9. Güell Concert Jueves 15 de junio de Orquesta Sinfónica de RTVE Marino Formenti, piano

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2 musicadhoy 2006 X aniversario Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid Julián Elvira, flauta y andamio Alfredo Anaya, percusión Luca Pfaff, director Ignacio García, director de escena musicadhoy Concierto X Aniversario musicadhoy y Proyecto Guerrero Jueves 26 de enero de 2006 Auditorio Nacional Sala Sinfónica 19:30 h. Proyecto Guerrero Guillermo Bautista, director del coro Zsolt Nagy, director Francisco Guerrero: Nur, Jondo 2. Cuarteto Arditti Jueves 16 de febrero de 2006 Auditorio Nacional Sala de Cámara 19:30 h. Cuarteto Arditti Francisco Guerrero: Zayin 3. Helmut Lachenmann en Madrid Viernes 17 de febrero de 2006 Auditorio Nacional Sala de Cámara 19:30 h. Cuarteto Arditti presentación Helmut Lachenmann Integral para cuarteto de cuerda 4. Homenaje a Galina Ustvolskaya Jueves 2 de marzo de 2006 Auditorio Nacional Sala de Cámara 19:30 h. Markus Hinterhäuser, piano Integral de las sonatas para piano 5. Zeitkratzer: Orgiastic Noise Martes 28 de marzo de 2006 Auditorio Nacional Sala Sinfónica 22:30 h. Zbigniew Karkowsky: White MaerzBow: Crack Groove Reinhold Friedl: Xenakis [a] live! Organizan y patrocinan: Colaboran: 6. John Cage: «Solo for Voice 58» Estreno mundial de la obra completa Sábado 1 de abril de 2006 Auditorio Nacional Sala de Cámara 22:30 h. Amelia Cuni, dhrupad voz Federico Sanesi, percusión Ray Kaczynski, percusión Werner Durand, drone Petra Peters, vestuario 7. Nicolas Hodges Viernes 28 de abril de 2006 Auditorio Nacional Sala de Cámara 19:30 h. Nicolas Hodges, piano Beat Furrer: Drei Klavierstucke Brian Ferneyhough: Opus contra naturam (Shadowtime) Helmut Lachenmann: Serynade 8. Elliott Carter & Pascal Dusapin Viernes 19 de mayo de 2006 Auditorio Nacional Sala de Cámara 22:30 h. Remix Ensemble Nicolas Hodges, piano Vitor Pereira, clarinete Franck Ollu, director Pascal Dusapin: Cascando, Hop y Aria Elliott Carter: Dialogues y Asko Concerto 9. Güell Concert Jueves 15 de junio de 2006 Auditorio Nacional Sala de Cámara 19:30 H. Proyecto Guerrero Miquel Bernat, percusión José Luis Temes, director Luis de Pablo: Sombrío (Encargo de musicadhoy) Roberto Sierra: Destellos de la resonancia, Turner Güell Concert (Estreno absoluto) 10. Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española Viernes 16 de junio de 2006 Auditorio Nacional Sala Sinfónica 19:30 h. Orquesta Sinfónica de RTVE Marino Formenti, piano Luca Pfaff, director Klaus Huber: Tenebrae Michael Jarrell: Abschied Hanspeter Kyburz: Noesis operadhoy Un Parque de Luis de Pablo y Fragmento de Orfeo de Jesús Rueda (Producción de musicadhoy y La Biennale di Venezia) 25 y 26 de abril de 2006 Teatro Albeniz de la Comunidad de Madrid Pilar Jurado, soprano Antoni Comas, tenor Luis Calero, contratenor Cósima Güell y José Luis Sendarrubias, actores Con la colaboración especial de: 2. Murmullos del Páramo de Julio Estrada Estreno absoluto Producción de musicadhoy, Teatro Español, Musik der Jahrhunderte de Stuttgart y UNAM de Méjico 12, 13 y 14 de mayo de 2006 Teatro Español Fátima Miranda, soprano Neue Vokalsolisten Chavela Vargas, voz Ko Murobushi, danza butoh Stefano Scodanibbio, contrabajo Mike Svoboda, trombón Ko Ishikawa, shô Llorenç Barber, ruidista Magnus Andersson, guitarra André Richard, espacio sonoro Julio Estrada, voz y director musical Sergio Vela, director de escena 3. For Samuel Beckett de Morton Feldman. Escena de Achim Freyer 8 y 9 de julio de 2006 Teatro Español Ensemble musikfabrik Freyer Ensemble Peter Rundel, director musical Achim Freyer, director de escena Venta de abonos (conciertos) Para adquirir el abono completo deberán comprar dos abonos por separado: Abono musicadhoy Cámara (7 conciertos). Precio: 28 euros Abono musicadhoy Sinfónica (3 conciertos). Precio: 12 euros Los abonos se podrán adquirir hasta el 21 de enero en las Taquillas del Auditorio Nacional, Red de teatros del INAEM y mediante el sistema de venta de Servicaixa (tel ) Venta de localidades (óperas) próximamente Información:

3 AÑO XXI - Nº Enero ,30 2 OPINIÓN CON NOMBRE PROPIO 6 Nelson Freire Rafael Ortega Basagoiti 7 Frank Peter Zimmermann Arturo Reverter 8 Jonathan Nott Bruno Serrou 10 AGENDA 16 ACTUALIDAD NACIONAL 44 ACTUALIDAD INTERNACIONAL 60 ENTREVISTA Natalie Dessay Rafael Banús Irusta 64 Discos del mes SCHERZO DISCOS 65 Sumario Colaboran en este número: DOSIER Juan Crisóstomo de Arriaga 113 Crónica sucinta de vida y obra Joaquín Pérez de Arriaga 114 Las obras maestras José Antonio Gómez Rodríguez 122 La potencia vocal Arturo Reverter 128 El violinista Francisco Comesaña 132 Bibliografía Joaquín pérez de Arriaga 134 Arriaga en disco Jesús y Carlos Villasol 136 ENCUENTROS Christoph Eschenbach Bruno Serrou 140 EDUCACIÓN Pedro Sarmiento 144 JAZZ Pablo Sanz 146 LA GUÍA 148 CONTRAPUNTO Norman Lebrecht 152 Javier Alfaya, Daniel Álvarez Vázquez, Julio Andrade Malde, Íñigo Arbiza, Rafael Banús Irusta, Emili Blasco, Alfredo Brotons Muñoz, José Antonio Cantón, Francisco Comesaña, Jacobo Cortines, Pedro Eías Mamou, José Luis Fernández García, Fernando Fraga, José Luis García del Busto, Manuel García Franco, José Antonio García García, Mario Gerteis, José Antonio Gómez Rodríguez, José Guerrero Martín, Federico Hernández, Fernando Herrero, Bernd Hoppe, Paul Korenhof, Norman Lebrecht, Luciana Leiderfarb, Fiona Maddocks, Santiago Martín Bermúdez, Joaquín Martín de Sagarmínaga, Enrique Martínez Miura, Aurelio Martínez Seco, Blas Matamoro, Erna Metdepenninghen, Antonio Muñoz Molina, Rafael Ortega Basagoiti, Josep Pascual, Enrique Pérez Adrián, Joaquín Pérez de Arriaga, Javier Pérez Senz, Paolo Petazzi, Francisco Ramos, Arturo Reverter, Justo Romero, Carlos Sáinz Medina, Ignacio Sánchez Quirós, Pablo Sanz, Pedro Sarmiento, Bruno Serrou, Franco Soda, José Luis Téllez, Asier Vallejo Ugarte, Claire Vaquero Williams, Pablo J. Vayón, Juan Manuel Viana, Albert Vilardell, Jesús y Carlos Villasol, Ruth Zauner. Coordina el dosier de este número: Joaquín Pérez de Arriaga Agradecemos a la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales su colaboración en el dosier dedicado a Juan Crisóstomo de Arriaga Traducciones Rafael Banús Irusta (alemán) - Enrique Martínez Miura (italiano) - Barbara McShane (inglés) - Juan Manuel Viana (francés) Impreso en papel 100% libre de cloro PRECIO DE LA SUSCRIPCIÓN: por un año (11 Números) España (incluido Canarias) 63. Europa: 98. EE.UU y Canadá 112. Méjico, América Central y del Sur 118. Esta revista es miembro de ARCE, Asociación de Revistas Culturales de España, y de CEDRO, Centro Español de Derechos Reprográficos. SCHERZO es una publicación de carácter plural y no pertenece ni está adscrita a ningún organismo público ni privado. La dirección respeta la libertad de expresión de sus colaboradores. Los textos firmados son de exclusiva responsabilidad de los firmantes, no siendo por tanto opinión oficial de la revista. 1

4 2 OPINIÓN EDITORIAL OPINIÓN EL FANTASMA DE LA ÓPERA La inauguración de la temporada de La Scala era uno de los acontecimientos más esperados del año que acaba de terminar. En Italia, por descontado, superaba los límites de lo meramente artístico para entrar de lleno en los avatares de lo político, dada la crisis económica del teatro y la deriva que lo referente a la conservación del patrimonio está tomando en la península. Fuera de Italia se veía como una apasionante mezcla de historias dignas de un libreto atravesado de pasiones. Personajes principales, antagonistas a la fuerza, dos personalidades diferentes que representan papeles opuestos, y por tanto complementarios, en la acción. Riccardo Muti es el talento omnipresente durante años que pareciera enviar, unas veces directa otras implícitamente, el mensaje de que fuera de él no hay salvación. Se trata de uno de los grandes directores de orquesta de nuestro tiempo y, desde luego, de un animal de foso valga semejante expresión quizá sólo comparable con James Levine. Y también del último representante del director de orquesta como cerebro y músculo, inteligente pero autoritario, orgulloso al fin, que intuye que, tras él, sólo el diluvio. Stéphane Lissner es el triunfo de una buena mezcla de voluntad y talento natural que sabe vencer en su lucha contra los elementos. Su presencia en el Real hace unos meses, anunciando con Antonio Moral la coproducción, precisamente, del Idomeneo que abría La Scala tenía mucho de capítulo de cierre a esas memorias Métro Chapelle en las que destacaba con luz propia a pesar de los errores ortográficos y de que demuestra no saber qué es eso de despedirse a la francesa el capítulo dedicado a la noche en que oyó la música de José María Cano. Así, pues, de Mecano a Mozart, el camino recorrido con paradas en París y Viena parece haber valido la pena y debiera dejar con cierto desasosiego a quienes le hicieron la cama en Madrid. El caso es que lo que algunos preveían debacle y otros éxito total se ha salvado con más que dignidad, empezando por el trabajo de Daniel Harding, el director musical de este Idomeneo, sobre el que caía la patata caliente de sustituir a Riccardo Muti que, ironías del destino, abrió con ese título y en ese mismo teatro el último Año Mozart, en 1991 y a quien, por lo mismo, se le esperaba con la escopeta cargada. Sin embargo, los problemas del coliseo milanés siguen en buena medida en pie porque son los mismos de muchos teatros de ópera que contemplan cómo la financiación les resulta cada vez más difícil. Tanto como la necesaria renovación de sus públicos, un aspecto este que, con seguridad, redundaría en una concepción menos fetichista del espectáculo sin que deba renunciarse en absoluto a la calidad de sus propuestas. En Italia hay dudas acerca de la participación de las administraciones públicas en el sostenimiento económico de la vida cultural de la ópera, pero también de los monumentos de la antigüedad y aparece el fantasma de una cierta privatización de una cultura que es patrimonio público. En el caso de la ópera, y en cualquier parte, la preocupación debiera ser su necesaria irradiación en la sociedad, su obligación de devolverle a ésta lo que recibe de ella. Hay teatros que tratan de resolver el problema por la vía de la racionalidad, de la adecuación de sus propuestas a sus medios aunque ello implique un replanteamiento de las tradiciones de exclusividad que han conducido también a la situación actual. Por otra parte, sigue viva siempre la discusión acerca de si el sistema de repertorio no es mejor que el de temporada para recuperar la inversión de un teatro que, en esas condiciones, disfruta de un funcionamiento constante. Difícil de implementar en principio, sus resultados ahí está la Ópera de Zúrich pueden ser espectaculares. En todo caso, la ópera pide un debate de amplio espectro en el que no sólo hablemos quienes disfrutamos de ella como profesionales de la cultura y asumimos sus propuestas por muy críticamente que lo hagamos sin ir, muchas veces, más allá de nuestro disfrute o nuestro disgusto puntuales. Incluso cuando el presente nos permite ver el futuro con cierto optimismo, la realidad económica puede cualquier día y, por qué no, por la vía del oportunismo político imponerse a cualquier consideración que, desde nuestra falta de sentido de la realidad, podamos hoy dar por sentada.

5 OPINIÓN La música extremada EN LA CUEVA DEL TESORO Diseño de portada Argonauta Foto portada: EMI Edita: SCHERZO EDITORIAL S.L. C/Cartagena, 10. 1º C MADRID Teléfono: FAX: Internet: E mail: Redacción: Administración: Presidente Santiago Martín Bermúdez REVISTA DE MÚSICA Director Luis Suñén Redactor Jefe Enrique Martínez Miura Edición Arantza Quintanilla Maquetación Iván Pascual Fotografía Rafa Martín Secciones Discos: Juan Manuel Viana Educación: Pedro Sarmiento Libros: Enrique Martínez Miura Página Web Iván Pascual Consejo de Dirección Javier Alfaya, Manuel García Franco, Santiago Martín Bermúdez, Enrique Pérez Adrián, Pablo Queipo de Llano Ocaña y Arturo Reverter Departamento Económico José Antonio Andújar Departamento de publicidad Cristina García-Ramos (coordinación) Magdalena Manzanares DOBLE ESPACIO S.A. Relaciones externas Barbara McShane Suscripciones y distribución Alicia Ándujar Colaboradores Cristina García-Ramos Impresión GRUPO MARTE S.A. Depósito Legal: M ISSN: Scherzo Editorial S.L. Reservados todos los derechos. Se prohíbe la reproducción total o parcial por ningún medio, electrónico o mecánico, incluyendo fotocopias, grabados, o cualquier otro sistema, de los artículos aparecidos en esta publicación sin la autorización expresa por escrito del titular del Copyright. No puedo bajar la escalera empinada y estrecha del Village Vanguard sin acordarme de tantos músicos legendarios que han pisado esos mismos peldaños antes que yo. Y antes que los músicos los gangsters, y los contrabandistas de bebidas, porque el Village Vanguard, antes de convertirse en el club donde han tocado algunos de los mayores maestros del jazz, empezó siendo un bar clandestino, un speakeasy de los tiempos de la Prohibición. En una noche helada de diciembre empujo la puerta estrecha del Village Vanguard y bajo la escalera mal iluminada porque voy a asistir al concierto de una banda capitaneada por el saxofonista Joe Lovano, pero la expectación de felicidad inmediata y segura se equilibra con la conciencia de un pasado que se remonta mucho más allá de mi memoria personal, pero no de esa memoria arbitraria de las lecturas y los discos. El Village Vanguard es uno de los pocos lugares de la imaginación que ocupan también un espacio sólido, aunque muy reducido, en la realidad tangible: es la cueva de un tesoro mitológico a la que se puede ingresar a cambio de una entrada no muy cara, la pura irradiación de un nombre que sin embargo se corresponde con una dirección postal perfectamente accesible. Por estas mismas escaleras bajaba hace más de cuarenta años Bill Evans cada noche acompañado por el batería Paul Motian y el contrabajista Scott LaFaro para tocar una música de la que han quedado testimonios que tienen la fragilidad de lo que está sucediendo ahora mismo y la permanencia de lo que milagrosamente se ha salvado del tiempo. No mucho más tarde, otro músico cuya foto está en las paredes del club, John Coltrane, vino para arrojarse todas las noches a una travesía de hallazgos y temeridades sonoras en la que lo acompañaban, como discípulos arrebatados por su intuición visionaria, el clarinetista bajo Eric Dolphy, el batería Elvin Jones, el pianista McCoy Tyner. Yo he escuchado desde que era muy joven los discos grabados en este lugar, sin imaginarme que pudiera pisarlo nunca, del mismo modo que uno no imagina que llegará a la Isla del Tesoro o a la playa proustiana de Balbec. El club, en sí mismo, ya es un poco irreal cuando uno llega a él: estrecho, lleno de esquinas imposibles, de ángulos cubistas, con el techo muy bajo, con fotografías y carteles pegados de cualquier modo en las paredes. Los músicos siempre están tan cerca que Coltrane y su grupo a la puerta del V.V. uno nota en el pecho la vibración de los instrumentos, los golpes del piano o de la batería, las pulsaciones del contrabajo. Cada pocos minutos el suelo se estremece y se escucha como un bajo continuo el ruido poderoso y amortiguado del metro. Los músicos tocan tan apretados entre sí como beben sus copas los aficionados en las mesas. Yo he venido a escuchar al gran Joe Lovano a la cabeza de una banda de diez músicos que se yuxtaponen sobre el escenario como las siluetas de figuras humanas y de instrumentos en el plano único de un cuadro cubista, y aunque disfruto cada segundo del poderío del concierto, de los gloriosos unísonos y de los solos y las diatribas que enredan entre sí una trompeta y otra, un saxo barítono y un saxo tenor, el trombón de varas y el piano, no puedo olvidarme de tantas presencias que han habitado este mismo lugar, sombras de músicos vivos y de músicos muertos, invocados de pronto por un pasaje del piano o un quiebro de la batería, por una larga improvisación casi desquiciada en la que parece que se ha encarnado durante unos minutos el fantasma de John Coltrane. El temblor del metro subraya un redoble de la batería, y los ruidos de las copas y las palabras murmuradas se parecen a los que suenan al fondo de algunas grabaciones del trío de Bill Evans. Durante una hora, mientras suena la música, el Village Vanguard es un lugar fuera del tiempo. Antonio Muñoz Molina 3

6 OPINIÓN Prismas LA HORA DE REVISAR Las vanguardias, y no sólo en la música sino en cualquiera de las llamadas bellas artes, han envejecido y las audacias de hace un centenar de años más o menos cuando las culturas en el mundo occidental entraron en un período de creatividad revolucionaria envejecen. Es cierto que una parte importante del legado de esas vanguardias se ha marchitado o, lo que es más grave, ha reaparecido bajo fórmulas epigonales en las que la inmediatez mercantil es tan visible que cualquier persona bien informada no se las toma muy en serio. Hace poco, hablando con un pensador conocido internacionalmente sobre un compositor no menos conocido, acerca de cuya música le expresé ciertas reservas, me dijo muy serio que el tal compositor, al que había conocido muy bien, no tenía como intención escribir obras que gustaran a nadie. Lo cual me produjo cierto alivio, toda vez que yo me había sentido muchas veces incómodo al sentir un incontrolable sopor cada vez que intentaba escucharlas. Leyendo hace poco las cartas de Simone de Beauvoir a Jean-Paul Sartre me encontré un comentario sarcástico de ella, escrito en los últimos años de su vida, acerca de la moda de hermetismo y de las piruetas experimentales que azotó a la literatura occidental en los años cincuenta, sesenta y setenta, y que tal vez influyó en su actual descrédito entre buena parte de su público potencial. Un sentido hipercrítico está sustituyendo entre las élites pensantes a la reverencia en ciertas ocasiones, hipócrita con que durante toda una época se saludaba cualquier manifestación artística, con tal de que de que llevara encima el emblema de vanguardista. Hay una oleada de revisionismo que está poniendo en cuestión una gran parte del legado cultural del pasado siglo y que tal vez sea bueno que se produzca. Sin embargo, en este caso, como en otros, me da la impresión de que esa tendencia puede llevar muy pronto a una situación similar a la de aquel que para salvar al bebé que se ahogaba en la bañera terminó tirando a éste y al agua al mismo tiempo. No vamos a detener la decadencia de la música clásica negando la genialidad de compositores que emprendieron su propio camino ante la hostilidad del público y la crítica, y cuya obra supuso un enriquecimiento extraordinario en el desarrollo de los recursos expresivos de la música. Y más cuando los compositores que se citan como ejemplares y sin duda lo son tienen una deuda bien perceptible y decisiva con esos otros compositores a los cuales se intenta enviar al menosprecio y al olvido. Javier Alfaya 4 RESPUESTA A UNA CARTA Señor Director: Con cierta sorpresa leo la carta del señor González-Delgado del pasado número de diciembre y dado el tono de la misma me permitiré no ser precisamente versallesco en mi contestación. El que durante el recital de Thomas Quasthoff una docena de personas no se comportaran como debieran anima a este señor para calificar a más de cuatro mil abonados de Ibermúsica como mediocres. Posiblemente, por su juventud, él desconoce que ese público que tanto desprecia ha sido y es la base de todos los ciclos que, justificadamente, tanto admira. Ignora también, por supuesto, que el ciclo de Grandes Intérpretes lo fundó Ibermúsica en 1972 y se mantuvo con este nombre durante trece años consecutivos pasando por los escenarios de los teatros María Guerrero, Zarzuela y Teatro Real. En ellos actuaron por primera vez unos ilustres desconocidos hoy admirados por todos. Me estoy refiriendo a: András Schiff, Zoltán Kocsis, Maria João Pires, Christian Zacharias, Gidon Kremer, Vladimir Spivakov, Lazar Berman, Cristina Bruno, Tatiana Nikolaieva, Annie Fischer, Grigori Sokolov, Ivo Pogorelich, Rosa Torres-Pardo, Krystian Zimerman, Mikhail Pletnev, Cuarteto Borodin, Juilliard Quartet, Bartok Quartet, Tatrai Quartet y ya en el Auditorio Nacional presentamos por primera vez en nuestro país a solistas como Mullova, Midori, Sarah Chang, Vengerov, Anderszewski, Gilad, Goode, Mustonen, Andsnes, Julia Fischer, C A R T A S AL DIRECTOR Joshua Bell, Uchida Se queja el señor González-Delgado, con razón, de las toses y los móviles, pero eso sucede lamentablemente en todos los sitios, aunque en Ibermúsica nunca se ha interrumpido un concierto por esos motivos como he presenciado en el Avery Fisher Hall con la New York Philharmonic, en Lisboa con l Orchestre de Paris y tan sólo hace unos días en Colonia con la Münchner Philharmoniker, es más, hasta en el entrañable concierto conmemorando el XX aniversario de esta Revista se dejaron sentir las alarmas de este incontrolable artilugio durante la intervención de uno de los pianistas. En cuanto a las espantadas por goteo durante Turangalila le recordaría al señor González-Delgado que sucedió lo mismo cuando se hizo en otra ocasión en Madrid en presencia del mismísimo Messiaen en la sala. En otras ciudades europeas nadie se puede marchar porque esta magnífica obra no se programa. Continúa el señor González-Delgado atacando nuestra programación y me es difícil intuir qué quiere escuchar. Se hace repertorio clásico, romántico; son habituales las sinfonías de Bruckner, Mahler y Shostakovich, los clásicos del siglo XX y hemos presentado por primera vez y seguimos haciéndolo obras de Adams, Rihm, Schnittke, Gubaidulina, Corigliano, Boulez, Kurtág, Carter, Pärt Donde el señor González-Delgado alcanza cotas incalificables es cuando señala que las orquestas vienen a Ibermúsica para hacer, cada vez con más frecuencia, interpretaciones descuidadas por falta de nivel de exigencia de nuestro público. El señor González-Delgado sin ningún pudor se atreve a insinuar que han venido a Madrid a hacer bolos directores como Abbado, Harnoncourt, Celibidache, Boulez, Barenboim, Sinopoli, Solti, Thielemann, Harding, Giulini, Jansons, Masur, Chailly, Pappano, Mravinski, Rattle, Gergiev, Muti, Sawallisch, Tilson Thomas, Colin Davis, Bichkov, Svetlanov, Rohzdestvenski, Ozawa, Temirkanov me parece, como poco, una falta de respeto. Dice el señor González-Delgado despectivamente que tenemos los abonados que merecemos y yo le respondo que así es y que gracias al apoyo de ellos durante casi 40 años fue posible cambiar la vida musical en nuestra ciudad. Supone el señor González-Delgado que Ibermúsica es un buen negocio y se equivoca. En más de una ocasión hemos estado al borde de la desaparición y continuamos gracias a esos abonados y a la generosidad de algunas empresas patrocinadoras y unas orquestas e intérpretes que conocen nuestros riesgos. Seguimos en la brecha porque creemos y nos apasiona lo que emprendimos y si de algo estoy seguro es que hemos hecho más por la música en nuestro país que el señor González-Delgado con sus injustas apreciaciones e insultos. Alfonso Aijón Fundador de Ibermúsica. Madrid

7 OPINIÓN Música reservata NOTAS SOBRE POESIA Y MÚSICA Kurt Schwitters, Christian Morgensten, Raoul Hausmann, Tristan Tzara: una poesía de fonemas, de sonidos del habla al margen del significado. Propósito experimental: el fin de la palabra deviene música. Pero es justamente ese experimentalismo el determinante de su limitación: imposibilidad de explorar un territorio apenas avistado. Tal vez pudo pensarse que un día todo arte sería así, que todo lenguaje, toda música, podría rebasar cualquier forma de redundancia, cualquier vestigio de significación. Espejismo: la transgresión a ultranza deviene balbuceo. *** La última de las vanguardias históricas es también la que más pronto ha envejecido: el estado mayor del surrealismo plástico (Dalí, Magritte, Delvaux ) exhibe hoy la obscena evidencia de la escasez de su pintura y del exceso de su literatura: concomitancia con prerrafaelistas y simbolistas, empozados en la confección de un academicismo engañosamente poético. Tan sólo ciertas formulaciones de Max Ernst conservan aún su inquietante poder conturbador: la mayor parte de los collages de Une semaine de bonté mantienen casi intacto su enigma, su abismo. Influencia en ciertos cineastas (Georges Franju: Judex), similitud, en su modo de elaboración a partir de imágenes preexistentes, con la música concreta de Pierre Henry y Pierre Schaeffer (Orphée 65): poesía de lo cotidiano como amenaza. *** Los caligramas de Apollinaire: a un tiempo músicas visuales y poemas gráficos. Leer de acuerdo a las diferencias tipográficas produce unas alteraciones en la fonética que no obedecen a razones prosódicas, sino que se articulan en una dimensión simbólica. Il pleut reproduce una convincente imaginería visible de las gotas perforando el aire, más allá de la propia sonoridad del lenguaje: pero también evoca un ritmo y una tímbrica puramente musicales al margen de la palabra (Kaija Saariaho ha escrito un memorable lied sobre ese poema). Música del agua, música de la recitación, música de los itinerarios visuales que recorren los versos: si una característica puede invocarse como perteneciente a todas las manifestaciones artísticas que, al tiempo, tipifique y describa las poéticas del s. XX, ésa es la disolución de las fronteras artísticas. *** KAIJA SAARIAHO La eficacia de la música fílmica no radica tanto en su calidad específica como en la dialéctica entre su presencia y su ausencia. En el cine mudo, la presencia de la música, sea interpretada durante la proyección, sea postsincronizada, juega el papel de una envoltura constante, una especie de aureola continua cuya ubicuidad aboca a la redundancia: en el sonoro, la música funciona en perfecta alternancia y complemento con la palabra: ésta nos informa del pensamiento de los personajes y de la dimensión y características precisas de sus conflictos, aquélla, de la marea de sus sentimientos. Denotación y connotación: los registros del significado se complementan y expresan a través de medios diversificados, independientes e idóneos. Lo que no implica que no exista connotación en el registro hablado y asociaciones poéticas ocasionalmente precisas en el registro musical: las citas de tercer Liebestraum de Liszt en All that heaven allows, el memorable film de Douglas Sirk. El pragmatismo del lenguaje fílmico al codificar lo que Noël Burch denominase modo institucional de representación supone una contundente instrumentalización del idealismo romántico al tiempo que una refutación de su propósito de otorgar a la música un estatuto narrativo en el Tondichtung, el poema sinfónico, confinándola en un ámbito restringido como caja de resonancia emotiva: de ahí esa idea tan extendida según la cual la mejor música fílmica es la que no se oye. Solamente como sombra del relato puede la música trabajar con eficacia sobre la emotividad desprevenida. Doble sombra: la de la sala, la del significado. La música como sombra del sentido. Maarit Kytöharju/FIMIC Algo en el lenguaje fílmico equivale a la composición en la música: desglosar el tiempo en segmentos de diferentes duraciones cada uno de los cuales tiene su propia organización, dinámica y desarrollo, y articularlos luego, ora acentuando las fracturas discursivas (corte directo), ora enmascarándolas (fundidos, encadenados) de modo que los contrastes de luz, tamaño y textura queden resaltados o, por el contrario, disueltos en su propio avance. Posibilidad de un cine abstracto, no figurativo, un juego de formas y luces estructurado según una forma musical (la Bauhaus realizó trabajos pioneros en esa dirección). Y posibilidad también de un cine puramente poético, organizado en torno a la metáfora, al montaje de atracciones, a las oposiciones y similitudes paradigmáticas y enteramente al margen de la narratividad (À propos de Nice, Jean Vigo: pero también Un chien andalou, de Buñuel). Por qué el sonoro ha sido incapaz de incorporar esta posibilidad? *** La metáfora: un corte en el movimiento de la lectura, un instante de flotabilidad del sentido en el que el fluir del lenguaje deja de anclarse en el significado. Recuperado éste, el movimiento se reanuda. Esa escansión que la metáfora inscribe es algo así como un quantum, una unidad de energía poética que suspende el tiempo y lo trasmuta en una suerte de eternidad fugaz: la música como poesía, como cristalización del tiempo en la magnitud de su durar. *** José Luis Téllez 5

8 CON NOMBRE PROPIO CON NOMBRE PROPIO El virtuoso en la madurez NELSON FREIRE Madrid. Auditorio Nacional. 17-I Grandes Intérpretes. Fundación Scherzo. Nelson Freire, piano. Obras de Brahms, Schumann, Scriabin, Villa-Lobos y Albéniz. Vuelve al Ciclo de Grandes Intérpretes el veterano pianista brasileño Nelson Freire (Boa Esperanza, 1944). Formado inicialmente en la tradición lisztiana a través de su profesora Lucia Branco (discípula a su vez del belga Arthur De Greef, que había estudiado con el compositor húngaro), y más tarde pupilo de Bruno Seidlhofer (que fuera maestro de Gulda) en Viena, el brasileño ha desarrollado una carrera sin prisa y sin pausa, sin preocupación en absoluto por cuidar su marketing, y con frecuencia alejado de los estudios de grabación, algo extraño en un artista que confiesa escuchar discos con frecuencia y aprender mucho de los mismos, y más extraño aún si uno piensa que su grabación de los Preludios de Chopin fue galardonada con el Premio Edison. Personalidad tranquila, podría decirse de él que le gustan la música y el piano, no tanto el hecho de estar en escena, como si evitara el protagonismo. Sin llegar a la aversión a la labor solista de su buena amiga Martha Argerich, sí parece compartir con ella esa filosofía del gusto de tocar el piano por el mero hecho de hacerlo, no tanto por el aspecto escénico. Es Freire, en ese sentido, un artista sencillo, directo, nada dado al narcisismo, aunque técnicamente es sobresaliente. No tiene el fuego de su amiga Argerich, ni el poderío de Richter o Gilels, pero sí una envidiable naturalidad en su decir pianístico y un notable sentido de la belleza tímbrica, aunque éste a veces no penetre en las sutilezas, al modo en que lo puede hacer, por ejemplo, un Zimerman. Pianista nada caprichoso, sus interpretaciones son garantía de solidez conceptual, buen gusto y elegante sensibilidad, antes que de especial magnetismo o intensidad. Su retorno a los estudios de grabación ha sido recibido calurosamente por la crítica internacional, que ha premiado su registro chopiniano para Decca (firma con la que tiene un contrato desde 2001), registro que a quien esto firma le resultó correctísimo y disfrutable. Entre sus próximos proyectos discográficos se incluyen los Conciertos de Brahms con Chailly. El recital madrileño, primero del XI Ciclo de Grandes Intérpretes, comprende obras románticas bien cercanas a su estética habitual (Brahms, Schumann) junto a compositores no tan habitualmente asociados a él (Scriabin, Debussy), su compatriota Villa-Lobos (que bien podría ser uno de los puntos álgidos del recital) y un par de piezas de la Iberia albeniziana, un guiño de agradecer a un país que fue uno de los primeros en ver despegar su carrera, aunque después haya permanecido largo tiempo ausente de nuestros circuitos concertísticos. Rafael Ortega Basagoiti DISCOGRAFÍA SELECCIONADA 6 CHOPIN: 12 Estudios op. 10. Barcarola op. 60. Sonata nº 2 op. 35. SACD Decca Estudios op Nuevos Estudios. Sonata nº 3. Decca Preludios. Sony SK SCHUMANN: Carnaval op. 9. Papillons op. 2. Escenas de niños op. 15. Arabeske op. 18. Decca Estudios sinfónicos. CHOPIN: Impromptu op. 36. Scherzo op. 31. Andante spianato y gran polonesa. BACH: Preludio BWV 535. Ina Memoire Vive IMV037. Grandes Pianistas del siglo XX. BRAHMS: Sonata nº 3. CHOPIN: Impromptu nº 2. 2 Mazurkas. Scherzo nºs 1 y 3. LISZT: Rapsodia húngara nº 10. TOTENTANZ. MOZART: Sonata K SCHUMANN: Fantasía op. 17. STRAUSS-GODOWSKI: Paráfrasis de Fledermaus, STÄNDCHEN. 2 CD Philips

9 CON NOMBRE PROPIO Un arco seguro FRANK PETER ZIMMERMANN Nacido en Duisburgo en 1965, este emprendedor instrumentista comenzó sus estudios de violín a los 5 años. Enseguida pasó a trabajar en Essen con Valeri Gradov y en Berlín con Saschko Gawrilof. Llegó también a perfeccionarse en Ámsterdam con el importante violinista holandés Herman Krebbers, hoy no muy conocido, pero docente de primera. Esto ocurría en Cinco años antes había debutado en su ciudad natal tocando el Concierto K. 216 de Mozart, compositor que sería más tarde uno de sus caballos de batalla, y se había presentado en Lucerna en Su carrera ha sido rápida y paulatinamente creciente sin altibajos ni vanos, sin pausas, muy regular y siempre ejercida desde una autoridad propia del artista seguro y eficiente. Sin duda es un poco ocioso hacer ahora relación de las orquestas y directores de primera línea que han colaborado con nuestro protagonista. Digamos que, prácticamente, con todos; incluyendo ahí a los más conspicuos conjuntos españoles. Sus visitas a la península son habituales y ha cosechado notables triunfos en la Quincena Donostiarra, por ejemplo, o en la temporada de la ONE; o, recientemente, en el ciclo de Grandes Intérpretes de Madrid. El sonido de Zimmermann es muy peculiar, el extraído, a partir de una técnica soberana, primero de un stradivarius de 1706, el Ex Dragonetti, que le cedió el Westdeutsche Landesbank, y luego otro instrumento asimismo del famoso cremonés, de 1711, que perte- XXII Festival de Música de Canarias. Las Palmas de Gran Canaria. 8, 9-I Santa Cruz de Tenerife. 11, 12-I Frank Peter Zimmermann, violín. Sinfónica de Tenerife. Director: Víctor Pablo Pérez. Mozart, Integral de los conciertos para violín. neció a Kreisler. Es un timbre de rara intensidad, penetrante, nítido, con vibrato vigoroso, que resuena con gran potencia, aunque ello le pueda restar belleza en determinados momentos y favorecer una cierta aspereza, tanto en el canto spianato como en los procesos articulatorios y en los pasajes rápidos. El espectro no es por ello tan sedoso, tan suave como el de un Vengerov; pero sus staccati son firmes y netos; su spiccato de una limpieza espectacular; sus dobles cuerdas y sus acordes, de especial rotundidad. Bases para que el artista, que lo es, y mucho, pueda a continuación desplegar un fascinante juego en el que sobresale un fraseo bien delineado, seguro, reproducido con limpieza, pero también con bizarría y tensa expresión; aun a fuer de resultar en ocasiones excesivamente crispado, sin la elegancia fascinante de una Mutter. La carrera discográfica de este violinista está siendo magnífica, con señalados hitos. Nos limitaremos aquí a recoger los más recientes. Todos en EMI menos el de Ligeti. Arturo Reverter Franz Hamm Foto: Franz Hamm DISCOGRAFÍA SELECCIONADA AURIC: Sonata. FRANCAIX: Sonatina. SATIE: Choses vues a droite et a gauche (sans lunettes). MIHAUD: Sonata nº 2. POULENC: Sonata. ALEXANDER LONQUICH, piano BERG/STRAVINSKI: Conciertos. RAVEL: TZIGANE. Radio-Sinfonieorchester Stuttgart. Gianluigi Gelmetti BRAHMS: Doble Concierto para violín y violonchelo, op.102. Trío para piano, violín y trompa op. 40. HEINRICH SCHIFF, chelo: MARIE LUISE NEUNECKER, trompa; WOLFGANG SAWALLISCH, piano y dirección. Filarmónica de Londres DEBUSSY/RAVEL/JANÁCEK: Sonatas. ALEXANDER LONQUICH, piano DVORÁK/GLAZUNOV: Conciertos. Filarmónica de Londres. FRANZ WELSER-MÖST LIGETI: Concierto para violín. Concierto para chelo. Nubes y relojes. SIEGFRIED PALM, chelo. ASKO/SCHONBERG ENSEMBLE. REINBERT DE LEEUW. Teldec MOZART: Sinfonía concertante K. 364 (320d). TABEA ZIMMER- MANN, viola. Radio-Sinfonieorchester Stuttgart. GIANLUIGI GEL- METTI CONCIERTO Nº 3. BRAHMS: Concierto op. 77. Filarmónica de Berlín. WOLFGANG SAWALLISCH Sonatas para violín y piano K. 379, 454, 526, 306, 302, 296, 377,305, 376, 378, 380, 301, 303, 304, 481, Rondós K. 485 y 511, Adagios K. 356 y 540, Minueto K. 355, Giga K. 574, Fantasías K. 396, 397 y 475, Variaciones K ALEXANDER LONQUICH, piano PROKOFIEV: Conciertos nº 1 y nº 2. Sonata para violín solo. Sonata para 2 violines. Sonatas para violín y piano nº 1 y nº 2. Cinco melodías op. 35b. Marcha. Filarmónica de Berlín. LORIN MAAZEL. Philharmonia. MARISS JANSONS. ALEXANDER LONQUICH, piano. 1987, 1991, 1995, SIBELIUS: Concierto. Prokofiev: Concierto nº 2. Orquesta Philharmonia. MARISS JANSONS WEILL: Concierto para violín y orquesta de vientos. Sinfonía nº 2. Suite Mahagonny. Filarmónica de Berlín. MARISS JANSONS YSAŸE: 6 Sonatas para violín solo op. 27. Poème élégiaque op. 12. Rêve d enfant op. 14. EDOARDO MARIA STRABBIOLI, piano

10 CON NOMBRE PROPIO Director polifónico JONATHAN NOTT Madrid. Auditorio Nacional. Ibermúsica. 24-I Sinfónica de Bamberg. Jonathan Nott. Ligeti, Strauss, Janácek. Se contragula Jonathan Nott su director musical de que la La Sinfónica de Bamberg es una orquesta fantástica. Fundada en 1946, esta heredera de la Deutscher Philhamoniker de Praga disfruta de un profundo atavismo Mittle Europa. Si bien no posee la densidad de sus colegas germánicos ni las sonoridades diamantinas de los americanos, es muy entregada, sus colores son más cálidos y rutilantes, el sonido siempre claro y es capaz de los más finos matices. Nacido en Solihull, no lejos de Birmingham, el 25 de diciembre de 1962, Jonathan Nott tras estudiar en el Saint John College de Cambridge y más tarde en el Royal College of Music de Manchester comienza su carrera de director de orquesta en 1987 como asistente en la National Opera Studio de Londres. En 1988, es asistente y después director de orquesta en la Ópera de Francfort, función que ocupa seguidamente en la Ópera de Wiesbaden, de la que es director general de música en , enfrentándose a los treinta y tres años con su primer Anillo. De 1997 a 2001, es director musical de la Ópera de Lucerna, ciudad donde reside desde entonces, simultaneando a partir de 2000 la dirección musical de la Sinfónica de Bamberg en Baviera y del Ensemble InterContemporain en París, del que actualmente es primer director invitado. Las relaciones con un conjunto son más íntimas que con una orquesta, reconoce el director británico. Las miradas son muy cercanas, se puede impulsar la energía de los músicos sólo con la vista. Además, los miembros del InterContemporain tocan los cuartos de tono como los demás los semitonos. Para Jonathan Nott, un director debe imperativamente vincularse tanto a la creación actual como al gran repertorio. Así, aunque ha elegido dedicarse con prioridad a la orquesta sinfónica, dirigiendo además de Bamberg donde permanecerá en principio hasta 2007, otras grandes formaciones como las Filarmónicas de Berlín y Nueva York y la Royal Concertgebouw de Ámsterdam, continúa siendo un apasionado de la música contemporánea, estrenando en Bamberg encargos efectuados a compositores como Aribert Reimann, Salvatore Sciarrino, Bruno Mantovani, Jörg Widmann o Benedict Mason. Con un programa hecho a su medi- da (San Francisco Polyphony de Ligeti, Sinfonietta de Janácék, Also sprach Zarathustra de Strauss) Jonathan Nott estará en Madrid el 24 de enero, al frente de la Sinfónica de Bamberg, antes de regresar el 3 de abril con el Ensemble InterContemporain. Bruno Serrou Traducción: Juan Manuel Viana Richard Haughton 8 DISCOGRAFÍA SELECCIONADA BERIO/HENZE/REIMANN: Schubert Epilog. CARSTEN SÜSS, tenor. BAMBERGER SYMPHONIKER. Tudor. LIGETI: The Ligeti Project II. Lontano. Atmosphères. Apparitions. San Francisco Polyphony. Concert românsec. The Ligeti Project IV, Requiem. BERLINER PHILHARMONIKER. 2 CD Teldec. MAHLER: Sinfonía n 5. BAMBERGER SYMPHONIKER. Tudor. SCHUBERT: Sinfonías n s 1, 2, 3, 4 y 8. BAMBERGER SYMPHONIKER. 2 CD Tudor.

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12 AGENDA AGENDA Grandes Intérpretes DIEZ DE LOS MEJORES Diez conciertos integran este año la programación del Ciclo de Grandes Intérpretes que, organizado por la Fundación Scherzo y patrocinado por El País, alcanza su undécima edición. Abrirá la serie el día 17 de enero el brasileño Nelson Freire, que tan buen sabor de boca dejara en su presentación en el ciclo hace dos temporadas. Y lo hará con un programa tan extenso como variado en el que habrá de destacar su acercamiento a la Iberia de Isaac Albéniz. Le seguirá, el 13 de febrero y con un programa todavía no dado a conocer por el artista, Grigori Sokolov, uno de esos pianistas en los que el público busca la sorpresa, la variedad y hasta la radicalidad de algunos acentos. El 21 de marzo, el noruego Leif Ove Andsnes presentará un programa clásico-romántico, con obras de Beethoven, Schubert y Schumann, pero en el que, igualmente, incluirá una obra de un autor contemporáneo: el danés Bent Sorensen. La exquisita Elisabeth Leonskaia tomará el relevo el 18 de abril con un programa no ya coherente sino simétrico, centrado en piezas de Brahms y Shostakovich, incluyendo de éste la poco habitual Segunda Sonata. Nueva para los abonados del ciclo pero no para los buenos aficionados resultará la figura del norteamericano Richard Goode, un pianista serio y hondo, lejos de cualquier afectación y que se presentará con un programa que incluye obras de Bach. Vuelve Paul Lewis el 13 de junio para mostrar su concepción beethoveniana, la que está precisamente en estas fechas llevando a la fonografía. Tras el paréntesis veraniego, el 17 de octubre, volverá al Ciclo con un programa todavía a determinar el ruso Arcadi Volodos, ejemplo perfecto de cómo combinar virtuosismo a ultranza y buen criterio interpretativo. Una semana después, el 24, será el gran Alfred Brendel quien vuelva a su cita ya tradicional con el público del Ciclo de Grandes Intérpretes a través de un programa muy vienés y muy clásico, con obras de Haydn, Schubert y Mozart. Otro clásico del ciclo, Christian Zacharias, volverá a Madrid el 21 de noviembre para poner de manifiesto por qué es uno de los favoritos de nuestro público. Y para cerrar, el 19 de diciembre, uno de los descubrimiento que el ciclo ha ofrecido al público español: Pierre-Laurent Aimard. Diez nombres, en fin, que justifican claramente por qué el Ciclo de Grandes Intérpretes es hoy, sin duda, uno de los más importantes del circuito mundial del piano. Por su obra Alnur ENEKO VADILLO, XXIII PREMIO REINA SOFÍA 10 El compositor Eneko Vadillo (Málaga, 1973) ha sido galardonado con el XXIII Premio Reina Sofía de Composición Musical 2005, que otorga la Fundación Ferrer Salat, por su obra Alnur. El premio está dotado con euros. Eneko Vadillo, de 32 años, explicó al recibir el galardón que su obra está dedicada a Tomás Luis de Victoria, así como su intención de haber querido escribir una partitura ordenada y orgánica que mezcle la tradición con la modernidad. El jurado del XXIII Premio Reina Sofía de Composición Musical estuvo presidido por Luis de Pablo e integrado además por Massimo Botter, María Luisa Cantos, Agustín Charles, Daniele Gasparini y Jesús Rueda, que actuó como secretario. Eneko Vadillo ha estudiado en Londres con Jonathan Harvey, Colin Matthews y George Benjamin y en Madrid con Antón García Abril y Zulema de la Cruz.

13 AGENDA Fundación Autor UN LIBRO SOBRE MONTSALVATGE La Fundación Autor acaba de publicar el libro Xavier Montsalvatge. Homenaje a un compositor. La obra ha sido coordinada por el músico y director barcelonés Llorenç Caballero y se estructura en diez capítulos. José Guerrero Martín aborda la biografía del compositor gerundense, Juan José Olives se ocupa de sus etapas y sus estilos, las óperas son analizadas por Roger Alier, la música sinfónica por Antoni Ros- Marbà, la de cámara por Antonio Iglesias y los ballets por Antonio Gallego. Se incluyen, además, trabajos de Josep Lluís i Falcó la música de cine, Jorge de Persia El testimonio de Montsalvatge y Adam Kent Montsalvatge como pedagogo y Reflexiones de un neoyorquino. El libro, con más de trescientas páginas, se completa con una excelente selección fotográfica, así como con un detallado catálogo de las obras de Montsalvatge, filmografía, bibliografía y testimonios de José Luis Gómez, Montserrat Caballé, Teresa Berganza, Alicia de Larrocha, Victoria de los Angeles, Frederic Mompou, Paloma O Shea y Xabier Valls. Un libro muy hermoso e imprescindible, sin duda, para conocer a fondo la vida y la obra de uno de los mayores compositores españoles del siglo XX. El 1 de diciembre en Londres CENTENARIO DEL NACIMIENTO DE BAL Y GAY En el año que acaba de finalizar se cumplieron cien años del nacimiento del compositor Jesús Bal y Gay. Nació en Lugo (1905) y falleció en Madrid (1993). Fue un músico cosmopolita y polifacético: compositor, crítico, musicólogo. Colaboró con Torner en la confección de un importantísimo Cancionero gallego y estudió los cancioneros españoles renacentistas (Upsala, de Palacio, de La Colombina). También actuó en política y fue un destacado galleguista de dimensión universal. A los diecinueve años llegó a la Residencia de Estudiantes de Madrid donde fue amigo de tantos grandes talentos que honran la historia del pensamiento español. Tuvo amistad con músicos tan importantes como Falla y Stravinski. Casó con Rosita García Ascot, pianista y compositora que perteneció al llamado Grupo de los Ocho. Fue lector de Español en Cambridge desde 1935; de allí salió en 1938 para México donde permaneció hasta su regreso a España (1965) y donde escribió gran parte de su breve aunque interesante producción musical. Retornó a España en Entre sus obras, hallamos piezas para piano (Epitalamio, Hojas de álbum, Epigrama), para canto y piano (Seis piezas para canto y piano sobre poemas de Amado Carballo, Cuatro piezas para canto y piano), obras de cámara (Sonata para clarinete y piano, Fantasía, para dos violas y violonchelo, Divertimento para cuarteto de vientos, Serenata para cuerdas, Concerto grosso), composiciones para orquesta (Oda a Don Quijote para pequeña orquesta, Suite, Tres piezas para orquesta) y una obra escénica de carácter incidental (Don Quijote). Aunque es indudable la influencia que Bal recibe de Stravinski y de otros compositores contemporáneos, él mismo reconoce la importancia de sus trabajos sobre los cancioneros renacentistas (a ellos atribuye en parte su predilección por la politonalidad y por el contrapunto). Aunque pueda resultar sorprendente, estudió las óperas de Verdi por consejo de Stravinsi y, en su Sonata para clarinete, él mismo reconoce una inspiración brahmsiana. Para celebrar su centenario, diversas entidades y corporaciones encabezdas por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, la Xunta de Galicia, Lugo Cultural y la Residencia de Estudiantes han programado conciertos, conferencias y exposiciones en homenaje al músico que han de celebrarse en Lugo, en Santiago y en Madrid entre los meses de diciembre de 2005 y mayo de Además, se ha editado un impresionante Libro-Catálogo bajo la dirección del catedrático Carlos Villanueva, que es también Comisario científico de las exposiciones. Prácticamente, podrá escucharse toda la obra musical de Bal incluidos los estudios históricos. Actuarán la pianista Uta Weyand, la mezzo Elena Gragera acompañada al piano por Antón Cardó, el Grupo LIM, dirigido por Villa Rojo, el Orfeón Terra A Nosa junto con la Capela Compostelana y la Orquesta Sinfonieta de Vigo, que dirige Joám Trillo. Julio Andrade Malde 11

14 AGENDA Por la originalidad de su pensamiento MARLOS NOBRE GANA EL IV PREMIO IBEROAMERICANO TOMÁS LUIS DE VICTORIA El compositor brasileño de 66 años Marlos Nobre (Recife, Pernambuco, 1939) se ha proclamado vencedor en el VI Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria, fallado en Madrid por un jurado integrado por cinco personalidades del mundo musical. El Tomás Luis de Victoria, considerado el Cervantes de la música culta, es el mayor reconocimiento para autores vivos en el ámbito hispanoamericano y lusófono, tanto por la categoría del jurado como por su dotación económica, de euros. Nobre se alzó con el galardón entre un total de 57 compositores finalistas provenientes de 17 países iberoamericanos. El jurado internacional del Tomás Luis de Victoria, integrado por José Antonio Echenique, director de la Quincena Musical Donostiarra; Luis Remartínez, director de orquesta; Antonio Álvarez Cañibano, director del Centro de Documentación del Ministerio de Cultura; y Emilio Casares, director del Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), bajo la presidencia del director de orquesta venezolano José Antonio Abreu, decidió conceder este galardón por unanimidad, tras dos días de deliberaciones. Según el acta, se ha querido destacar, en la figura de Marlos Nobre, la excelente trayectoria, trascendencia y proyección de su obra, sus altos valores en el campo de la composición musical, reflejados en su catálogo, la originalidad de su pensamiento estético, que sitúa la creación iberoamericana en un lugar de preferencia. El maestro brasileño sucede en el palmarés de honor de este galardón al cubano Harold Gramatges (vencedor en 1996), el catalán Xavier Montsalvatge (1998), el peruano Celso Garrido-Lecca (2000), el venezolano Alfredo del Mónaco (2002) y el también catalán Joan Guinjoan, que se impuso en la edición de A partir de 2005 el premio pasará a tener carácter anual. Por su dedicación a la zarzuela EL BARÍTONO ENRIQUE BAQUERIZO, PREMIO FEDERICO ROMERO 2005 Javier del Real El barítono madrileño Enrique Baquerizo ha sido galardonado con el Premio Federico Romero 2005 en reconocimiento a su brillante carrera en el teatro lírico y, en especial, su dedicación a la Zarzuela. La concesión de este galardón, que entrega la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) en colaboración con los herederos de Federico Romero, corrió a cargo de un jurado que integraban la presidente de esta sociedad de gestión, Ana Diosdado, los compositores Manuel Moreno-Buendía y Claudio Prieto, el crítico Carlos Gómez Amat y, en representación de los herederos del maestro Romero, Carmen y Macarena Galindo. A los 80 años HA MUERTO JAMES KING 12 El tenor americano James King murió el 20 de noviembre en Naples (Florida) a la edad de ochenta años. Aunque empezó su carrera como barítono serían los papeles de heldentenor los que le dieran relieve internacional, por más que su debut fuera en Don José frente a la Carmen de Marylin Horne, en San Francisco, en Luego vendría Tosca en Florencia y, un año, después el debut en Salzburgo. Viena llegaría en 1963 y Bayreuth en Timur, Manrico, Canio, Parsifal y el Emperador de La mujer sin sombra formaban parte de lo más destacado de su repertorio. Tras su retirada, se había dedicado a la enseñanza del canto en la Universidad de Indiana, en la que permaneció como profesor hasta DISCULPAS Debido a un problema técnico, la foto de la página 113, con la que se abría el dosier del número anterior, carecía del oportuno crédito. La ilustración fue cedida amablemente por el Gran Teatre del Liceu. Nuestras disculpas al teatro barcelonés y a nuestros lectores por dicha omisión.

15 AGENDA Del Liceu al Palau SEBASTIAN WEIGLE, ENTRE BARCELONA Y FRANCFORT El actual director musical del Liceo, Sebastian Weigle, ha sido nombrado nuevo director musical de la Ópera de Francfort, cargo que asumirá a partir de la temporada , sustituyendo al italiano Paolo Carignani. El Liceo divulgó la noticia al leer las declaraciones de Weigle en una entrevista publicada por el diario Avui y realizada por nuestro colega Xavier Cester. No deja de ser curiosa la línea informativa del Liceo en asuntos que son menos inofensivos de lo que parecen. En conversación telefónica desde Francfort, donde se encontraba dirigiendo una nueva producción de La dama de picas, Weigle explicó al diario catalán que había un acuerdo total entre los dos teatros para poder compaginar durante un año las dos titularidades. No será un tema crucial al fin y al cabo muchos directores compaginan cargos y, al menos en voz alta, nadie se queja demasiado. Pero es suficientemente importante para haber convocado una rueda de prensa en lugar de limitarse a enviar un escueto comunicado tras la aparición de la entrevista. La celeridad informativa no caracteriza precisamente al teatro barcelonés: Weigle inició su relación como director musical en la temporada con un contrato por tres años, renovable por dos años más. Oficialmente nunca se ha hecho público ese acuerdo de ampliación del contrato, pero en la entrevista, Weigle manifiesta que estará en el Liceo cinco años. Esperemos que así sea, porque la labor del director alemán ha despertado hasta el momento ilusiones y esperanzas, entre los liceístas y en el seno de la propia orquesta. Weigle conecta bien con los músicos, con el director del coro el estupendo José Luis Basso y con el director artístico, Joan Matabosch. Otra cuestión es ver cómo se compaginan labores musicales en teatros de tan distinta estructura y funcionamiento: Francfort es un teatro de repertorio que levanta el telón casi a diario y cuenta con un equipo de cantantes habituales, más cerca del espíritu de compañía que caracteriza sus producciones que del número de estrellas por metro cuadrado que pisan el escenario liceísta. Sería, pues, conveniente y saludable que Matabosch y Weigle divulgaran sus planes conjuntos en temas como el capítulo de posibles coproducciones entre los dos teatros, o el intercambio de jóvenes cantantes, directores y escenógrafos entre sus respectivas canteras. En su corta pero exitosa relación con la Ópera de Francfort debutó en la temporada con Salomé destaca la producción de otro título straussiano, La mujer sin sombra, con la que Weigle ganó en 2003 el premio al mejor director del año según la crítica alemana, galardón que, por cierto, también le han otorgado los críticos de Barcelona por Parsifal. Hay que cuidar bien a Weigle: su carrera internacional va viento en popa debutará en el Festival de Bayreuth en 2007 con una nueva producción de Los maestros cantores de Nuremberg y, cuando acabe su contrato, las posibilidades de verlo asiduamente en el foso como batuta invitada dependerán de los lazos afectivos que establezca ahora con el teatro y sus gentes, y, naturalmente, de propuestas artísticas apetecibles. Y eso es algo que no se ha conseguido con el anterior titular, Bertrand de Billy, que se marchó con la miel del éxito tras la epopeya wagneriana del Anillo y no ha vuelto porque no le ofrecen las óperas que quiere dirigir. Javier Pérez Senz 13

16 AGENDA Scherzo, SCHERZO CELEBRA SU VIGÉSIMO ANIVERSARIO Rafa Martín Comienza una nueva etapa DEBUT DE MIREIA BARRERA CON EL CORO NACIONAL La nueva directora del Coro Nacional de España, Mireia Barrera (Tarrasa, 1967), hizo su debut al frente de la formación, en su sede del Auditorio Nacional, el pasado 10 de diciembre, con un programa integrado por obras de Dvorák, Mendelssohn y Bruckner. Mireia Barrera directora hasta ahora del Coro de la Orquesta Ciudad de Granada y del Cor Madrigal sustituye en el puesto a Lorenzo Ramos. El 30 de noviembre pasado, SCHERZO reunió a sus amigos en la Casa de América de Madrid para celebrar el vigésimo aniversario de la revista y presentar su número de diciembre, dedicado a Veinte años de música en España, que pasa revista a la realidad de nuestro arte a lo largo de dos decenios decisivos. Tras las palabras de Javier Alfaya presidente de la Fundación Scherzo-, Santiago Martín Bermúdez presidente de Scherzo Editorial y del director de la revista, tuvo lugar un recital que era, a la vez, conmemoración de los diez años del Ciclo de Grandes Intérpretes, y en el que intervinieron los pianistas Cristina Bruno, Josep Colom, Carmen Deleito, Eduardo Fernández, Serouj Kradjian, Edith Peña, Javier Perianes y Rosa Torres-Pardo. Personalidades del mundo de la cultura, responsables de empresas discográficas, músicos, críticos y periodistas musicales compartieron con nosotros la celebración. Encargos de obras sinfónicas LA SGAE Y LA AEOS FOMENTAN LA CREACIÓN SINFÓNICA 14 La Fundación Autor de la SGAE y la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS) han firmado un convenio para fomentar la creación de nuevas obras sinfónicas entre los compositores administrados por la SGAE y promover su programación en los ciclos de las orquestas integrantes de la AEOS. El acuerdo, que entrará en vigor el 1 de enero próximo, fue presentado por Eduardo Bautista, presidente del Consejo de Dirección de la SGAE y director general de la Fundación Autor, y Patrick Alfaya, gerente de la Orquesta Sinfónica de Galicia y presidente de la AEOS. La actuación principal del convenio será el desarrollo del programa Encargos de obras sinfónicas. Cada encargo tendrá una dotación de 6000 euros. Los autores aspirantes a esta ayuda deberán ser propuestos por alguna de las 28 orquestas sinfónicas integradas en AEOS. Las orquestas, por su parte, se comprometen a estrenar la composición dentro de un periodo de dos años a partir de su entrega por el autor. La comisión evaluadora para la concesión de estos incentivos a la creación será designada por el Patronato de la Fundación Autor y estará integrada por cinco miembros: dos representantes de la Junta Directiva de la SGAE, un destacado director de orquesta, un compositor de prestigio (que no ostente cargo directivo en la SGAE) y un crítico musical o musicólogo. Cada año se podrán conceder hasta un máximo de doce encargos de obras sinfónicas a los compositores y éstas deberán tener una duración entre doce y veinte minutos.

17 AGENDA Tutorías para el 2006 DANIEL BARENBOIM EN LA INICIATIVA ROLEX PARA MENTORES Y DISCÍPULOS El pianista y director de orquesta Daniel Barenboim, el pintor John Baldessari, el escritor Tahar Ben Jelloun, la coreógrafa y bailarina Anne Teresa De Keersmaeker y la directora y diseñadora Julie Taymor dedicarán un año a orientar e inspirar a cinco jóvenes artistas en el marco del ciclo de la Iniciativa Rolex para Mentores y Discípulos. Inaugurado por Rolex en 2002, este programa bienal busca en todo el mundo a jóvenes artistas que hayan demostrado dotes excepcionales y prometedoras en una muy amplia gama de expresiones artísticas, para ofrecerles durante un año una tutoría individual a cargo de figuras consagradas en sus disciplinas respectivas. Los candidatos a Discípulo son presentados a los comités de nominación. Éstos, formados por expertos, supervisan anónimamente la búsqueda de artistas jóvenes y con talento en todo el mundo. Los Discípulos del ciclo del programa serán seleccionados por los Mentores a comienzos de 2006, y sus nombres se darán a conocer en el mes de mayo. El año de tutoría se iniciará en junio de En la pasada edición, y en el terreno de la música, fue tutora la soprano Jessye Norman y discípula Susan Platts. SGAE. Fundación Autor. CDMC PREMIO DE JÓVENES COMPOSITORES El XVI Premio de Jóvenes Compositores, impulsado por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), la Fundación Autor y el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC), ya conoce sus ganadores. El primer premio, denominado Xavier Montsalvatge y dotado con 6000 euros, fue declarado desierto. Eduardo Lorenzo Prieto (Madrid, 1973) se alzó con el segundo premio, el denominado Carmelo Alonso Bernaola, dotado con 3000 euros, por la obra Según. Sergio Gutiérrez Rodríguez (Miranda de Ebro, Burgos, 1975), por su obra Variaciones de concierto, obtuvo el tercer premio, Francisco Guerrero Martín y 1500 euros. Alejandro Román (Madrid, 1971), por Ménades, y María Cristina Pascual (Barcelona, 1971), por su composición Estructura fractal, recibieron el cuarto premio: 1200 euros y mención honorífica Juan Crisóstomo Arriaga. 15

18 16 ACTUALIDAD ALMERÍA ACTUALIDAD NACIONAL Pedagogía y virtuosismo BAJO LA INSPIRACIÓN ARMÓNICA Auditorio Municipal Maestro Padilla. 23-XI Orquesta Barroca de la Unión Europea. Directora: Rachel Podger. Obras de Farina, Locatelli, Stradella, Torelli y Vivaldi. Rachel Podger y la Orquesta Barroca de la Unión Europea Dentro del III Ciclo Grandes Conciertos que organiza la concejalía de cultura, la presente promoción de la EUBO ha querido dedicar el programa de su gira europea a verdaderos tesoros armónicos del barroco italiano, con una selección de autores a la sombra, si exceptuamos a Farina, de su contemporáneo más conocido y popular, Antonio Vivaldi, del que ofreció los conciertos nºs 7 y 11 de su L estro armonico y el menos frecuente en los auditorios pero famoso entre los amantes del virtuosismo barroco, Concierto para violín Il Grosso Mogul, con la paradoja de no contar con músicos italianos entre sus diecisiete componentes. El carácter de alto grado pedagógico de este proyecto, que cuenta ya con veinte años de historia, queda resaltado en esta edición por la británica Rachel Podger, especialista en violín barro- ALMERÍA Evoke co en la prestigiosa Guildhall School of Music de Londres y en la International Sommer Akademie de Innsbruck. Toda su actuación en este concierto estuvo marcada por esta intención, convirtiéndose su interpretación en una clase magistral para los componentes de la orquesta y un placer para el público. La versión del Concierto para cuatro violines de Torelli hacía ver el grado de equilibrio alcanzado por esta formación como una de las metas esenciales a desarrollar en su periodo de trabajo. El carácter abstraído y evocador que desprende esta obra quedó bien reflejado con un tratamiento lleno de precisa delicadeza. Otro tanto sucedía con la Sonata para viola nº XXV de Stradella, un verdadero concerto grosso con una instrumentación para dos violines, laúd y orquesta que representa un pequeño tratado con normas e instrucciones precisas para su interpretación. La conjunción y versatilidad del grupo quedaron plasmadas con mayor brillantez, dejando una gran sensación en el público. Otro concierto para cuatro violines, el Op. 4, nº12 de Locatelli, estuvo precedido por el espectacular y ya referido Il Grosso Mogul. Rachel Podger tuvo que desplegar aquí todas sus facultades, quedando de manifiesto las limitaciones de su virtuosismo, siempre bien protegido por la orquesta. Una de las más sólidas composiciones de Vivaldi, como es el penúltimo de los que componen el L estro armonico, cerró este concierto cargado de preciosismo, en el que los músicos que intervinieron dejaron patente su buena formación y calidad artística, destacando en el contrabajo la alemana Barbara Post. José Antonio Cantón

19 ACTUALIDAD BARCELONA Incoherencias escénicas ÓPERA Y TEATRO Gran Teatre del Liceu. 21-XI Rossini, Semiramide. Darina Takova (Semiramide), Daniela Barcellona (Arsace), Juan Diego Flórez (Idreno), Ildar Abdrazakov (Assur). Director musical: Riccardo Frizza. Director de escena: Dieter Kaegi. Coproducción: G. T. Liceu /T. Real/Festival Rossini de Pésaro/ T. Regio de Turín. Fue Semiramide la última ópera que Rossini escribió para Italia y puede considerarse como una especie de compendio de las cualidades del músico en aquella etapa, que exige además un cuadro de intérpretes importantes, que dominen el estilo y posean medios interesantes. La versión que se dio en el Liceu parte de la revisión de Alberto Zedda, aunque se aligeró un poco, tampoco mucho, de cuando se estrenó la producción en Pésaro. Elemento importante de la representación fue el director de orquesta, Riccardo Frizza, que demostró un buen dominio de la partitura, supo impulsar y motivar a la orquesta del teatro y a partir de una obertura bien estructurada, con variados contrastes, consiguió unos BARCELONA Antoni Bofill Darina Takova y Juan Diego Flórez en Semiramide de Rossini en el Teatro del Liceo resultados muy válidos, tanto en los momentos de mayor protagonismo como en los de acompañamiento, siempre pendiente de los cantantes. La respuesta de la orquesta fue muy interesante, con algunas dudas del metal, y el nivel del coro mantuvo su buena calidad actual. Para estas funciones se contaba con un reparto en el que coincidían tres artistas que lo interpretaron en Pésaro en Daniela Barcellona exhibió una voz bella, un dominio del estilo y una gran fuerza desde el aria de entrada, con un fraseo muy cuidado, con la pequeña salvedad de que quizá le faltaba algo de fuerza en el registro grave. Juan Diego Flórez, que es el único que no había estado en el festival rossiniano, volvió a demostrar, en un rol muy difícil pero no muy amplio, su pureza de línea, su técnica segura y la brillantez de su registro agudo, con una aparente facilidad. Darina Takova, en el personaje que da nombre a la obra, mostró que es una cantante correcta, con respeto al estilo, con algunas agilidades no del todo transparentes y con una interpretación con mejores resultados en los momentos más líricos y en los dúos en los que su voz y el estilo contrastaba muy bien con la mezzosoprano. Ildar Abdrazakov es un bajo de timbre muy importante, con un canto a veces extrovertido, pero que alcanzó amplio poder de convencimiento en la escena de la locura. Completaron el reparto Miguel Ángel Zapater, como un algo abierto Oroe, Sandra Pastrana, musical Azema y Eduardo Santamaría, discreto Mitrane. La puesta en escena era otro ejemplo de la forma de entender, por parte de algunos, la dramaturgia en la ópera, olvidando que la ópera es teatro, pero que éste se materializa en gran parte cantando. Con una estructura escénica de cierto impacto, bien iluminada, que iba desde las Naciones Unidas hasta un casino; se establecía un movimiento escénico a veces incoherente con mucho ruido y situaciones poco afortunadas, como, a título de ejemplo, la presencia de azafatas moviendo las cosas y distrayendo o la inclusión durante la escena de Semiramide de un grupo de practicantes de esgrima, que rompían el espíritu del momento y no aportaban nada. Albert Vilardell 17

20 ACTUALIDAD BARCELONA Estreno de Juana de Palomar UNA ÓPERA GLOBALIZADA Barcelona. Teatre Romea. 19-IX Enric Palomar, Juana. Ursula Hesse von den Steinen (Juana I de Castilla), Gerd Vogel (Marqués de Denia), Marija Kuhar (Catalina), Germán Villar (Juan de Padilla), Melanie Hirsch (María Pacheco), Michael Nelle (Conde de Benavente). Solistas de la Orquesta de la Opernhaus Halle. Director musical: Harald Knauff. Director de escena: Carlos Wagner. Coproducción: Opernhaus Halle/Gran Teatre del Liceu/Festival d Òpera de Butxaca i Noves Creacions. E strenada el 25 de junio de 2005 en la Opernhaus Halle de Alemania, la ópera de cámara Juana (en tres actos, para seis cantantes y orquesta de seis músicos) ha tenido ahora su estreno absoluto en España. Estamos ante un espectáculo teatral bien representativo del mundo globalizado en que vivimos: sobre un libreto en castellano escrito por la actriz, escritora, profesora y terapeuta británica Rebecca Simpson (licenciada en Filología inglesa y castellana, y residente en Barcelona), el compositor catalán Enric Palomar (Badalona, 1964) elaboró la partitura correspondiente por encargo de este Festival de Ópera de Bolsillo y Nuevas Creaciones. Juana I de Castilla nos es presentada en medio de una historia de manipulación y discriminación contra una mujer inteligente e incómoda, en absoluto loca, que decide finalmente no sumarse a la causa de los comuneros, por su lealtad a su hijo Carlos, lo que le acarrearía una crueldad añadida: la traición de los nobles de su reino. Dejando a la historia el interrogante seguramente irresoluble de qué habría ocurrido si esta mujer hubiera sido reina efectivamente, lo que se nos propone está razonable y satisfactoriamente resuelto: con una propuesta escénica funcional, efectiva y didáctica. Con una música asequible para cualquier oyente, con sus buenas dosis de lirismo y fuerza rítmica, que no hace ascos a recursos de la música popular, incluso con ecos del flamenco y del tango pasado por Piazzolla, aunque acabe abusando del canto recitado. Y con un elenco de cantantes homogéneo y competente, en el que las voces femeninas sobresalen sobre las masculinas, en especial la de la mezzosoprano Ursula Hesse von den Steinen, con buena dicción castellana y poderosa respuesta a la complejidad de su personaje estelar. Con coraje y entrega, Germán Villar, único español del reparto, logra superar las inclemencias y exageraciones planteadas a su tesitura de tenor. José Guerrero Martín Temporada de la OBC EL OCASO DE UNA ESTRELLA Barcelona. L Auditori. 18-IX Kiri Te Kanawa, soprano. Director: Franz-Paul Decker. Obras de R. Strauss. 25-XI María Espada, soprano; Mark Tucker, tenor; José Antonio López, barítono. Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana. Director: Ernest Martínez Izquierdo. Joseph Haydn, La Creación. 18 L a de la soprano neozelandesa Kiri Te Kanawa era, sin duda, una de las actuaciones más esperadas de la temporada actual de la OBC, dentro del segundo programa monográfico dedicado a Richard Strauss, con la garantía de un especialista tan acreditado como es el alemán Franz-Paul Decker, principal director invitado de la orquesta barcelonesa. Si de antemano ya era un tanto insatisfactorio que en todo un programa straussiano la diva invitada sólo tuviera a su cargo las Cuatro últimas canciones, AV 150, el resultado final sumó más insatisfacción en los oyentes más exigentes, pese a la indiscutible inercia de arrastre de los grandes nombres que provocó aplausos y bravos sin tasa. Aceptado que la acústica del Auditori barcelonés no es la mejor para las voces, como ya hemos señalado en otras ocasiones, añadamos que parte del público de distintos sectores de localidades apenas pudo percibir lo que la cantante les intentaba hacer llegar, aun teniendo en cuenta la excelente labor del director tanto en la mesura orquestal como en el mimo y cuidado con que acompañó a la solista. Ésta, cautelosa y uno sospecha que preocupada por la defensa de su buen nombre, optó por asegurar la actuación acentuando el Strauss intimista, introvertido, incluso preciosista, con su veteranía, elegancia y madurez proverbiales. A una parte del auditorio, sin embargo, nos pareció asistir al inicio del ocaso de una estrella. Seguramente, un recital con piano y con mejores condiciones acústicas a ser posible habría sido más oportuno en el momento actual de la soprano, sincera sin duda al proclamar ante la prensa que ya no tiene la energía necesaria para la ópera. Orquesta y director confirmaron su solvencia y buen momento en el resto del programa: Danza de los siete velos de Salomé, op. 54, Metamorfosis, AV 142 y Muerte y transfiguración, op. 24. Una buena versión del oratorio La Creación, la semana siguiente, sirvió de pórtico a las tradicionales celebraciones navideñas. Martínez Izquierdo dirigió con seguridad estilística, brillantez en más de un pasaje y capacidad de matización. La Orquesta rayó a gran altura, el Coro responde a las enseñanzas de Jordi Casas y el trío de solistas mantuvo alto el nivel interpretativo: incisiva, de gran pureza, de espléndido y potente timbre, la voz de la soprano extremeña María Espada; de bella y sólida línea, y adecuado estilo, el arte del tenor Mark Tucker; contundente, nítida y homogénea la recia voz del barítono valenciano José Antonio López García. José Guerrero Martín

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