Arte Vivo Introducción

Transcripción

1 Arte Vivo Introducción El año 1300 cuando nació el arte gótico hasta hace unas décadas, la figura humana fue la fuente de inspiración para la pintura. Comúnmente, se utilizaba a las personas como modelos. Los retratos eran muy valorados y contaban con gran difusión. Las ilustraciones de seres humanos le daban vida al lienzo. Esta práctica se ha modificado con el tiempo y hoy en día podemos hablar de una transformación completa. Para muchos artistas el rol del ser humano ha trascendido el de un simple modelo para transformarse en el sujeto mismo de la obra. Es decir, las personas pasan a convertirse en el propio lienzo, el origen y el fin de la obra. Por lo tanto, las nuevas formas de representación involucran a seres vivos y muertos. 1

2 Desarrollo "El cuerpo humano es la más pura expresión del arte y depende de la belleza interior que sea capaz de expresar", dijo Tunick en entrevista con dpa en la ciudad mexicana de Guanajuato. Esta no es la belleza a la que uno esta acostumbrado a ver. Todos los cuerpos son hermosos y en si mismos una forma de arte. Poder resaltar esto en las fotografías o con pinturas es una forma de elevara aun mas esta obra humana. Como se trabaja con seres vivos, cada uno es único y tiene su propio mundo por detrás. El reto del artista es poder unir ritmos y así crear una unión con el modelo. El humano esta en constante movimiento y por lo tanto las obras son efímeras. Si no se grabaran o fotografiaran estas no perduran. Esto implica una dificultad para el artista ya que tiene que plasmar su obra para que esta pueda ser reconocida por el mundo. Estas obras tienen que ver mucho con la improvisación y el segundo a segundo que vive el modelo. Desde que es elegido para participar de las obras hasta el final. Puede pasar horas o días con el artista así este se siente cómodo en la atmosfera que esta creando. Se tiene que llegar a crear un lenguaje entre los cuerpos y el entorno. El modelo es el que tiene que transmitir atreves de su piel la obra y lo que quiere expresar el artista. Esto lleva un trabajo adicional ya que el artista tiene que poder transmitir sus ideas al modelo así este es capaz de transmitirlo. El trabajo de Spencer Tunick revela en su total exposición la figura humana. Desde 1922 que Spencer fotografía personas desnudas. Empezó a fotografiar personas desnudas por las calles de Nueva York. Estas sus fotos se hicieron populares rápidamente por lo que decidió ampliar su trabajo hacia estados de Norteamérica, en su proyecto llamado Naked States(Estados Desnudos). Después, emprendió una gira internacional, denominada Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) realizando instalaciones y captando fotografías por ciudades como: Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago de Chile, México, São Paulo, Newcastle, Viena y Buenos Aires. 2

3 Es reconocido por sus instalaciones, que son obras fotográficas conformadas por grandes masas de gente desnuda, organizada en locaciones urbanas o naturales, disponiéndose en formaciones artísticas. De sus imágenes surgen tensiones entre los conceptos de público y privado, lo individual y lo colectivo. Los cuerpos desnudos no son protagonistas de la instalación, devienen en formas y texturas que enriquecen al ambiente seleccionado de cada locación, dando ritmo a la composición. El desarrollo de la obra de Spencer Tunick está signado por el escándalo (Contribuyendo notablemente a su popularidad). En 1994 fue arrestado junto a una modelo femenina, cuando ella posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York). Y ya para mayo de 2007 rompió su propio récord, al reunir en el Zócalo de México a cerca de participantes que se desnudaron sin prejuicios. Sus modelos son voluntarios que reciben, por su participación, una foto firmada por el autor. Otra gran artista actual es Vanessa Beeroft que trabaja la imagen de la mujer formando cuadros vivientes, así va creando unas obras provocadoras, intrigantes, bellas, descabelladas y efímeras aunque apresadas, en parte, por la fotografía y el video. Al ser la performance, un acto fugaz, necesita de la fotografía y el vídeo para registrarse. La obra de Beecroft está muy vinculada al universo femenino, ejecuta normalmente sus performances con grupos de mujeres desnudas o semidesnudas, que expresan un arquetipo de belleza similar. Que responde a patrones muy concretos y a ciertos rangos de edad. Una selección nada casual, con una vinculación con la propia artista; ya que en su obra hay un componente autobiográfico muy marcado, que tienen que ver con el aspecto de la mujer. La delgadez, la apariencia física, el cuerpo femenino, y la observación del mismo por parte de la sociedad y de la propia mujer. Sin poder hablar, sin poder moverse de su posición, sin poder comunicarse con el público, un pequeño ejército femenino posa obediente. Como estáticas divinidades ensimismadas, alejadas de la realidad, ajenas a su entorno, ignorándolo pero interactuando inevitablemente con él con su presencia. Estas relaciones emocionales son básicas en la obra de Beecroft, sus trabajos se basa en las relaciones que se establecen entre las modelos y el 3

4 público, entre cada uno los individuos y en el conjunto. Y a la vez, todo este proceso interrelacionado nace de la interacción de las propias modelos con ellas mismas. Las imágenes durante la performance, van cambiando. El tiempo ejerce de actor importante en las obras de Beecroft, desmontando el orden prestablecido. La artista juega con ello. Dicta las condiciones y permite que el cansancio de las modelos, producido por una larga e incómoda sesión, desmenuce y haga decaer la formación inicial. Las frías y artificiosas imágenes, terminan doblegadas, trasformadas en iconos más mundanos. Abatidas mujeres, aburridas, sin fuerzas, derrotadas, que miran al infinito y que terminan sentadas, en cuclillas o tumbadas. Lui Bolin es un artista chino 36 años de edad, que pinta los cuerpos para mimetizarlos con los colores y formas del entorno para conseguir que estos desaparezcan casi que por completo de las fotografías. En sus fotografías este se logra mimetizar en un marco de situaciones urbanas, para hacerse invisible, como una forma de rebelión ante el sistema. En palabras del señor Lui, su trabajo exhibe los instintos animales e intenta adentrarse en la exploración humana y, sobre todo, adentrarse en la soledad y en el anonimato de millones de personas que, para muchos, parecen ni tan siquiera existir. Su último trabajo se llama Camuflaje, y se subtitula Lo que no se ha visto en una fotografía. Por el momento, sus trabajos se han expuesto en China, Estados Unidos y Francia. Antes de tomar las fotografías, y para comprobar que el camuflaje está bien hecho, Lui hace que su modelo pintado se quede durante un buen rato sin moverse, y así él puede observar la reacción de los transeúntes, si nadie se da cuenta de la presencia significa que el trabajo es bueno, y es entonces cuando lo inmortaliza con fotografías. Emma Hack es una artista australiana que lleva el body painting al límite. El cuerpo de sus modelos se convierte en el lienzo ideal para mimetizar sus obras en el paisaje. Desde el 2005 empezó a crear una colección de body paitning en el cual la modelo se mimetizaba con el fondo los cuales eran diferentes diseños de papeles tapices. Continuando con esta serie en el 2008 se lanzo a agregar a esta serie, vida animales nativos de Australia. Con esto ella agrego 4

5 algo único a su arte aunque esto también implicaba un nuevo reto. En esta colección ella empezó a sácales foto a sus obras y así pudo empezar a desarrollar su talento de fotógrafa. En el 2009, ella creo una colección de obra las cuales tenían un fondo circular con un diseño determinado y en este se camuflaba una modelo sosteniendo un ave, reptil o mamífero en peligro de extinción. Así ella también con su arte llega a crear conciencia. Los últimos trabajos de Emma son los interesantes. Si uno ve esta su obra vera que a simple vista parece un coche destrozado por un accidente, pero si uno se fija bien podrán apreciar brazos, cabezas, manos. Y es que este automóvil azul está fabricado con diecisiete cuerpos humanos. Esta vez Emma Hack se dedico a pintar cuerpos humanos para recrear distintos objetos. En esta ocasión, pintó de azul y plateado a un grupo de personas para una campaña destinada a reducir los accidentes de tráfico por exceso de velocidad en Australia. Emma simulo un coche destrozado tras un accidente utilizando cuerpos pintados. Ella inicio su obra con la foto de un coche destrozado y sobre ella determinó cuanta gente necesitaría y en que posiciones de acomodaría cada cuerpo. Alexa Meade es una artista de apenas 23 años nacida en Washington que inventó una nueva técnica de pintura que mezcla personas de verdad con retratos, pinturas vivas. Contrario a lo que pudiera parecer, Alexa Meade no fotografía pinturas. Tampoco altera digitalmente sus tomas en si su trabajo se encuentra a mitad de camino entre la pintura, la fotografía y la puesta en escena. Alexa utiliza la pintura como una máscara que imita los atributos de la superficie a pintar a la vez que la re-formula para la cámara. Su arte re-plantea los códigos comunes de la pintura para crear una reciprocidad auto-referencial entre el esta y el sujeto. Ella aun que no lo parezca no pinta sobre lienzo, sino que pinta directamente sobre la persona. Lo que ella hace es pintar sobre objetos o personas tridimensionales y las vuelve bidimensionales así su fotografía parece un cuadro plano sobre un lienzo. Los propios objetos y los personajes son el lienzo que baña con pinceladas de pintura acrílica hasta hacer desaparecer la tercera dimensión; rediseña la piel, la ropa y los materiales 5

6 para que formen parte de sus 'Cuadros vivientes'. El último rastro de humanidad se esconde en el pelo y los ojos; todo lo demás -las manos, los labios, la nariz- se convierte en dibujo. A primera vista, el espectador puede creer que se halla ante un simple retrato, pero a medida que examina la obra, comprende que se encuentra frente a una persona real, a una ilusión óptica que confunde su visión espacial. Incluso en las exposiciones, de vez en cuando, los personajes estáticos cobran vida y se mezclan entre los visitantes, en una materialidad desconcertante. En este tiempo y gracias a Internet, la joven de 23 años ha visto como su técnica llamaba la atención de expertos y entusiastas de todo el mundo y le abría las puertas de la Postmasters Gallery de Nueva York -en la que actualmente expone hasta el 8 de mayo- o la Saatchi de Londres -donde su obra se podrá ver a partir del próximo octubre-. De momento, su trayectoria es corta, pero tanto los responsables de Postmasters como los de Saatchi están convencidos de que Meade dejará huella en la historia del retrato. Se podría decir que estos dos artistas contemporáneos, se Maurizio Cattelan y Damien Hirst fueron de los primeros en usar a seres vivos y muertos para sus obras. Maurizio Cattelan es uno de los artistas más influyentes de la actualidad. Nacido en Padua, Italia, en 1960, vive y trabaja en Nueva York. Podríamos definirlo como un escultor, ya que la mayor parte de su obra es escultórica. Él que es un creador de imágenes. Su obra es realmente irónica y crítica, con la sociedad en general y con el mundo del arte contemporáneo en particular. Esa profunda crítica implícita en su trabajo se convierte en transgresión y provocación en muchos casos, pero esto no evita que sus obras, quizás gracias a esto, alcancen una belleza y una profundidad dignas de admirar. Su obra A Perfect Day de 1999 Maurizio convence a su galerista, Massimo de Carlo, para que se deje ser atado con cintas adhesivas a la pared, convirtiéndose así en el objeto expuesto y satisfaciendo enormemente de esta manera al artista. Damien Hirst trabajó en una morgue, experiencia que le influiría en la elección de temas y materiales. Su obra siempre ha creado polémica con gran seguimiento mediático, por 6

7 ejemplo, las autoridades de Nueva York negaron el permiso para exponer su Pareja muerta follando dos veces, dos cadáveres de un toro y una vaca flotando en formaldehído. La muerte es el eje de su obra. Reconocido por sus series de Historia natural, en las cuales, animales muertos (tiburones, ovejas, vacas...) son preservados en formol. Uno de sus trabajos más destacados es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo, un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a su descomposición tuvo que ser remplazado con otro en Fue vendido por 10 millones de dólares en 2004 y le convirtió en el segundo artista vivo más caro del mundo. 7

8 Conclusiones Personales El hacer este trabajo, realmente me hizo conocer y admirar a fondo el trabajo de siete grandes artistas. Aunque, cada uno de estos artistas tiene una propuesta diferente todos ellos se unen, ya que llevan adelante la misma tendencia que es: usar seres vivos como principal elemento en todas sus obras. Hoy en día todo esta cambiando; ya que se moderniza con las nuevas propuestas de estos artistas. Cada vez será menor la cantidad de modelos que posen y se queden quietos mientras los pintan en un lienzo; porque, ahora los artistas están rompiendo esta barrera y están empezando a experimentar y buscar nuevas formas de expresión con los cuerpos de los modelos como su lienzo. Algo que me sorprendió al hacer el trabajo es que algunos de los artistas tal como, Lui Bolin y Alexa Meade son artistas muy jóvenes con propuestas muy nuevas. Me gusta la idea que cualquier persona con talento y buenas ideas pueda crear y hacer arte. Tal como Alexa Meade una joven de 23 años que nunca estudio Ciencias Politicas y con una buena idea, mas talento ahora las galerías mas importantes quieren exponer sus obras. Me gusto saber que Spencer Tunick en su último trabajo vino acá a la Argentina y convoco a mucha gente a que se desnudara y se echara en el obelisco sin prejuicios. Hubo gran cantidad de gente que se hecho fue y se desnudo para poder ser parte de la obra de Tunick. Me gusta que la gente apoye el arte y que acepte los nuevos cambios que el arte va teniendo. 8

9 Bibliografía 1977voltios.blogspot.com.ar. (s.f.). Obtenido de 1977voltios.blogspot.com.ar/2011/12/alexameade-o-la-vida-en-el-lienzo.html alexameade.com. (s.f.). Recuperado el 5 de 11 de 2012, de alexameade.com paulasolimano.blogspot.com.ar. (s.f.). Recuperado el 14 de 11 de 2012, de paulasolimano.blogspot.com.ar/2010/04/biografia-de-un-artista-contemporaneo.html redfotos.es. (s.f.). Recuperado el 10 de 11 de 2012, de redfotos.es/redfotos/noticias/noticiasmas-leidas/371-emma-hack-una-artista-polifaceticawww.artespain.com. (s.f.). Recuperado el 5 de 11 de 2012, de /arte-contemporaneo/las-pinturas-vivas-de-alexa-meade (s.f.). Recuperado el 5 de 11 de 2012, de (s.f.). Recuperado el 20 de 11 de 2012, de (s.f.). Recuperado el 10 de 11 de 2012, de (s.f.). Recuperado el 10 de 11 de 2012, de (s.f.). Recuperado el 10 de 11 de 2012, de 9