TEMA 11. (V) EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA LA DIFUSIÓN DEL HUMANISMO RENACENTISTA EN ESPAÑA A finales del siglo XV, la España de los Reyes Católicos se convirtió en uno de los países europeos de mayor difusión y alcance de los planteamientos humanistas difundidos desde Italia. Los propios monarcas mostraron un espíritu abierto a la crítica, fomentaron la fundación de universidades y la implantación de la imprenta que permitiesen una mayor difusión de las obras clásicas. El pensamiento humanista penetró y se difundió por la Península Ibérica con notable celeridad, sobre todo en la literatura y en la educación. La propia reina Isabel aprendió latín a los treinta años y demostró públicamente que el estudio humanista y la elocuencia eran valorados por los monarcas como una formación adecuada para cualquier caballero que quisiese contar con el favor de la corte. Sus propios hijos recibieron una esmerada educación humanista por pedagogos italianos. No fue un gesto gratuito. El apoyo de los monarcas a las universidades y a la imprenta fue continuo. Los hijos de la nobleza española comenzaron a acudir a la Universidad, donde estudiaban a Cicerón y la Gramática de Nebrija. La Universidad de Salamanca pasó de tener 600 alumnos a principios del siglo XV a tener más de 7000 a mediados del siglo XVI. A pesar del extraordinario desarrollo intelectual en el arte no ocurrió lo mismo. Las manifestaciones artísticas siguieron fieles a los principios medievales. Las iglesias se seguían construyendo con presupuestos del gótico y los nobles se mandaban levantar palacios al nuevo estilo renacentista. La entrada del nuevo estilo fue gradual en España. Se mantuvo el efecto ornamental del gótico tardío, pero se mezcló con la recuperación de formas clásicas (frontones o arcos de triunfo), propias del Renacimiento. Por el trabajo minucioso de la decoración de las fachadas, este primer renacimiento hispano se conoce con el nombre de plateresco. ETAPAS DE LA ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA La primera etapa está presidida por el estilo plateresco y se desarrolla en el reinado de los Reyes Católicos y posteriormente bajo su nieto, el emperador Carlos V. ESTILO PLATERESCO: (1500-1530). Esta etapa se caracteriza por la estructura gótica y la decoración renacentista en las obras. Destacan el Hospital de la Santa Cruz en Toledo; la Catedral nueva, la Casa de las Conchas, el Convento de San Esteban y la Universidad en Salamanca, y la Escalera Dorada en la Catedral de Burgos. A finales del siglo XV se construyeron otros edificios de tipo plateresco como el Palacio de Cogolludo, el colegio de Santa Cruz de Valladolid y la Catedral de Granada. Los edificios de la época muestran: -Arcos mixtilíneos o carpaneles, -Pilastras decoradas o columnas con el fuste retorcido, y están -Rematados con cresterías (motivo ornamental calado de formas vegetales asimétricas, que se sitúa como remate de las fachadas) y -Rematados con mecheros (elementos decorativos verticales que separan o articulan tramos de crestería, con forma semejante a un candelabro). Su mayor exponente es la fachada de la Universidad de Salamanca. Son edificios con sobrecarga decorativa y ornamental, que parecen obras salidas del cincel de un platero. Arquitectos destacados: Diego de Siloé, Lorenzo Vázquez, Alonso de Covarrubias. La segunda etapa está presidida por el estilo purista, puritano o segundo plateresco, y se desarrolla bajo el reinado de Carlos V. ESTILO PURISTA, PURITANO O SEGUNDO PLATERESCO (1530-1600): Esta etapa se caracteriza por: 1) Una decoración más sobria y 2) Elementos constructivos renacentistas clásicos. Las plantas regulares, organizadas y simétricas. Se recupera el uso del arco de medio punto Página 1
Las cubiertas con bóvedas de cañón decoradas con casetones. Los elementos decorativos son de procedencia arquitectónica: Frontones curvos y triangulares Balaustres Columnillas El resultado final permite contemplar edificios monumentales, sobrios y equilibrados. Las esculturas comenzaron a disponerse en fachadas y patios. La influencia de la arquitectura de Bramante en la ciudad de los papas es evidente. El palacio que Carlos V mandó construir en la Alhambra de Granada es un fiel reflejo del cambio en la forma constructiva. Con el nuevo rey entraron en España los nuevos planteamientos espirituales, personificados en el pensamiento de Erasmo de Rotterdam. El humanismo cristiano erasmista se difundió con rapidez en la corte y fuera de ella, convirtiéndose en el principal movimiento intelectual de la época. Sin embargo, su expansión fue breve, pues cuando se plantearon fricciones entre Erasmo y la jerarquía eclesiástica, el monarca, en su papel de Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, no dudó en apoyar a la jerarquía y empezó a perseguir el erasmismo. Se reforzó la Inquisición para erradicar el protestantismo. Dominicos y jesuitas se convirtieron en el apoyo intelectual e ideológico de la Contrarreforma que el Concilio de Trento se encargó de regular. Obras más destacadas: La Universidad de Alcalá, el Palacio de Monterrey en Salamanca y el ya citado Palacio de Carlos V en Granada. Arquitectos destacados: Pedro de Machuca, Rodrigo Gil de Hontañón, Juan Bautista de Toledo. La tercera etapa comparte el estilo purista y el estilo herreriano o escurialense. Se desarrolla bajo el reinado de Felipe II. ESTILO HERRERIANO (1560-1600): Este estilo convive con el purista y se desarrolla durante el reinado de Felipe II. El rey, católico ferviente se convirtió en adalid de las ideas contrarreformistas. Consideraba la religión como un tema de Estado. La Inquisición alcanzó mayor poder, realizándose autos de fe en ciudades como Valladolid y Sevilla, para escarmiento de aquellos que fuesen en contra de los designios del Rey. El arte y la literatura florecieron, pero dentro de los preceptos del concilio de Trento. Durante su reinado se impuso en la península un arte impregnado de los ideales manieristas de la época, aunque muy marcados por los principios de la Contrarreforma. Fue un arte austero, caracterizado en la arquitectura por: - El predominio de las formas constructivas y la escasez decorativa El rigor matemático en las proporciones compositivas Los chapiteles de pizarra. Los motivos geométricos. Las formas austeras y depuradas Sigue la concepción artística impuesta por la Contrarreforma Este estilo surge con el arquitecto Juan de Herrera, del que toma el nombre, siendo muy popular hasta el siglo XVII. Seguidores de este estilo son Gómez de Mora o de Trasmonte. Las obras de Juan de Herrera son: El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, la Catedral de Valladolid y la Lonja de Sevilla, entre otras. Obras de la Arquitectura del Renacimiento español: Página 2
Palacio de Cogolludo: Obra de Lorenzo Vázquez, de finales del siglo XV (1492-1495), con estructura gótica, aunque usa almohadillado en la fachada. En este período la nobleza abandona los castillos en favor del palacio urbano. Entre las distintas familias que colaboran con la introducción del nuevo estilo destaca la de los Mendoza. Los edificios que se construyen gracias a su mecenazgo en los últimos años del siglo XV y comienzos del siglo XVI muestran el gusto y la aceptación de las novedades provenientes de Italia. Uno de los ejemplos más tempranos es este palacio de Cogolludo. Mantiene las ventanas de tracería góticas. Estilo plateresco. Catedral y Capilla Real de Granada: Obra de Diego de Siloé, de la primera mitad del siglo XVI, de grandes dimensiones. La Catedral presenta cabecera con rotonda de la que parten cinco naves. Para lograr altura, las columnas adosadas se colocan sobre pedestales y varios entablamentos superpuestos. El uso de elementos clásicos se adapta a las dimensiones necesarias en una catedral. Sirvió de modelo para otras catedrales andaluzas como las de Jaén o Málaga. Elementos góticos y elementos renacentistas: pilares y columnas abalaustradas sobre pedestales y encima varios entablamentos superpuestos para lograr más altura. La Capilla Real se dispone junto a la Catedral y es el lugar de enterramiento de algunos miembros de la familia real, como el sepulcro yacente de los Reyes Católicos, (que habían elegido a esta ciudad para ello, por su significado simbólico) entre otros. Ambas son de estilo plateresco. Universidad de Salamanca: Su fachada plateresca de mediados del siglo XVI, de autor anónimo, se une al conjunto gótico de la Universidad. La fachada se estructura en forma de retablo, con tres niveles, siendo más recargados los dos superiores y sobre todo, el tercero. La concentración decorativa es típicamente gótica, pero los motivos son renacentistas. Página 3
Palacio del Emperador Carlos V: El Emperador encarga en 1527 la construcción de un Palacio en Granada, en el recinto de la Alhambra. El proyecto, inacabado, fue realizado por Pedro Machuca, arquitecto y pintor de formación italiana. El Palacio de Carlos V expresa la idea del poder imperial como centro del universo. En su planta se combinan la forma cuadrada en el exterior y la forma circular en el patio interior. El diseño supone una gran novedad en la arquitectura palaciega, produciendo un edificio sobrio y equilibrado. La decoración es muy sencilla: en el piso bajo de las fachadas se usa almohadillado; en el resto del edificio se emplea la superposición de órdenes (dórico y jónico) y motivos alegóricos alusivos a la figura del monarca, al que se compara con Hércules. En la fachada sigue el modelo de palacio italiano. Estilo purista. Patio interior: superposición de órdenes, dórico y jónico. Plano: combina cuadrado y círculo Universidad de Alcalá: Su fachada purista, de mediados del siglo XVI de Rodrigo Gil de Hontañón. De gran elegancia ornamental, el arquitecto estudia en el edificio la composición general, la distribución de los vanos y la armonía de conjunto. Emplea el recurso de galería superior y desarrolla la decoración en el eje de la fachada. Se compone de tres pisos con sistema mixto en la Página 4
construcción (combinación de columna y arco, arquitrabe y bóveda), con superposición de órdenes (dórico, jónico y corintio), y una balaustrada superior con remates en pináculo y un escudo heráldico en el centro bajo un frontón curvo. Monasterio de San Lorenzo de El Escorial: Fue el símbolo de la Contrarreforma y de la Monarquía española del siglo XVI. Lo mandó construir Felipe II el mismo año en que terminó el concilio de Trento, aunque las obras duraron veintiún años (1563-1584). El monarca quería reafirmar ante el mundo el poder que ejercía sobre unos dominios que, por entonces, comenzaban a rebelarse. Para plasmar esa simbología se escogieron elementos y formas constructivas austeras. Destacan los grandes volúmenes y la ausencia de decoración que fue sustituida por los contrastes lumínicos entre los elementos empleados en el edificio. El monasterio está enclavado en la sierra de Guadarrama. Es un enorme complejo que comprende mausoleo, iglesia, biblioteca y palacio para el rey. En él trabajaron dos arquitectos diferentes: Juan Bautista de Toledo, que había trabajado con Miguel Ángel en las obras de san Pedro en Roma y Juan de Herrera, que continuó con los planos del anterior a la muerte de su maestro. Pero el rey fue el auténtico artífice del Monasterio, ya que supervisó toda la obra y dio indicaciones para las modificaciones. Para la planta se eligió un enorme cuadrado, subdividido en otros menores, que se organizaban alrededor de los patios. El eje central del edificio lo ocupan la iglesia y el patio de entrada. A ambos lados se estructuran los patios, de forma que las diferentes funciones del edificio son independientes. Se inspira en los trazados de los Hospitales italianos del Renacimiento, a partir de un esquema en forma de cruz. La iglesia preside la construcción y su crucero se cubre con una enorme cúpula que recuerda los modelos italianos. El resto de cubiertas tienen las vertientes muy inclinadas, con chapiteles en las torres. Es un reflejo flamenco, muy popular en la arquitectura española. Las entradas principales se resaltan con el uso del orden gigante y la decoración de pirámides coronadas por bolas. La construcción de El Escorial está pensada con un ajustado sistema de proporciones y estudios de geometría. El edificio aúna influencias flamencas e italianas, lugares donde poseía territorios la Corona española. Los rasgos generales de la construcción como la austeridad, simplicidad o decoración con elementos arquitectónicos expresan el arte más depurado de la Contrarreforma. Materiales: piedra para los muros y pizarra para el tejado. No se añadieron elementos ornamentales en el edificio, que se caracteriza así por el respeto a las formas constructivas de Miguel Ángel, pero que aquí alcanza la austeridad total. El orden gigante miguelangelesco y los vanos ciegos que permiten jugar con los efectos lumínicos se emplearon de nuevo. Los presupuestos manieristas aparecen perfectamente representados en la concepción de El Escorial. La repercusión de este edificio fue tal que la arquitectura española de finales del siglo XVI recibió el calificativo genérico de escurialense o herreriana. El mensaje de El Escorial era la supeditación de la vida humana a los designios divinos. La grandeza de formas de este edificio consigue que cualquiera que entre en él quede profundamente impresionado, tanto por las dimensiones como por la cantidad de patios y claustros que organizan el espacio interior. El hombre, eje del renacimiento, percibe su pequeñez ante Dios y éste caminar del hombre concluye con la muerte que se evidencia en el Panteón Real, que se encuentra en el centro del complejo escurialense. Si a principios de siglo, científicos y religiosos habían discutido la concepción tradicional del mundo, poniendo en peligro la concepción de la monarquía absoluta y la estructura Página 5
económico-social, a finales del siglo los sectores amenazados trataban de impedir los cambios. El papel de barrera lo ejercieron la Monarquía española y la Iglesia Católica. Con El Escorial, monumento sobrio y severo, se quería poner de manifiesto la nueva Iglesia de la Contrarreforma, que se apoyaba en el poder de la Monarquía hispánica. La influencia que tuvo en la arquitectura fue palpable, incluso en edificios de principios del siglo XVII, cuando el nuevo estilo barroco y sus presupuestos estéticos estaban ya en toda España. Los pináculos escurialenses y la austeridad decorativa marcaron los inicios constructivos del barroco español. El conjunto fue denominado traza universal, delimitada por un rectángulo del que sobresale en uno de los lados el palacio del rey. El carácter funerario del edificio explica alguno de sus rasgos, como la importancia de la cúpula sobre tambor. La zona conventual se articula en torno al patio de los Evangelios, cuyo templete central fue diseñado por Herrera. Todo está rodeado de jardines, huerta y naturaleza, reforzando su carácter de retiro espiritual en medio del campo. Allí el Rey pasaba sus vacaciones sagradas. La envergadura y magnitud de la obra impresionó a sus propios constructores y a medida que avanzaba se fraguó una mitología sobre el edificio, al que se comparó con el Templo de Salomón. Pero en esencia, el modo sencillo y desornamentado, la importancia volúmétrica del cubo y la idea de simetría y correspondencia entre sus distintas partes hace de él un edificio peculiar, en el que algunas ideas renacentistas se abandonan frente a las ideas mantenidas por la Contrarreforma y Felipe II. LA ESCULTURA EN ESPAÑA Al final del siglo XV Valladolid se convierte en el foco principal de la escultura de la Monarquía. El Material predominante: la madera, por su bajo coste y calidad plástica, que se podía policromar, dando a la escultura mayor realismo. Algunos artistas extranjeros usaron barro policromado también. En los monumentos funerarios se usaba bronce y piedra, ésta última también como parte de la decoración arquitectónica, usando pan de oro en los retablos. La escultura se desarrolla en Castilla con elementos extranjeros de escultores como Felipe Bigarny (introduce elementos italianos); Damián Forment (con elementos góticos y renacentistas), Domenico Fancelli, escultor italiano que realiza el sepulcro en mármol de los Reyes Católicos (1517) en Granada. Es un sepulcro exento decorado con medallones con representación de alegorías de las virtudes y decoración de grutescos. La presencia de escorzos violentos y grandes volúmenes de origen miguelangelesco, dominó la escultura. La temática favorita era la religiosa, sobre todo la Virgen, ya que la Contrarreforma defendía el papel intercesor de María frente a los protestantes. Idéntica razón llevó a la realización de estatuas donde se resaltaban las virtudes de los santos y mártires de la Iglesia. Frente a los protestantes la Iglesia Católica reafirmaba su mérito como modelos y mediadores ante Dios. En este contexto, escultores como Juan de Juni y Alonso de Berruguete desarrollaron una escultura acorde con la nueva temática y los Página 6
presupuestos miguelangelescos. Escultores: Bartolomé Ordóñez (muerto en 1520) y Diego de Siloé (1495-15639 añaden a su formación española la influencia italiana. El fruto es una escultura plenamente renacentista, elegante, delicada y llena de la fuerza de los grandes maestros. Alonso Berruguete: Viaja a Italia y a su regreso se instala en Valladolid, desde donde atiende encargos de los más diversos lugares. Crea un estilo nervioso, apasionado, expresivo e incorrecto, con elementos manieristas. Gusto por lo inestable y lo descoyuntado, con canon alargado; figuras que se contorsionan con violencia sobre un eje, dentro del más puro manierismo, buscando la asimetría y el movimiento. Entre sus obras destacan: el sacrificio de Isaac y San Sebastián, la sillería del coro de la Catedral de Toledo junto a Bigarny y el sepulcro del cardenal Tavera. Juan de Juni (1507-1577): Originario de Francia y educado en Italia, también se instala en Valladolid. Sus formas son amplias, monumentales y de plegados abundantes, con rostros naturalistas y grupos muy teatrales que preludian el barroco. Su estilo es meditado y perfeccionista, monumental y dramático. Sus obras principales son: El Santo Entierro, grupo con un dramatismo solemne, volumen, gestos patéticos y composición cerrada; la Virgen de los cuchillos (Dolorosa). Gaspar Becerra: Importa las formas de Miguel Ángel y sus discípulos, como se puede observar en el retablo de la Catedral de Astorga. Desde una lectura contrarreformista, exalta la anatomía, con formas de gran volumen, rigidez en las composiciones y arquitecturas propias del manierismo romano e inicia la corriente denominada romanista. Durante el Renacimiento en la Península se realizaron también esculturas en bronce, según la tradición de las tallas de carácter público que ya se observaba en las ciudades italianas. Eran esculturas de los monarcas realizadas para ser vistas por el pueblo y en las que la idea de representación del poder estaba muy presente. El ejemplo más característico de este tipo de tallas son las esculturas de Felipe II realizadas por los italianos Leone y Pompeo Leoni. A partir de la segunda mitad del Siglo XVI el arte hispano estuvo muy mediatizado por la ideología que condicionaba el tipo de temática que aparecía tanto en la pintura como en la escultura. Así los mismos temas se repitieron durante el siglo XVII, ya en pleno barroco, en la imaginería hispana. OBRAS: San Jerónimo: Escultura de P. Torrigiano. Primera mitad del siglo XVI, modelado en barro. Es una obra expresiva de gran movimiento y patetismo. Realista anatómicamente. Retablo de la Basílica del Pilar. De Damián Forment, en Zaragoza. De principios del siglo XVI. De alabastro, con estructura gótica y motivos de esa época. Las figuras y esculturas son clásicas, de influencia renacentista. Sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso: De Bartolomé Ordóñez, en Granada, de la primera mitad del siglo XVI. De mármol y exento, es un sepulcro tipo cama, que mostraba a los enterrados yacentes, durmiendo y en actitud apacible. Muestra la idea de la perduración del difunto después de la muerte, dentro de un fuerte sentido religioso. Además de la representación del fallecido, abundan los motivos referidos a los santos por los que el difunto tenía una especial devoción, o alegorías de las virtudes por las que quería ser recordado. En este sepulcro de la Capilla Real de Granada, Ordóñez trata el mármol con gran dominio técnico y con la serenidad propia de un gran conocedor de la escultura del Cinquecento italiano. Página 7
Sagrada Familia: De Diego de Siloé, de la primera mitad del siglo XVI, es un trabajo en madera no policromada con composición triangular, la Virgen de medio cuerpo como organizadora; San José en segundo plano y Jesús y San Juan como niños, jugando. Tiene un gran movimiento, armonía y belleza clásica. Sacrificio de Isaac: Obra de Alonso de Berruguete, de la primera mitad del siglo XVI. Es un grupo escultórico perteneciente a un retablo de la Iglesia de San Benito el Real que fue desmontado por la Desamortización. Composición triangular en madera policromada. La composición sin embargo, rompe las normas clásicas: el giro de la cabeza alzada al cielo, la pierna que se separa del grupo sin apoyarse en ninguna parte o la figura retorcida de Isaac. De clara influencia manierista destacan los rostros que expresan dolor y sufrimiento, las bocas abiertas que parecen gritar y las miradas suplicantes. Todo ello dispuesto y presentado con gran carga dramática; en la talla se busca asimetría, inestabilidad e importancia del contenido sobre la forma. La policromía, muy rica, con pan de oro. La técnica de estofado y encarnado contribuye a dar la expresión final a la escultura. En esta escena Abraham se dispone con gran dolor a sacrificar a su hijo Isaac porque Dios se lo pidió. La policromía era un proceso laborioso que se realizaba una vez finalizada la talla. Sobre la madera se daban varias manos de yeso fino para terminar con una capa de arcilla rojiza denominada bol. A continuación se daban finas láminas de oro (panes de oro). Sobre él se pintaba para después rascar la pintura formando diferentes dibujos. El resultado se conoce con el nombre de estofado, por imitar la decoración de las telas que formaban los vestidos (stoffe en italiano). Los rostros y las partes visibles del cuerpo se pintaban directamente imitando el color de la piel (el encarnado). La policromía aportaba a la escultura un gran realismo. Esta obra está influenciada por los grandes maestros italianos como Donatello, después de pasar por las interpretaciones personales característicos del manierismo. Fue una obra innovadora en la plástica española. Santo Entierro: Obra de Juan de Juni, pertenece a la primera mitad del siglo XVI. Es un grupo escultórico que representa el entierro de Cristo, en el que todos los personajes están colocados de acuerdo al principio de simetría, con movimiento medido y concentrado en el Cristo yacente. Expresa gran dolor y sufrimiento. Retablo de la Catedral de Astorga: Obra escultórica de Gaspar Becerra de la segunda mitad del siglo XVI, narra la vida de la Virgen, destaca la escultura de la Asunción de la Virgen con gran volumen y movimiento. La figura de la Virgen gira en torno al eje central, con contraposición (los brazos hacia un lado y la cabeza hacia el otro) y niños desnudos, influencia de Miguel Ángel. Página 8
Pintura del Renacimiento en España Las formas renacentistas italianas se introducen al final del siglo XV y la temática es religiosa, puesto que la Iglesia es el principal cliente de los artistas, aunque podemos encontrar algunos ejemplos de pintura mitológica en ambientes cortesanos. Destacan dos escuelas: La Valenciana con influencia italiana de Leonardo y Rafael y la de Castilla (con influencia flamenca) ESCUELA VALENCIANA En Valencia es donde primero llega la influencia del Quattrocento italiano por su cercanía. Usan arquitecturas clásicas, grutescos, el interés por la anatomía, la captación de la atmósfera y las composiciones equilibradas. Destacan dos autores: Yáñez de la Almedina: Santa Catalina : Obra de la primera mitad del siglo XVI. Presenta fuerte influencia de Leonardo en la figura y el ambiente; belleza ideal, sfumato, y símbolos como la rueda del martirio. Introduce la arquitectura clásica y urbana como fondo. Juan de Juanes: La Santa Cena : Obra de la primera mitad del siglo XVI. Sigue el modelo de la Última Cena de Leonardo, muestra una composición con modelos dulces y sentimentalismo por influencia de Rafael. ESCUELA DE CASTILLA: Pedro de Berruguete: (1450-1503) Aúna la influencia flamenca y la italiana. Anunciación de la Virgen: Obra de finales del siglo XV, para la Cartuja de Miraflores. Es una escena de interior. La Virgen, que está orando se ve sorprendida por el ángel Gabriel. Un foco de luz central ilumina la escena, el eje de simetría es el ventanal gótico, con un jarrón de azucenas como símbolo de virginidad. Con Página 9
influencia flamenca e italiana; detalle y oros en lo flamenco; perspectiva y luz en lo italiano. Presenta perspectiva y profundidad en los suelos, los nimbos dorados y los plegados de la ropa son góticos. Otras obras del pintor son: Retablo de la Virgen de Paredes de Nava ªRetablo de Santo Tomás de Ávila Alonso de Berruguete: (1486-1561) hijo de Pedro, alargamiento en las figuras, estilo manierista, luz fría. Pedro Machuca Descendimiento: De la primera mitad del siglo XVI. Presenta luz fría, figuras alargadas y contorsionadas. Influencia manierista. El eje central es Cristo, que está siendo descolgado de la cruz. Luis de Morales: (1510-1576) Expresividad profunda, formas dolientes y escenas llenas de ternura, donde se observa la captación de la atmósfera de Leonardo. La Virgen con el Niño. Influencia de Leonardo, con desproporción y luz manieristas, además de ternura. Mediados del siglo XVI. Gaspar Becerra (1520-1568). Se forma en Italia con los discípulos de Miguel Ángel y a su vuelta dirige la pintura al fresco en los palacios reales, utilizando el desnudo, la pintura mitológica y la decoración característica de la pintura italiana, y realiza obras como Dánae y la lluvia de oro. Desde Italia llegan otros pintores como El Greco, Tibaldi o Zuccaro. Los retratistas de Felipe II: Sánchez Coello: Retratista de la familia real. El Príncipe Carlos : Retrato de la segunda mitad del siglo XVI. Destaca su rigidez y el estudio psicológico del personaje, el malogrado hijo de Felipe II. Pantoja de la Cruz. Pinturas del Retablo de San Lorenzo de El Escorial: de Tibaldi y Zuccaro, de la segunda mitad del siglo XVI, con escenas de la vida de Cristo y la Virgen. En el centro se encuentra el Martirio del santo. Página 10
EL GRECO (Domenico Teotocopuli) Domenikos Theotokopulos (1541-1614) llamado el Greco fue el gran pintor del Renacimiento en España. Nació en Creta y se traslada a Venecia, después a Roma para terminar asentándose en España. Su obra, de gran personalidad se compone de las aportaciones de los lugares por los que pasa. De la pintura tradicional griega adopta la profunda religiosidad y el simbolismo de sus composiciones. De Venecia, el gusto por el color, la pincelada pastosa, los fondos escenográficos y la anécdota. De Roma, el estudio del desnudo y las formas helicoidales nerviosas y hasta deformes del manierismo. Su pintura se hace cada vez más abstracta, interpretando el color y las formas con absoluta libertad, lo que le acerca a las corrientes pictóricas contemporáneas. Realiza sus obras en el último período renacentista (manierismo). Se instruyó en el estilo postbizantino, siendo pintor de iconos en su juventud. De él deriva el uso de figuras alargadas, en él se ve la influencia italiana, ya que la luz y el color son venecianos. El Greco vivió los años del cambio artístico e ideológico de finales del siglo XVI. Su pintura estuvo fuertemente influenciada por el ambiente en el que vivió: Toledo y la Contrarreforma. La temática de sus cuadros es un fiel exponente de la ideología post-trentina de un arte al servicio de la Iglesia; un arte en el que las imágenes tenían el fin de defender los valores que la iglesia Católica de Roma enarbolaba frente a los protestantes: el manierismo, que se difundirá con rapidez gracias a la figura de Miguel Ángel. Éste revolucionó el campo del arte, y sus seguidores, fueron numerosos. El Greco fue uno de los mejores representantes de la nueva concepción pictórica a la maniera miguelangelesca. De él toma los grandes volúmenes, los escorzos violentos y la tendencia a alargar las formas presente en las últimas obras del genio de Florencia. Estas dos influencias, la ideología contrarreformista y Miguel Ángel se unen a una tercera: Tiziano. De él toma el color, la preferencia por las gamas cálidas y el empleo de tonos complementarios. Incluso se valió de tonalidades usadas por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina: naranjas y verdes, que usa en La Trinidad. Después evoluciona hacia una paleta más personal: colores cálidos (amarillo o rojo) que transforma en colores fríos, metalizados. Éstas influencias no impidieron que crease un estilo propio que lo convertiría en uno de los grandes pintores de la historia del arte; un estilo cada vez más influido por la espiritualidad de su vida. La temática de El Greco es claramente religiosa, aunque tratada de forma peculiar, condicionada por la espiritualidad del pintor. La libertad personal y el valor humano ante la religión estuvieron siempre presentes. En su temático influyeron los mecenas que le encargaban las obras. Todos eran hombres de la Contrarreforma, y conocedor de sus gustos e ideas sabía complacerlos. Sus primeras obras La expulsión de los mercaderes del templo y La cura del ciego de nacimiento. Viene a España para trabajar en el Monasterio de El Escorial. Obra suya es San Mauricio y la Legión Tebana. En ella se representa el martirio de San Mauricio y sus hombres en un ángulo y en el centro, aún vivos. El autor consideraba que no era necesario poner en primer término el aspecto sangriento del martirio: lo fundamental era destacar el valor humano que esconde la decisión del hombre que elige el martirio antes que renunciar a su fe. Por eso, en el primer plano representó el momento de la elección mientras que el del martirio queda relegado a un tercer plano. El cuadro muestra dos planos: el celestial y el Página 11
terrenal, tan del gusto del pintor. El Greco deja traslucir la importancia que le da a la otra vida, ya que la terrenal es solo un paso hacia la otra vida. El alma de San Mauricio sale de su cuerpo para ir a formar parte de las multitudes celestiales. A pesar de esto, al rey Felipe II no le gustó la forma de pintar de El Greco, ya que creía que el momento de la muerte debía ser el tema principal. Por ello, tuvo que buscar trabajo en otra parte. Viaja a Toledo, donde el cabildo de la Catedral le encarga realizar: El Expolio, momento en el que despojan a Jesús de las vestiduras. Cristo es el centro de la composición, lo coloca en posición frontal, acentuando su papel con el color carmín veneciano de la vestidura. El efecto lumínico y la distribución apiñada de las distintas figuras aportan un notable dramatismo a la historia. El artista para concentrar toda la atención en la imagen central, reduce la visión del fondo y elimina el paisaje. Las figuras que rodean a Cristo están caracterizadas por sus gestos. Por encima de ellos, la expresión del rostro de Cristo muestra el sentimiento humano que le debió embargar en ese instante. La mirada profunda y penetrante, la expresión de la mano sobre el pecho, lo dice todo de Jesús. El Greco era un hombre del Renacimiento, formado en los círculos humanistas e intelectuales de Italia y Toledo. Detrás de Cristo hay figuras difuminadas. En sus obras tiene un marcado interés por expresar el sentimiento de los personajes a través de los gestos de las manos y de la expresión de los ojos, que reflejaba con gran maestría: Cristo en El Expolio, el Dios Padre en la Trinidad, el San Mauricio. Las manos acompañan el sentimiento del rostro a través de las posturas y actitudes. El cuadro más significativo es El entierro del conde de Orgaz. El Entierro del Conde de Orgaz, fue encargado para la Iglesia de Santo Tomé. Es un cuadro para conmemorar la muerte del Conde de Orgaz (la fe con obras), basada en la vida del conde. Presenta dos niveles: el celestial y el terrenal. En el terrenal introduce el autor a su hijo Jorge Manuel, a la izquierda del cuadro. El conde yacente con coraza, sostenido por San Agustín y san Esteban vestidos ambos con ropas eclesiales, el párroco de espaldas y el sacerdote leyendo. Entre las figuras de detrás está Alonso de Covarrubias. En el plano celestial está conformado por la Deesis (Cristo, la Virgen y San Juan), con el retrato de Felipe II y del Inquisidor de Toledo, entre otros, apóstoles, figuras bíblicas y ángeles. Las manos acompañan con sus gestos la expresión de los rostros, con lo que rompe la monotonía del color negro de las vestiduras. El plano celeste tiene más movimiento, luz y color. Otra característica es el diferente tipo de pincelada dentro de un mismo cuadro. Esto permitía tratamientos distintos para las telas, armaduras y los grandes paños que cubrían los cuerpos. En El Expolio usó pinceladas amplias para la túnica de Cristo y las tres Marías; pinceladas menudas para las armaduras de los caballeros. Pero el cuadro en el que mejor se refleja este tratamiento diferencial es en El entierro del conde de Orgaz, en el que el detallismo del grupo terrenal choca con las Página 12
veladuras empleadas para la representación del mundo celestial, que domina la parte superior del cuadro. El alargamiento de las figuras, tomado de los presupuestos manieristas alcanza en el Greco gran singularidad. Estilizaba en exceso las formas de los cuerpos que representaba. Este alargamiento y la paleta son elementos de los que se sirve para separar de manera rotunda los dos planos que aparecen en sus cuadros: el celestial y el terrenal. Otra peculiaridad del pintor cretense es la aparición en sus cuadros de personajes de la época. Es un anacronismo que se da ya en el siglo XV, pero el Greco lo emplea para acercar las escenas a la realidad cotidiana. Utiliza a estos personajes, que miran hacia el exterior del cuadro, para abrir sus composiciones y captar la atención del espectador. En el Martirio de San Mauricio, en El Expolio y en El entierro del conde de Orgaz usa este recurso, que posteriormente será frecuente en la pintura barroca. La obra del Greco es de las más representativas de una forma de pensar en el arte. Los ideales contrarreformistas, unidas a la personalidad del autor, dieron a su obra un carácter peculiar. El caballero de la mano en el pecho La adoración de los pastores: canon de 12 cabezas La Trinidad (destaca la figura de Cristo, Dios Padre como el Moisés) y el Espíritu como paloma. Página 13
La muerte de Laocoonte y sus hijos : Es un cuadro de principios del siglo XVII, de la última etapa del Greco. Trata un tema mitológico, en el cual Laocoonte, sacerdote de Troya, es atacado por dos serpientes enviadas por Apolo como castigo por sus pecados. Las figuras y los colores de la escena son platas y grises, retorcidas, miradas trascendentes, con Toledo como vista al fondo. Vista de Toledo Página 14