TEMA: PINTURA ESPAÑOLA. RIBERA, ZURBARÁN, VELÁZQUEZ Y MURILLO.

Transcripción

1 TEMA: PINTURA ESPAÑOLA. RIBERA,. CARACTERÍSTICAS GENERALES VALENCIA RIBERA RIBALTA ANDALUCÍA ZURBARÁN BARTOLOMÉ ESTEBAN VALDES LEAL MADRID VELÁZQUEZ CARACTERÍSTICAS GENERALES TEMAS Arte al servicio de los ideales de la Contrarreforma. Preferencia por los TEMAS RELIGIOSOS. Se prefieren por su expresión mística o ascética, se tratan con sencillez y credibilidad Otros temas serán: los retratos de los reyes, los nobles etc. Los bodegones con intención o sin intención simbólica. A veces junto a alimentos flores etc, aparecen esqueletos y calaveras [ vanitas ] como medio de expresar lo innecesario de los bienes materiales. El tema de LA MUERTE será tratada desde dos puntos de vista: visión macabra ( Valdés Leal ) o la triunfal y solemne [ Herrera el Mozo ] Los temas MITOLÓGICOS y las ALEGORÍAS también se trabajaron y aparecen al servicio del poder. Ausencia de SENSUALIDAD en la pintura española, quiza por el ambiente opresivo que se vívia. todo controlado por la religión. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 1

2 TEORÍA PICTÓRICA Son tratados sobre el dibujo y la pintura donde se analiza y se teoriza sobre el valor del dibujo en la pintura, la idea de la creatividad, además de la revalorización de la pintura como un arte liberal e intelectual. Vicente Carducho y Pacheco son los dos manuales de teoría pictórica. LOS CONJUNTOS PROGRAMÁTICOS Se realizaron programas iconográficos realizados por uno o varios pintores con el objetivo de difundir un mensaje de ostentación o triunfo. Así ocurre en el Hospital de la Caridad de Sevilla Murillo, Valdés Leal etc; la sacristía del Monasterio de Guadalupe obra de Zurbarán donde se exalta las virtudes de los frailes. ; el Salón de Reinos del Palacio del Buen retiro donde participaran varios pintores. INFLUENCIAS: En al primera mitad del siglo, las influencias son italianas. Los focos más importantes serán Valencia, la Corte y Sevilla. La influencia de l realismo y tenebrismo es importante en la Primera mitad de siglo. En la segunda mitad, la difusión de la pintura flamenca de Rubens y el nuevo sentido apoteósico de la Iglesia, cambia el tono de la pintura, el colorido etc. En este periodo la Corte y Sevilla serán las dos escuelas más importantes. MERCENAZGO: Los principales encargos provendrán de la Iglesia y de la Monarquía. Se encargaron obras para decorar conventos y monasterios. Ausencia de una burguesía como en el caso de Holanda. No hubo pintura que respondiese a esas características. ESCUELAS: Aunque se agrupan a los pintores en escuelas, la realidad es que no las hubo. Los pintores desarrollarán su pintura independientemente de otros pintores. Sus personalidades son fuertes y evolucionan independientemente. Se habla de tres focos artísticos: VALENCIA [ Ribera y Rivalta ] SEVILLA [ Zurbarán, Murillo y Valdés Leal ] y MADRID [ Velázquez y otros ] : PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 2

3 PRIMERA MITAD S. XVII Durante el reinado de Felipe III subsistían todavía las últimas influencias del manierismo. Los pintores se reunían en torno al Monasterio del Escorial, pero poco a poco fue introduciéndose la INFLUENCIA DEL CARAVAGGIO. VALENCIA FRANCISCO RIBALTA [ ] Educado en la pintura del manierismo del Escorial, su pintura esta enmarcada dentro de la corriente TENEBRISTA. En un viaje a Italia en 1616 entrará en contacto con Il Caravaggio. Influirá en la elección de tipos populares como modelos, aunque sus temas serán religiosos: vidas de santos y visiones y éxtasis místicos. IDENTIFICACIÓN Autor: Francisco Ribalta Tema: SAN BERNARDO ABRAZADO A JESÚS [ Lámina de selectividad ] Fecha: 1629 / 35. Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Estilo: Pintura Barroca Española ANÁLISIS FORMAL Tema: La visión mística de San Bernardo que abraza a Jesús que ha descendido de la cruz. Composición: figuras escultóricas en primer plano, utilizando una luz dirigida para crear volumen en los cuerpos. Composición en diagonal de los dos brazos de Cristo. Colorido: terrosos, cálidos, destaca el color blanquecino, crudo del hábito del cartujo. Luz: luz típicamente tenebrista dirigida, violenta sobre el cuerpo y cara de San Bernardo. Salen de la penumbra dos personaje que miran al espectador y se intuye la cruz en segundo plano. ANÁLISIS NO FORMAL El tema está en consonancia con los principios religiosos de la Contrarreforma: exaltar el valor del martirio como elemento de salvación. Los personajes son gente normales y corrientes que pueden tener también sus visiones gracias a la fe y la creencia en Dios. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 3

4 OTRAS OBRAS: Visión de San Francisco reconfortado por un ángel San Bruno Lo más interesante: el tratamiento de los temas místicos, donde lo más característico era: el colorido, el tenebrismo y los colores brillantes JOSÉ DE RIBERA [ ] Desde la mitad del s. XVII, durante el reinado de Felipe IV y el Conde Duque de Olivares, convertirán la Corte en el foco cultural. Nacido en Xativa aunque instalado en Roma y Nápoles, desde muy joven conectado con el tenebrismo aunque con una interpretación muy personal: exagera los aspectos más cruentos y desagradables de los temas que cultiva Su obra se desarrolla plenamente en Italia Su estilo evolucionó hacia una paleta más colorida, mas influenciada por la escuela Veneciana. Utilizará una pincelada espesa pero su sentido de la realidad le hacia representar con alto grado de verismo las calidades de las telas, los pliegues de los ropajes, las calidades de las carnes etc. Su NATURALISMO se centra en personajes como ancianos, santos, mendigos etc. Siempre pinta sus personajes con gran dignidad, no insiste en aspectos crueles y morbosos. Dominio de la anatomía Sus temas serán de santos, ermitaños, mártires. Como pintor protegido por el Virrey de Nápoles cultivará también temas mitológicos : Apolo y Marsias siempre destacando esas composiciones violentas. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 4

5 IDENTIFICACIÓN Autor: Francisco Ribera Tema: EL PATIZAMBO [ Lámina de selectividad ] Fecha: Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Estilo: Pintura Barroca Española ANÁLISIS FORMAL Tema: es el retrato de un personaje que presenta una deformación en un pie lo que le obliga a caminar cojeando. Tiene también un brazo contrahecho. Su boca parece repugnante y con una sonrisa desvergonzada nos invita a la caridad. En el cartel que lleva en la mano pide limosna. Denuncia la miseria y la desidia del pueblo humilde reflejo de la pobreza y caída de prestigio de la Monarquía Austria durante el s. XVII está tratado con toda solemnidad como si fuese un cuadro real. No hay morbosidad ni mofa en la representación de las malformaciones del niño. Composición: Figura en primer plano, con una perspectiva ligeramente inferior el punto de vista del espectador para darle una cierta dignificación. Cuadro de tamaño natural. con tonos claros, especialmente la luz azul del fondo, la alegría con la que mira al espectador. El único elemento en diagonal es el bastón y en dirección contraria los celajes blancos y azules. Colorido: Colores terrosos que contrastan con los grises plomizos y el azul del cielo. Refuerzan el sentimiento de soledad. Color luminoso y diáfano en contraste con los terrosos de la ropa y el suelo. El trazo es preciso [ ver los bordes de la ropa como se recortan sobre el fondo y la pincelada suelta ANÁLISIS NO FORMAL Refleja una situación económica del país que durante el siglo XVII sufrió una profunda y muy extendida crisis. Era normal que estos personajes solicitaran la limosna. Ribera nos trasmite un estudio sicológico del personajes donde a pesar de sus deformaciones y fealdades, parece trasmitir la sensación de felicidad. La imagen del pícaro responde al modelo que aparece en las novelas de picaresca: ropajes raídos, la picada dentadura, el defecto físico se manifiesta con ternura. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 5

6 IDENTIFICACIÓNI Autor: Francisco Ribalta Tema: EL MARTIRIO DE SAN FELIPE O SAN BARTOLOMÉ [ Lámina de selectividad ] Fecha: Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Estilo: Pintura Barroca Española Corriente: naturalista o tenebrista ANÁLISIS FORMAL Tema: Representa la escena de los preparativos para su tortura. Un grupo de personas rodean al santo y contemplan la escena. Angulo inferior izquierdo los personajes están tranquilos y reflejan cierto clasicismo. La corporeidad del santo y su anatomía recuerdan los cuerpos de Miguel Ángel. Los personajes de la derecha contemplan la escena apoyados en fustes de columnas. El santo fue desollado vivo con un cuchillo. Se representan los preparativos: cuando le van a amarrar con cuerdas a la cruz. El contrapunto de la crueldad viene dado por las figuras femeninas del lado izquierdo donde aparece una mujer y un niño o la actitud ausente de las figuras del lado derecho. Las referencia a lo clásico viene por esa especie de fuste de columna del lado derecho, una vertical más Composición: Elige la composición en aspa. El movimiento viene dado por el peso del cuerpo y el esfuerzo que realizan los dos personajes por intentar elevarlo. Está estructurado el cuadro en líneas diagonales y verticales. Una de ellas viene determinada por el brazo y el cuerpo del santo. las otras vienen trazada por las figuras de la derecha y la espalda del sayón que sujeta al santo por los pies. Usa escorzos de forma muy violenta. El santo esta pintado en una actitud de abandono y con una anatomía muy estudiada. Colorido: Gama de colores ocres y nacarados para el cuerpo del santo. Introduce el rojo en un personaje para contrarrestar el tono nacarado del cuerpo. Lo mismo ocurre con la cara del santo. Luz: En este cuadro se observa una evolución del pintor que, partiendo del tenebrismo, ha ido aclarando poco a poco su paleta de colores y de iluminación. La luz potencia los contrastes de luz y sombras que aparecen en el cuadro. hay algunos coloridos que recuerdan la escuela veneciana [ rojo, tonos violetas etc ] ANÁLISIS NO FORMAL Los temas de martirios, la introducción de tipos populares con sus suciedades y harapos respondían a la nuevas directrices de la religión católica. Una cuadro demasiado realista: el horror del martirio del santo PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 6

7 OTRAS OBRAS: San Andrés Apolo y Marsyas PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 7

8 OTRAS OBRAS: El sueño de Jacob [ lámina de selectividad ] La Mujer barbuda La sagrada familia María Magdalena Penitente OTRAS OBRAS: La sagrada familia María Magdalena Penitente PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 8

9 ANDALUCIA FRANCISCO DE ZURBARÁN VIDA: Nace en Fuente de Cantos ( Badajoz ) y desde 1614 se traslada a Sevilla trabajando en un taller de pintura de imágenes. Su obra es abundante donde se destaca un PRIMERA ETAPA donde los temas es la espiritualidad y la influencia del TENEBRISMO es notable. En una segunda fase, a mitad de siglo, su paleta se va aclarando, las formas delicadas y suaves. Pintor de la sencillez, de la vida cotidiana de los monjes. Encarna a la perfección el espíritu de la Contrarreforma. En este periodo se produce una crisis de su pintura, donde los encargos empiezan a disminuir y se dedicará a pintar encargos para conventos hispanoamericanos, especialmente de Lima. Coincide su declinar con el apogeo de Murillo. RASGOS Simplicidad compositiva, importancia en el tratamiento de los pliegues de los hábitos monásticos en volúmenes nítidos y claros. Su pincelada es menuda. Sus grandes obras son LOS CICLOS MONÁSTICOS [ La Merced de Sevilla, los Jerónimos en Guadalupe ] allí realiza estudios de los frailes y de los objetos que le rodean. Espléndido pintor de BODEGONES. Tubo un taller de colaboradores que le permitió pintar gran cantidades de cuadros que incluso se exportaron a América. Su estilo se mueve en los límites del tenebrismo con marcados contrastes de luces y sombras que central al espectador en aquellos aspectos que a él le interesa. Los colores: usa la gama de grises,, blancos captando muy bien las calidades de las ropas. Sus COMPOSICIONES son sencillas equilibradas que le dan una cierta frialdad; carece del dramatismo y del dinamismo de otros pintores. Equilibra masas y vacios reduce las formas a su esencia geométrica: esferas conos, cilindros etc. La luz procede de las mismas figuras creando imágenes serenas.. Desde el año 35 trabajará en la corte donde le encargan un cuadro para decorar el Salón del Trono del Palacio del Buen Retiro sobre temas mitológicos, pero aquí manifestó su escasa capacidad para las grandes composiciones y los temas profanos en general. A partir de 1640 su pintura cambiará consecuencia de cambios en la escuela sevillana. Aparece la figura de Murillo haciéndole gran competencia mientras sus encargos disminuyen o se reducen. Su pintura también cambiará: se aclara su paleta, se introducen los colores más claros e incluso en la temática cambia: sus temas se ablandan, se hacen más amables, más suaves. OBRAS: Los trabajos de Hércules Los ciclos de pintura para Monasterio de los Jerónimos de Guadalupe. La Vida de San Pedro Nolasco para el Convento de la Merced de Sevilla. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 9

10 Su serie de Santas: Santa Casilda Bodegones IDENTIFICACIÓN Autor: Francisco Zurbarán Tema: SAN HUGO EN EL REFECTORIO DE LOS CARTUJOS Fecha: 1629 / 35. Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Estilo: Pintura Barroca Española. ANÁLISIS FORMAL Tema: Representación del refectorio de los monjes en el convento. Al fondo un cuadro con figuras y paisaje, una forma de introducir el exterior en el interior ( recurso flamenco ) Los cartujos aparecen alrededor de la mesa donde se sitúan: jarras, platos, pan etc. Delante un anciano SAN HUGO con un paje reprendiendo a los monjes por no guardar abstinencia. Los monjes quedan sumidos en un sopor mientras el pescado se convierte en cenizas. El tema viene dado por el cuadro: la virgen sentada debajo de un árbol y san Juan Bautista. Ambos santos representan la austeridad y la penitencia siguiendo los preceptos de la Contrarreforma. Delante de cada cartujo aparece unos auténticos bodegones: trozo de pan, escudilla con la sopa, jarra de barro, cuchillos Según la leyenda los primeros siete cartujos fueron alimentados por San Hugo obispo de Grenoble. Un día visitó a los monjes y para comer les pidió carne. Los monjes vacilaban entre contravenir la norma o aceptar esa comida. Los monjes cayendo en éxtasis y cuarenta y cinco días más tarde, San Hugo les hizo saber que iba a visitarles un mensajero suyo. Cuando regresó este le dijo que los cartujos estaban sentados a la mesa comiendo carne. Estaban en cuaresma. Cuando regresó San Hugo y le preguntó a San Bruno en la fecha que estaban, este, ignorando los cuarenta y cinco días trascurridos, le habló de la discusión mantenida. San Hugo, incrédulo, miro los platos y vio cómo la carne se había transformado en cenizas. Composición: Rígida y perspectiva forzada al igual que la mesa en forma de L. Detrás del arco se observa una arquitectura imprecisa. Las figuras de los monje están tratadas como si fueran esculturas, se recortan nítidamente sobre el espacio. Luz: envuelve la atmósfera e ilumina toda la escena, no hay foco zonal, es una luz intelectualizada. Colorido: colores cálidos, amarillos, oro, terrosos, y blancos dominan el cuadro. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 10

11 IDENTIFICACIÓN Autor: Francisco Zurbarán Tema: SANTA CASILDA [ Lámina de Selectividad ] Fecha: Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Estilo: Pintura Barroca Española ANÁLISIS FORMAL Tema: Joven sevillana pintada con los atributos de Santa Casilda. Según la tradición joven hija de un rey musulmán de Toledo que diariamente, a escondidas, llevaba comida envueltas en sus ropas, comida a los prisioneros cristianos cautivos de su padre. Cuando se descubrió su acción, la comida se había transformado en flores. Composición: PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 11

12 Figura en primer plano, casi se sale del marco, de estructura escultórica, en una posición congelada mirando atentamente al espectador, muestra el milagro de su acción. Colorido: Pertenece a su primera fase, el tema es un pretexto para mostrarnos un rico colorido, las calidades de las telas, la arrugas, la riqueza de las joyas etc. Si no fuera por la corona superior, estaríamos delante de un retrato de una nobleza sevillana de la época. Impresiona la majestuosidad del traje, los brocados. La elegancia, la serenidad y dignidad de la mujer son otros aspectos a destacar en el cuadro Luz: Ligeramente iluminado desde la izquierda ayuda a darle volumen a la figura a crear zonas de luz y sombra, sin referencias espaciales y con un fondo neutro. ANÁLISIS NO FORMAL Refleja la poderosa nobleza sevillana, sus riqueza y su amor al lujo en este tipo de retrato. Se trata de RETRATOS A LO DIVINO es decir retratos de damas de la aristocracia sevillana, vestidas como tales pero con atributos de alguna santa. Se conoce que en algunas procesiones sevillanas era normal este tipo de desfiles. Sus rostros están perfectamente individualizados por lo que podrían ser eso, retratos. Para otros se trata de series de cuadros que se colocaban alrededor de los muros de una capilla o de la sacristía o bien de las paredes laterales de las iglesias. Son de cuerpo entero, mujeres jóvenes que representan tanto santidad como belleza. No gesticulan, aparecen congeladas, sensación de reposo. Quizá esto se deba ala forma de trabajar que tenía el pintor: pintaba a partir de maniquíes que vestía con ricas telas. Caras y rostros de expresión intensa que nos mira fijamente. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 12

13 IDENTIFICACIÓN Autor: Francisco Zurbarán Tema: APARICIÓN DE SAN PEDRO A SAN PEDRO NOLASCO: Cronología: 1628 / 35. Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Estilo: Pintura Barroca Española ANÁLISIS FORMAL Tema: Una de las múltiples visiones que tuvo el santo. San Pedro Nolasco quiere ir a Roma en peregrinación para visitar la tumba de San Pedro. Se le aparece el apóstol Pedro para disuadirle de su viaje a Roma. Este santo había fundado la orden de la Merced que se encargaba de rescatar a cristianos cautivos en manos de los musulmanes. Composición: Renuncia a sus composiciones tradicionales de separar lo tradicional de lo celestial, los dos santos están en primer plano, acentuado por la ausencia de fondo. Ambos santos aparecen enfrentados. Nolasco aparece enfundado en el hábito de la Orden Mercedaria. Coloca a ambos santos en primer plano para darnos sensación de cercanía y de introducirnos en la escena. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 13

14 Colorido Punto focal en el blanco de los pliegues ( en esto Zurbarán era un maestro ) junto con los colores cálidos de la anatomía de San Pedro. Juega al contraste: uno vestido colores blancos amarillentos / el otro desnudo color amarillento nacarado de las carnes del desnudo Luz: Se construye con una luz rojiza que sale del San Pedro Crucificado, el manto de San Pedro actúa como si fuera una pantalla. Aquí juega con el efecto de los contrarios: la postura, la desnudez, los contrastes en la composición etc. ANÁLISIS NO FORMAL San Pedro Nolasco había fundado la Orden de los Mercedarios. Acababa de ser canonizado y la orden le encarga pintar 21 lienzo que decorarían los arcos del claustro. OTRAS OBRAS: Autorretrato [ San Andrés ] con el crucificado Meditación de San Francisco PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 14

15 Las obras más conocidas son los santos y las ordenes religiosas. Naturalismo y profundo espíritu religioso, subrayado por el tenebrismo. Los santos son tratados con respeto y dignidad, los representa aislados, concentrados, ajenos al mundo que le rodea. Composiciones reposadas, tranquilas, sin excesos dramáticos. Luz que emana de las figuras Rostros y miradas que denotan fervor religioso, es lo que le demandaban sus clientes. Tres conjuntos de obras conventuales: o Convento de la Merced: serie sobre las visiones de San Pedro Nolasco [ 1629 ] o La Cartuja de Jerez [ 1637] o La serie de cuadros del Monasterio de Guadalupe [ ] OTRAS OBRAS: Bodegones Pretexto para demostrar el dominio que tenía sobre calidades, texturas, brillos, juegos de luces y sombras. Los objetos destacan sobre un fondo negro, dándoles así un mayor realce a los volúmenes. OTRAS OBRAS: PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 15

16 Bodegón de Cocina Agnus Dei tenían un significado devocional: los humildes alimentos de la población sencilla. Pintará varias veces el Carnero Místico como símbolo del sacrificio de Cristo por toda la humanidad un indefenso carnero, lanudo maniatado al borde de un escalón, suave, regordete; los ojos medio abiertos reclaman clemencia. Zurbarán pintaba del natural: seguramente que este cuadro lo hizo en verano cuando el carnero tiene ya la lana crecida ( seguramente de raza merina ) y tendría ocho meses de edad por el crecimiento de los cuernos. OTRAS OBRAS: Cuadros de Historia Rendición de Sevilla La Defensa de Cádiz La defensa de Cádiz en el año 1625 frente a la flota anglo holandesa. Aparece el gobernador de Cádiz sentado Fernando Girón impartiendo órdenes a sus subordinados. Al fondo de se ve el desembarco de las tropas atacantes frente al fuerte del puntal de la Bahía de Cádiz La Rendición de Sevilla: Aunque encargado por los Mercedarios, el tema se relata se refiere a la entrega de la ciudad de Sevilla a Fernando III el Santo, en presencia de San Pedro Nolasco en el año PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 16

17 BARTOLOMÉ ESTEBAN Nació en 1617 en el seno de una familia de catorce hermanos, de los que él fue el benjamín. Quedó huérfano de padre a los nueve años y perdió a su madre apenas seis meses después. Una de sus hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él y le permitió frecuentar el taller de un pariente pintor, Juan del Castillo. En 1630 trabajaba ya como pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo importante, una serie de lienzos destinados al claustro de San Francisco el Grande; la serie se compone de trece cuadros, que incluyen La cocina de los ángeles, la obra más celebrada del conjunto por la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos cotidianos. El éxito de esta realización le aseguró trabajo y prestigio, de modo que vivió desahogadamente y pudo mantener sin dificultades a los nueve hijos que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo matrimonio en Después de pintar dos grandes lienzos para la catedral de Sevilla, empezó a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor caracterizan su personalidad artística: la Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción, de los que realizó multitud de versiones; sus vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del artista. Uno de los pintores de más popularidad dentro y fuera de España debido a su estilo: delicado, suave que cubría los gustos de Europa en el s. XVII. Su pintura se acerca a lo íntimo, a lo familiar a lo popular. Su estilo se divide para un mejor análisis en tres fases o periodos: el estilo frío (hasta 1652), el cálido ( ), y el vaporoso (aproximadamente de 1667 a 1682). PERIODOS: ETAPA FRÍA: Tuvo una formación realista con dominio de colores terrosos y con la luz muy marcada. Se pueden integrar todas estas pinturas dentro de la corriente Tenebrista que imperaba en Sevilla en aquel periodo. Se le ha llamado a este periodo, FRIO. Temática religiosa: Destacan las inmaculadas, los Niños Jesús en actitudes cotidianas acompañados de San Juan y las Sagradas Familias, siempre se complace en las actitudes amables. Tiene un gran dominio técnico. En estas pinturas, en sus Inmaculadas empleará tonos pastel como el rosa, el azul claro. Sus obras llegaron a tener más éxito que las obras de Tiziano o Van Dyck Pintará también en la decoración del HOSPITAL DE LA CARIDAD, con grandes lienzos donde se destaca la importancia de la virtud como la caridad a partir de algunos santos que destacaron como San Juan de Dios o Santa Isabel de Hungría. OBRAS: o Series convento de San Francisco o La familia del Pajarito o La adoración de los pastores o Joven pordiosero [ 1645] o Niños jugando a dados o Niños comiendo frutas [ 1650 ] o PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 17

18 IDENTIFICACIÓN: Autor: Bartolomé Esteban Murillo Tema: Niños comiendo frutas Cronología: Técnica: Pintura de óleo sobre lienzo Estilo: Periodo Barroco / escuela Sevillana Tipo: Pintura de Género ANALISIS FORMAL Tema La escena se supone que son dos niños que acaban de conseguir un botín, melón y uvas, y se lo comen con glotonería y rapidez. Sus ropas rotas, su suciedad y la rapidez que lo están comiendo nos aluden a que son dos pícaros que han conseguido robar esos manjares. Sus caras reflejan glotonería. Composición: Dos líneas diagonales subrayadas por la luz: Una desde las uvas hasta el melón / otra uniría las dos caras de los niños. La Luz Entra por la izquierda dejando partes del cuadro sin iluminar especialmente el fondo que es difícil saber de que se trata. La sensación de ruina es lo característico. La luz refuerza el sentido anecdótico del cuadro en las uvas, en el melón, en definitiva un bodegón PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 18

19 Colorido: Utiliza unos tonos oscuros, marrones, pero con gran luminosidad, lo que hace ver su influencia de la pintura veneciana y de Herrera. Lo más llamativo es el nivel de detalle de la escena, donde las frutas parecen un auténtico bodegón ANÁLISIS NO FORMAL Nos da una interpretación amable de realidades crueles, de pobreza, de humildad. Plasma la vida de la picaresca, de los niños que se buscan la vida como pueden. La infancia es uno de los temas recurrentes del pintor, aparecen tratados de forma anecdótica. Recoge en ellos el vivir de los barrios pobres sevillanos. Reflejan la miseria que vivía Sevilla en la 2 1/2 del s. XVII. Es una especie de reacción de los artistas sevillanos contra el hambre, el dolor y la muerte con una dignidad humana y resignación cristiana que les hiciera soportar el horror. IDENTIFICACIÓN Autor: Bartolomé Esteban Murillo Tema: LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO Fecha: Técnica: pintura de oleo sobre lienzo. Tema: Pintura religiosa Estilo: P. Barroca Española. E. Sevillana ANALISIS FORMAL: Tema : La vida de la familia Sagrada. La vida trascurre dentro de la sencillez y en ambiente humilde. La escena no tiene en cuenta al espectador que se asoma al interior de una vivienda humilde. Los personajes sagrados adquieren un tono humano. San José tiene al lado el banco de carpintero donde trabaja, la Virgen ocupada en sus ovillos y su lana y Jesús está entretenido con un pajarito y un perro alejado de cualquier símbolo de la pasión. Composición: centro de la escena el Niño, hacia él confluyen las miradas de San José y la Virgen. Plantea una estructura piramidal establecida entre las miradas de los personajes y una fuerte diagonal hacia el interior entre el perrito, el niño y san José. Se destacan ciertos detalles como el perro, el cesto de ropa, los pliegues de la ropa Colorido: se caracteriza por fuertes contrastes de luz y sombra coloreada, precisión en el dibujo, pincelada lisa Luz: Incide en el rostro de José, María y especialmente en el niño que está más iluminado y está en el centro de la composición.. Incide en los rostros pero de tenebrismo matizado Deja en penumbra todo lo demás. esto es característico del barroco tenebrista para hacer resaltar a los personajes del fondo. El fondo es tenue lo que nos permite ver que la habitación es sencilla Otras características: Se representa una escena familiar, nada divina ni religiosa; podría ser cualquier familia que disfruta de su hijo, que juega travieso con el perro. Los padres están en sus tareas diarias. Aquí tiene una cierta importancia San José que normalmente estaba en segundo plano. Representa dos escenas: una escena familiar y otra de trabajo. El trabajo tiene mucha importancia como aparece la rueca en manos de la Virgen y el banco de carpintero en San José Según quería la Contrarreforma, por la piedad, por el sentimiento, el cristiano debería llegar a Dios, y nada más adecuado para entender esto que este cuadro. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 19

20 Según quería la Contrarreforma, por la piedad, por el ETAPA CÁLIDA: [ ] periodo de los grandes encargos de clientela religiosa. En este periodo viaja a la Corte, entra en contacto con Velázquez y a su regreso a Sevilla, fundará la Academia de Pintura de la que será director hasta el año 1663 cuando es sustituido por Valdés Leal. periodo que pintará muchas de sus Inmaculadas OBRAS. o La Visión de san Antonio o La huída a Egipto o Cuadro de grandes dimensiones que Murillo pintó para la capilla bautismal de la catedral sólo un año después. Separa los dos espacios: terrenal y celestial con figuras monumentales. El santo extiende los brazos hacia el Niño Jesús que aparece flotando y aislado en medio de un fondo vibrante. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 20

21 El santo se sitúa en medio penumbra, abierto a una galería, creando un segundo foco de luz, dándole mayor profundidad al cuadro. OBRAS. o La Anunciación o Cristo como buen pastor o Jesús con san Juan Bautista Le interesa captar los estados atmosféricos como lo refleja en muchos de sus cuadros. Poco a poco va abandonando el estatismo de sus primeras obras e introduciendo movimientos suaves. Los modelos los va empequeñeciendo acercando su pintura al gusto Rococó Refleja un concepto de religiosidad intimista, amable, sentimental. Crea tipos populares como en el CRISTO COMO BUEN PASTOR: niños carnosos, sonrosados, labios saltones, ambientes envueltos en una atmósfera vaporosa. acentuados por diagonales lumínicas. Introduce alguna referencia clasicista como en ese basamento y fuste de columna. La composición es piramidal donde el niño nos dirige la mirada hacia nosotros mientras reposa la mano sobre la oveja extraviada. Atmósfera y colorido nos recuerda la pintura veneciana, idealización de las figuras ETAPA VAPOROSA: OBRAS: o La Asunción de la virgen o La Inmaculada Concepción PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 21

22 IDENTIFICACIÓN Tema: LA INMACULADA SOULT [ Lamina de selectividad ] Fecha: Técnica: pintura de oleo sobre lienzo. Tema: Pintura religiosa 274x 190mts Estilo: Pintura Barroca Española. E. Andaluza. ANALISIS FORMAL: Tema Fue encargado para uno de los altares del Hospital de los Venerables, a veces se la llama la Inmaculada de los Venerables aunque fue el Mariscal Soult quién la requisó en el año Pinta la Inmaculada siguiendo la misma fórmula que ya había utilizado: Virgen vestida de blanco [ símbolo de pureza ] y manto azul, [ símbolo de eternidad ] con las manos cruzadas sobre el pecho, pisando la luna y con la mirada dirigiéndose hacia el cielo Composición La composición, como en este caso, suele presentar un claro impulso ascensional, muy barroco, que coloca a la figura de la Virgen en un espacio habitado por la luz, los ángeles, con nubes y ángeles. Rodea la Virgen de una gran gloria de ángeles, pintados en diferentes actitudes con una pincelada muy deshecha donde terminan fundiéndose con la atmósfera celestial. Composición movida, dinámica, dominio de líneas curvas y con una diagonal lumínica Dibujo. Pierde importancia ante el color y la luz, los contornos están difuminados, diluidos. La Luz protagonista del cuadro, sobre un fondo dorado, se recorta la imagen de la virgen, envuelta en una luz blanca que nos indica el carácter celeste. La parte de la derecha esta oscura o en penumbra, mientras la de la izquierda aparece muy iluminada creando una diagonal lumínica. Colorido: emplea una paleta muy amplia, brillante y rica en matices- Algunos rostros establecen comunicación con el espectador y surgen de gradaciones de luces y sombras. ANÁLISIS NO FORMAL Pertenece al periodo vaporoso cuando su color se hace transparente y difuminado, vestida de azul celeste y blanco con un trono de ángeles a los pies Tipo iconográfico ligado a la CONTRARREFORMA CARGADO DE SÍMBOLOS: blanco ( pureza ) azul ( Reina del cielo ) la media luna ( triunfo sobre el Islam ) con la cara mirando al cielo como puente entre Dios y los hombres. Imagen dulce, suave desvinculada de la situación que vivía Sevilla en la segunda mitad del siglo XVII. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 22

23 ETAPA VAPOROSA: OBRAS: o El Aseo [ 1670 ] o Una mujer con su dueña [ 1670 ] o OTROS CUADROS Autorretrato Retrato del marchante Jossua van Belle Retrato de Nicolás de Omazur PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 23

24 LA PINTURA DE VELÁZQUEZ Diego Velázquez fue el pintor barroco español más importante del grupo porque trató con igual excelencia todos los géneros: religiosos, mitológicos, retratos, históricos, paisajes, bodegones, etc. Además de ser, indiscutiblemente, uno de los mejores artistas de todos los tiempos. Velázquez nace en 1599 en Sevilla y muere en Madrid en 1660, realizando sus obras en la primera mitad del siglo XVII. En España todavía continúa reinando la Casa de los Austrias. De hecho, Velázquez será pintor de cámara de Felipe IV. Se trata de una época en la que el estilo artístico que reina es el Barroco, que ha llegado a España desde Italia. Las características más peculiares y representativas de la pintura de Velázquez son: o Empleo de la perspectiva aérea. o Profundidad. o Pintura "alla prima", es decir, sin realización de bocetos. Por ello, las correcciones las hacía sobre la marcha y se nota en los numerosos "arrepentimientos" en sus cuadros. o Expresionismo espontáneo y vivo o Pincelada suelta y vibrante o Vaporosidad que capta el aire o La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana y la madrileña o Desde el punto de vista de la formación hay que destacar: Etapa de Formación [ ] o Se inicia con 12 años como aprendiz en el taller de Francisco Herrera el viejo / posteriormente en el taller de Francisco Pacheco. o A los 18 años obtiene una licencia para poder pintar. De sus maestros tomó principios academicistas, manieristas y tenebristas. Sus principales pinturas son: Bodegones con figuras como El aguador de Sevilla / Vieja friendo huevos Retratos: Sor Francisca Jerónima de la Fuente Escenas religiosas: Cristo en casa de Marta y María o Sus características son: Tenebrismo: fuertes contrastes de luces y sombras Predominio de colores terrosos. Composiciones sencillas Captación de calidades de objetos [ texturas, brillos, utensilios de cocina ] EL AGUADOR DE SEVILLA IDENTIFICACIÓN Autor: Diego Velázquez Tema: EL AGUADOR DE SEVILLA Fecha: 1620 / 21. Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Estilo: Pintura Barroca Española PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 24

25 ANÁLISIS FORMAL Tema: Un personaje popular se gana la vida vendiendo agua por las calles de Sevilla. se le llama EL CORSO,pero además aparecen otros personajes. Composición: El aguador de perfil ocupa la posición central del cuadro con un lateral en penumbra y en el otro emergen dos figuras. Colorido: terroso, denotan sus inicios en el tenebrismo, colores cálidos, con pinceladas de blanco para focalizar la escena. Luz: proviene del lateral izquierda iluminando el lateral del niño y las ropas del aguador. ANÁLISIS NO FORMAL Representa las tres edades de la vida: y el agua simboliza la transmisión del conocimiento: desde la juventud hasta la vejez. El anciano que tiene la sed aplacada tiende la copa de la experiencia al niño, en presencia de un tercer hombre de mediana edad que disfruta ávidamente del jarro. El higo que se trasparenta dentro de la copa, símbolo sexual femenino, ha sido interpretado como u rito de iniciación al amor. Interesante bodegón y calidades de barros CRISTO EN CASA DE MARTA Y MARÍA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 25

26 ANÁLISIS FORMAL Tema: Un bodegón con figuras. Aparece una joven trabajando en la cocina con un almirez; en la mesa se encuentran dos platos uno de barro con huevos y otro con pescado para cocinar, un jarro vidriado, una guindilla, dos ajos. En la espalda de la joven aparece una vieja que parece abroncar a la joven por los gestos. La forma de tratar la escena es naturalista. Con el dedo la anciana señala un recuadro en la parte superior donde se divisa la escena principal: Jesús dialoga con dos hermanas: María sentada en un estrado y Marta de pie. Enormes detalles en el bodegón, muy realistas.. Composición: Dos planos: la parte naturalista y realista casi se sale del cuadro, En un plano final la escena principal: la visita de Jesús a Marta y María. Lo accesorio en primer plano y el tema principal relegado a segundo plano.las figuras de primer plano sería el elemento enlace entre el espectador y la escena principal Colorido: terroso, denotan sus inicios en el tenebrismo, colores cálidos, con pinceladas de blanco para focalizar la escena. Luz: proviene del lateral izquierda iluminando a las dos mujeres mientras que hay un segundo plano en oscuridad y el tercero iluminado donde trascurre la escena principal. Etapa de madurez [ ] Se suele subdividir este periodo coincidiendo con sus viajes a Italia a.- Primera etapa en la Corte y Primer viaje a Italia [ 1623 / 1631 ] Se establece en la Corte. Abandona los cuados religiosos y los bodegones y se centra en los retratos. Todos los retratos tienen las mismas características: Composiciones sencillas realismo en el retratado Escasa preocupación por los fondos Elegancia de los personajes retratados Estatismo: los retratos están estáticos Los retratos o son de cuerpo entero o en bustos de tres cuartos. Obras: o Retrato de Felipe IV PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 26

27 o Retrato del Infante D. Carlos o D. luis de Góngora o Retrato de Medio busco de Felipe IV o La Influencia de PEDRO PABLO RUBENS El pintor flamenco visitó Madrid en el año 1628 y le influirá en dos cosas: Su orientación pictórica hacia temas más humanistas le introdujo en la pintura de temas mitológicos. Le animó a formarse en Italia. De este periodo pintaría: Los Borrachos o el Triunfo de Baco Primer Viaje a ITALIA [ ] En estas fechas viaja a Italia y allí conocerá a los pintores renacentistas venecianos y romanos. Viajará a Nápoles y allí conoce a Ribera. Durante este periodo realizará dos cuadros: La Fragua de Vulcano o En estas obras renueva sus enseñanzas académicas, el estudio del desnudo, se centra en los personajes individuales y estudia la reacción de cada uno de ellos en función de los acontecimientos o Usa sabiamente el color y con luces y sombras construye figuras. La túnica de José PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 27

28 SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA [ ] Periodo de apogeo. Por influencia italiana su dibujo se hace más suelto Sus cuadros se llenan de aire, pierden rigidez, se inicia la perspectiva aérea. Pinta cuadros religiosos como: o Cristo crucificado o La Coronación de la Virgen o Cristo atado a la columna o Retratos: Retrato del Conde Duque de Olivares Retrato del Príncipe Baltasar Carlos Retratos ecuestres de Felipe V retratos de Bufones: PABLILLO, EL NIÑO DE VALLECAS, EL PRIMO Retratos imaginarios: ESOPO, MENIPO Felipe IV de marrón y oro Retratos Ecuestres: Retrato del Conde Duque de Olivares Retrato del Príncipe Baltasar carlos Retrato de Felipe IV PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 28

29 IDENTIFICACIÓN Tema: EL PRINCIPE BALTASAR CARLOS Fecha: Técnica: pintura de óleo sobre lienzo. Genero Retrato ecuestre Estilo: Pintura Barroca Española. Escuela Madrileña. ANÁLISIS FORMAL Tema: Retrato oficial del Príncipe Baltasar Carlos a caballo. El típico cuadro oficial. Composición: Disposición en diagonal y escorzos del caballo con líneas oblicuas hacia el interior del cuadro. El paisaje aparece estructurado en diferentes planos haciéndose más vaporosos hacia el interior donde el pico de la maliciosa solo se percibe brumosamente. Cuadro para ser colgado a una determinada altura de la pared, de ahí que el caballo esté tomado desde un punto de visión inferior. Luz. Supo captar los cielos de la sierra de Madrid con tonalidades verdosas y azuladas envueltas en una bruma que difumina los contornos. Colorido: Destacan los colores terrosos del caballo, la banda roja del infante y los detalles del traje. ANALISIS NO FORMAL: Forma parte de los retratos oficiales de corte siguiendo el modelo de cuadros a caballo de los reyes y del Valido Cuadros de género histórico: o La Rendición de Breda o PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 29

30 IDENTIFICACIÓN Tema: LA RENDICIÓN DE BREDA Fecha: 1634/35. Segunda Etapa Madrileña. Técnica: pintura de óleo sobre lienzo. Tema: Cuadro de genero histórico Estilo: Pintura Barroca Española. Escuela Madrileña ANÁLISIS FORMAL Tema: Tras un largo asedio, la ciudad de Breda se vio obligada a capitular. Velázquez elige el momento de la entrega de llaves y lo plantea de forma novedosa: rechaza el binomio triunfo / humillación para mostrar humanidad y generosidad entre los vencedores y por extensión dela Monarquía Española. Composición: Dos protagonistas ocupan el espacio central: el general holandés se inclina, el militar español Spínola, gentilmente se lo impide. En el centro la llave de la plaza fuerte. El gesto del vencedor recuerda la generosidad y grandeza. el valor del vencido es la gloria del vencedor A ambos lados se sitúan los dos ejércitos que ocupan posiciones similares aunque las sensaciones son distintas: izquierda ejército holandés, desorden; a la derecha el español orden,. Grupo compactado lanzas alineadas El primer plano queda fuertemente contrastado con el paisaje de fondo donde desfilan los vencidos en la lejanía que va perdiendo cromatismo hasta convertirse en luz plateada. La sensación de profundidad viene potenciada por detalles como la disposición oblicua de los caballos. Colorido: emplea una paleta muy amplia, brillante y rica en matices- Algunos rostros establecen comunicación con el espectador y surgen de gradaciones de luces y sombras Cuadros de Bufones o Pablo de Valladolid o El Enano D. Juan Calabazas o El Bufón Barbarroja PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 30

31 o IDENTIFICACIÓN Tema: EL NIÑO DE VALLECAS Fecha: Segunda Etapa madrileña: Técnica: pintura de óleo sobre lienzo. Tema: Retrato de Bufones Estilo: Pintura Barroca Española. Escuela Madrileña ANALISIS FORMAL: Tema : Se llama Francisco Lezcano, apodado el Vizcaíno uno de los bufones del príncipe Baltasar Carlos. Lo representa sentado en un abrigo rocoso y con una vista de un paisaje. La postura del enano muestra su deformidad física a través del tratamiento de las extremidades. La pierna izquierda se presenta con un violento escorzo, la derecha descuelga como un objeto inanimado, sin vida. Su cabeza, de gran tamaño, inclinada hacia la izquierda tiene una expresión perdida. Viste ropas desaliñadas y sostiene algo en la mano quizá unos naipes. Luz: una luz cálida ilumina la cara y las manos. ANÁLISIS NO FORMAL: A pesar de sus deformaciones la figura tiene un tratamiento digno y sereno. Eran estos personajes una forma de acercarse a la realidad por más cruda que pueda parecer. Todo estos personajes están rodeados de un sentimiento de ternura y cariño. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 31

32 Cuadros mitológicos: o Marte, Dios de la Guera [ 1640 ] SEGUNDO VIAJE A ITALIA Y TERCERA ETAPA MADRILEÑA [ ] Realiza un segundo viaje entre los años 1649 / 1651 con un objetivo: adquirir cuadros y antiguedades para las galerías reales hispanas. Perfecciona su técnica consiguiendo plasmar la perspectiva aérea. Su pincelada es más suelta y emplea cada vez menos cantidades de pasta. Cuida mucho la ambientación y los detalles. o Retratos que realiza en Italia Retrato de Inocencio X Retrato de Juan Pareja Los dos paisajes de Villa Médicis La Venus del espejo IDENTIFICACIÓN Tema: RETRATO DEL PAPA INOCENCIO X Fecha: Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Genero: Retrato Estilo: Pintura Barroca Española PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 32

33 ANÁLISIS FORMAL Tema: Retrato del Pontífice cuando ya había cumplido los 75 años. Capta perfectamente su sicología: feo, astuto, desconfiado. Le retrata leyendo una carta de Felipe IV. Este retrato le propició la entrada en la Academia de Pintura de San Lucas. Composición: Cuadro ligeramente girado hacia el espectador, le representa en una postura natural mirando fijamente al espectador, abandonando los aires gradilocuentes que se utilizaban para la representación de los Papas. Colorido: Destacan la gama de rojos carmín, el color de los papas, de reflejos sedas, y la cortina roja del fondo. Preciosista en los detalles, anillo del papa, claveteado y adornos de la silla papal. Luz ANÁLISIS NO FORMAL Demasiado veraz, dijo el papa cuando lo vio. IDENTIFICACIÓN Tema: LA VENUS DEL ESPEJO Fecha: 1620 / 21. Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Genero: Pintura mitológica Estilo: Pintura Barroca Española. Escuela española ANÁLISIS FORMAL Tema: Inspirada en las representaciones venecianas de la Diosa del amor.. Composición: PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 33

34 Sitúa la figura de espaldas situada en un sofá que se adapta a las curvas del cuerpo. Un cupido le acerca un espejo donde se insinúa el rostro desfigurado. Una serie de líneas marcar la composición, el cortinaje, la curva de la espalda de la mujer, la sábana etc. Colorido: Dominan la escena los colores cálidos; los contrastes entre negro blanco/ cortina fondo. Luz: luz suave, tenue ilumina toda la escena ANÁLISIS NO FORMAL Representa las tres edades de la vida: y el agua simboliza la transmisión del conocimiento: desde la juventud hasta la vejez. El anciano que tiene la sed aplacada tiende la copa de la experiencia al niño, en presencia de un tercer hombre de mediana edad que disfruta ávidamente del jarro. El higo que se trasparenta dentro de la copa, símbolo sexual femenino, ha sido interpretado como u rito de iniciación al amor. FASE FINAL: ULTIMA ETAPA MADRILEÑA. LA CULMINACIÓN DEL ESTILO: [ ] Retratos o Retrato de Felipe IV o La Infanta margarita o La Reina Mariana de Austria o Las Meninas [ 1656 ] o Las Hilanderas [ 1657 ] IDENTIFICACIÓN Tema: LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE. Fecha: 1651 / 60. Técnica: pintura de oleo sobre lienzo Género: Cuadro mitológico Estilo: Pintura Barroca Española PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 34

35 ANÁLISIS FORMAL Tema: Diferentes escenas donde mezcla un hecho mitológico con acontecimientos reales. Composición: Primer plano: un momento en el trabajo de la Real fábrica de Tapices de Santa Isabel. Sin embargo se trata de la competición entre Atenea vestida de vieja y al joven Aracne. En segundo plano unas figuras femeninas observan la representación que parece formar el tapiz pero que están fuera del mismo. En tercer plano podría representar el mito de Aracne o el rapto de Europa, otro hecho mitológico según el cual Aracne tejió en un tapiz para competir con la diosa Atenea. Todos estos planos están comunicados mediante las miradas de una de las damas del segundo. Se buscan las diagonales en los personajes que abren la escena. Se representa a todos los personajes al modo barroco, es decir sin especial importancia a las diosas. De hecho las diosas pasan desapercibidas como unas hilanderas más. Luz: Utiliza la luz para conseguir la perspectiva aérea suavizando los contrastes y haciendo una atmósfera vaporosa. Colores: Colores cálidos, y aplica colores vivos y fogosos en determinadas partes del cuadro, siguiendo la técnica veneciana como en las cortinas, en las faldas etc. Se busca el claroscuro pero difuminado por las perspectiva aérea; así el primer plano apenas recibe iluminación mientras que en el segundo recibe un fuerte foco lumínico ANÁLISIS NO FORMAL Representa el mito de la composición entre Atenea o Minerva y la joven Aracne, quien presumía de ser la mejor tejedora. Atenea pretendió frenar la competitividad disfrazándose de vieja pero al final tuvo lugar el reto. La joven tejió un tapiz en el que se representaba el rapto de Europa. La diosa dolida por el triunfo de la joven, la convirtió en araña. Ha unido una escena costumbrista con una escena mitológica PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 35

36 IDENTIFICACIÓN Tema: LAS MENINAS. Fecha: Técnica: pintura de oleo sobre lienzo. Genero: Retrato de familia Estilo: Pintura Barroca Española. Escuela madrileña ANÁLISIS FORMAL Tema: La irrupción en el estudio del pintor de la Infanta Margarita acompañada de sus damas de corte. La escena se sitúa en un aposento del Alcázar donde el pintor tenía su taller. Doña Agustina de Sarmiento a la izquierda y doña Isabel de Velasco a la derecha, damas de honor de la infanta. También aparecen los enanos mari Bárbola y Nicolasito Pertusato. En segundoplano hay dos figuras de pie Doña Marcela Ulloa sirviente de las damas de la infanta y Diego Ruiz de Azcona, el guarda damas. Al fondo en la puerta José Nieto Velázquez el aposentador de palacio y posible pariente de Velázquez. En el espejo aparece el busto de los reyes Felipe IV y Margarita de Austria. Completa el cuadro en otro plano el pintor con pincel y paleta en sus manos y la cruz de Santiago. En la pared aparecen dos escenas mitológicas copiadas de Rubens Palas y Aracne y de Jordaens Apolo y Marsias. Composición: Todas las diagonales compositivas confluyen en la Infanta Margarita- Desde ella se proyectan otras hacia el espejo y la puerta. El espejo refleja algo que está fuera del cuadro y la puerta amplia el espacio visual La Mitad superior del cuadro está en semi penumbra o gradación lumínica mientras la parte inferior aparecen todos los personajes distribuidos en varios planos. Luz: En el cuadro aparecen dos focos lumínicos el que artificialmente irradia sobre las figuras en primer plano y el que entra en la habitación a través de la `puerta. El resto de la composición queda en penumbra. Domina perfectamente la técnica de la perspectiva aérea al plasmar la atmósfera existente entre los diferentes cuerpos mediante el difuminado de sus cuerpos de sus contornos que, junto al contraste entre la parte iluminada ( centro ) y la oscura ( paredes y techo) refuerzan el sentido de la profundidad escénica Colores: Utiliza una pincelada fluida y larga con otras cortas y precisa para perfilar las figuras. Sabe trasmitir texturas tan diferentes como la madera, la rigidez de los vestidos o la suavidad del pelaje del perro. Su paleta es de gran riqueza destacando matices tonales del blanco y del negro y sus contrastes con el rojo de los detalles ornamentales de los vestidos. ANÁLISIS NO FORMAL Hay diversas interpretaciones: Una simple representación o irrupción de la Infanta Margarita en su estudio, ocupado en la elaboración de un retrato de la pareja real cuyas efigies se plasman en el espejo. Posiblemente el espejo reflejaría lo que está pintando el pintor en el lienzo, y en este caso habría que preguntarse a quien mira el pintor y las infantas? Para otros como un alegato del pintor a favor de la nobleza de la pintura equiparándola con la poesía y la literatura. Debía considerarse la pintura como Arte y no como artesanía. En este aspecto se entendería la aparición del autorretrato del pintor con el pincel y la paleta en sus manos. Según la leyenda la pinto el propio Rey Felipe IV tres años después de la muerte del pintor. El cuadro fue colgado en el despacho de verano de Felipe IV, un lugar al que solo el rey tenía acceso. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: AUTORES Y OBRAS 36