileña Pentación, mediante una nueva entidad denominada Focus-Penta y participada al 50% por ambas partes, adquirieron la propiedad del conocido teatro La Latina de Madrid, espacio que desde 1978 era propiedad de la actriz Lina Morgan. Focus y Pentación, con una larga experiencia en la colaboración mutua en materia de producción, exhibición y distribución teatral, han decidido afrontar este reto mediante una joint venture (acuerdo comercial de inversión conjunta a largo plazo entre dos o más entidades) que permite aunar esfuerzos a dos de las empresas teatrales más importantes de España, pero sin perder sus respectivas independencias empresariales en el resto de sus actividades. El teatro La Latina, con un aforo de 920 localidades, ha sido uno de los escenarios más importantes del teatro español, especialmente en lo relativo al teatro de revista, aunque desde hace años ya no está especializado en este género. Su ubicación es inmejorable, ya que se encuentra en pleno centro de la capital, en el barrio de La Latina, zona conocida por su amplia actividad cultural, de ocio y de restauración. Al cierre de esta edición aún no se había hecho público el tipo de programación que a partir de ahora se podrá ver en su escenario, pero lo que sí parece seguro es que se iniciará la temporada en septiembre con la obra La vida por delante, protagonizada por Concha Velasco. La Fundación Autor ganó en 2006 un concurso público convocado por el ayuntamiento de Barcelona para la concesión por uso privativo de un edificio, situado en el número 62 de la avenida del Paralelo, que en otras épocas se había conocido como el Teatro Español, Studio 54 o Scénic. A partir del próximo 20 de septiembre este espacio se denominará Arteria Paral lel, y se unirá a la red internacional de centros artísticos y culturales de España y América creada por esta institución dependiente de la SGAE. La obra Nit de Sant Joan de la compañía Dagoll Dagom dará entonces el pistoletazo de salida a la programación de la temporada , aunque su recorrido se iniciará en junio con varios espectáculos y actividades que se alargarán hasta julio y que servirán para probar el funcionamiento del recinto. Arteria Paral lel dispone de tres plantas y de metros cuadrados de superficie preparados para albergar obras de teatro, danza y circo, así como montajes de pequeño formato como cabaret, tertulias o cenas-espectáculos, ya que cuenta con área de restauración. La configuración de la sala principal admite la transformación en auditorio para conferencias, teatro, gradas circulares o sala diáfana para conciertos y baile gracias a un sistema de butacas abatibles sobre guías. Así, su capacidad va de 350 a 1500 personas entre sentadas y de pie. En el primer piso, y con acceso independiente, están el restaurante y los comedores privados o salas de reuniones. También en este piso, y junto al restaurante, se encuentra el Club, con un escenario para presentaciones artísticas de pequeño formato. Dado que el Club y el restaurante pueden comunicarse, las configuraciones y la capacidad de ambos son variables: de un mínimo de 120 personas sentadas hasta un máximo de 210 personas de pie. En el segundo piso se sitúan los servicios de cocina, mientras que en la planta subsuelo están los estudios de audio y vídeo. En este espacio se ha implantado y se desarrolla el programa I+D+I (Investigación+Desarrollo+Innovación Tecnológica) en Cataluña que dirige el Centro de Arte y Tecnología Aplicada (CATA), también perteneciente a la red Arteria. Fotos: Rafael Arocha.

2 ferias y eventos Satisfacción tras la XVI edición de dferia a pesar de la reducción de su presupuesto La XVI edición de dferia, la feria de artes escénicas de San Sebastián, se ha tenido que enfrentar a un grave contratiempo: la reducción inicial de su presupuesto en un 44%. No hemos sufrido la retirada económica de ninguna institución, sino pequeñas rebajas en sus aportaciones. La única entidad que se ha mantenido en los mismo términos que el año pasado ha sido la Kutxa. Como ya teníamos un presupuesto cogido con pinzas, cualquier reducción se iba a notar, y lo único que podíamos hacer era o cambiar radicalmente de proyecto o llevar a cabo una edición de transición a los nuevos tiempos, que es lo que hemos hecho este año. Estas palabras son de Norka Chiapuso, director de este evento que se llevó a cabo del 22 al 24 de junio, quien además se mostró satisfecho con los resultados obtenidos: Ha sido una feria muy artesanal en la que hemos buscado su esencia y sus orígenes. Las impresiones que nos han transmitido han sido bastante positivas, tanto por parte del mismo sector como por parte del público, cuya asistencia ha sido un 40% superior respecto a la previsión que habíamos hecho. Y también por parte de la prensa, que creo que ha sabido valorar el esfuerzo que hemos hecho. En total se han programado 15 espectáculos exhibidos en 16 funciones en los diversos escenarios de la ciudad. De ellos, un 40% han supuesto estrenos de alguna índole, tres de ellos absolutos: Urrunetik ametsetan, de Ertza; Goibel, de Golden Apple Quartet y Kampingag; y Maniátic@s, de Organik. Precisamente estos dos últimos espectáculos, junto a La sonrisa ganadora, de la compañía vasco-alemana Fingersix que se estrenaba en España llenaron el aforo en sus representaciones. Por su parte, la novedosa propuesta Kapzuloa, de Koyame Antzerki Taldea, realizó 12 pases a los que acudieron 144 personas, mientras que los espectáculos de gran formato La mujer justa, de Tantakka; y Magnifique, de Malandain Ballet Biarritz, superaron el 65% de ocupación. En total han sido personas las que han disfrutado de alguno de los espectáculos programados en sala, a los que hay que sumar los 256 participantes en actividades paralelas, como las asambleas de Sarea y Eskena, la reunión de los teatros públicos Esquina Norte o la del proyecto Itinerante, o el curso coreográfico de Gustavo Zajac. De cara al futuro, Norka Chiapuso explica la situación: Creo que tal y como se ha desarrollado esta edición, y por todo lo que se está viendo, parece que habrá una nueva cita con dferia en Y añade: Hemos abierto un periodo de reflexión que este mes de julio tenemos que terminar, y para septiembre presentaremos un nuevo proyecto. Grandes cambios no va a haber, vamos a ver como lo encaramos, pero lo que parece claro es que no vamos a hacer una feria de teatro y danza vascos exclusivamente. A partir de ahí nos tenemos que mover de un lado para otro para ir recaudando lo que nos va a faltar, porque algo va a faltar, aunque no creo que sea mucho. Esto no quiere decir que bebamos siempre de las mismas fuentes, sino que habrá que buscar algunas nuevas. Aumenta el número de espectadores en la Mostra de Teatre d Alcoi Carmen, de Bambalina Teatro, una de las obras exhibidas en esta edición de la Mostra de Teatre d Alcoi. Con su vigésima edición ya terminada, es hora de que los responsables de la Mostra de Teatre d Alcoi hagan balance. Para ello, EL habló con Carmina Nácher, directora de este encuentro desde Nos mostramos satisfechos, primero por la asistencia de público, que ha crecido respecto al año pasado. Estamos hablando de unos espectadores, lo que demuestra que el pueblo de Alcoy y la comarca en sí se han volcado con la Mostra de Teatre. En cuanto a profesionales y programadores también hemos obtenido una gran aceptación en un momento muy delicado para el sector teatral de la Comunidad Valenciana. Hemos contabilizado alrededor de 350 profesionales en los cuatro días de Mostra. Además de los de la Comunidad Valenciana, han asistido programadores de Andalucía, Galicia, Cataluña, Baleares, Murcia y Madrid. Para conmemorar los primeros veinte años de trayectoria de la feria, y en palabras de Nácher, hemos intentado recuperar uno de los objetivos por los que nació la Mostra de Teatre, que era el ser un escaparate para las de teatro valencianas, por lo que cerca del 80% de lo que se ha visto en esta edición fueron obras de valencianas. Además, para conmemorar esta XX edición, realizamos algunas actividades de carácter lúdico, como una exposición de todos los carteles de la feria. Entre las actividades paralelas, indicó que lo más destacable ha sido el encuentro que tuvimos con el Festival Don Quijote de París, que es el único de habla hispana que se hace en Europa, y que dirige Luis Jiménez. Además se ha vuelto a llevar a cabo una de las señas de identidad de este encuentro: la concesión del premio Ciutat de Teatre de Alcoi. El ganador de su XXXVIII edición ha sido un autor alcoyano, algo que no sucedía desde Se llama Carles Cortés y la obra se titula La joia. Por lo que me ha dicho el autor, está muy contento, porque alguna compañía ya se ha interesado por su texto, nos explicó la directora del evento. Respecto a cómo la crisis ha afectado a la Mostra, Carmina Nácher nos comentó lo siguiente: La crisis económica existe, la que no existe es la crisis creativa. Montar esta edición nos ha costado un poquito más porque las instituciones que siempre han participado han realizado algunos pequeños recortes en sus aportaciones y hemos tenido que ajustarnos. Por ello hemos buscado nuevos patrocinadores para intentar cubrir esos huecos, como es el caso de la Universidad de Alicante. Y ya pensando en la próxima edición, nos adelantó su línea de trabajo principal: Tras celebrar el XX aniversario de la Mostra, a partir de ahora vamos a seguir como siempre. Habrá un porcentaje de valencianas, que de cualquier manera será inferior al de este año, un porcentaje de nacionales, y si hay algún proyecto internacional que se presente y que nos interese, también se incluirá en la programación.

3 ferias y eventos Palma, la Feria de Teatro en el Sur, acogerá una treintena de espectáculos La producción teatral andaluza volverá a compartir escaparate con propuestas llegadas de otras regiones de España a lo largo de la celebración de la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río, cuya XXVII edición se llevará a cabo en la localidad cordobesa entre los días 13 y 16 de julio. En 2010 está previsto que se den cita en este evento en torno a un centenar de programadores de los diferentes circuitos teatrales andaluces y nacionales, para presenciar los casi 30 espectáculos programados durante estos cuatro días de intensa actividad cultural. La programación de la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río ofrecerá una selección de los mejores montajes producidos en Andalucía de todos los estilos y géneros, vease teatro de sala en varios formatos, teatro de calle, infantil, musical o danza, que supondrán el 70% de la programación. Pero este año también habrá oportunidad de ver producciones procedentes de otras comunidades autónomas como Madrid, Valencia, Cataluña, Baleares o Castilla y León. Entre las novedades que se ofrecerán en esta ocasión, destaca el espectáculo inaugural, el estreno del montaje Últimos días de una puta libertaria, de la compañía Devenir Producciones. Otros ocho montajes se podrán ver por primera vez durante este encuentro: Una palabra, de la compañía de danza La Permanente; Que tengamos suerte (estreno en castellano), de Albena Teatre; Amores rodados, de los sevillanos Sin Ánimo de Pulcro; María? (estreno en castellano), de la agrupación mallorquina En Blanc; Una comedia americana, del madrileño Teatro Meridional; Japiverdy, de la compañía de danza Dosproposiciones; El invierno bajo la mesa, de los cordobeses Teatro del Mercado; y Nell Aria Aperta, de Fura. Además Palma del Río acogerá la reposición de la obra Este circo no es normal, de la compañía Síndrome Clown, como reconocimiento a sus diez años de trayectoria. Lugares como el teatro Coliseo, la Casa de la Cultura, la Casa de la Juventud, el Monasterio de San Francisco, la sala Reina Victoria, así como diversas calles y plazas de Palma del Río, volverán a concentrar la exhibición de las más novedosas propuestas escénicas, y darán cobijo a diversos debates y reuniones dedicados a la reflexión sobre la situación actual del sector. Entre las actividades paralelas destaca la exposición permanente Palma en la escena andaluza, que servirá de germen al futuro Museo del Teatro de Andalucía, institución que se establecerá en la localidad cordobesa en reconocimiento a su labor en defensa de las artes escénicas andaluzas. Además la Feria de Palma, en colaboración con ACTA (Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Andalucía, ha diseñado un programa formativo del 9 al 14 de julio compuesto por dos cursos profesionales: Curso de Dramaturgia, impartido por Gracia Morales, y el seminario Comunicación y Marketing en las artes escénicas, del que se encargará el periodista Gonzalo Andino. Treinta y tres presentarán sus propuestas en la Feria de Teatro de Castilla y León La localidad salmantina de Ciudad Rodrigo volverá a convertirse en una ciudadteatro durante la celebración de la XIII edición de la Feria de Teatro de Castillo y León, que se llevará a cabo en este enclave fronterizo entre España y Portugal del 24 al 28 de agosto. Como cada año allí se podrán conocer las últimas tendencias de las artes escénicas castellanoleonesas, ya que 10 de las 33 que van a participar proceden de la región anfitriona. Respecto al resto, 18 vendrán de otros rincones de nuestra geografía, mientras que cinco acudirán desde más allá de nuestras fronteras. Programadores, distribuidores, medios de comunicación y un numeroso público más de personas en la edición del año pasado se espera que asistan a esta cita ineludible con el teatro y otras manifestaciones escénicas a la que llegaron setecientas dieciséis propuestas de 14 países distintos, con la intención de ser incluidas en su programación. Algunas de los proyectos que sí lo han conseguido son Otelo, el extranjero, de La Chanza Teatro; Los girasoles rotos, del Ballet Contemporáneo de Burgos; o Uterus Térrea, de Emboscadas Producciones y Libera Teatro. La atractiva programación de la feria se verá completada por una cuidada selección de actividades complementarias que abarcan los ámbitos de la formación, la información y el intercambio que desde este evento se persiguen. Entre ellas se pueden destacar el programa de animación y pedagogía infantil Divierteatro, varios cursos de formación para jóvenes, charlas y conferencias, presentaciones de proyectos escénicos, o la entrega de premios concedidos por la Asociación de Amigos del Teatro.

4 ferias y eventos El teatro popular, la mujer y la ambición centran la nueva edición del Festival de Teatro Clásico de Olite Varias novedades destacan en la programación del XI Festival de Teatro Clásico de Olite (Navarra). Una de ellas es la acogida del espectáculo internacional Macbeth, quién es ese hombre ensangrentado?, obra de la compañía Biuro Prodózy, inspirada en el drama de Shakespeare, que actualmente circula con enorme éxito por Europa. También se abrirán nuevos espacios para el festival, como la plaza de la Cantarería, el colegio Príncipe de Viana, el claustro exento de Santa María, el interior del Jardín Viejo o la iglesia de Ujué. Por otro lado se han consolidado programas como El vino del personaje o Cómo contar los clásicos a los niños que este año se centrará en El Lazarillo de Tormes, de Malaspulgas, y E-Class (2), el II Encuentro de Escuelas de Arte Dramático en torno a los Clásicos. Volviendo a las propuestas internacionales, Olite también albergará una versión de Fuenteovejuna, de Lope de Vega, a cargo de la compañía cubana Mefisto. También llegarán a la localidad navarra otros espectáculos y actores procedentes de México, Chile o Irlanda. Las formas de teatro popular que perviven en nuestros días también tendrán un hueco en la programación con obras como Los tres blasones, del Teatro Popular de Calahorra; Akelarre, del Teatro Popular de Zugarramurdi; y el Museo de los horrores teatrales, que regresa a petición de crítica y público y que recoge, en un recorrido nocturno por el Palacio de Olite en el que participan los habitantes de la ciudad, las escenas más dramáticas y terroríficas del teatro clásico. La mujer también tendrá un papel destacado en este festival, con la representación de obras como Ana Magdalena Bach, que trata sobre la vida de la esposa de Juan Sebastián Bach; o Lisístrata, de Aristófanes, firmada por la compañía XXL. Además la ambición y la codicia caracterizarán a varios de los personajes que protagonizarán algunas obras, como el mencionado Macbeth, Calígula, de l Om- Imprebis, o El avaro, de Galiardo Producciones. También se ofrecerán El galán fantasma, de Secuencia 3; Duelo de esgrima y palabras, de La Irremediable, o el espectáculo de calle El Satiricón, de Guirigai, por mencionar solo algunos. Para finalizar, y dentro del apartado de actividades complementarias, destaca una exposición de 35 trajes creados para vestir a personajes de teatro clásico ideados por diseñadores de prestigio. Olmedo Clásico volverá a reunir a los grandes autores del Siglo de Oro La V edición del Festival de Teatro drá en escena otra obra del genio Clásico de la Villa del Caballero, inglés, en este caso Ricardo III. El Olmedo Clásico, se desarrollará entre día 19 actuará Morboria Teatro, que los días 16 y 25 de julio. A la localidad para celebrar sus 25 años de trayectoria representará, dirigida por Eva del vallisoletana llegarán once espectáculos a cargo de nueve, así Palacio, El avaro de Molière. La joven como las jornadas sobre teatro clásico compañía Teatro Dran mostrará la que llevarán el sugerente título de De comicidad, la frescura y el ingenio de Olmedo a Zalamea, y que se centrarán en esos pueblos que han prestado Torres Naharro. La Secc incorpòrará en Himenea, obra de Bartolomé de nombre y marco a grandes obras de la su programa La huellas de la Barraca literatura española. Pero también dos propuestas universitarias, la primera de ellas a cargo de los chilenos La habrá hueco para Pueblos universales del teatro clásico español, una nueva Calderona y la Escuela Superior de Arte muestra de teatro clásico en familia, Dramático de Castilla y León. La celosa de sí misma, una comedia de Tirso El avaro, de Morboria Teatro. así como para el V curso de Análisis e Interpretación para Actores, esta vez tomando como obra de referencia de Molina, constituirá la aportaciónn de Teatro de Malta. Ur Teatro y la Los locos de Valencia, de Lope de Vega. directora Helena Pimenta mostrarán El sueño de una noche de verano, La inauguración corresponderá a las Nao D Amores y Teatro montaje por el que obtuvieron el Premio Nacional de Teatro en Y de la Cornucopia, que pondrán en escena el estreno nacional de Danza el día 25 habrá un pasacalles de la compañía universitaria!masca de la muerte bajo la dirección de Ana Zamora. Darek Teatro ofrecerá el Teatro!, patrocinada por la Secc, y posteriormente se representará espectáculo El mercader de Venecia, una ejemplo perfecto de cómo Fuenteovejuna a cargo de la compañía cubana Mefisto Teatro, protagonizada por Vladimir Cruz, que pondrá el broche de oro a este Shakespeare era capaz de mezclar comedia y tragedia. Atalaya-TNT pon- festival. Nueva cita con el Festival de Teatro de Mérida entre el 16 de julio y el 29 de agosto La edición número LVI del Festival de Teatro de Mérida, bajo la dirección de Francisco Suárez, arrancará el próximo 16 de julio y se alargará por espacio de mes y medio hasta el 29 de agosto. Continuando con su premisa de ofrecer espectáculos y textos de calidad, su programación se dividirá en dos bloques: el primero se centrará en la Esencia Grecolatina y estará basado en textos de Eurípides, Homero, Esquilo y Aristófanes; y la segunda parte ofrecerá Otra mirada sobre clásicos grecolatinos, con versiones de Camus, Pérez Galdós y Molière. El telón de Mérida se levantará con el espectáculo de danza-teatro Medea 2, basado en el texto de Eurípides. Bajo la dirección del prestigioso Dimitris Papaioannou, el certamen emeritense ofrecerá su estreno exclusivo en España a cargo de veinticinco bailarines de la Hellenic Festival Atenas. La Ilíada de Homero, adaptada por Alessandro Baricco, llegará al escenario del Teatro Romano dirigida por Tom Bentley-Fisher y coproducida por Q-ars-Teatre y el Festival Grec. Una gran dama de la escena, Carmen Elías, regresará a la localidad pacense para protagonizar Prometeo, de Esquilo. Carmen Portaceli dirigirá este producción del Centro Dramático Nacional, el Grec 2010 Festival de Barcelona y la Factoría Escénica Internacional. Y Paco León encabezará un reparto de una veintena de actores que se pondrán bajo la dirección de Jerome Savary en el estreno mundial de Lisístrata, de Aristófanes, en una apuesta del Centro de Producción del Festival de Mérida. Bajo el epígrafe de Otra mirada se incluirán tres puntos de vista distintos de tres clásicos grecolatinos a cargo de tres formas diferentes de interpretar. La primera de las propuestas, firmada por L Om-Imprebís, es Calígula, de Albert Camus, todo un homenaje al autor cuando se cumplen 50 años de su muerte. Posteriormente Electra se presentará frente al público del Teatro Romano en una adaptación de Francisco Nieva de la obra de Pérez El actor Paco León encabezará el reparto de Lisístrata, una apuesta del Centro de Producción del Festival de Mérida. Galdós. Quince actores, entre los que se encuentras Antonio Valero, Maru Valdivieso y Sara Casanovas, pondrán en pie este clásico revisitado. Como broche de oro, el festival apuesta por El avaro, de Molière, una coproducción del Centro Dramático Nacional y Marca Extremadura dirigida por Jorge Lavelli e interpretada por Juan Luis Galiardo, que se pone en escena por primera vez en la historia de este encuentro emeritense. Por otro lado, el Teatro Romano de Regina, ubicado en Casas de Reina (Badajoz) también acogerá representaciones teatrales. Por ejemplo, el 8 de agosto la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga, participante en el Festival de Teatro Juvenil Grecolatino de Mérida, ofrecerá Edipo, de Sófoclés. Y además habrá, dentro del apartado de actividades complementarias, una serie de conciertos a cargo de la Orquesta de Extremadura dirigida por Roque Baños, Chucho Valdés o María Dolores Pradera, entre otros. Foto: Manuel de los Galanes.

5 premios 17 Blancanieves boulevard, el musical, de Jana Producciones, triunfadora de los Premios del Teatro Musical Profesionales de las artes, la música, el cine, o los medios de comunicación se dieron cita el pasado 21 de junio para asistir a la cuarta gala de entrega de los Premios del Teatro Musical, que se celebró en el teatro Español de Madrid. Estos galardones se crearon en 2007 con la intención de premiar a los profesionales del sector como reconocimiento a su labor, y para potenciar la industria del teatro musical en España, así como la consolidación del género, la producción y la exportación del mismo. En esta ocasión, sus organizadores han vuelto a contar con la colaboración de Aldeas Infantiles SOS para la entrega del trofeo al Mejor Musical Infantil. La obra de Jana Producciones Blancanieves boulevard, el musical, con cinco galardones, entre ellos el de Mejor Musical, resultó finalmente la gran triunfadora de la noche. Ganadores de la IV edición de los Premios del Teatro Musical Premio Especial Luis Álvarez Mejor Musical Blancanieves boulevard, el musical, de Jana Producciones Mejor Musical Infantil El sueño de una noche de verano, de La Bicicleta Mejor Director de Escena Emilio Goyanes, por Cabaret líquido Mejor Directos Musical Ángel Padilla, por El sueño de una noche de verano Mejor Coreografía Karen Bruce, Fiebre del Sábado Noche Mejor Escenografía Ana Garay, por 40 El Musical Mejor Figurinista Jorgina García-Cruz, por A, el nuevo musical de Nacho Cano Mejor Maquillaje y Peluquería Gregorio Ross y José Juez, por 40 El Musical Foto de familia de los ganadores de la cuarta edición de los Premios del Teatro Musical, celebrados el 21 de junio en el teatro Español de Madrid. Mejor Diseño de Iluminación Miguel Miñambres, por Cabaret líquido Mejor Diseño de Sonido Gugu Martínez, por Blancanieves boulevard, el musical Mejor Actriz Protagonista Eva Diago, por Rocío no habita en el olvido Mejor Actor Protagonista Marc Vilavella, por Ojos verdes, Miguel de Molina in memoriam Mejor Actriz de Reparto Fanny Alcázar, por Blancanieves boulevard, el musical Mejor Actor de Reparto Albert Mora, por Ojos verdes, Miguel de Molina in memoriam Actriz Revelación Miriam Madrid, por Blancanieves boulevard, el musical Actor Revelación (premio doble) Jacobo Muñoz, por Blancanieves boulevard, el musical Gonzalo Alcaín, por A, el nuevo musical de Nacho Cano El productor Luis Álvarez, responsable de Wonderland Group, fue el merecedor este año del Premio Especial. Daniel Diges, que además de nuestro más reciente representante en Eurovisión es un conocido intérprete de teatro musical, y la presentadora Anne Igartiburu durante la entrega de uno de los galardones.

6 opinión teatro de texto En varias ocasiones he estado tentado de escribir unas líneas, aunque sólo fuera por el conocimiento que me da la experiencia de ser actor profesional desde mi adolescencia (no he ejercido otra profesión en mi vida), y llevar, junto a mi esposa, 31 años con compañía propia. Sufrí en primera persona la decepción, tanto con el PSOE como con el PP, pues una vez llegados al poder demostraron ser los mismos perros con distintos collares. Y en lo que respecta a los que ahora demandan reuniones, mesas redondas, elaboración de distintos y siempre farragosos planes, elaboración de Leyes de Teatro, escriben artículos, cómo confiar en ellos? Los que no ocultamos, y así nos hemos comportado y lo venimos demostrando durante toda nuestra vida, que somos liberales de pensamiento e independientes de comportamiento, llevamos el mismo tiempo recibiendo golpes a diestra, siniestra, por delante y por detrás, pero nos atrevemos a decir públicamente que difícilmente podemos confiar en quienes han ostentado, ostentan y ambicionan ostentar nuevamente cargos políticos designados digitalmente por los gobernantes de turno. No se puede pretender tan demagógica y gratuitamente, enumerar todas las carencias, necesidades o soluciones que afectan al teatro, cuando pudieron hacerlo desde sus puestos de altísima responsabilidad y no hicieron nada. Siempre he defendido la complementariedad entre teatro privado y teatro público, pero sigo encontrándome con la utopía. Lo público ha sustituido a lo privado y domina toda la cadena profesional: producción, distribución, contratación, exhibición..., pero, quién se atreve a denunciarlo? Muchos lo piensan en privado pero lo callan en público, por miedo a ser apartados del reparto del pastel de las contrataciones y las subvenciones. Quién se atreve a denunciar el sectarismo, dirigismo, partidismo, amiguismo..., que rigen en las contrataciones y las subvenciones? Quién se atreve a denunciar públicamente los cientos de millones que las distintas Administraciones Públicas dilapidan partidista y demagógicamente en subvencionar y contratar a falsos aficionados que suponen una flagrante competencia desleal a los profesionales? Todavía no he escuchado a nadie reclamar como medida urgente y prioritaria! la aplicación del I.V.A. superreducido para el teatro. Las Administraciones Públicas no compensan el pago de este impuesto, lo que supone cien- Con tan solo 13 años pisó por primera vez un escenario Ángel Luis Yusta. Debutó profesionalmente en Madrid, protagonizando junto a Alberto Closas, Mari Carrillo y Victoria Vera la obra teatral de Antonio Gala Por qué corres, Ulises?. En total, y siempre en papeles protagonistas, ha intervenido en más de 70 montajes teatrales de distintos géneros. Es también director y autor de diversas obras, entre las que destacan Historia de Madrid o Amor con humor, y dirigió entre 1990 y 1992 los cursos de verano dedicados al teatro profesional de la Universidad de Alcalá de Henares. Además en 1979 fundó, junto a Tania Ballester, Producciones Quijote, compañía a través de la cual sigue volcado en cuerpo y alma al mundo del teatro. tos de millones de dinero desperdiciado que podría destinarse a multiplicar el número de contrataciones. El I.V.A. de una entrada de teatro, supone, desde el primero de julio, el 8%, que será del 18% cuando el contratante sea la Administración y el contratado una empresa teatral que emita su factura correspondiente. Por qué no luchar por un I.V.A. para el teatro, en todos los casos superreducido del 4%? Todo lo que recaudemos más allá del 4% es dinero tirado contra nuestra propia profesión. Y en lo referente a la agónica demora en los pagos, y el colapso económico que nos suponen las esperas de meses y meses, por qué no todos unidos, como una sola persona, exigimos que cuando una Administración Pública demore el pago más de 60 días, la deuda pase a la Agencia Tributaria, como nos hacen a cada uno de nosotros cuando no pagamos una multa de tráfico? Por supuesto, con el recargo correspondiente. En cuanto a las Redes de Teatro, el señor El futuro del teatro: solo palabras? Galán defiende mayores subvenciones para menos subvencionadas. Lógico. Porque sabe que él está en el grupo de los beneficiados. Pero los que no hemos vivido nunca de ellas no defendemos lo mismo. Proponemos que el dinero de las subvenciones se destine a multiplicar el número de contrataciones y representaciones. Porque lo que no puede defenderse, ya que moralmente es indefendible, es que subvencionen y además contraten siempre a los mismos. También el señor Galán, propone:...sustituir las comisiones artísticas de programación, por comisiones técnicas, en las que participe un representante de las asociaciones de productores y distribuidores y en las que se objetiven los criterios de selección, para ofertar a los plenos de los programadores. Y se queda más ancho que largo. Él, o los representantes de los productores y distribuidores que participen en las decisiones, qué criterio de objetividad van a aplicar? Si presentan producciones o espectáculos de su distribuidora, cómo van a ser objetivos? No es lógico pensar que alguien que haga competencia a un productor designado para esa Comisión quedará fuera de la selección? Y pregunto: En qué cambia que se reúnan unos u otros, si el resultado final es el mismo? Un reducido número de personas, con algún o ningún mérito profesional, designadas subjetivamente, deciden quienes pueden trabajar en esa Red y quienes no. por Ángel Luis Yusta Pero por si la genialidad de la idea anterior no fuera suficiente, el señor Galán también pide una preparación especial o específica para los directores gerentes o programadores. Y pregunto yo: Por qué no la pide para ministros, secretarios de estado, directores generales, subdirectores generales, consejeros, concejales..., cargos políticos todos ellos que en muchos casos entienden de teatro lo mismo que yo de ingeniería aeronáutica? De verdad alguien piensa que una mala compañía, un mal espectáculo, unos malos profesionales, tienen futuro? El propio mercado los elimina. Pero que sea la competencia, no el dinero público de sus propios impuestos el que lo haga. Existen muchas que acuden en repetidas ocasiones a municipios, en los cuales son valorados por trabajos anteriores, con gran esfuerzo económico por parte de esos ayuntamientos, ya que al no haber sido elegidos en su Red tienen que abonar el 100% de su contratación, y esto les supone lo mismo o, en ocasiones, incluso más dinero que el contratar otra compañía elegida en la correspondiente Red, por llevar algún personaje popular, aunque no tenga ningún tipo de experiencia teatral. Hay que echarle mucho valor por parte de ese ayuntamiento, y estar muy agradecidos como profesionales y como compañía, por el esfuerzo que hacen al contratarnos en tan dolorosa desigualdad, como para que, encima, les tratemos de inútiles. Quién nos pide titulación a nosotros? Y si la pidieran, cuántos actores, actrices, directores, escenógrafos, técnicos..., tendrían que abandonar la profesión? Y qué titulación? El debate debería ir por otros caminos: Menos impuestos, libertad total de programación, menos subvenciones y más representaciones, fórmulas mixtas de contratación, utilización del dinero público sólo para los profesionales, igualdad de oportunidades para todos; teatro público, complementario del privado y no sustitutorio; relaciones especiales de actores, directores, autores, etc., con Hacienda, debido a la irregularidad de sus Rentas..., y no perdamos el tiempo pidiendo cambios demagógicos, inútiles y absurdos, que sólo servirán para que parezca que algo ha cambiado, para que todo siga igual. De todos modos, la experiencia de los años, y a pesar de todo lo que estamos pasando, me hace pensar que finalmente todo quedará, como dijo Shakespeare, en una de sus obras, en...palabras, palabras, palabras.... Morboria Teatro muestra El sueño de una noche de verano en los Veranos de la Villa El sueño de una noche de verano es uno de los montajes más premiados y aplaudidos de la compañía Morboria, que vuelve a meterse en el mundo de William Shakespeare con esta romántica comedia mágica. Los Veranos de la Villa madrileños incluyen este año en su programación este clásico de la literatura de finales del siglo XVI del que se han realizado infinidad de versiones, y que Morboria ha elegido para celebrar su 25 aniversario sobre los escenarios. Bajo la dirección de Eva Palacio, que también participa como actriz junto a Fernando Aguado, Álvaro Aguado y Ana Belén Serrano, Morboria se adentra en el reino mágico de las hadas y los faunos gobernados por el rey Oberón. La trama de enredos románticos, y los encuentros entre el mundo real y el mundo mágico, permiten al autor crear un mundo lleno de posibilidades escénicas que la compañía ha sabido aprovechar. El sueño de una noche de verano ha sido premiada y presentada en diversos festivales y llega a Madrid después de una extensa gira nacional en la que se ha vuelto a confirmar el éxito de este montaje estrenado en La compañía Morboria se fundó en 1983 por los hermanos Aguado, Álvaro y Fernando y los hermanos Del Palacio, Eva, Ana y Trajano. Su proyecto se caracteriza por dedicar una especial atención a la puesta en escena, el maquillaje y el vestuario de sus personajes, ya que pretende dar tanta importancia al texto como a la estética del espectáculo. Ahora El sueño de una noche de verano llega al teatro Alcázar de Madrid desde el 14 de julio y hasta el 29 de agosto, dentro del programa anual de los Veranos de la Villa.

7 teatro de texto Manuel Álvarez Producciones inicia la distribución de la obra de David Mamet Razas Tras el éxito de El pez gordo la pasada temporada, Juan Carlos Rubio se ha mostrado encantado a la hora de dirigir un nuevo texto del mismo autor, el reconocido escritor y director estadounidense David Mamet. Mamet se sumerge en esta ocasión en un tema tan difícil como el del racismo, en concreto en la opinión que tiene la sociedad respecto a los conflictos raciales. En su argumento, dos abogados reciben a un cliente acusado de violar a una mujer negra. La ayudante de despacho, también de raza negra, se implicará en el caso, mientras que la inocencia del cliente quedará en entredicho cuando afloren las verdaderas opiniones de los presentes. Desde ese momento lo políticamente correcto quedará relegado a un segundo plano. Los personajes creados por Mamet en Razas siguen la estela de su narrativa habitual que retrata una realidad cruel y a una sociedad que acaba por confesar sus verdaderas motivaciones. Juan Carlos Rubio vuelve a dirigir a Toni Cantó y a Bernabé Rico, con los que acaba de trabajar en El pez gordo, y a Emilio Buale y Montse Plá, que completan el reparto. Manuel Álvarez Producciones ya ha iniciado la distribución de esta obra producida por TalyCual Producciones, empresa fundada por Bernabé Rico, en colaboración con Imagina Producciones. Su estreno nacional tendrá lugar el próximo 10 de diciembre en el teatro Palacio Valdés de Avilés (Asturias), mientras que del 15 de diciembre al 23 de enero se podrá disfrutar en las Naves del Español-Matadero Madrid. La compañía Rayuela Teatro lleva a escena la versión teatral de la película Dogville Dogville esconde, tras su sencilla puesta en escena, un entramado de personajes en el que, como sucede en cualquier comunidad endogámica, cada miembro forma parte del todo y se anula como individuo. La llegada de Grace, una forastera en busca de protección frente a unos gángsters, se convierte en un acontecimiento sobresaliente entre los habitantes de Dogville, que la acogen y ocultan de sus perseguidores. Grace se integra en la comunidad prestando ayuda a sus anfitriones y lo que en un principio es amabilidad desinteresada por parte de los aldeanos, poco a poco se convierte en un abuso desmedido. La lectura religiosa que se ha hecho a menudo de este texto, las referencias al cristianismo que se hacen a través del sacrificio, el pecado o la mentira, quedan patentes a lo largo de la obra. Pero también se trata de una cruda mirada hacia una sociedad manipulada incapaz de pensar individualmente y en la que los intereses personales y el peso de la opinión pública llegan a anular a la razón. El director de cine danés Lars Von Trier es el creador de la trilogía cinematográfica Estados Unidos: tierra de oportunidades, cuya primera entrega, titulada Dogville, ha sido adaptada al teatro por Christian Lollike y traducida por Susana Cepa para su versión en castellano. La compañía castellanoleonesa Rayuela Teatro es la responsable de la puesta en escena de este texto tan duro y crítico como necesario. Nina Reglero ha asumido la compleja misión de dirigir una obra teatral que parte de una película cuya puesta en escena es primordialmente teatral y claramente inspirada en el teatro de Beckett. Pero en este caso, Foto: Marta Vidanes. Reglero ha adaptado el trasfondo social a una visión local del entorno del que parte: el mundo de los mineros castellanos. Protagonizada por Marta Ruiz de Viñaspre, Carlos Pinedo y Carlos Tapia, Dogville se estrenó en el teatro Caja Duero de Salamanca dentro del programa del VI Festival Internacional de las Artes de Castilla y León (FACYL) el pasado 10 de junio. Se trata de una coproducción de la Consejería de Cultura y Turismo y la Fundación Siglo para las Artes de Castilla y León. También hay que destacar la colaboración de Azar Teatro y la tutela artística de Calixto Bieito, director del FACYL. Gran triunfo de Frankenstein en el Napoli Teatro Festival de Italia El reparto de Frankenstein saludó al respetable tras una de sus representaciones en el Napoli Teatro Festival. Frankenstein, de Producciones Come y Calla, inició su gira con tres representaciones en el Napoli Teatro Festival (Italia) los días 11, 12 y 13 de junio. Allí recibió notables críticas de los periódicos de tirada nacional más importantes del país, como, por ejemplo, la que firmó Giulio Baffi en La Repubblica: Territorio para el viaje aventurero, pero sobre todo para una suntuosa, fantástica puesta en escena de Frankenstein. Gustavo Tambascio firma adaptación y puesta en escena, trabajando con aguda intuición y fantasiosa libertad sobre la célebre novela de Mary Shelley. Con él, Ricardo S. Cuerda ha creado la bella escenografía de segmentos y recorridos, con evidentes recuerdos de la película de James Whale de Esta fascinante obra comienza ahora su gira nacional con la intervención, a lo largo del verano, en diversos festivales, como los de Alcañiz (Teruel), Niebla (Huelva) o San Javier (Murcia). Además en próximas fechas hará escala en ciudades como Alicante, Villena (Alicante), Molina de Segura (Murcia), Gijón, Avilés, Huesca, Jerez o Bilbao. Maniobras explora el tema del abuso de poder desde dos perspectivas diferentes Belén y Darío forman una feliz pareja. Ella es una joven soldado que ha sido seleccionada para unirse a un batallón en Afganistán. Durante las maniobras, Belén es violada por el teniente de su escuadrón. Paralelamente Darío se presenta a un casting teatral. El director de escena le propone mantener relaciones sexuales a cambio de garantizarle el papel, chantaje al que Darío accede. Cuando la pareja se reencuentra, descubre que el dolor y la destrucción sufridos han acabado con ella. Eduardo Galán firma Maniobras, un Alejandro Arestegui Olalla Escribano texto en el que se refleja el drama del abuso de poder. El empleo del monólogo y en las respuestas de los protagonistas ante un juez silencioso se alterna con una dramaturgia convencional. Mariano de Paco Serrano se ha hecho cargo de la dirección de Maniobras y ha contado con los veteranos actores Manuel Gallardo y Juan Calot, así como con los jóvenes Alejandro Arestegui y Olalla Escribano en los papeles de Darío y Belén. La obra está producida por Secuencia 3 y su estreno nacional está previsto para el día 28 de septiembre en el teatro Principal de Zamora.

8 teatro de texto Jardiel Poncela llega al teatro Galileo con Un marido de ida y vuelta El característico sentido del humor del dramaturgo Jardiel Poncela queda reflejado en el montaje Un marido de ida y vuelta, que se ha estrenado en el madrileño teatro Galileo el pasado 29 de junio bajo la dirección de Francisco Vidal. Joaquín Kremel encarna a Pepe, un marido sometido a su autoritaria esposa Leticia, a la cual interpreta Julia Torres. Un día, en el que Pepe y Paco, su mejor amigo, se enteran por medio del diario de Leticia de que ésta desea ardientemente a Paco, Pepe sufre un infarto vestido de torero en una fiesta de disfraces. Su espíritu regresará entonces desde el más allá para reconquistar a Leticia, que a esas alturas ha logrado casarse con Paco. La misión y el interés de Pepe por recuperar a su esposa traerá consecuencias imprevistas. Así, la trama crece a base de múltiples enredos y malentendidos, algo característico dentro del teatro de lo inverosímil. Fue en este género donde Jardiel Poncela llegó a convertirse en uno de los máximos exponentes del teatro del siglo XX español a través de su humor surrealista. Estrenada en 1939, Un marido de ida y vuelta es una farsa en tres actos que siempre ha gozado de un gran éxito entre el público. Este montaje producido y distribuido por Grupo Smedia se podrá ver dentro de la programación de los Veranos de la Villa y los Veranos del Galileo hasta el próximo 14 de agosto. Con la muerte en los tacones, una road movie sin movie de Ribalta Teatro Estrenada el pasado año, Con la muerte en los tacones explora en clave de comedia el viaje interior y exterior de tres hermanas que se encuentran para cumplir la última voluntad de su madre recientemente fallecida. Mari Fe es una agresiva ejecutiva ex-alcohólica, Esperanza es una hippy paranoica y Caridad es un ama de casa perseguida por la desgracia. Este cóctel explosivo comienza el viaje en Parla, Madrid, y su misión es llegar a la costa del Mar Menor para esparcir allí las cenizas. El viaje estará tan lleno de sobresaltos que más que alcanzar su destino, las tres protagonistas se darán por satisfechas si consiguen sobrevivir a la aventura. Nieves Castells, Ana López y Raquel Romero forman este trío de personajes disfuncionales bajo las órdenes de Joan Miquel Reig. Las propias actrices, junto a José Manuel Carrasco, son las autoras del texto que produce Ribalta Teatro y que continuará su andadura en el teatro Nuevo Alcalá de Madrid durante el mes de agosto. A continuación la compañía se entregará de lleno a la gira nacional. Foto: Jean Pierre Ledos. Me llamo barro, la vida y la palabra de Miguel Hernández celebra la figura del poeta alicantino La compañía madrileña Teatro del Alma, en colaboración con la asociación Caídos del Cielo.ONG, cuyo fin es paliar la exclusión social por medio de la integración a través del teatro, son las responsables de Me llamo barro, la vida y palabra de Miguel Hernández. Lejos de ser un recital poético al uso, Me llamo barro.. explora la vida del poeta mediante la dramaturgia creada para la ocasión por Pilar Rodríguez y Robert Muro, que han incluido algunos poemas significativos de su obra. El que fue llamado poeta del pueblo retrató sus sentimientos de la manera más sencilla y cercana, sus vivencias durante la República y sus observaciones acerca de la Guerra Civil, cuyas consecuencias le llevaron a la prisión donde murió con tan sólo 31 años. Robert Muro se sube por primera vez al escenario como actor en una producción propia y sobre este comparte impresiones con personajes de la talla de Pablo Neruda, Vicente Aleixandre o María Zambrano entre otros, cuyas interpretaciones recaen en otros siete actores que llegan a cantar algunos poemas a capella. El estreno de Me llamo barro... se produjo el pasado mes de mayo bajo la dirección de Pilar Rodríguez, cuya labor habitual dentro de la compañía Teatro del Alma es la de poner en escena las obras de la dramaturga Paloma Pedrero. Una serie de rocambolescos personajes se dan cita en A saco! Una enfermera asesina sistemática de maridos. Dos pirados muy listos pero inmorales y criminales de sexualidad ambigua. Un viudo empeñado en demostrar que ha superado su pasado franquista a base de una enfermiza sumisión a las instituciones democráticas. El cadáver de una ricachona comunista con tendencia a intercambiarse con un montón de billetes de dudosa procedencia. Un sargento sordomudo. Y un pseudo-inspector incapaz de resolver el caso al que se enfrenta. Todos estos rocambolescos personajes componen la trama de A saco!, una desternillante versión de la obra Loot de Joe Orton que La Compañía, una nueva cooperativa teatral, ha adaptado a los tiempos actuales. Este divertido montaje se estrenará el próximo 20 de agosto en Avilés (Asturias), mientras que seis días después se podrá ver en el Teatro del Arenal de Madrid. Integran su reparto caras conocidas de la televisión como Mónica Estarreado o Miguel Hermoso Arnao responsable de su dramaturgia, así como otros actores como Ángel Jodra, Francesc Tormos o Alicia Merino, entre otros. A todos ellos les dirige Juan José Afonso.

9 humor revista Yllana se adentra en el mundo de las finanzas con Brokers Una vez más, la compañía Yllana vuelve a hacer reír al espectador exigente y libre de complejos con una ácida visión sobre el mundo financiero y sus tiburones empresariales. Cuatro brokers ambiciosos hacen alarde de unas vidas en las que el lujo, el culto al cuerpo y a la ropa de marca, además de sus ansias de poder, son el claro ejemplo de cuáles son sus prioridades. Cuando la economía se tambalea a causa de un estilo de vida basado en la frivolidad de una sociedad consumista, los cuatro protagonistas se enfrentarán al rechazo social del que tanto pretendían huir. Los actores Fidel Fernández, Antonio Pagudo, Luis Cao y Antonio de la Fuente encarnan el estereotipo del ejecutivo agresivo a las órdenes de David Ottone, director del montaje. Brokers se estrenó a finales de 2008 y desde entonces ha recibido varios premios, así como grandes elogios por parte de la crítica. Yllana se fundó hace ya casi veinte años y su humor gestual ha tratado desde entonces diversos temas en los dieciséis espectáculos que ha creado, cargados de ironía e irreverencia, hasta la fecha. Sus labores, sin embargo, van más allá del espectáculo propio y la empresa se dedica también a la producción y distribución de espectáculos, así como la gestión del madrileño teatro Alfil. Precisamente es en este teatro donde Brokers se representa hasta el 31 de julio, aunque tras el mes de agosto regresará a la cartelera madrileña. Pasando revista, un homenaje a la época dorada de este género, inicia su gira nacional Clownic anuncia nuevas fechas para este verano de 100% Tricicle Una amplia selección de los mejores sketches de la compañía catalana Tricicle conforma el espectáculo 100% Tricicle que la compañía Clownic está llevando de gira por todo el país. El humor que caracteriza a Tricicle se apoya en la comicidad del clown que cuenta con acciones y personajes cotidianos, lo que hace que cada pieza se exprese en un lenguaje universal e intemporal. La clave del éxito de esta compañía, que lleva más de treinta años haciendo reír al público de todo el mundo, es el provocar la risa en el espectador cada diez segundos y así es como se logra crear un ritmo que no baja de intensidad. Tricicle creó en 1989 una segunda compañía con los actores Eduard Méndez, Antonio del Valle y Jaume Ortanobas para poder cumplir con sus citas en el extranjero mientras actuaba en España. Esta ha sido la labor de Clownic en los últimos años y ahora le ha tocado el turno a nuestro país con una selección de sus mejores espectáculos como Manicomic, Exit, Slastic, Terrrific, Entretres, Sit y Garrick. Tras la actuación el 2 de julio en Mijadas (Cáceres), la compañía ha actuado en la localidad madrileña de Leganés el día 9 de julio y lo hará en Guadarrama, también en Madrid, el 8 de agosto. El mes de septiembre el espectáculo 100% Tricicle pasará por los escenarios de Laguna de Duero y Medina del Campo, ambas localidades de Valladolid, los días 3 y 4 respectivamente, el día 5 estará en Benavente (Zamora), el 7 de septiembre en Quart de Poblet (Valencia), el día 13 en Palencia, y el día 25 en Eibar (Guipúzcoa). La compañía extremeña Rodetacón Teatro continúa cosechando éxitos con su personal homenaje al género de la revista y al teatro de variedades reflejado en el musical Pasando revista. En menos de un año, y sólo en la comunidad extremeña, la compañía ha llevado a cabo más de 50 funciones. El próximo 28 de agosto comenzará su gira nacional en la Feria de Teatro de Ciudad Rodrigo, en Salamanca. El argumento narra cómo Esperanza París, antigua primera vedette del teatro Parisién, recibe una llamada de la televisión para interesarse por su teatro. Esperanza, ya retirada pero infatigable ante la posibilidad de triunfar de nuevo, reúne a todo el antiguo elenco para ensayar el espectáculo con el que alcanzaron el éxito hace años. Este texto, escrito por Miguel Murillo, parte de la idea original del director de la compañía Rodetacón Teatro, Juan Carlos Parejo. Con Pasando revista, el autor quiere rendir un homenaje en clave de humor a las pequeñas teatrales que recorrían los pueblos de España de feria en feria. Las lentejuelas, las plumas, los clásicos musicales del género como Mamá quiero ser artista, Los nardos o Gracias por venir, interpretados en directo, son los destellos que desprende el mundo cargado de nostalgia y recuerdos de la época dorada de la revista. Pasando revista está producida y distribuida por El Negrito Producciones y es el cuarto montaje de la compañía que se dio a conocer con Yo soy aquel negrito, obra que superó las 300 representaciones con una excelente crítica.

10 danza Cesc Gelabert y Frederic Amat estrenan en Japón su espectáculo Ki Michael Clark resurge de sus cenizas con Come, been and gone Cesc Gelabert (izquierda) y Frederic Amat junto a la señal que indica la entrada al teatro Yachiyoza de Yamaga, donde se estrenó Ki. Arriba y sobre estas líneas, dos instantes de la representación en la que Cesc se ha encargado de la coreografía y Frederic de la escenografía y el vestuario. Durante 2010 se celebra el centenario de la construcción del teatro Yachiyoza de la ciudad japonesa de Yamaga. Dentro de los actos internacionales con los que conmemorar la efeméride, la ciudad invitó al Grec de Barcelona a participar y el festival trasladó el compromiso a dos artistas barceloneses, el coreógrafo y bailarín Cesc Gelabert y el pintor y escenógrafo Frederic Amat, para que pusieran en pie un espectáculo basado en la cultura japonesa, de la que ambos son rendidos admiradores, y que ha sido producido por la empresa Elsinor. El resultado se llama Ki y es un espectáculo concebido íntegramente, tras varias semanas de ensayos, en esta pequeña localidad de Kyushu, la isla más meridional de Japón, en colaboración con los bailarines locales Katsura Kan (veterano maestro de danza butoh) y Tomohiko Tsujimoto (joven experto en danza contemporánea) y una pequeña orquesta de mujeres que interpretan instrumentos tradicionales japoneses. Tras el estreno, que se celebró el pasado 4 de junio, el espectáculo estaba previsto que se presentara entre los días 2 y 5 de julio en el teatro Lliure de Barcelona, mientras estas páginas se encontraban en imprenta. Simon Williams (arriba) y Benjamin Warbis, bailarines de la compañía de Michael Clark. El británico Michael Clark fue, durante la década de los 80 del pasado siglo, la figura más carismática de la danza internacional, en la que irrumpió como un ciclón renovador de las formas clásicas, alcanzando (casi) el estatus de una estrella del rock. Pero, como muchas de las estrellas del rock, de cuando el rock generaba estrellas, la suya se apagó abruptamente en 1994, sumido en una drogadicción que le hizo desaparecer durante once años. Desde su reaparición en 2005 ha desarrollado tres ballets sobre piezas de Stravinsky para el Barbican Center de Londres. Sin embargo, no ha sido hasta el verano de 2009, con el estreno de Come, been and gone presentado en el Festival de Edimburgo y en la Bienal de Venecia que su nombre ha vuelto a sonar con el brillo e intensidad de hace veinticinco años, cuando se convirtió en el enfant terrible de la vanguardia de la danza. El 30 de octubre del año pasado este ballet llegó al Barbican Center de Londres, donde tuvo que volver a ser programado en junio de 2010 por aclamación popular, llenando ese recinto durante diez días, entre los días 3 y 12. Come, been and gone es Michael Clark en estado puro: con un vestuario impactante, el diseño de iluminación a cargo del veterano artista multimedia Charles Atlas (estrechamente ligado a otro coreógrafo de renombre como era Merce Cunningham), y un capítulo musical que ya no resulta tan rompedor como solía serlo, al contar con música de nombres hoy harto conocidos como los de Bowie, Lou Reed (con The Velvet Underground y en solitario), Brian Eno, Iggy Pop, nombres fundamentales de la historia del rock, a los que se añaden los un poco más oscuros Wire. Lo mejor: Michael Clark participa activamente en los últimos cuarenta y cinco minutos del espectáculo, reservándose, incluso, un brillante solo de ese estilo suyo tan académicamente atrevido. Foto: Jake Walters.

11 danza circo Larumbe Danza e Ibérica de Danza estrenaron el espectáculo Las estaciones Foto: Alessandra Haro. Circo Gran Fele actuó por primera vez en Cuba Durante los pasados meses de marzo y abril la compañía española Circo Gran Fele se trasladó a Colombia para participar en el prestigioso Festival Internacional de Teatro de Bogotá y actuar en el teatro Metropolitano de Medellín. En junio ha vuelto a cruzar el Atlántico y, por primera vez en su trayectoria, ha mostrado su trabajo en Cuba. El teatro Cárdenas de la provincia de Matanzas entre los días 16 y 19, y la carpa Trompocolo de La Habana entre los días 24 y 29, acogieron su propuesta artística, un espectáculo con reminiscencias de 1900, repleto de misterio, sorpresas, y emociones, para cuyas representaciones han contado con la colaboración de Ministerio de Cultura español. Circo Gran Fele ofreció en Cuba un viaje a la esencia del circo, con acróbatas, bailarinas aéreas, escapistas, hombres forzudos fragancias de circo con unas gotas de danza y el toque de humor de los payasos Pla y Pla. Además Circuba pidió a la compañía que realizase talleres de acrobacias e interpretación del personaje para los artistas cubanos durante su estancia en La Habana, cursos que fueron supervisados por Yuri Abel Díaz, quien desde 1999 está al frente de la Escuela de Circo Gran Fele. Carpa Trompocolo de La Habana, uno de los lugares donde actuó Circo Gran Fele en junio. Dos madrileñas de renombre como son Larumbe Danza e Ibérica de Danza han llevado a cabo el estreno en el mes de junio de un nuevo espectáculo de danza en el que se aúnan las visiones, los lenguajes y los planteamientos de cada compañía para lograr un conjunto que se complementa. Las estaciones, que así se llama este montaje, supone una reflexión acerca del paso del tiempo y la sucesión de los ciclos vitales. La necesidad de que haya un avance en el curso de los acontecimientos marcados por los cambios y la evolución del entorno y del individuo, recibe, gracias a este proyecto, una mirada amable que defiende la necesidad de aceptar que el tiempo transcurre y eso es positivo. Dividido en dos partes, el montaje se reparte por igual entre los directores de cada compañía. La Primavera y el Otoño quedan a cargo de Manuel Segovia, de Ibérica Danza, que se ocupa de la dirección y la coreografía interpretada por Raquel Ruiz, Ángeles Hurtado, Noemí Orgaz y otros siete bailarines de la compañía residente en Las Rozas de Madrid. El Verano y el Invierno recaen en Larumbe Danza, residente en Coslada (Madrid), bajo la dirección de Juan de Torres, que también ha realizado la coreografía de la pieza de Verano, y de Daniela Merlo, autora de la coreografía del Invierno y también bailarina junto a Antonio Rius y Cristian López, entre otros. El estreno de Las estaciones tuvo lugar los días 12 y 13 de junio en el teatro Fernán Gómez de Madrid, dentro de la programación del Festival Danza en la Villa. Por otra parte, la parte coreográfica dirigida por Larumbe Danza se podrá ver de nuevo el 23 de octubre en el teatro La Jaramilla de Coslada.

12 infantil El pequeño circo de Fadunito actuó en las calles de Suiza Motiva2 muestra una nueva versión de La bella durmiente Los integrantes de El pequeño circo durante su participación en el festival de calle de la ciudad suiza de Sion. La compañía Fadunito ha continuado con su espectáculo de calle El pequeño circo la incursión internacional que ya había iniciado con otro de sus montajes callejeros, La gran familia. El pequeño circo se representó por primera vez fuera de nuestras fronteras en Suiza entre el 30 de mayo y el 9 de junio. En concreto el montaje cosechó un gran éxito en los festivales de calle de Sion, Vavey y Montreux. Por otro lado, La gran familia visitó la ciudad de Túnez los días 25 y 26 de junio, y está previsto que la agrupación leridana realice otra serie de actuaciones por Colombia con esta producción durante el próximo mes de octubre. El pequeño circo, la compañía circense más pequeña del mundo, presenta su espectáculo The piojo s show, un montaje visual, itinerante y musical que cuenta como elemento imprescindible con la participación del público. De darle vida se encargan los actores Montse López, Davinia Lesan, Iván Alcoba y Ferrán Orobitg, los dos últimos fundadores de Fadunito. Paloma e Isidro son dos acomodadores de teatro y, cómo cada día, recogen las entradas del público y los acompañan a sus asientos. Pero hoy es un día diferente. La compañía que tenía que representar La bella durmiente ha tenido un pequeño percance y no van a llegar a tiempo al teatro para hacer la función. Paloma e Isidro tienen que comunicarle al público la suspensión del espectáculo pero Isidro ve el baúl del teatro, el lugar en el que guardan todos los objetos que se han ido olvidando las que han actuado en el escenario. Serán capaces ellos dos de representar el cuento con trastos usados? Todo se resuelve en esta versión del clásico cuento de Perrault que representa la compañía Motiva2 y que distribuye Está por Ver. Canciones, risas y, sobre todo, mucho teatro, se acumulan en esta loca adaptación del conocido cuento, ideal para un público familiar, que interpretan Amalia Toba y Manel Romeu, quien además se encarga de la dirección. Todos aquellos que quieran ver esta obra lo podrán hacer durante las mañanas de los domingos del mes de julio en la sala La Usina de Madrid.

13 equipamiento novedades escenografía y vestuario Coemar presenta los nuevos modelos Infinity Serie M Infinity Spot M. Infinity Wash M. Infinity ACL M. La marca italiana Coemar, representada en nuestro país por la firma barcelonesa Earpro, ha incorporado tres nuevos modelos de focos a su ya conocida y consolidada serie Infinity. Tras la aparición estelar en 2007 del Infinity Wash XL, de los modelos Infinity S en 2008 y del Infinity Spot XL en 2009, ahora aparecen los modelos M: Infinity Spot M, Infinity Wash M e Infinity ACL M. Todos ellos utilizan el novedoso sistema multilamp de Philips, el cual permite al usuario seleccionar diferentes tipos de lámpara según sus necesidades, de manera que puede adaptarse mejor a diferentes riders. Se puede elegir entre dos lámparas: una de 700 vatios, que ofrece un alto rendimiento lumínico y otra de 575 vatios, que proporciona menor intensidad pero tiene una vida más larga. Por otro lado, la gama M está dotada de un balastro digital que optimiza el rendimiento de las lámparas y que, además, ofrece el efecto ZAP (shutter electrónico generado con la lámpara) y la función Power-Save que, bajando el consumo de energía a la mitad en los periodos en que el dimmer está cerrado, alarga la vida de la lámpara y disminuye el calentamiento de los elementos internos. Gracias a un procesador dedicado y a varios sensores distribuidos por el interior de cada aparato, la ventilación se ajusta automáticamente, dependiendo de la temperatura interior de los proyectores. Como la mayoría de los aparatos del catálogo actual de Coemar, los Infinity M son compatibles con el sistema DR1+ que permite, intercalándolo en la línea DMX512 convencional, tener acceso desde un PC a todas las funciones de los displays de los aparatos que están instalados o colgados en los trusses: renumerarlos, monitorizar temperaturas, ver los voltajes en las tarjetas electrónicas y ventiladores de cada unidad, etc. Todo ello sin necesidad de subir al truss y sin moverse del control. En caso de que Coemar actualizara el software de las nuevas generaciones de la serie M, el DR1+ también permitiría actualizar el software de las Eprom internas. En cuanto a características específicas de los tres modelos, en el Infinity Spot M el nuevo zoom va de 9º a 42º en tan sólo 400 milisegundos. El dimmer y el sistema CMY de color son de calidad digital. Muestra de ello es que el dimmer abre desde 0% de una manera sorprendente. La imagen proyectada y los efectos generados han doblado la calidad (10MTF) de las unidades estándar. El Infinity Wash M utiliza la filosofía del Infinity Wash XL y está equipado con el mismo generador de efectos, pero en un aparato muy compacto. Incorpora dos zooms lineales, uno dedicado a los efectos y el otro al haz de luz, que va de 6º a 42º en 1,3 segundos. También incluye el efecto ACL gracias a su grupo óptico. Por último, el Infinity ACL M dobla la potencia de la versión S y añade, además, el efecto frost progresivo. Igual que su antecesor de la gama S, genera haces en el aire con gobos giratorios y con cambio de color CMY. Cabe destacar que para conseguir la misma potencia lumínica que ofrece el Infitiny ACL M antes se necesitaban aparatos cuatro veces más caros. Pascual Peris diseña el vestuario de El idiota en Versalles que la compañía Arden lleva de gira por España El idiota en Versalles cierra la Trilogía de teatro clásico europeo que la compañía Arden estrenó con La estancia en 1996 y continuó con La puta enamorada en Estrenada en 1999, El idiota en Versalles ha cosechado varios premios desde entonces y vuelve a estar de gira por España. Los textos, escritos por Chema Cardeña y dirigidos por el propio Chema junto a Carmen Portaceli pretenden devolver la gloria al teatro clásico desde una perspectiva contemporánea. La figura de Pascual Peris y su trabajo como diseñador y realizador de Sueños de piedra transporta al espectador al mundo infantil de sus protagonistas Banji y Kigali, que viven con su madre Lilongwe en algún lugar del África Subsahariana. Cada día, los pequeños sobreviven en una lucha cotidiana ante la falta de recursos que logran disfrazar gracias al poder de su imaginación, con la que se trasladan en sueños a un universo onírico. El elenco de marionetas principales de la obra ha sido confeccionado por María José de la Rosa y Marcia Enríquez, que se han decantado por la gomaespuma tallada como material, lo que dota a los muñecos de una gran expresividad ya que se manipulan de forma directa. Además de ser un material muy ligero, lo que permite trabajar con títeres de gran tamaño, la plasticidad de los movimientos hacen que el espectador más exigente se sumerja con facilidad en el argumento. La labor de manipulación de las marionetas y la de interpretación Los actores lucen un elaborado vestuario, obra de Pascual Peris, durante la representación de El idiota en Versalles La compañía de títeres Sol y Tierra continúa con las representaciones de Sueños de piedra de los actores están íntimamente ligadas, y en el caso de Sueños de piedra, los intérpretes-manipuladores han optado por reforzar la imagen que crean junto a sus personajes vistiéndose con las mismas ropas africanas que ellos. Para los personajes secundarios, las autoras han optado por títeres de varilla construidos con gomaespuma y tela y manipulados desde abajo, lo que facilita el desplazamiento detrás del escenario. Finalmente, para el personaje del Gigante Bwana Kubwa se ha empleado la técnica del títere manipulado desde arriba y con una sujeción que lo ancla a los hombros del titiritero. La compañía Sol y Tierra ha realizado, desde su creación en 1982 y bajo la dirección de María José de la Rosa y Víctor de la Torre, los vestuarios es una pieza clave para la correcta ambientación del conjunto. Su labor en este campo comenzó alternada con el trabajo de actor pero finalmente se decantó por la confección del vestuario y ha creado su propia empresa, Pascual Peris Vestuario, con sede en Valencia. Peris ha llevado a cabo la difícil tarea de aunar una escenografía casi conceptual con los brocados y tejidos de época y lograr un conjunto armonioso además de cuidar los volúmenes y adaptar cada prenda según las necesidades de los actores, que trabajan con miriñaques, corsés y alzas la mayor parte del tiempo. El trabajo entre bambalinas es frenético en un montaje como este que requiere cambios muy rápidos y además cuenta con elementos muy elaborados. La solución a menudo pasa por superponer capas y peinados que facilitan el cambio, así como cremalleras bien simuladas que sustituyen a las clásicas cintas de la época. Es fundamental el trato que se da a cada personaje en cuanto a su vestimenta, ya que ésta dibuja el carácter de cada uno, amargado en el caso de la reina, ambiguo, llamativo y seductor en el de Louise la Vallière. Pascual Peris ha trabajado con Arden desde la primera pieza que estrenó la compañía en 1996, pero también colabora habitualmente con otras valencianas y de ámbito nacional. El idiota en Versalles estará presente en el Festival de Teatro Clásico de Almagro los días 19, 20 y 21 de julio, en el Festival de Teatro Clásico de Peñíscola el 14 de agosto y el día 29 del mismo mes en la localidad zamorana de Toro. Detalle de los títeres creados por María José de la Rosa y Marcia Enríquez para la obra Sueños de piedra unos treinta montajes para público familiar, dos para adultos y tres cortometrajes. Desde su estreno en 2008 Sueños de piedra ha recorrido los escenarios de unos noventa teatros y centros culturales, algunos de ellos incluidos dentro de la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid.