3. EL DRAMA ÁTICO: TRAGEDIA Y COMEDIA

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1 3. EL DRAMA ÁTICO: TRAGEDIA Y COMEDIA INTRODUCCIÓN a) El drama o teatro como género literario Tras el apogeo de la épica y, posteriormente, de la lírica, los griegos crearon un nuevo género poético: el teatro. Estos tres son los grandes géneros literarios de la literatura griega, que, en Grecia, curiosamente, y al contrario de lo que sucede en las literaturas modernas, no coexistieron, sino que se sucedieron. Históricamente, sin embargo, la producción teatral griega nos ha llegado escindida en tres manifestaciones literarias distintas: tragedia, comedia y drama satírico. Nosotros estudiaremos los dos primeros. Frente a la épica o la lírica, géneros en los que lo fundamental era la narración de los hechos míticos o de las vivencias, lo que define al teatro es la representación física en la escena de los hechos. A partir de ahí, la tragedia y la comedia se distinguen por tratar la primera los asuntos de forma solemne y seria con final luctuoso, y la segunda, de manera desenfadada y burlesca con final feliz. Definiremos después el drama satírico. b) El teatro como manifestación religiosa y civil El teatro no era un producto de consumo en el ocio como puede serlo hoy en día. Las obras se representaban sólo en fechas señaladas del año, como concursos dramáticos en las fiestas anuales en honor del dios Dioniso (en Atenas, las fiestas Leneas, en enero, y las Grandes Dionisias, en marzo). El Estado costeaba los gastos de las representaciones haciendo que un ciudadano rico pagase de esta manera sus impuestos al fisco. Se otorgaba un premio a un poeta trágico y otro a uno cómico, según el dictamen de un jurado sobre las obras puestas en escena a lo largo de todos los días del festival. El premio consistía en una corona de hiedra y, probablemente, algún dinero para el autor. Posteriormente también se introdujo algún premio para los actores. La entrada, a partir de Pericles (mitad del V a.c.), fue gratuita. Los autores competían presentando cuatro obras: tres tragedias y un drama satírico, a lo cual siguió, a partir del 445, la representación de una comedia cada día de concurso. Cada día se ponían en escena primero las tres tragedias, después el drama satírico y, al final, la comedia. Pero los poetas, los coros y los actores se especializaban bien en tragedia, o bien en comedia, sin que hubiera posibilidad de mezcla o confusión. Era, entonces, el teatro una fiesta eminentemente popular, no sólo porque se dirigiera a todo el pueblo, sino porque buscaba la formación de ese pueblo. Trataba de los grandes problemas humanos, los grandes temas políticos, ilustrados primero bajo el enfoque de una sabiduría religiosa, y luego, cada vez más racional y humana. El teatro era, pues, algo fundamentalmente religioso, y al tiempo un espectáculo popular que hacía reflexionar sobre los grandes temas humanos (casi todos las intervenciones de los coros invitan a ello). c) El drama satírico 1

2 En cuanto al drama satírico, era un descanso, una especie de divertimento cómico ya que, aunque t rat aba t ambién temas heroicos, el coro era de sátiros, seres mezcla de hombres y macho cabrío, del que se obtenía efectos cómicos porque pretendía reflejar lo ridículo y lo grotesco. Parece que el objeto de estos sátiros era plasmar el espíritu festivo y lascivo propio de las fiestas dionisíacas, ya que formaban parte del séquito del dios Dioniso. Pero como las representaciones teatrales formaban parte de las fiestas en honor de este dios, y la mayor parte de las tragedias se ocupaban de leyendas no relacionadas con su mito, parece que los dramas sat íricos tuvieron su origen en la necesidad de ofrecer algo en conexión con el dios cuya apoteosis se trataba de celebrar precisamente. Se representaban estas piezas al final de la trilogía trágica para disipar la densa atmósfera que p esaba sobre el espíritu de los espectadores, y aliviar la tensión producida por los dramas anteriores. d) Orígenes. Los ã íåò, óôüóéìá y ðéóüäéá. La evolución del papel del coro El origen del teatro es uno de los asuntos más conflictivos de la literatura griega, hecho que se confirma por la diversidad de teorías que han defendido los más acreditados estudiosos desde la antigüedad. De entre ellas puede destacarse, por su carácter ecléctico, la que postula como punto de partida común para todo el teatro los cantos y bailes que, al estilo de los de nuestras comparsas de carnaval, eran ejecutados por grupos de personas disfrazadas con ocasión de las diferentes fiestas populares, religiosas y agrarias, que se celebraban en toda Grecia. Una prueba de este origen es la gran importancia del coro en el tetro griego. En un principio, el coro se colocaba en un espacio circular llamado orchestra y representaba las acciones cantando y bailando, no existían aún los actores individuales, aunque sí tenía una entidad individualizada el jefe del coro, el corifeo. Se atribuye al legendario dramaturgo Tespis la ocurrencia de hacer que una persona (pero sólo una y siempre varón) dialogase con el coro y con el corifeo asumiendo el papel de los personajes que intervenían en la peripecia que se estaba contando. Así nació el teatro: el coro cantaba y bailaba, un único actor hacía todos los papeles masculinos y femeninos (cambiándose de máscara y atuendo) recitándolos o cantándolos en enfrentamiento dialéctico con el coro o con el corifeo. Este enfrentamiento dialéctico es la esencia del teatro como género teatral. Cuando tiene lugar entre dos personajes individuales se llama ãþí, que significa "lucha". A partir de aquí el dramaturgo construye su obra alternando las intervenciones del coro solo, llamadas estásimos (óôüóéìá), y diálogos de los actores entre sí (Esquilo y Sófocles aumentaron el número de actores) llamados episodios ( ðéóüäéá). En la tragedia el coro es comprensivo con el héroe, y con él sufre y vive la acción, pero sin tomar partido por ninguna de las ideas irreconciliables de los sucesivos enfrentamientos dialécticos o ã íåò. En ocasiones incluso adquirirá un cierto papel moderador. En la comedia, en cambio, el coro toma partido claramente por el héroe y triunfa con él, participando de la apoteosis final. Sin embargo, el papel del coro fue evolucionando con el tiempo hasta perder su valor preponderante y convertirse en algo meramente simbólico en la Comedia Nueva. e) Lengua Por lo que respecta a la lengua, el dialecto en que están escritos el diálogo, y, en menor medida, las partes líricas y corales del teatro, es básicamente el ático. Además, junto a él aparecen elementos homéricos y formas del dialecto dorio, rasgos estos últimos cuya presencia tiene un origen discutido. En cualquier caso, la lengua de las partes corales es más solemne que la del recitado de los personajes individuales, que resultaba más sencilla. 2

3 3.1. ESQUILO a) La vida de Esquilo Hijo de un terrateniente, nació en Eleusis, en las proximidades de Atenas, en el 525 a. C. Esquilo vivió en su juventud la gestación de la democracia ateniense a partir del régimen político anterior, el de los tiranos. Después, en su primera madurez, fue testigo directo de las dos Guerras Médicas, con las que la democracia ateniense salió muy reforzada. En efecto, sabemos que Esquilo combatió con valentía en la batalla de Maratón (490) y no es seguro si lo hizo también en la de Salamina (480). Fue un autor teatral de éxito en Atenas: por ejemplo, ganó todos los años entre el 467 y el 458. Su fama le permitió viajar en varias ocasiones a Sicilia, desde donde le reclamaban con encargos literarios. Precisamente murió en esa isla, en la ciudad de Gela, en el año 456 a. C., justo cuando comenzaba para Atenas su periodo más próspero, bajo el mando de Pericles. En su epitafio, hecho muy significativo, no se hace mención de su brillante carrera artística, sino de su condición de combatiente en Maratón: Este sepulcro de Gela, la rica en cereales, contiene a Esquilo, el hijo de Euforión, ateniense. De su sobresaliente valor podría hablar el recinto sagrado de Maratón y el medo de larga cabellera, que lo conoce bien. b) Clasificación de su obra Aunque conocemos ochenta títulos de obras esquíleas, en realidad sólo conservamos siete tragedias completas. Como quiera que cada poeta trágico acudía al consurso con cuatro obras (tres tragedias y un drama satírico), Esquilo habría compuesto veinte tetralogías. Esquilo organiza cada grupo de tres tragedias en una auténtica trilogía argumental, ya que desarrollan entre las tres un único argumento seguido; así la acción es más amplia porque atraviesa generaciones, y cada tragedia se ocupa de una parte de la historia. De las siete tragedias conservadas sólo tres integran el texto completo de una trilogía, la denominada Orestíada, y son: Agamenón, Las Coéforas y Las Euménides. Las otras cuatro: Los Persas, Los siete contra Tebas, Las Suplicantes y Prometeo encadenado, formaban parte de otras tantas trilogías. Así, la que incluía a Los Persas presentaba en escena la reacción de la corte persa ante la derrota de Jerjes en Salamina y su humillante regreso. O la de Los siete contra Tebas, que recreaba el asedio de la ciudad de Tebas por Polinices, y el enfrentamiento de éste con su hermano Eteocles. Finalmente, La Orestíada presenta como tema la llegada de Agamenón a Argos tras la Guerra de Troya, y su asesinato a manos de su esposa Clitemnestra (Agamenón); la venganza que de este crimen ejecuta Orestes, el hijo de ambos, con el asesinato de su madre y del amante de ésta, Egisto, por lo que es perseguido implacablemente por las Erinias, diosas de la venganza de los crímenes familiares y ejecutoras de la voluntad de Zeus (Las Coéforos); y la absolución de Orestes, favorecida por el oráculo de Apolo ante el tribunal del Areópago, instituido por la diosa Atenea para juzgarle (Las Euménides). Contenido de las tragedias. La moral esquílea. 3

4 Los mitos presentados en la escena por Esquilo persiguen el planteamiento de problemas morales: el poder frente a los súbditos, la culpa, la hybris, la justicia, Zeus y el papel de los dioses... Esquilo reúne las cualidades del dramaturgo dueño de todos sus recursos, del lírico inspirado, y del filósofo preocupado por la estética, la religión y la política. Los dioses y la religión La actitud de Esquilo en este terreno es de aceptación y reverencia hacia la idea tradicional que se tenía de la divinidad: enemiga, envidiosa y engañadora. Lo original en Esquilo es que él interpreta que el engaño y el sentimiento que mueven a los dioses no son más que formas de una venganza purificadora con la que nos imponen su justicia. La divinidad no ve con envidia la prosperidad de los hombres sino en cuanto la prosperidad excesiva produce orgullo y arrogancia ( âñéò); y son el orgullo y la arrogancia los que reciben el castigo, no la prosperidad en sí misma. El destino y la culpa Otro de los temas más característicos de Esquilo es el enfrentamiento entre si somos los responsables de nuestros actos o si nos domina el oscuro y tremendo poder del destino. Para el poeta los individuos son culpables y no víctimas del destino, y como tales culpables son castigados. Así, es frecuente en Esquilo la presencia del castigo de los que abusan de su grandeza y su fuerza: Agamenón es culpable porque sacrifica a su hija Ifigenia movido por el soberbio deseo de gloria, y por ello recibe la muerte; Clitemnestra, que por venganza y celos mata a su marido, morirá a manos de su hijo. También mueren Eteocles y Polinices por su avidez de poder en Los siete contra Tebas, o los persas, que son derrotados al mando de Jerjes, como castigo a su arrogancia ( âñéò) por invadir Grecia en la tragedia que lleva su nombre. De ello se ext rae que Esquilo no cree en la ley moral tradicional griega que hacía responsables a los hijos de las culpas de los padres (por lo que la maldición de la primera víctima perduraba implacable renovándose generación tras generación, como en la saga de Tántalo); nuestro poeta prefiere pensar en la responsabilidad individual de cada uno por orgullo, soberbia, irreverencia filial, o cualquier otro. Aprender sufriendo Pero, a pesar de tanto castigo, Esquilo busca la reconciliación entre los temas o personajes enfrentados; por ejemplo Orestes, asesino de su madre, Clitemnestra, pero vengador de su padre, Agamenón, es finalmente perdonado. Pero la reconciliación no es suave, sino que se llega a ella a través del dolor y el sufrimiento, porque la ley impuesta por Zeus a los hombres es el aprendizaje por el dolor. Defensa de la democracia En el terreno político y social las obras de Esquilo recogen los fundamentos del régimen democrático triunfante. De hecho, tras leer sus obras puede observarse cómo apoya Esquilo una democracia basada en la ley, o cómo sus dioses no defienden un orden inmutable: Apolo elogia la solidaridad entre los pueblos, y Atenea sanciona el mantenimiento de instituciones que impidan a los ciudadanos cometer injusticias. Todo ello ha granjeado a Esquilo la consideración de demócrata radical, y la teoría que subyace en sus ideas ha sido titulada "democracia religiosa" por la fundamentación de sus postulados. 4

5 c) Comentario de la obra y el autor A Esquilo se le atribuyen algunos perfeccionamientos e innovaciones de carácter técnico. Las más importantes son la introducción de un segundo actor además del corifeo (ver introducción, d) y la organización en trilogías de las tres tragedias participantes en el concurso (aunque no sepamos seguro si fue Esquilo el primer poeta en presentar trilogías, sí es cierto que en él este uso se reveló más fecundo en resultados). Poder tener dos actores en la escena más el corifeo, que también intervenía de forma individual, fue fundamental para el desarrollo del verdadero drama. Gracias a él, las posibilidades dramáticas del teatro se multiplicaron, al poder complicarse algo más los encuentros y enfrentamientos dialécticos ( ã íåò) entre los personajes (todos ellos representados por los dos susodichos actores, que no paraban de salir de la escena para entrar con la máscara de otro personaje). Sin este segundo actor no se hubiera podido llegar a la intensa dramatización en el desarrollo de las situaciones, tal y como aparece en Esquilo. A pesar de esto, todavía las tragedias de Esquilo están dominadas por las intervenciones del coro por encima de la acción representada por los personajes. Y es que las tragedias presentan todavía poca acción. En este sentido la tragedia de Esquilo es sencilla. No se puede hablar de acción ni de intriga, sino que todo el interés procede de la pintura de los sentimientos y del alma de los personajes, así como del desarrollo gradual de los acontecimientos hasta conducir a un clímax de auténtica situación trágica o de liberación de ella. Todos los comentaristas coinciden en señalar la grandilocuencia de la lengua de Esquilo, lo que contribuye a hacer de sus personajes seres fuera de lo común, sobrehumanos, casi dioses. Dado el desconocimiento casi absoluto que tenemos de la obra de los primeros trágicos, Esquilo puede seguir siendo considerado como el verdadero creador del teatro griego. Sin duda sí es el primero en dar grandeza a la tragedia mediante la representación de las pasiones más nobles, y en impresionar la mirada de los espectadores con la magnificencia de un espectáculo para la vista y el oído. 5

6 3.2. SÓFOCLES a) La vida de Sófocles Nació y murió Sófocles en Atenas ( a.c.) en la época de mayor esplendor y protagonismo económico y político de su patria: el llamado "siglo de Pericles". Sófocles coincidió con los catorce años ininterrumpidos en que Pericles estuvo al frente de la primera magistratura de Atenas, y sabemos que él mismo desempeñó cargos de importancia. Pero no fue él un admirador sin reservas de la política de corte ilustrado propugnada por Pericles y aprobada por los intelectuales del momento. Por el contrario, la ideología que se desprende de muchas de sus obras está más bien en la línea de los reductos conservadores que trataban de minar los logros democráticos del gran estadista. A pesar de ello, durante toda su vida fue Sófocles un personaje importante en Atenas y no se inhibió nunca de los asuntos públicos. No abandonó nunca Atenas, aunque recibió tentadoras ofertas de reyes extranjeros. De familia acaudalada, de bella presencia, dotado de cualidades intelectuales y morales, su carácter debió de ser apacible, cortés y ponderado, como lo demuestra la actitud que le atribuye Aristófanes en Las Ranas. Fue educado con todo esmero y pareció encarnar, según el juicio de sus contemporáneos y de la posteridad, el modelo de la perfección y la felicidad humanas. Tales cualidades generaron respeto y admiración por su persona y su obra, de los cuales tenemos diferentes testimonios. En las competiciones teatrales, obtuvo el primer premio más de veinte veces, otras muchas el segundo, y nunca el tercero. b) Su obra La producción poética de Sófocles, con casi sesenta años de actividad artística, fue riquísima. Se le atribuyen más de ciento treinta obras pero, como en el caso de Esquilo, sólo han llegado completas hasta nosotros siete: Áyax: es, tal vez, la más antigua. En ella Sófocles profundiza en los motivos humanos y divinos que llevan a Áyax, héroe de la Guerra de Troya, al suicidio tras la afrenta de los héroes aqueos, que otorgan a Odiseo y no a él las armas de Aquiles. Intenta vengarse saliendo de noche de su tienda para asesinar a los aqueos, pero Atenea le priva de la razón y mata ovejas en vez de aqueos. Deshonrado y desesperado, se suicida. Se ejemplifica, pues, en esta obra la debilidad del héroe ante el poder divino. Las Traquinias: en ella se cuenta cómo Deyanira, pretendiendo curar a su esposo Hércules del amor que sentía por la cautiva Íole, le viste con la piel del centauro Neso, que Hércules había matado; era, lo había dicho el centauro, el remedio para cuando Hércules se enamorara algún día de otra mujer. Pero en realidad se trataba de la venganza del centauro, por lo que Hércules muere abrasado y se expone el sufrimiento de Deyanira que, sin quererlo, ha provocado la catástrofe. Antígona y Edipo Rey: son dos tragedias que recogen sendas instantáneas del atormentado ciclo mitológico de Tebas. Electra y Filoctetes: vuelven a motivos de la saga troyana. En Electra se narra cómo Orestes mata a su madre por venganza, pero encontrando en su hermana Electra la fuerza para justificar el matricidio. Se trata, pues, el tema de la justicia cruenta con la que se mezclan el odio y el rencor, dentro de una 6

7 misma familia. En Filoctetes, donde se analiza la miseria humana de quienes, como Odiseo, acuden al fraude y al engaño cuando ven como útil lo que antes han desdeñado sin escrúpulos, se cuenta cómo Odiseo acude a Filoctetes, al que había abandonado camino de Troya por su hedionda herida, porque necesita el arco y las flechas que éste posee (fueron antes de Heracles), y sin los que la toma de Troya es imposible. En esta obra el tema del odio, de la fidelidad y de la mentira que, sin embargo, busca un fin saludable, se une al de la persuasión y el olvido. Finalmente, en Edipo en Colono se reivindican para la ciudad de Atenas los últimos días del errante rey Edipo, que es enterrado precisamente donde había nacido Sófocles, en Colono (muy cerca de Atenas). c) Comentario de la obra y el autor A la vista de las tragedias conservadas, Sófocles innovó al abandonar la técnica de la trilogía empleada por Esquilo. Él compone obras aisladas, como un todo, y renuncia a representar el mito en su desarrollo total. Pero destaca, sobre todo, la introducción del tercer actor: al haber más actores pudo aumentarse el número de personajes y, con ellos, disponer del soporte material para presentar una acción y unas situaciones más complejas. Ejemplo de ello son las escenas triangulares (tres actores dialogando a la vez, todo un reto para un dramaturgo), por las que Esquilo y Eurípides no mostraron interés alguno, y en las que Sófocles demostró no tener rival. Tales enfrentamientos, unidos a la complejidad de la acción, mantenían tenso al espectador en una espera angustiosa. Al aumentar las partes dialogadas de los actores, la narración de acciones ganó en importancia, y perdió terreno la parte lírica (los cantos del coro), con respecto al teatro de Esquilo. A pesar de ello, los coros siguen pesando mucho en sus obras y algunos de sus cantos se cuentan entre los mejores modelos de lírica griega. Pero la mayor innovación de Sófocles no es de orden técnico. Consistió en el rico estudio psicológico de los personajes trágicos. De hecho, es tal su importancia que la compleja trama dramática parece representar sólo el medio para la caracterización psicológica de los personajes, sobre todo los protagonistas. Ellos mismos, con sus decisiones, labran su inevitable destino. Pero no son responsables de él, porque hacen lo que en conciencia su rebeldía les empuja a hacer. Ese es el caso de Antígona: conoce de antemano el peligro que corre con su conducta, pero su firme decisión puede más que el miedo. Por Plutarco sabemos que el propio Sófocles distinguía, al parecer, tres etapas en su evolución artística: una primera, en la que seguiría a Esquilo en su estilo ampuloso; una segunda, en la que pasaría a exponer su propia concepción del dolor en un estilo áspero y artificial suyo propio; y, finalmente, una tercera, de mejor estilo, en la que procuraría sobre todo ahondar en el páqoç o carácter de sus personajes, puesto que, como ya ha quedado apuntado, es en la creación de los grandes caracteres de sus personajes donde se revela la grandeza de Sófocles. Y parece ser que las obras que nos han quedado se encuadrarían en este tercer período, aunque se podrían rastrear en ellas rasgos de los otros dos. 7

8 3.3. EURÍPIDES a) La vida de Eurípides La vida de Eurípides, quince años más joven que Sófocles, se desarrolló también en la Atenas de la segunda mitad del siglo V. Rival de Sófocles en la escena ateniense, murió, en cambio, poco antes que él, aunque también en el 406 a.c.; pero murió fuera de su patria, en Pella, capital de Macedonia, a donde se había expatriado aceptando la hospitalidad del rey de esta región, Arquelao, por razones políticas. Por contraste con Esquilo y, sobre todo, con Sófocles, la tradición hace de Eurípides un intelectual, amante de la soledad y la lectura, y alejado de la política activa. Esta opinión contrasta con el hecho de que la política aparece en sus obras más que en las de los otros dos grandes trágicos. De hecho, en cada una de sus obras sostiene una lucha a favor de la democracia y contraria a posturas dogmáticas e inmovilistas. Este espíritu le llevó a participar en el gran movimiento intelectual de su tiempo, y a relacionarse con la Sofística, Anaxágoras o Sócrates, de quien se decía que sólo iba al teatro cuando se representaban tragedias de Eurípides. No es de extrañar, pues, que la comedia de Aristófanes, que era un hombre conservador, hiciera también de Eurípides uno de sus blancos preferidos. Y es probable que la postura ideológica de Aristófanes fuera también compartida por quienes, desde el jurado, se mostraron reticentes a conceder a Eurípides la victoria en los certámenes teatrales, a los que concurrió en dieciocho ocasiones, pero en los que obtuvo tan sólo cinco veces el triunfo; y ello a pesar de su gran popularidad. En cambio la posteridad (ya a partir del S. IV a.c.) premió a Eurípides con una fama y una difusión muy superiores a las de los otros dos trágicos. b) Su obra Conservamos dieciocho tragedias y un drama satírico de las noventa y dos obras compuestas por él. Hablemos de algunas: En la titulada Medea, la heroína, abandonada por su esposo, Jasón, mata a la prometida de éste, al padre de ella, y a sus propios hijos para vengarse de su marido. Esta tragedia forma parte de un grupo que expone el tema de las heroínas enamoradas, y las catástrofes que su pasión les acarrea, tema que alcanza su culminación en Eurípides por su audacia trágica y la sabiduría de su estudio del alma humana; por esta razón es conocido Eurípides como "el poeta de la pasión", y el explorador del alma femenina por excelencia. De este grupo se ha conservado también Hipólito, que desarrolla el tema del amor entre la madrastra, Fedra, y el hijastro, Hipólito. Cuando la nodriza revela imprudentemente a Hipólito el amor de Fedra, ella prefiere suicidarse a ceder a su pasión, pero deja a su marido Teseo unas tablillas calumniosas contra Hipólito quien, tras ser maldecido por su padre, muere. Otras obras tienen como fondo común la representación de los horrores de la guerra, vista desde el destino de los vencidos: en las Troyanas es asesinado Astianacte, el hijo de Héctor, y termina con el incendio de Troya y la llamada a las cautivas para embarcarse hacia Grecia. Esta pieza culmina el patetismo de las piezas antibélicas de Eurípides, que condena sobre todo las guerras de conquista, llegando a afirmar que la condición de los vencidos es superior a la de los vencedores. 8

9 En los últimos años de su vida, Eurípides toca el tema de Clitemnestra en Electra y en Orestes, pero desde un punto de vista diferente al de Sófocles. Ahora nos hallamos ante una exploración de mentes perturbadas (el histerismo de Electra y la locura de Orestes), que condena sin más el matricidio. En Ifigenia en Áulide se cuenta cómo Agamenón deja que su hija Ifigenia sea sacrificada con tal de dirigir la expedición de los griegos contra Troya. En su última obra, Las Bacantes, escrita ya en Macedonia, nos presenta Eurípides el espectáculo de la religión de Dionisos con sus éxtasis, sus milagros, su fuerza liberadora y también su crueldad, ya que Dionisos es visto como una divinidad poderosa, pero malvada y cruel. Las restantes obras son: El Cíclope (un drama satírico), Alcestis, Reso, Hécuba, Andrómaca, Heráclidas, Suplicantes, Hércules loco, Ión, Ifigenia en Táuride, Helena y Fenicias. c) Comentario de la obra y el autor En Eurípides pierde importancia el poder dramático del argumento. El autor basa la carga dramática en la presentación de ideas trágicas en varios episodios, en lugar del movimiento en torno a una sola idea o personaje trágico central. Es el enfrentamiento entre los personajes, con la exploración de las razones de unos y otros, lo que domina su teatro. Por la misma razón también el coro pierde relevancia y deja de ser un personaje activo en el conflicto dramático. Algunas veces adopta el papel de un espectador más, aunque con frecuencia se ve invadido por el espíritu del protagonista y se une a sus padecimientos. En cambio, sabemos que la modificación más significativa introducida por el poeta en sus coros fue musical, pero, obviamente, no podemos comprender su alcance, aunque es posible que las innovaciones musicales de que fueron objeto suplieran su decreciente importancia. Eurípides discute en la escena los problemas de su tiempo: los regímenes políticos, la ambición de los que abusan de su poder, la educación, el gusto por la vida privada, lejos de una obsesiva actividad pública y militar, la guerra, el amor (es el primero en representar el amor en el teatro), la virtud, los dioses, el aprecio por los sectores de la población discriminados, como las mujeres, los hijos naturales, los esclavos..., o la defensa de una religión moralizada y personal, alejada de las creencias religiosas tradicionales, que le parecían absurdas. Pero esto no quiere decir que el poeta presente en sus obras un sistema filosófico, sino que emprende la búsqueda de nuevos caminos planteando numerosas preguntas, exponiendo los diferentes puntos de vista, sin que le preocupe haber encontrado o no la respuesta adecuada. En cuanto a su estilo, es sin duda menos elevado que el de Sófocles o Esquilo. Sus héroes se parecen en sus reacciones más al hombre ordinario, y en su lenguaje también. Esto se debe a que utiliza un vocabulario extraído de la prosa en una proporción semejante al procedente de la poesía. Como ya se ha apuntado, Eurípides representa, frente a Sófocles, un tipo de hombre más moderno: el intelectual que gusta de explorar ideas nuevas y ejercer la crítica sobre los valores tradicionales. Aunque sin la grandiosidad y el equilibrio de Sófocles, logra en cambio grandes hallazgos en el conocimiento de todo lo humano, pero al precio de chocar muchas veces con las ideas comunes del hombre de la calle: es el destino de todos los innovadores. 9

10 INTRODUCCIÓN: La comedia griega ARISTÓFANES Puede definirse la comedia como un tipo de drama que pone en escena una acción relacionada con la vida real, de expresión ligera y frecuentemente risible. Incluso si se plantea un asunto serio, el poeta cómico lo resuelve a sus manera, sin olvidar el deleitar mediante la risa, la burla o la ironía. Se suele dividir la historia de la comedia griega en tres fases que se suceden cronológicamente: Comedia Antigua, Media y Nueva. A la Antigua (a la que pertenece Aristófanes) se la llama "política" porque la temática de las obras incluidas en ella se centra en la crítica de personajes, instituciones o problemas importantes para la vida de la ciudad. En cambio la Media se ocupó sobre todo de hacer parodia mitológica y literaria. En cuanto a la Nueva, cuyo máximo representante es Menandro, cultivó una temática costumbrista y moralizante, con especial atención a los caracteres de los personajes, pero resultó menos cómica que la Antigua. Los cómicos latinos copiaron sus obras de la Comedia Nueva. a) La vida de Aristófanes Se trata del único comediógrafo de la llamada Comedia Antigua o Ática del que se han conservado comedias enteras. Nació en Atenas, hacia la mitad del s. V a.c.; su vida se desarrolló, por tanto, en medio de los éxitos y las derrotas, la prosperidad y las miserias de la Guerra del Peloponeso ( ). En política fue adversario de los demagogos que entonces, bajo apariencia de servir los intereses del pueblo, imponían su voluntad en la gestión de los negocios públicos; fue contrario a la política de guerra y de aventura. En el campo educativo y de la formación espiritual se opuso a la novedad de los nuevos educadores, los sofistas, en cuyas ideas veía el alimento de la política que le desagradaba. Era, más que un conservador, un descontento. Por otro lado, toda la actitud de Aristófanes está, en parte, justificada por las exigencias del género que cultivaba; la comedia (al igual que el género humorístico actual) se ve obligada a ser de opinión contraria a la política y a los hombres del momento. Lo mismo ocurre respecto a los literatos: critica a su contemporáneo Eurípides comparándolo con Esquilo, pero es seguro que, si hubiera sido a la inversa, Esquilo hubiera sufrido sus burlas y ataques. b) Su obra Compuso Aristófanes cuarenta y cuatro comedias, de las que se conservan once. En general, todas sus comedias consisten en la propuesta de ocurrentes utopías políticas que, aparte de provocar por sí mismas la risa de los espectadores, incluyen una crítica constante de los comportamientos individuales o colectivos de la sociedad ateniense del momento. Dentro de este argumento fantástico que se desarrolla en la obra surge la liberación: el héroe cómico. Él logra, increíblemente, por ejemplo, hacer la paz, poner fin a los excesos de los nuevos intelectuales, o establecer un régimen económico justo, eso sí, entre risas y bromas. Usando medios extraordinarios y fantásticos (volar junto a las aves, bajar al infierno, lograr una 10

11 pomada mágica que traiga la paz, imaginar una treta increíble para lograr que los atenienses pacten con Esparta etc.) el héroe cómico logra, entre risas y verdades, imponer su voluntad. Ya se sabe: es sólo por unas horas, luego todo volverá a ser como fue. Pero la crítica a la sociedad perdura. En Las Nubes la utopía fingida por el poeta consiste en la existencia de una peculiar escuela que tenía como fin reeducar a los ciudadanos de conducta reprobable. El maestro era Sócrates, y sus enseñanzas estaban representadas por consideraciones de carácter cosmológico (los personajes del coro eran nubes, de ahí el título), y por el debate entre el pensamiento justo y el injusto. Las distorsiones cometidas por Aristófanes en su ficción son flagrantes; hace que Sócrates acumule, deformadas, las líneas de pensamiento que predominaban en Atenas. Los personajes que asisten a las clases son presentados como víctimas de las innovaciones maquiavélicas atribuidas al personaje de Sócrates. Las Avispas es una divertida sátira de la desmedida afición de los atenienses a pleitear, y un ataque a las malas costumbres políticas instauradas por los demagogos, en particular por Cleón. Lisístrata es la más desenfrenada (pero de una obscenidad sana, sin vicio) de las comedias de Aristófanes, todas ellas atrevidas, por lo demás, en su lenguaje. En ella, las mujeres espartanas y atenienses, mediante ingeniosos ardides, consiguen que sus maridos pongan fin a la guerra. Antibelicistas son también Los Acarnienses y La paz. (Sin embargo, no hay que imaginar que Aristófanes fuera un pacifista. Este ideal no podía estar al alcance de un hombre de aquella época. Él no estaba en contra de las guerras, sino de la guerra que en ese momento libraba Atenas contra Esparta, una guerra ap oy ada por los políticos populares-demagogos contra los que se manifestaba Aristófanes). En Las Tesmoforias se ridiculiza la misoginia de Eurípides, quien también es objeto de sátira en Las Ranas, donde es vencido por Esquilo en un extraño juicio. En La Asamblea de Mujeres, estas se adueñan del poder e imponen una reforma del Estado; y en Pluto se trata el problema de la mala distribución de la riqueza en la sociedad. Los Pájaros y Los Caballeros son las otras dos comedias. c) Comentario de la obra y el autor La lengua de Aristófanes es un conglomerado lleno de contrastes al servicio del humor. Las palabras y las ideas son llevadas continuamente a lo insólito. Para ello Aristófanes recurre continuamente a las comparaciones, las imágenes, las hipérboles, neologismos u osadas construcciones sintácticas, bajando a la más cruda vulgaridad, o subiendo a la más exquisita fineza. Aristófanes se preciaba de haber liberado a la comedia de las vulgaridades de que estaban plagadas las obras de sus predecesores, y de haberla hecho grande, capaz de pensamientos y expresiones elevadas, y apta para admitir en la escena personajes de importancia. Nosotros no podemos juzgar la veracidad de su afirmación, ya que sólo disponemos de fragmentos dispersos de la obra de sus antecesores y contemporáneos. Pero sí podemos ver que en la obra de Aristófanes todo, lo inventado o lo satirizado, aparece elevado a la categoría de arte e investido del aliento de la poesía. Las comedias de Aristófanes son un testimonio histórico. Difícilmente podríamos tener sin su ayuda una comprensión cabal de la organización financiera, el ejército, el sistema judicial, y de tantos otros aspectos como Aristófanes nos aclara a cada paso con su agudo sentido de la observación. Él es un "espejo de la sociedad de su tiempo". Aunque su intención primera es provocar la hilaridad, en el fondo, lo que pretende Aristófanes es el 11

12 mantenimiento de los ideales conservadores que él defendía. 12