Amadeo Azar (n. Mar de Plata, 1974) explora el legado de los lenguajes visuales del modernismo, como la abstracción, en tanto éstos encarnaron una visión idealista del futuro. Investigar las formas que surgieron en el siglo XX desde un cierto estado del imaginario social es su forma de mirar al pasado para entender el presente y pensar la construcción del futuro, de elaborar la tensión entre utopía y distopía. Su elección de la acuarela como medio no es casual, dadas las connotaciones de vulnerabilidad y nostalgia asociadas con ella. Trabaja la acuarela de manera única, con una maestría y precisión a la que esta difícil técnica se suele resistir. Le interesa en particular cómo el modernismo se articuló en Argentina: en las obras incluidas en el stand cita esculturas de Iommi o Kosice, las combina con paneles abstractos, y con fotografías de otras acuarelas impresas en negativo, un modo que encontró de lograr los tonos oscuros que la acuarela imposibilita. El humor y el juego impregnan su obra de manera sutil, y se manifiestan en sus objetos que combinan periódicos de épocas significativas para la Argentina, maderas crudas, mecanismos de ensamble expuestos y papeles pintados en acuarela que se convierten en elementos escultóricos. Su obra encuentra en las colecciones de Deutsche Bank, New York; Cleveland Clinic Art Program; The Related Group, Miami; Banco Supervielle, Buenos Aires y en prestigiosas colecciones privadas. Ha sido exhibida internacionalmente, incluyendo en el Drawing Center y Queens Museum, Nueva York; MACRO, Rosario; MAMBA y C. C. Recoleta, Buenos Aires y en galerías en México D.F., Panamá, Costa Rica, Rio de Janeiro, Madrid y Miami. Este año participará en la Trienal Coup de Ville, en Bélgica.
Juan Becú recupera la tradición de pintura gestual y matérica, que los pintores de la Nueva Figuración argentina supieron cultivar, con un espíritu contemporáneo y la libertad y audacia de quien maneja un lenguaje con absoluta fluidez y se permite jugar con el medio. Sus obras toman tropos y estilos de la historia de la pintura y los condensan. Ante todo pintor, Becú también es músico y ha realizado performances en video. Nacido en Buenos Aires en 1980 es pintor desde 1997. Su primer muestra individual Caja de colores fue en el año 2000 en el Centro Cultural Recoleta, lugar en el que expuso nuevamente en el 2004 (Acerca de idilios, sueños y construcciones), 2006 (Muestra 6) y en el 2013 ( Qué viva la resistencia!). Su obra fue además exhibida en las galería salberto Sendrós, Vasari, Ruth Benzacar entre otras. Ha obtenido la beca nacional del Fondo Nacional de las Artes, el Subsidio Fondo de Cultura Buenos Aires, Línea Joven, Mención en el Salón Nacional de Pintura del 2012, mención en el Premio Itaú a las Artes Visuales del 2013 y Mención en el Premio Braque 2015.
Sofía Bohtlingk (n. Buenos Aires, 1976) se sumerge en el lenguaje de la pintura dentro de la abstracción escenificando la relación que el cuerpo establece con la tela, construyendo una obra que se encuentra a mitad de camino entre la pintura, la performance y la escultura. No aborda su obra desde el concepto de composición, sino desde el movimiento, en los soportes se registran rastros de acciones, coreografías de gestos rítmicos o las huellas de la tela misma que al doblarse y caer marca la superficie. El tema de sus obras minimalistas y a menudo monocromas es tanto la pintura como el cuerpo y el registro de duración, de lo que sucede durante un cierto desarrollo temporal, que es cristalizado en formas. En sus obras más recientes pinta aplicando y chorreando cemento de diferentes tonos. Sus pequeños objetos armados de fragmentos de vidrio unidos por cueros, sogas y el óleo azul característico de su paleta conforman poesías vulnerables donde el peligro y el romanticismo se alientan mutuamente. Bohtlingk se formó en el Programa de Artistas de la Universidad Di Tella y en la Beca Kuitca. En el 2015 presentó un proyecto en Prisma Kunsthalle; en 2014 participó en Empujar un ismo en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) con curaduría de Javier Villa y en Omnidireccional en el Centro Cultural Recoleta con curaduría de Mariano Mayer. Su obra ha sido exhibida en numerosos espacios privados incluyendo la Galería Alberto Sendrós, Galería Mite y Galería Nora Fisch.
La obra de Guido Ignatti (n. Buenos Aires, 1981) se impregna de su entorno: ya sea desarrollando intervenciones e instalaciones específicas a un sitio determinado o construyendo objetos cargados de referencias a las arquitecturas que nos rodean, los espacios tanto domésticos como callejeros argentinos. Su serie de tapiados, que cita los tablones de madera que protegen las ventanas de casas abandonadas, con la luz que se filtra a través de éstas, al mismo tiempo juega con las tradiciones pictóricas del arte concreto. Ha sido exhibida en la Fundación OSDE y en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO). La serie Sistemas de recuperación ante la catástrofe presentan macetas caídas y rotas, contienen plantas que La serie Sistemas de recuperación ante la catástrofe presentan macetas caídas y rotas, contienen plantas que a través de sostenes externos como alambres y flejes de metal, se las ha entrenado y ayudado a sobrevivir a pesar del quebranto de su habitat. Vienen acompañadas por instructivos para su multiplicación por sistema de esquejes. Metáfora del momento posterior a una crisis y las posibilidades de recuperarse, cada pieza es una obra viva y en cierto modo performática, que se completa con un plan de acción tendiente a la supervivencia de la especie. Esta serie completa será pronto exhibida en el Museum of Contemporary Art de Denver, Colorado, donde en el mes de julio Ignatti presentará instalaciones en cuatro salas del museo.
Fernanda Laguna (n. Hurlingham, 1972) descripta como...indudablemente una de las artistas visuales más interesantes de las Américas (Artforum, diciembre 2012) y como quizás la artista que en su generación ocupa con mayor fuerza el lugar de mito (Otra Parte #28), es una de los artistas más influyente de su generación por su práctica multidisciplinaria que se centra en el lo visual pero incluye la literatura y la gestión cultural. En 2001 cofundó Belleza y Felicidad, un espacio de exhibición y de encuentro que marcó un antes y después en el desarrollo del arte en Buenos Aires. Luego trasladó Belleza y Felicidad a Villa Fiorito, donde durante más de una década viene desarrollando un programa de educación por el arte para los jóvenes de la zona. Su obra está cruzada por varios temas recurrentes: el deseo, lo lúdico, la irracionalidad; cuestiones de género; la revalorización de lo artesanal, de materiales e iconografías de la vida cotidiana argentina, del gesto casual, femenino y espontáneo y al mismo tiempo el interés en tradiciones de la pintura clásica, como la abstracción geométrica o la pintura metafísica. En arteba presentamos un paneo de obras de dos décadas dirigido al coleccionista interesado: sus pinturas de pequeño formato de los 90, cuando empezó a exhibir en el C.C. Rojas; obras de los comienzos de Belleza y Felicidad en los 2000, con su estética precaria, y pinturas de años más recientes de las series enmarcadas en mimbre y de Formas abstractas parecidas a algo caracterizadas por formas negras situadas contra amplios horizontes metafísicos y por los recortes en la tela de soporte. Obras de Fernanda Laguna se encuentran en las colecciones del Museo Guggenheim, New York; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Patricia Phelps de Cisneros, New York, The Related Group, Miami; Fundación Banco Supervielle, Buenos Aires; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) y numerosas colecciones privadas de prestigio.