1 Pintura barroca en Italia 1) CARAVAGGIO Y EL NATURALISMO: Artista rebelde e independiente, nació en Lombardía, donde se forma como pintor dentro del Manierismo final, en el que la luz adquiría un papel importante. Cuando llega a Roma a fines del siglo XVI su pintura se cotizaba poco por lo que trabaja en cuadros de pequeño formato, con uno o dos personajes y sin marcar el contraste fuerte de luz y sombra. A partir de los años finales del siglo hasta su propia muerte se irá convirtiendo en el emblema del Naturalismo, no sólo en Italia sino en el resto de Europa. Él inventa el tenebrismo, el fuerte contraste de luz y sombra, en el que las figuras quedan recortadas entre una fuente de luz violenta y dirigida y una penumbra negra y opaca. Los cuadros principales de Caravaggio son la Vocación y el Martirio de San Mateo (1602, Roma, Iglesia de San Luis de los Franceses) donde utiliza una luz fuerte y en la que los personajes están entresacados de las gentes comunes de las callejuelas de Roma, con atuendos anacrónico para la época en que sucedieron los hechos puesto que llevan las vestiduras habituales del periodo. Otros cuadros dentro de la misma tónica son la Conversión de San Pablo y el Martirio de San Pedro i (1600-01, Roma, Iglesia de Santa María del Popolo), en los que los santos parecen personajes vulgares y evidentemente sin ningún tipo de idealización; por último el Tránsito de la Virgen (1606, París, Louvre), el cual fue rechazado por la Iglesia que lo había encargado por su excesivo realismo ii. En ese mismo año, 1606, y después de varias reyertas en la que ocasiona algunas muertes huye de Roma y se refugia en Nápoles y luego en Malta y Sicilia para volver a Nápoles donde muere solo y enfermo. - El Naturalismo se convirtió tras la muerte de Caravaggio en una tendencia artística de gran fuerza en toda Italia, especialmente en Roma y Nápoles, ciudades en las que trabajó precisamente Caravaggio. Especialmente dio sus frutos la tendencia tenebrista del maestro. Los artistas más destacados fueron los siguientes:
2 En Roma: Orazio Gentileschi y Carlo Saraceni. En Nápoles: La primera etapa de nuestro Jusepe Ribera, Máximo Stanzi one, France sco Guarin o, Bernar do Cavalli no y Mattia Preti. 2) ANNIBALE CARRACCI (+ 1609) Y EL CLASICISMO - Junto con su hermano Agostino y su primo Ludovico son los fundadores de la Academia de "los Encaminados", primer intento serio de sustituir los métodos de
3 aprendizaje del Gremio. En ella se realizaban estudios humanísticos y se preparaban en todas las técnicas de la pintura: el dibujo, el colorido, la perspectiva,... Son artistas que se consideraban eclécticos, es decir, intentan compaginar las enseñanzas de los grandes maestros del siglo XVI, de Rafael, de Correggio y de los venecianos, en especial de Tiziano. Pretenden oponerse como vehículo estético al Naturalismo tan en boga en aquel periodo en Roma, e intentan recuperar a la pintura como un ejercicio de idealización de la realidad. A partir de su llegada a Roma desde su ciudad de origen, Bolonia (1597), su influencia fue enorme; primero en Roma, y luego a través de los artistas franceses residentes en Roma (Nicolás Poussin, Claudio Lorena, Sebastián Bourdon,...) en la propia Francia donde Luis XIV funda la primera Academia de Bellas Artes con la intención de proteger y controlar las Artes. A su vez son los artistas que desarrollan un tipo de paisaje que tendría una vigencia considerable en los siglos XVII, XVIII y XIX: un paisaje compuesto y convencional con una escena religiosa o mitológica que se refleja en la misma naturaleza. La obra maestra de Annibale Carracci son las decoraciones al fresco de la bóveda de la Gran Galería del Palacio Farnesio de Roma (1597-1604). En ella Carracci utiliza los modelos de la Capilla Sixtina, las actitudes miguelangelescas, la composición de Rafael y el colorido de los venecianos. Es quizá el primer ejemplo de una serie de frescos clasicistas que se irían realizando en toda Europa. Por supuesto tuvieron una gran influencia en toda Italia. Otros maestros del clasicismo de interés fueron Guido Reni (el fresco de la Aurora en el Palacio Paravicini Rospigliosi), Guercino (el fresco llamado la Aurora en el Casino Ludovisi de Roma) o Doménico Zampieri, "Il Domenichino". 3) BARROCO PLENO:
4 - A partir de mediados del siglo XVII se introduce un lenguaje artístico revolucionario para las grandes decoraciones. Se juega con el concepto del espacio coextenso convirtiendo los muros de palacios e iglesias en enormes rompimientos de gloria que abren el espacio real a escenas de triunfo de santos o dioses. Para ello se desarrolla toda una serie de ideas que aumentan el efecto teatral y espectacular. Se pintan "quadraturas", es decir, arquitecturas fingidas que prolongan las reales y que sirven para engañar al espectador confundiéndolo entre lo que es real y lo que es fingido. Se unifica todo el escenario, desapareciendo los "quadri riportati" y la compartimentación del Renacimiento. Las figuras pintadas en las bóvedas se colocan "de sotto in sú, es decir, en escorzos que fingen que están situadas por encima de nuestras cabezas. La técnica se hace más fluida, pincelada suelta y espontánea, de origen veneciano, muy influido por las grandes decoraciones del Veronés. La gama cromática se amplia y se ilumina el escenario, en definitiva se utilizan colores más claros. Se acentúa el carácter espectacular y teatral de la representación aumentando el número de personajes, generalmente alegorías y emblemas que ayudan a explicar el contenido de la escena. El artista que creo esta tendencia fue Pietro da Cortona (1596-1669). Su obra maestra y la principal aportación a la creación del Barroco pleno el fresco con el tema del Triunfo de la Divina Providencia (1633-39, Palazzo Barberini, Roma). Aunque el principal protagonista de esta escuela es napolitano y uno de los grandes creadores del Barroco: Luca Giordano (1634-1705). Creo una serie de frescos importantísimos en Italia (concretamente en Florencia ejecutó decoraciones para el Palacio Medicci-Ricardi y para la iglesia del Carmine); en 1692 viaja a España y aquí pinta algunas de su obras maestras (sacristía de la catedral de Toledo, Alegoría del Toisón de Oro en el Casón del Buen Retiro de Madrid y sus obras maestras, los frescos para las bóvedas de la basílica de San Lorenzo del Escorial y de la Escalera Real con un Triunfo y glorificación de la Monarquía Española). Otro gran decorador de este periodo es el padre jesuita Andrea Pozzo (1642-1709) y su obra maestra la Gloria de San Ignacio de Loyola (1691-94, Sant' Ignazio, Roma). También se aplicó a la pintura sobre lienzo, creando grandes cuadros de altar con exaltaciones de santos o con escenas llenas de vigor narrativo, escorzos y brillante cromatismo.
5 1. Este lienzo fue copiado en aquel momento, y una de esas copias llegó a Valencia, comprada por el Patriarca Ribera y para el Colegio que éste fundó por lo que se supone que pudo influir en Ribalta, el cual había trabajado para el Colegio, y otros maestros valencianos para acercarse desde el Manierismo escurialense hacia un naturalismo de corte tenebrista como lo veíamos en Caravaggio. 2. Cuenta la leyenda del cuadro que cuando Caravaggio lo pintaba apareció una mujer ahogada en las aguas del río Tíber; por lo visto, Caravaggio la tomó como modelo para la Virgen, lo cual supuso obviamente un escándalo.