LAS SONATAS DE. Domenico Scarlatti CUARTA TEMPORADA

LAS SONATAS DE Domenico Scarlatti Ciclo integral de las 555 sonatas para teclado CUARTA TEMPORADA 2014-2015 IRENE VENEZIANO IL PERGOLESE YAGO MAHÚGO TEODORO ANZELLOTTI LUIGI ATTADEMO MASSIMO SPADANO Y LUCA GUGLIELMI RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA URI CAINE

IRENE VENEZIANO IL PERGOLESE DE VITO, COUTURIER, LECHNER Y RABBIA YAGO MAHÚGO TEODORO ANZELLOTTI LUIGI ATTADEMO MASSIMO SPADANO Y LUCA GUGLIELMI RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA URI CAINE LAS SONATAS DE Domenico Scarlatti Ciclo integral de las 555 sonatas para teclado CUARTA TEMPORADA 2014-2015

PIANO 9 de octubre de 2014. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA Baldasare Galuppi (1706-1785) Sonata n 5 en Do mayor: 1. Andante 2. Allegro 3. Allegro Assai Ottorino Respighi (1879-1936) Nocturno Tchaikovsky (1840-1893) / Pletnev (*1957) Suite de El Cascanueces (Marcia, Danza della fata confetto, Tarantella, Intermezzo, Danza russa, Danza cinese, Andante maestoso) Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonata K61 en la menor Sonata K391 en Sol mayor Sonata K425 en Sol mayor Sonata K101 en La mayor Sonata K95 en Do mayor Giacomo Puccini (1858-1924) Arie d opera (Valzer di Musetta, O mio babbino caro, Che gelida manina, Mi chiamano Mimì, E lucevan le stelle, Nessun dorma) IRENE VENEZIANO IRENE VENEZIANO DESARROLLA UNA INTENSA ACTIVIDAD CONCERTÍSTICA en Europa (Italia, Suecia, Polonia, Francia, Suiza, Albania, Montenegro, Eslovenia, Alemania, República Checa, Gran Bretaña), Asia (Vietnam, Jordania, Israel, China, Singapur, India, Corea), África (Túnez), Sudamérica (Perú) y América (Usa, Canadá). En Pekín ha sido nombrada miembro honorario del Beijing Bravoce Music Club y en Perú ha recibido el título honorífico de Visitante distinguida. En 2011 ha debutado en el Teatro Alla Scala de Milán. Ha ganado una treintena de concursos, nacionales e internacionales, de piano. Ha sido semifinalista del prestigioso Concurso F. Chopin de Varsovia 2010, ha sido ganadora, entre otros, del Prix Jean Clostre en Ginebra, el segundo premio en el B&B de Nueva York, el premio A. Casella en el Premio Venezia, 1 Premio y Grand Prix en el Tim de París. Ha tocado en numerosas ocasiones para Radio3 en los Conciertos del Quirinal, para la Radio Suisse Romande en Ginebra y para Radio Classica. Se ha titulado con 10, cum laude y mención en el G. Puccini de Gallarate. En 2008 ha obtenido el Título Académico de II nivel en el G. Verdi de Milán, el Título de Música de Cámara en la Academia de Ímola, el Título de Perfeccionamiento en la Accademia di S. Cecilia de Roma (con Beca de estudios G. Sinopoli entregada por el Presidente GMR

PIANO. 9 DE OCTUBRE DE 2014. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA de la República, G. Napolitano, en el Quirinal), todos cum laude y mención. En 2009 ha obtenido el título de Didáctica de la música en Milán. Toca en dúo con el renombrado flautista Andrea Griminelli. Ha colaborado con importantes músicos, entre los cuales los flautistas William Bennett, Davide Formisano, Andrea Oliva, Michele Marasco, con el primer fagot del Teatro Alla Scala Valentino Zucchiatti; con el cuarteto Terpsycordes; con los violinistas Francesca Dego, Daniele Pascoletti (Concertino del Teatro Alla Scala); los tenores Saimir Pirgu, Piero Mazzocchetti; el guitarrista Emanuele Segre; el pianista Bruno Canino. Ha trabajado con los directores de orquesta: Yuri Bashmet, Ovidiu Balan, Sergio Vecerina, Massimiliano Caldi, Giancarlo De Lorenzo, Stephanie Pradoroux, Elena Casella, Roberto Misto, Roberto Bacchini, Sandro Pignataro, Luigi Di Fronzo, Massimo Alessio Taddia, Jader Bignamini, Roberto Pasquini, Keith Goodman, Pier Carlo Orizio, Vladimir Elner, Stanislaw Kochanovski. Es consejera artística de la temporada de conciertos en oncologías Donatori di musica. Imparte numerosos cursos de perfeccionamiento anuales y estivos. Es profesora de piano en el Conservatorio A. Scontrino de Trápani. IRENE VENEZIANO NO DISIMULA IRENE VENEZIANO (ANGERA, 1985) SU VÍNCULO ESPECIAL CON Chopin, que ha sido su compositor fetiche desde que con nueve años comenzara a tocar el piano y una fuente inagotable de inspiración a lo largo de toda su carrera. Así lo demostró en 2010 durante la semifinal del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin de Varsovia. Claro que antes de alzarse con una treintena de primeros premios en competiciones internacionales y de ganarse el respeto de los jurados del Prix Jean Clostre en Ginebra, el B&B de Nueva York, el Premio Venezia o el no menos prestigioso Tim de París, estudió en el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán, bajo la tutela de Edda Ponti, y más tarde en la Academia Nacional de Santa Cecilia de Roma con Sergio Perticaroli. Desde entonces se ha dejado ver en las mejores salas y teatros del mundo (como La Scala de Milán, donde debutó en 2011) abordando un amplio repertorio, bien como solista, a dúo (a menudo con el flautista Andrea Griminelli) o acompañando a diferentes músicos y formaciones de cámara. A Madrid llega para inaugurar la cuarta temporada del Ciclo de las 555 Sonatas de Scarlatti que organiza el Instituto Italiano de Cultura de Madrid. Una odisea y una osadía (no se recuerda una integral parecida en España) que ha reabierto el debate en torno al grado de compatibilidad del piano moderno y el repertorio barroco. No se trata, en cualquier caso, de reivindicar estilos o fórmulas sino de confirmar la vigencia del legado scarlattiano en toda su dimensión. La clave, a fin de cuentas, está en el intérprete, en cada uno de los pianistas y clavecinistas que en los últimos tres años han pasado por el Salón de Actos del Palacio de Abrantes, desgranando el catálogo Kirkpatrick de Sonatas junto a otras partituras de autores que influyeron en Scarlatti y de compositores en los que tuvo especial efecto la música del genio napolitano. Irene Veneziano descorchará la programación con la Sonata nº 5 de Baldassare Galuppi (1706-1785), que arranca con un Adagio a modo de contraste: la ingenuidad melódica de esta preciosa nana frente a la fascinación armónica que caracteriza buena parte de la música de Scarlatti. El público advertirá que el primer movimiento de esta partitura, popularizada en su día por Arturo Benedetti Michelangeli, comparte algo más que la tonalidad (do mayor) con la famosa Sonata Semplice de Mozart, compuesta casi al mismo tiempo. El siguiente Allegro concede más margen al virtuosismo, mientras que en el conclusivo Allegro Assai Galuppi da carta blanca al intérprete para su lucimiento. Ocasión, la de este divertimento, que no desaprovechará Veneziano. El recital continúa con el vaporoso y postdebussyano Nocturno de Ottorino Respighi (1879-1936), compositor, director y musicólogo obsesionado con

PIANO. 9 DE OCTUBRE DE 2014. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA IRENE VENEZIANO la música italiana de los siglos XVI al XVIII. Llegó incluso a publicar sus propias ediciones de Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi y Benedetto Marcello. Resulta especialmente evidente la influencia de la música barroca en las óperas y obras sinfónicas de Respighi, que desempeñó durante algún tiempo el cargo de director de la Academia de Santa Cecilia de Roma, donde se formó precisamente Irene Veneziano. Uno de las aspectos más importantes a la hora de enfrentarte al instrumento es saber calibrar tus sentimientos, reconoce la pianista de 29 años. Y yo sé que necesito emociones fuertes. Como las que sin duda deparará el arreglo para piano de Mikhail Pletnev de la suite del ballet de El cascanueces de Tchaikovsky, imaginativo contrapunto propuesto por la propia artista italiana en su cita con el público madrileño. La primera Sonata que se escuchará será la K61 en la menor, la única escrita en la forma variación y una de las menos reconocibles del compositor, en tanto que recupera alguno de los procedimientos del bajo continuo característicos de la música para teclado de principios del siglo XVIII, época en la que el joven Scarlatti, entonces admirador de Corelli y Pasquini, se prodigaba como intérprete. La K391 en sol mayor es una de las sonatas mejor divulgadas, gracias en parte a Vladimir Horowitz, que la interpretaba con cierta regularidad y legó un excelente registro, pero también a la popular transcripción para guitarra, que ha dado lugar a un centenar de grabaciones. Elegante, ligera y con un marcado carácter español (no hay que olvidar que Scarlatti vivió el último tercio de su vida en España), la obra comienza con varias frases de cinco notas como cinco signos de interrogación. Sólo así se entiende la segunda parte como una respuesta ocurrentemente lúcida a las variantes de los temas previamente expuestos. Las vertiginosas K101 en la mayor y K425 en sol mayor, sin ser de las más conocidas, son un ejemplo de dominio en la ornamentación, sobre todo en lo que al empleo de trinos y mordentes se refiere. La K95 en do mayor pertenece a una de las ediciones Boivin (Pièces pour le clavecin), aparecida en París entre 1741 y 1746, y ha suscitado no pocas dudas sobre su autoría. A pesar de los recursos típicamente scarlattianos de la partitura, algunos estudiosos sugieren que pudo haber sido escrita por algún compositor francés de la misma época. La velada se cerrará con un surtido de arreglos para piano de arias de óperas de Puccini (Valzer di Musetta y Che gelida manina de La Bohème, O mio babbino caro de Gianni Schicchi y E lucevan le stelle de Tosca) con el que Irene Veneziano se exhibirá en su otra faceta: la de maestra repetidora y amante del repertorio lírico. BENJAMÍN G. ROSADO GMR

CUARTETO 11 de diciembre de 2014. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA Il Pergolese Ogne pena cchiù spietata Amen/ Fac Ut Portem Sinfonia for violoncello Chi disse ca la femmena Tre giorni son che Nina Fremente In compagnia d amore I In compagnia d amore II Dolente IL PERGOLESE MARIA PIA DE VITO, FRANÇOIS COUTURIER, ANJA LECHNER Y MICHELE RABBIA EN OTOÑO DE 2013 HA SALIDO EN ECM EL DISCO IL PERGOLESE, proyecto de Maria Pia De Vito, François Couturier, Anja Lechner y Michele Rabbia. Este trabajo, inicialmente encargado por la Fondazione Pergolesi - Spontini para el Festival Internacional homónimo de Jesi, ha sido presentado, por primera vez en septiembre de 2011. Le han seguido numerosos conciertos en Italia y en el extranjero, y Manfred Eicher, patrón de la ECM, decidió grabarlo para su sello, como finalmente se hizo en el Auditorio de la Radio Suiza de Lugano en diciembre de 2012. Las relecturas armónicas y formales y las tesituras instrumentales de Couturier, pianista y compositor francés de poliédricos intereses (Tarkovsky Quartet, Anouar Brahem Trio, Michel Portal), estimulan y catalizan el encuentro de cuatro personalidades fuertes con experiencias en diferentes territorios: el fraseo y el sonido inconfundibles de la violonchelista alemana, Anja Lechner, solista de valía tanto en ámbito clásico como en el de la música improvisada (colabora, entre otros, con Patricia Kopatchinskaja, Tõnu Kaljuste, Dino Saluzzi y, hasta la disolución del ensemble, con el Rosamunde Quartett). Michele Rabbia, músico ecléctico y en constante fermento en su investigación sonora de las más distintas fuentes y en sus posibles elaboraciones electrónicas y de sensibilidad delicada e introspectiva que lo hace virtualmente capaz de tocar en PAULO SEABRA

CUARTETO. 11 DE DICIEMBRE DE 2014. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA IL PERGOLESE FUE ALESSANDRO SCARLATTI (1660-1725), PADRE DE DOMENICO, COMPOSITOR prolífico y venerable maestro en los tiempos de la gloriosa escuela napolitana que surgió a principios del siglo XVIII en Italia. Cuentan sus biógrafos que la casa de los Scarlatti era en aquellos tiempos un hervidero de músicos, compositores, cantantes, libretistas y escenógrafos que acudían al Patriarca y Cavaliere arrastrados por su vorágine creativa. Unos para pedirle consejo o buscando inspiración para su arte; otros para participar en alguna de sus últimas obras para teatro o en los estrenos de sus innumerables serenatas, cantatas y piezas religiosas. cualquier contexto musical (de Louis Sclavis a Marylin Crispell). Maria Pia De Vito, cantante de jazz desde siempre atraída por las infinitas posibilidades sonoras de la voz, cuyos intereses se han dirigido tanto a la experimentación como a la investigación sobre música étnica, barroca, electrónica y al mundo de la canción en cualquier declinación (Ralph Towner, John Taylor, Steve Swallow). El material musical de Pergolesi se convierte en caldo de cultivo para diversos procedimientos e injertos variados: el diálogo de improvisación sobre tesituras armónicas y estructuras fluidas y mutables, la vocalidad barroca y el canto improvisado, los diálogos entre la voz de De Vito y la instrumental de Lechner, entre sonidos acústicos, ritmos de pieles, metales, y una electrónica aérea y concreta que elabora sonidos naturales y de síntesis. Abriendo el marco de páginas líricas del Stabat Mater, danzas y arias de óperas, sonatas para violonchelo y fragmentos de piezas instrumentales, a la búsqueda de una tradición aún por inventar. Maria Pia De Vito ha elaborado además la parte textual, traduciendo al napolitano entre otros Fac, ut portem Christi mortem y Quis est homo, qui no fleret, del Stabat Mater, seleccionando además en la versión original napolitana Ogni pena più spietata y, de Lo Frate nnamorato, Chi disse ca la femmena y Nun si chella ca io lassaje. Hacia 1720 irrumpió en el panorama musical italiano una nueva hornada de compositores. Muchos de ellos habían sido alumnos aventajados en el aula de Alessandro Scarlatti del Conservatorio de San Pietro a Maiella. Tal es el caso de Leonardo Leo, Nicola Porpora, Domenico Sarro, Johann Adolph Hasse, Leonardo Vinci, Francesco Feo, Gerolamo Abos, el propio Domenico Scarlatti y muy especialmente Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), figura fundamental en el desarrollo de la ópera italiana e impulsor de variados géneros vocales de estilo napolitano. Será precisamente Pergolesi el protagonista del segundo concierto del Ciclo Scarlatti en esta cuarta temporada. El programa de Il Pergolese revisa en clave contemporánea una selección de arias de ópera del compositor y recupera los pasajes más conmovedores de su Stabat Mater, además de algunas danzas, sonatas para violonchelo y fragmentos de piezas instrumentales que pudieron inspirar, a principios del siglo XX, el precioso ballet Pulcinella de Stravinsky. Cada pieza ha sido cuidadosamente restaurada por la cantante italiana Maria Pia De Vito, instigadora del proyecto, y el pianista francés François Couturier, autor de buena parte de los arreglos. Les acompañan en este viaje a lomos del barroco la violonchelista alemana Anja Lechner y el percusionista italiano Michele Rabbia. Antes de que la grabación de Il Pergolese para el sello alemán ECM empezara a recibir elogios de la prensa especializada, tanto en las páginas de la prestigiosa revista Gramophone como en la sección de críticas de disco de The Guardian, el programa fue presentado en forma de concierto en 2011 como parte de la programación del Festival Internacional Pergolesi Spontini de Jesi, cuyo escenario reunió por primera vez a cuatro artistas de muy diferentes procedencias y sensibilidades musicales, pero decididos a experimentar con las posibilidades sonoras del repertorio pergolesiano.

CUARTETO. 11 DE DICIEMBRE DE 2014. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA IL PERGOLESE A aquel primer y fructífero concierto en Italia le han seguido numerosas apariciones en salas y teatros de toda Europa durante una larga gira que no hizo sino confirmar el éxito del cuarteto en esta aventura. No se hizo esperar la llamada del conocido productor y jazzista Manfred Eicher, que terminó convenciéndoles para grabar sus nueve canciones en el Auditorio de la Radio Suiza de Lugano. Allí trabajaron día y noche durante un gélido diciembre de 2012 que contrasta con la calidez del resultado discográfico y el caluroso recibimiento del público allí donde han presentado el proyecto. La clave está en el contrapunto de los instrumentos en constante diálogo con la voz, la confluencia de los espacios acústicos y los paisajes electrónicos y la riqueza de texturas de la percusión. Il Pergolese es un experimento pero también un homenaje a uno de los grandes compositores de la historia de Italia que, en pleno siglo XVIII, fue capaz de aunar la música popular y la culta en un mismo estilo, lo que terminaría siendo uno de los rasgos más característicos de la escuela napolitana. Tres siglos después, Maria Pia De Vito, François Couturier, Anja Lechner y Michele Rabbia han salido a la búsqueda de una nueva tradición. Y la han encontrado. BENJAMÍN G. ROSADO Reconocen los integrantes de Il Pergolese que el jazz ha sido el punto de partida. Quizá porque en los últimos años, y a pesar de su formación clásica como soprano, Maria Pia De Vito se ha hecho un nombre dentro del género y más allá: en los confines de la fusión étnica y por los derroteros de la música electrónica que tan bien conoce su colega Michele Rabbia, intérprete ecléctico donde los haya, cuyo amplísimo espectro de influencias e intereses le hace estar siempre alerta y en constante crecimiento, tal y como demuestra su dominio de los tambores y metales en la grabación. En cada una de las inspiradas versiones, las relecturas armónicas y el tratamiento electrónico del inquieto Couturier, en su doble faceta de pianista y compositor, consiguen conjugar la música barroca en tiempo presente. Sus arreglos sirven de soporte a la personalísima voz de Maria Pia De Vito y dan espacio a la improvisación, que es el caballo de batalla de Anja Lechner, cuyo fraseo inconfundible parece ensanchar los límites del tiempo y permite escuchar dos mundos a la vez. Y es en esa confusión donde el violonchelo se hace voz y la voz se torna instrumento en un proceso en el que las arias de ópera se transforman en canciones y los textos antiguos se adaptan a la narrativa moderna. Ha sido la propia cantante italiana, que ha dedicado su carrera tanto a la interpretación como a la investigación musicológica, la encargada de traducir los textos originales al napolitano en honor al compositor y a las músicas populares de la época. Entre otros, Fac, ut portem Christi mortem y Quis est homo, qui non fleret del Stabat Mater. Además, ha recuperado la versión original napolitana de Ogni pena più spietata y las arias Chi disse ca la femmena y Nun si chella ca io lassaje de la ópera bufa Lo frate nnamorato.

FORTEPIANO 15 de enero de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonata K49 en Do mayor Sonata K50 en fa menor Sonata K51 en Mi bemol mayor Sonata K347 en sol menor Sonata K453 en La mayor Sonata K456 en la menor Antonio Soler (1729-1783) Sonata en mi menor nº 139 Sonata en Do mayor nº 134 Manuel Blasco de Nebra (1750-1784) Sonata V Sonata VI YAGO MAHÚGO CHARLES ELEGIDO POR RUBÉN AMÓN, CRÍTICO DEL PERIÓDICO EL MUN- DO como Artista Español del año 2013, Yago Mahúgo nace en Madrid. Discípulo de Robert Hill, es licenciado en instrumentos históricos de teclado (clave, fortepiano y órgano). Ha estudiado también con maestros como Christophe Rousset o Kenneth Gilbert. Entre sus galardones destacan los del 35º Concurso Internacional de clave de Budapest (Hungría) y del 13º concurso de clave de Brujas (Bélgica), considerado el concurso más importante de música antigua. Ha sido profesor de las asignaturas de clave e interpretación histórica e imparte regularmente cursos y conferencias sobre esta materia.

FORTEPIANO. 15 DE ENERO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA YAGO MAHÚGO ALO LARGO DE SUS TRES PRIMERAS TEMPORADAS, EL CICLO SCARLATTI HA convocado a los mejores clavecinistas y pianistas de cada especialidad, de Ottavio Dantone a Enrico Pieranunzi, pero nunca hasta ahora se habían acometido las Sonatas al fortepiano. Que no es el instrumento específico de estas partituras, aunque existen pruebas de que Scarlatti lo usaba ocasionalmente para componer. Quizá a su pesar, si tenemos en cuenta que ordenó convertir en clave varios fortepianos de la colección privada de su mecenas y alumna la infanta Bárbara de Braganza. Yago Mahúgo (Madrid, 1976) es licenciado en clave, fortepiano y órgano, además de una referencia en interpretación histórica de instrumentos de teclado. Alumno del gran clavecinista y fortepianista Robert Hill, se curtió como solista al contacto de maestros de la talla de Christophe Rousset y Kenneth Gilbert hasta hacerse con el premio especial del XXXV Concurso Internacional de Clave de Budapest y la mención de honor del XIII Concurso de Clave de Brujas, uno de los certámenes más importantes de música antigua del mundo. Ha grabado para las televisiones y radios estatales de toda Europa. Su primer disco de clave, con las obras completas del compositor francés del siglo XVIII Pancrace Royer, ha sido galardonado como Disco excepcional del mes por diversas revistas especializadas (Scherzo, Ritmo, Melómano ) y elegida como una de las mejores grabaciones de música clásica del 2013 por El País. Su último disco, con las piezas de clavecín en concierto de Rameau, está teniendo también una excelente acogida por la crítica. Es fundador y director del conjunto historicista Ímpetus. Además de su actividad como concertista, desarrolla su labor pedagógica en el conservatorio, en el Centro Superior de Enseñanza Musical Katerina Gurska y como clavecinista de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Explica el músico madrileño, también fundador y director del conjunto historicista Ímpetus, que al presionar una tecla del clavicémbalo, en el interior de la caja una púa de pluma de cóndor eleva una cuerda y la punza de tal manera que se produce el sonido más delicado del mundo. Razón por la cual, asegura, la literatura barroca pocas veces se puede leer en las siete octavas de los Steinway modernos. Está claro que el clave y el fortepiano preservan mejor que el piano la esencia filológica de esta música. Se puede interpretar una cantata de Bach en saxofón? Por supuesto, y seguro que el resultado es interesantísimo. Conviene recordar que las Sonatas fueron concebidas para un determinado instrumento, señala. Mahúgo empleará un fortepiano construido por Keith Hill en 2011, réplica de uno de los instrumentos que utilizó Mozart en su época. Posee un amplio rango dinámico, carácter robusto además de una mecánica vienesa que permite cambios de color en los registros agudos, comenta el intérprete. Su peculiar sonoridad resulta especialmente idónea para obras de Haydn, Mozart y Beethoven. Aunque en este caso servirá de puente entre diferentes sensibilidades musicales del siglo XVIII. Y ésa es la verdadera razón del fortepiano en este concierto: conectar las sonatas de Scarlatti con las de Soler y De Nebra, afirma.

FORTEPIANO. 15 DE ENERO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA YAGO MAHÚGO Antonio Soler (1729-1783) estudió en El Escorial con Scarlatti, aunque no hace falta conocer este dato para apreciar la influencia que ejerció el entonces compositor de la corte española en sus Sonatas. Las dos incluidas en el programa (la nº 139 en mi menor y la nº 134 en do mayor) no sólo son tardías (estructuradas en tres movimientos y muy próximas ya a la forma sonata) sino además recién descubiertas por el musicólogo Enrique Igoa en una nueva edición crítica publicada hace sólo unos meses. Su estreno en una sala de concierto madrileña servirá sin duda para arrojar más luz sobre este periodo clave en la historia de la música. Discípulo también de Scarlatti, Manuel Blasco de Nebra (1750-1784) combinó magistralmente su herencia natural española con las formas importadas del compositor italiano. Mahúgo abordará dos de sus Sonatas de madurez (la nº 5 en fa sostenido menor y la nº 6 en mi menor), en las que, siguiendo la línea de Antonio Soler (con esquemas Adagio- Presto y Adagio-Allegro, respectivamente, y una estructura básica del tipo A-B; A-B-A), se anuncia una primitiva forma sonata. A pesar de su temprana muerte, De Nebra abrió camino a muchos compositores posteriores con un prolífico legado que se calcula en más de 170 obras. se presta a un estilo cantabile muy adecuado a las posibilidades expresivas del fortepiano. La K456 en la menor (Venecia XI), con su escritura refinada y transparente, servirá de culminación y síntesis a los esercizi. En su reciente debut discográfico como clavecinista para el sello Brilliant Classics, Yago Mahúgo ha recopilado el primer libro de piezas para clavecín de Joseph-Nicolas-Pancrace Royer, compositor francés del XVIII. El disco en cuestión ha recibido excelentes críticas en las páginas de revistas especializadas (Scherzo, Ritmo, Melómano ) y fue seleccionado por El País como uno de los mejores discos de música clásica de 2013. También su última grabación, un surtido de piezas de clave en concierto de Rameau, precisamente cuando se cumplen 250 años de la muerte del autor de Les Indes galantes, está teniendo una excelente acogida. BENJAMÍN G. ROSADO En cuanto a los criterios de selección de las Sonatas de Scarlatti del programa, Mahúgo reconoce haber priorizado las relaciones tonales y las similitudes estéticas a través del fortepiano, pero también las emociones y los recuerdos de su infancia. No hay que olvidar que las Sonatas fueron concebidas originalmente como ejercicios para clave. Volver a ellas ahora me ha permitido revivir algunas de mis primeras experiencias musicales, comenta Mahúgo, que paralelamente a su actividad como concertista enseña clave en Madrid en el Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Las tres primeras piezas del programa pertenecen al volumen de la reina de 1742 (Venecia XIV), donde se recogen algunas de las llamadas sonatas floridas. Todo un reto para el intérprete, no tanto por su complejidad técnica (los pasajes más difíciles pueden tocarse sin necesidad de cruzar las manos) como por la emoción y el riesgo que sugiera cada ornamento. Es preferible saltarse alguna nota de la partitura asevera el fortepianista antes que sucumbir al virtuosismo mecanicista y complaciente. La vertiginosa K347 en sol menor (del catálogo Venecia VII) es un arrebato melódico, mientras que la K453 en la mayor (Münster II)

ACORDEÓN 12 de febrero de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonata K6 Sonata K457 Nadir Vasenna (*1970) noli me Tangere (2013) Domenico Scarlatti Sonata K474 Sonata K105 Sonata K262 Salvatore Sciarrino (*1947) Vagabonde blu (2000) Domenico Scarlatti Sonata K284 Sonata K101 Luciano Berio (1925-2003) Sequenza XIII (chanson) (1995/96) TEODORO ANZELLOTTI TEODORO ANZELLOTTI NACIÓ EN CANDELA, EN PUGLIA, PERO SE ha criado en los alrededores de Baden-Baden y ha estudiado en las Escuelas Superiores de música de Karlsruhe y Trossingen bajo la dirección de Jürgen Habermann y de Hugo Noth. Ha ganado numerosos concursos internacionales de acordeón. Como solista ha actuado en importantes festivales (Amsterdam, Hamburgo, Berlín, Bruselas, Colonia, Donaueschingen, Florencia, Milán, Los Angeles, Londres, Lucerna, Nueva York, París, Praga, Roma, Salzburgo, Seúl, Venecia, Viena, Tokyo, Toronto, Varsovia, Zurich) y ha colaborado con prestigiosas orquestas (Kölner-Rundfunk-Sinfonieorchester, Konzerthausorchester Berlin, SWR Sinfonieorchester Freiburg, SWR Sinfonieorchester Stuttgart, NDR Orchester Hamburg, Dresdner Philharmonie, Deutsche Radiophilharmonie Saarbrücken, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunk, ORF Orchester Wien, Radio-Symphonie-Orchester Ljublijana). Teodoro Anzellotti es uno de los solistas de acordeón más cualificados a nivel internacional. Su nombre está estrechamente ligado al renacimiento del acordeón, a partir de los años ochenta. Tras el estreno mundial de la Sequenza XIII per fisarmonica de Luciano Berio, en 1995, en el De Doelen de Rotterdam, Teodoro Anzellotti ha interpretado esta composición con enorme éxito en los festivales más conocidos de todo el mundo.

ACORDEÓN. 12 DE FEBRERO DE 2014. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA TEODORO ANZELLOTTI Ha interpretado en estreno absoluto más de 300 piezas compuestas expresamente para él por los compositores George Aperghis, Luciano Berio, Brice Pauset, Heinz Holliger, Toshio Hosakawa, Michael Jarrell, Mauricio Kagel, Gerard Pesson, Matthias Pintscher, Wolfgang Rihm, Salvatore Sciarrino, Marco Stroppa, Jörg Widmann, Hans Zender y otros. Mediante el empleo de técnicas extremas, de reciente implementación, ha ampliado las posibilidades sonoras del instrumento en una medida que anteriormente se tenía por imposible, convirtiéndose en figura de culto del nuevo acordeón y pionero de un nuevo panorama auditivo. EL ÉXITO DE LAS SONATAS DE SCARLATTI SE DEBE EN BUENA MEDIDA A SU VERSATILIDAD. Y es que, además de las habituales interpretaciones en clave y piano moderno de estas partituras, existe un nutrido catálogo de arreglos y versiones de las Sonatas para guitarra, arpa y acordeón. Instrumento, este último, que en las últimas décadas ha irrumpido con fuerza en las salas de concierto e inspirado un creciente número de estrenos de compositores contemporáneos. Uno de sus mayores impulsores ha sido, sin duda, Teodoro Anzellotti (Apulia, 1959), protagonista del cuarto concierto del Ciclo Scarlatti del Instituto Italiano de Cultura de Madrid. Teodoro Anzellotti es profesor en la Escuela artística superior de Berna y, desde 2002, también en la Escuela superior de música de Friburgo. Ha grabado CD con composiciones de J. S. Bach, D. Scarlatti, L. Janacek, J. J. Froberger, E. Satie, M. Kagel, M. Pintscher, M. Hidalgo, F. Yasuda, J. J. Froberger, S. Sciarrino y J. Cage para el sello Winter&Winter, L. Berio para DGG Para Anzellotti, que es de origen italiano aunque se crió en los alrededores de Baden-Baden y estudió en las Escuelas Superiores de Karlsruhe y Trossingen, las Sonatas gozan de una suerte de intemporalidad. Cada una de las 555 kas es una llave maestra que abre mil puertas: del clasicismo del siglo XVIII a las vanguardias de nuestros días, explica. El criterio del programa no obedece a pautas estéticas o formales, más allá del carácter eminentemente italiano de los compositores. Salvando todas las distancias, me atrevería a decir que los cuatro comparten un insaciable interés por la música de su tiempo, llámese popular, folclórica o de vanguardia, y una arrolladora proyección hacia el futuro. Abrirán el concierto las Sonata K6 en fa mayor, de exuberancias rítmicas y aires dancísticos, y la K457 en la mayor, que pone de manifiesto una mayor estilización armónica y sentido de las relaciones tonales que en los primeros esercizi. Anzellotti empleará un acordeón de botones y la partitura original. No he realizado ningún arreglo, asevera. La riqueza cromática del acordeón permite tocar cada nota que aparece en el papel. Lo importante es no tratar de emular el sonido del clavicémbalo y llevar las Sonatas a tu terreno. Desde allí pondrá rumbo a las alturas de Noli me tangere, de Nadir Vasenna (1970), descrita como un viaje por los sentidos y las posibilidades expresivas del acordeón, que verá por primera vez la luz en Madrid. La siguiente terna de Sonatas la integran la K474 en mi bemol mayor (todo un derroche de ingenio en cuanto al empleo de appoggiaturas largas se refiere), la K105 en sol mayor (un claroscuro armónico de reminiscencias populares que alude a la polifonía rítmica del baile español) y la K262 en si mayor (cuyo único movimiento en vivo contiene alguno de los momentos de mayor calado poético del compositor). A continuación, sonará Vagabonde blu (2000), de Salvatore Sciarrino (1947), compositor muy familiarizado con el legado scarlattiano que en los últimos años ha confiado varios de sus estrenos a Anzellotti. Este nuevo proyecto de colaboración surgió de

ACORDEÓN. 12 DE FEBRERO DE 2014. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA TEODORO ANZELLOTTI una serie de improvisaciones que hice en casa de Sciarrino a partir de tres acordes de séptima básicos. En el último tramo de concierto, se escucharán las Sonatas K284 en sol mayor y la K101 en la mayor. La primera recuerda a los rondós para clavicémbalo franceses de la época (al estilo de Couperin) y es una de las escasas Sonatas del catálogo (junto a las K265 y K351, los movimientos sueltos y variaciones tempranas, las cinco fugas y los dos solos de órgano) que no se ajustan a la forma binaria. La segunda, de la que existen varias versiones para guitarra y arpa, es de una lucidez melódica apabullante que va cambiando de color en los diferentes registros del instrumento. Exigente y perfeccionista hasta la médula, Anzellotti ha ganado numerosos concursos internacionales de acordeón, actuado como solista en festivales de todo el mundo (de Los Ángeles a Donaueschingen) y colaborado asiduamente con las algunas de las orquestas más prestigiosas de Europa (como las Orquestas Sinfónica de Berlín, de la Radio de Baviera y Stuttgart, de la SWR de Baden-Baden y Friburgo, y la Filarmónica de Dresde). Es además profesor en la Escuela Artística Superior de Berna y, desde 2002, también imparte clases de acordeón en la de Friburgo. BENJAMÍN G. ROSADO Como traca final, el público madrileño disfrutará de Sequenza XIII (1995), que lleva la firma de una figura fundamental de la vanguardia musical de la segunda mitad del siglo XX. Quiso Luciano Berio (1925-2003) que la responsabilidad del estreno de esta original partitura en Rotterdam recayera en las manos de su colega Teodoro Anzellotti, que ha inspirado más de 300 obras debidas a compositores de la talla de Heinz Holliger, Mauricio Kagel, Michael Jarrell, Isabel Mundry, Matthias Pintscher, Wolfgang Rihm, Marco Stroppa, Jörg Widmann y Hans Zender, entre otros. Antes de Sequenza XIII ya había recurrido al acordeón en otras partituras, pero siempre aparecía camuflado entre un grupo de instrumentos, reconocería el propio Berio. Fue tras una conversación con Anzellotti que me decidí a investigar en los orígenes populares de este instrumento, que abarca desde los tangos de Argentina hasta las canciones de la clase obrera italiana. Teodoro Anzellotti ha demostrado ser uno de los solistas de acordeón más cualificados del panorama internacional, además de un pionero en el uso de nuevas técnicas de interpretación. Su nombre está estrechamente ligado al renacimiento del acordeón en la década de los ochenta y a su paulatina incorporación en los programas de concierto. El repertorio que maneja abarca más de tres siglos: de las Variaciones Goldberg de Bach a Cheap Imitation de John Cage, pasando por los universos sonoros de Janácek y Ligeti, tal y como atestiguan sus numerosas grabaciones para el sello Winter&Winter.

GUITARRA 16 de abril de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonata K77 Moderato e Cantabile; Minuetto Manuel de Falla (1876-1946) Homenaje a la tumba de Claude Debussy Joaquín Turina (1882-1949) Fandanguillo Domenico Scarlatti Sonata K490 Cantabile Sonata K213 Andante Sonata K176 Andante e cantabile - Allegrissimo Federico Moreno Torroba (1891-1982) Nocturno Domenico Scarlatti Sonata K291 Andante Sonata K292 Allegro Roberto Gerhard (1896-1970) Fantasía Tomas Marco (1942) Fantasía sobre Fantasía Domenico Scarlatti Sonata K80 Minuetto Sonata K476 Allegro LUIGI ATTADEMO CONSIDERADO COMO UNO DE LOS GUITARRISTAS MÁS IMPORTANTES de su generación, Luigi Attademo inicia su trayectoria artística licenciándose tercero en el Concours International d Exécution Musicale de Ginebra de 1995. Nacido en la escuela del guitarrista-compositor Angelo Gilardino, entre sus maestros se encuentran Giovanni Guanti, Julius Kalmar, Alessandro Solbiati y Emilia Fadini. Se licenció en Filosofía con una tesis sobre la interpretación musical, y ha publicado diversos artículos de carácter musicológico y estético. Colabora con revistas especializadas y ha presentado su trabajo en Radio3 y Radio Toscana Classica. Ha grabado diez CD, entre ellos, algunos monográficos dedicados a las Sonatas de Domenico Scarlatti, a J. S. Bach, a las obras ILARIA COSTANZO

GUITARRA. 16 DE ABRIL DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA LUIGI ATTADEMO inéditas encontradas en el Archivo de Segovia y a los Quintetos de Luigi Boccherini. La revista Guitar Review de Nueva York le dedicó, a finales de 2007, una entrevista volviendo a publicar algunas de sus grabaciones. Como musicólogo, en octubre de 2002 se ha hecho cargo de la catalogación de los manuscritos segovianos, hallando obras desconocidas de autores como Tansman, Pahissa, Cassadò y publicando luego el catálogo en la revista española La Roseta (2008). Dedica gran parte de su actividad a la música de cámara y a proyectos monográficos, entre éstos la grabación integral de las Suites para laúd de Bach (publicada en 2011 por Brilliant Classics) y un proyecto sobre Paganini y la música contemporánea (que ha sido ya presentado en Berlín, Viena y Nueva York, así como en el Festival MiTo en su edición 2012). En los últimos años ha impartido seminarios y conciertos en la Royal Academy of Music de Londres (2010, 2011, 2013, 2014), en la Melbourne University sobre el repertorio de Andrés Segovia (2010), mientras que en 2011 fue invitado en el prestigioso Festival de la Guitar Foundation of America, donde presentó un programa dedicado a la música barroca. Entre sus proyectos más recientes, está la publicación de la antología y del CD con las obras contemporáneas para guitarra dedicadas a Paganini (Ed. Sinfonica) y la integral de las obras de Niccolò Paganini para guitarra sola, interpretadas por primera vez íntegramente con una guitarra de la época (Brilliant, 2013). Este año la revista Amadeus le ha dedicado el número de mayo, con la publicación de un CD monográfico sobre Fernando Sor. Es profesor en el ISSM G. Donizetti de Bérgamo y colabora habitualmente con HEM de Ginebra y Lausana. Scarlatti y España La invención scarlattiana y su influencia en la música del siglo XX para guitarra LA OBRA DE DOMENICO SCARLATTI ESTÁ INDISOLUBLEMENTE LIGADA A LA ESCRITURA PARA teclado. Él desarrolló una técnica y un estilo únicos para el clave, no obstante, parte de esta unicidad ahonda sus raíces en la contigüidad de Scarlatti con la música popular española. Es precisamente Manuel de Falla quien señala, en su texto dedicado al origen del cante jondo, cómo Scarlatti fue el único músico que intuyó, antes del siglo XX (y antes que Debussy) la riqueza de la herencia musical ibérica. Y también, más recientemente, una de las más importantes especialistas en Scarlatti., Emilia Fadini, confirma la intuición de Kirkpatrick con un estudio en el que demuestra la proximidad de los materiales musicales del flamenco con elementos de la escritura scarlattiana. Y es en este espacio donde se introduce la guitarra, no por casualidad, icono de la música popular española. En 1935 Andrés Segovia, que fue uno de los guitarristas más innovadores del siglo XX, inaugura una tendencia que continúa aún hoy, con la práctica de la transcripción. Algunas Sonatas, elegidas de entre las más cercanas a los colores de la guitarra, de hecho encuentran ocasión para renovar su riqueza y expresividad en las seis cuerdas, y ya es legítimo esperar, en un programa de música para guitarra, la presencia de este autor, dividido entre origen napolitano e influencia ibérica. No es casual, por lo tanto, la idea de unir algunas páginas significativas de la literatura para guitarra del siglo XX a estas transcripciones, con la idea de mostrar cómo la sensibilidad al sonido y al color, inaugurada por Debussy a inicios del siglo, sea paralela al redescubrimiento en la guitarra de este genio italiano del siglo XVIII. Harán de contrapunto a las joyas musicales de Scarlatti, seleccionadas de entre las Sonatas más próximas al leguaje de la guitarra, obviamente el Homenaje de Manuel de Falla, primera obra significativa de un compositor no guitarrista en el siglo XX, verdadero punto de partida del renacimiento de la literatura de la guitarra. Con él, otros dos autores Joaquín Turina y Federico Moreno Torroba- que escribieron en la misma época (años veinte) inspirados por Segovia y por el redescubrimiento de la identidad musical española. En hipotética continuidad con él, dos autores que se inspiraron en la misma poética musical. Su música, rica en fuertes contrastes y en claroscuros típicamente scarlattianos, manifiesta una singular proximidad. El contemporáneo Tomas Marco escribe de hecho pensando y re-pensando (a través de una operación de hermenéutica compositiva) la Fantasia (1954) del catalán Roberto Gerhard, haciendo una operación que recuerda en todo la de la transcripción, que examina la posibilidad de renovar el material musical ya escrito (y por lo tanto se conoce), dándole una nueva vida a través del sonido de un nuevo instrumento. LUIGI ATTADEMO

MARCO BORGGREVE VIOLÍN Y CLAVICÉMBALO 7 de mayo de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA Luigi Boccherini (1743-1805) Sonata op.5 G 25 en Si b mayor Allegro con moto-adagio-presto assai Domenico Scarlatti (1685-1757) Sonata K69 en fa menor 3/4 Luigi Boccherini Sonata op.5 G 26 en Do mayor Allegro con spirito-largo-tempo di minuetto Domenico Scarlatti Sonata K198 en mi menor Allegro 3/4 Luigi Boccherini Sonata op.5 G 27 in Si b mayor Moderato- allegro Domenico Scarlatti Sonata K145 en Re Mayor 3/8 Domenico Scarlatti Sonata K deest en re menor Fandango 3/4 Luigi Boccherini Sonata op.5 G29 en sol menor Allegro molto-cantabile ma con un poco di moto-presto assai MASSIMO SPADANO LUCA GUGLIELMI Massimo Spadano. Violín NACIDO EN LANCIANO (ITALIA) CONSIGUIÓ EL DIPLOMA CUM LAUDE en su pais. Más tarde obtuvo el diploma de solista en la Universidad de Utrecht bajo la guia de Viktor Libermnan y Philippe Hirschhorn. Como concertino y solista ha actuado en distintas formaciones en las más importantes salas de Europa, Estados Unidos, América del Sur, Asia, África y Oriente Medio. Ha actuado en los festivales y temporadas de Berlín, Salzburgo, Milán, París, Madrid, Roma, Montpellier, Wiesbaden, Amsterdam, Florencia, Barcelona, Munich, Napflion con Victoria Mullova, Maxim Vengerov, con Katia y Marielle Labéque, Cristian Zacharias, Enrico Dindo, Alexander Lonquich así como con Gerard Depardieu y Alessandro Baricco. Dedica gran parte de su actividad a la música antigua con instrumentos originales y a su investigación, participando en la edición de numerosos volúmenes de música barroca con la Camerata Anxanum, orquesta italiana de la cual es miembro fundador.

VIOLÍN Y CLAVICÉMBALO. 7 DE MAYO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA MASSIMO SPADANO Y LUCA GUGLIELMI Desde 1994 es concertino de la Orquesta Sinfónica de Galicia y siempre como concertino ha colaborado con la Orchestra Mozart dirigida por Abbado, l Orchestre National de Lyon, l Accademia di Santa Cecilia de Roma, Orchestre de Chambre de Lausanne, Orquesta Ciudad de Granada, Sinfónica de Tenerife, Teatre Liceu, Teatro Real y con grupos barrocos como, l Ensemble Baroque de Limoges con Christof Coin, l Ensemble Zefiro, Hesperion XX y Les Concert de Nation con Jordi Savall, Chambre Philarmonique dirigida por Emmanuel Krivine y Orfeo 55 con Nathalie Stutzman. En Cambray se le concedió en 1996 el título honorífico Laureate Juventus. Ha grabado discos con distintos sellos Deutsche Grammophone, Sony, Opus 111, Bongiovanni, y Auvidis Astrèe y con esta última ha recibido uno de los mas destacados reconocimientos discograficos, Choc Musique, por su grabación de sonatas de Reickard. Con la Camerata Boccherini, ensemble fundado por él mismo, ha grabado de los tres cuartetos de J.C.de Arriaga para el sello Naxos. Con el Ensemble Zefiro han salido recientemente dos CD de Conciertos de Mozart y de conciertos de Fasch con instrumentos originales para el sello Harmonia Mundi. Diplomado en dirección de orquesta en Italia con el Mº Donato Renzetti, desde el 1995 es director musical y artístico de la Orquesta de Cámara de la Sinfónica de Galicia con la cual ha dirigido desde el clasicismo hasta Stravinsky y contemporáneos españoles. En su actividad de director también a dirigido la Academy of Ancient Music en Alemania, Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta Ciudad de Granada, la Orquesta Sinfónica de Valles en el Palau de Barcelona, la Orquesta do Norte de Portugal, Pforzheim Kammer Orchester, Orquestra Sinfónica de Sanremo, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Georgish Kammerorchester, Orquesta de Extremadura entre otras y en los Festivales de León, de Salamanca, Mozart Festival. En el Festival Rossini de Bad-Wilbad ha dirigido la Opera Ser Marcantonio, de la cual recientemente ha salido un CD con Naxos. Toca con un Jopeph Contreras 1755 y un Joseph Albani 1700 ca. Luca Guglielmi. Clavicémbalo LUCA GUGLIELMI, NACIDO EN 1977, PROTAGONIZA DESDE 1993 UNA intensa actividad profesional internacional que incluye conciertos como intérprete de clave, clavicordio, órgano y fortepiano, la colaboración con importantes figuras del panorama concertístico (Jordi Savall, Cecilia Bartoli, Il Giardino Armonico), la actividad de director de coro y director de orquesta, la composición y la pedagogía (ESMuC, Barcelona). Alumno de Sergio Pasteris y de Gary Graden para la dirección, fue asistente de Antoni Ros Marbá, Victor Pablo Pérez, Giovanni Antonini, Gottfried von der Goltz y Jordi Savall. Después de estudiar en el Conservatorio de su ciudad, en 1999 fué seleccionado para el Curso Extraordinario de Dirección con Carlo Maria Giulini. Ha colaborado como clavecinista y organista con la Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI bajo directores como Jeffrey Tate, Rafael Frübeck de Burgos, Roberto Abbado, Robert King y Ton Koopman. En el 2001 debutó como director en Turín con el Coro della RAI en la Petite Messe Solennelle de Rossini y al año siguiente dirigió el Requiem de Mozart en Bolonia. En el 2010 debutó con la Orchestra Regionale Toscana por invitación de Aldo Bennici con la Sinfonía Nr. 39 de Mozart. Ha sido profesor de clave, organo, fortepiano y orquesta barroca/clásica en los Cursos de Música Antigua de Pamparato (Italia), San Feliu de Guixols (Catalunya), Barbaste (Francia) y en Urbino (Italia). Paralelamente también desarrolla una gran actividad internacional como solista de clave/órgano y como acompañante de artistas entre los que destacan Cecilia Bartoli, Sara Mingardo, Christoph Prégardien, Giuliano Carmignola, Paolo Pandolfo y Jordi Savall. Ha grabado más de cincuenta CDs para los más prestigiosos sellos discográficos como Decca, Teldec, Deutsche Harmonia Mundi, Accent, Arcana, etc. Recientemente, sus grabaciones de la Variaciones Goldberg de Bach y de las Sonate per gravecembalo de Pasquini han sido galardonadas con el Diapason d Or. Es Profesor de Clave, Bajo Continuo e Instrumentos de tecla históricos en la Escola Superior de Musica de Catalunya (ESMuC), Barcelona.

VIOLÍN Y CLAVICÉMBALO. 7 DE MAYO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA MASSIMO SPADANO Y LUCA GUGLIELMI A PRINCIPIOS DEL SIGLO XVIII, LA CORTE DE MADRID REUNIÓ A UN BUEN NÚMERO de artistas italianos que importaron a la capital el esplendor napolitano de la época. Por sus calles adoquinadas pasearon durante algún tiempo el gran castrato Carlo Broschi Farinelli, el célebre poeta y libretista Pietro Metastasio y compositores tan ilustres como Nicola Conforto y Luigi Boccherini. Cuando este último llegó a España en pleno advenimiento de la casa de Borbón, Scarlatti llevaba más de diez años muerto. Boccherini era entonces un joven compositor de 25 años, admirador de Scarlatti, cuya música no dejaría de sonar durante todo el reinado de Carlos III. con macillos pulsados a variada intensidad por teclas que volvían a su posición original) fue desplazando paulatinamente al clave de los salones y salas de concierto, las Sonatas Op. 5 no fueron inmunes a esta transición y se adaptaron al nuevo instrumento. La primera edición aparece titulada como Sonatas para clavecín y violín explica Guglielmi pero será el propio Boccherini quien en la edición corregida de sus últimos años haga mención al fortepiano, que emitía mejor el sonido. BENJAMÍN G. ROSADO El sexto concierto del Ciclo Scarlatti correrá por cuenta del violinista Massimo Spadano y del clavecinista Luca Guglielmi, que han preparado un programa puente entre Scarlatti y Boccherini. Escuchando la música de ambos compositores se pueden apreciar similitudes de estilo y puntos de encuentro en lo que se ha venido a llamar el estilo madrileño de la escuela napolitana, cuenta el violinista. Boccherini no sólo ha sido uno de los grandes músicos de todos los tiempos, sino que su vasto legado instrumental nos permite conectar el violín con las Sonatas de Scarlatti. Para Guglielmi la afluencia de músicos italianos en Madrid fue el caldo de cultivo perfecto para el florecimiento cultural de España al calor de las nuevas corrientes estéticas italianas. De Scarlatti a Boccherini, pasando por Jacome Facco y Francisco Corselli, la escuela italiana se convirtió en una moda. Todo el mundo quería escuchar música napolitana. De Boccherini (1743-1805) interpretarán varias de sus Sonatas para teclado y violín Op. 5 (G 25 en si bemol mayor, G 26 en do mayor, G 27 en si bemol mayor y G 29 en sol menor), intercaladas con las Sonatas K69 en fa menor, K198 en mi menor, K145 en re mayor y la K. deest en re menor Fandango de Scarlatti. Aunque en las Sonatas Op. 5 resuenan temas y ritmos españoles, cuentan los cronistas de la época que Boccherini las escribió en París, ciudad que visitaba regularmente en compañía de su amigo el violinista Filippo Manfredi, y dedicó la partitura a la clavecinista francesa Anne Louise Boyvin. En plena fascinación por las posibilidades expresivas del clave, Boccherini abre camino al violín con un nuevo tipo de escritura precursora de técnicas, colores y texturas venideras, explica Spadano. Como quiera que a lo largo del siglo XVIII, el fortepiano de Bartolomeo Cristofori (quien ideó un mecanismo que permitía golpear las cuerdas

SOPRANO + ENSEMBLE Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid 4 de junio de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA José de Torres (CA. 1670 1738) Flavescite, serenate Cantada al Santísimo al estilo italiano Aria (despacio): Flavescite, serenate Recitado: Expugnate, debelate Aria (grave): Ad fontem gratie Recitado: O, suavis dulcedo Aria: Eu, Iesu mi care Alegre: Alleluia Domenico Scarlatti (1685 1757) Pur nel sonno Introduzione alla cantata Minuet Aria (andante lento): Pur nel sonno Recitativo: Pria dell aurora a Fille Aria (allegro moderato): Parti con l ombra Domenico Scarlatti Sonata para clavicémbalo en Do Mayor, K513 (1685 1757) Pastorale. Moderato Molto allegro Presto Silvia Colasanti (*1975) Frammenti di Lettere amorose [Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid] José de Nebra (1702-1768) Selva florida Aria de Viento es la dicha de amor (1743) Recitado acompañado: O, tú, selva Aria andante: Selva florida RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA LA GALANÍA ES UNA DE LAS FORMACIONES ESPECIALIZADAS MÁS importantes del panorama musical español actual. Fundada en el año 2010 por Raquel Andueza y Jesus Fernández Baena, su finalidad es interpretar música barroca, tanto del siglo XVII como del XVIII, en base a unos cuidados principios historicistas y apostando por colaborar con los mejores músicos tanto españoles como de otras nacionalidades, todos ellos especializados en este repertorio. Sus miembros forman parte de orquestas y grupos prestigiosos a nivel mundial, como L Arpeggiata, Hespèrion XXI, Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla, Private Musicke, Orchestra of the Age of the Enlightment, etc. Como eje central del grupo cuentan con la soprano Raquel Andueza, la cual es invitada regularmente a los auditorios y festivales más importantes del mundo. La Galanía hizo su debut con gran éxito en la Catedral de Pamplona con el Stabat Mater de Pergolesi, y rápidamente comenzó a estar presente en los más prestigiosos auditorios y festivales de Europa: Auditorio Nacional de Madrid, Deutschland RheinVokal, Cultur Casino Berna, Konzerthaus de Berlín, WDR Köln, Saint Michel en Thiérache, MAFestival de Brujas, Palacio de la Almudaina de Palma de Mallorca, Festival de Aranjuez, Festival de Música Antigua de Panamá, Quincena Musical Donostiarra, Festival de Música Sacra de Bogotá, Festival Van Mechelen, Fesival de Innsbruck, etc.

SOPRANO + ENSEMBLE. 4 DE JUNIO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA Cuentan con cuatro grabaciones en el mercado, todos editados por la discográfica Anima e Corpo: Yo soy la locura (2011), Alma Mia (2013), Pegaso (2014) y Yo soy la locura 2 (2015). Todos ellos han recibido las mejores críticas y premios de la prensa especializada. www.lagalania.com Raquel Andueza. Soprano Nacida en Pamplona, inicia su formación musical a los seis años. Posteriormente, becada por el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de Londres, amplía estudios en la Guildhall Shool of Music and Drama de Londres, donde obtiene el Bachelor of Music con mención honorífica y recibe el premio School Singing Prize. Poco más tarde conoce al maestro Richard Levitt, quien ha sido su referente hasta el presente. Colabora asiduamente con diversas formaciones: L Arpeggiata, Orquesta Barroca de Sevilla, Gli Incogniti, La Tempestad, Al Ayre Español, El Concierto Español, Private Musicke, La Real Cámara, Hippocampus, B Rock, Orphénica Lyra, etc. En 2003 entra a formar parte del cuarteto vocal La Colombina; en ese mismo año funda junto al tiorbista Jesús Fernández Baena un dúo especializado en música italiana del siglo XVII y en 2010 el grupo La Galanía. Actúa como solista en los principales festivales y auditorios de todo el mundo (París, Madrid, Barcelona, Bogotá, Bruselas, Utrecht, Praga, Moscú, Frankfurt, Panamá, Bucarest, Viena, México, Nápoles, Granada, Minneapolis, Berna, London, Hong Kong), y en 2012 hace su debut en el neoyorquino Carnegie Hall y en los Proms londinenses. Ha sido dirigida por directores como William Christie, Fabio Biondi, Emilio Moreno, Jacques Ogg, Monica Huggett, Eduardo López-Banzo, Christina Pluhar, Richard Egarr, Ottavio Dantone, Christian Curnyn, Pablo Heras, Sir Colin Davis, José Ramón Encinar, etc. Raquel es invitada para impartir cursos de canto en el Teatro Real de Madrid, así como en las universidades de Burgos y Alcalá de Henares. Asimismo, colabora en bandas sonoras de películas, cortometrajes y series de televisión, como Exodus (Ridley Scott, 2014), Isabel (TVE1, Javier Olivares, 2012), Atraco (Eduard Cortés, 2012) Tous les soleils (Philippe Claudel, 2011), Disección de una tormenta (Julio Soto Gúrpide, 2010). Ha realizado grabaciones para sellos discográficos como Virgin Classics, Glossa, K617, NB Musika, Accentus, OBS Prometeo y Zig-Zag Territoires. En 2011 crea su propio sello discográfico, Anima e Corpo, cuyas cuatro grabaciones ( Yo soy la locura, In Paradiso, Alma Mia y Pegaso) han recibido las mejores críticas y premios de la prensa especializada. www.raquelandueza.com José Manuel Navarro. Violín Natural de Córdoba, José Manuel Navarro comienza sus estudios de viola con Fernando España y continúa posteriormente con Jerome Ireland, recibiendo clases regularmente de Bretislav Novotny. Fue miembro de la Joven Orquesta Nacional de España. Interesado desde muy pronto por la música antigua, durante cuatro años compagina sus estudios de viola con los de viola de gamba y canto a la vez que se inicia en el violín barroco participando en numerosos cursos. En 1997 se traslada a París e ingresa en la Orquesta Barroca de la Comunidad Europea. En 2001 obtiene el Diploma Superior de Música Antigua en violín barroco con Daniel Cuiller en el Conservatoire Superieur de Paris. Ha actuado con Accademia Bizantina, The Amsterdam Baroque Orchestra, Les Saqueboutiers de Toulouse, Ensemble La Fenice, Explorations, Ensemble William Byrd, Chapelle Rhénane, Grupo Segreis de Lisboa, Orquesta Barroca Catalana, Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, Capilla Real de Madrid, Capella de Ministrers, La Follía, Academia del Piacere, La Revêuse, Hippocampus, La Real Cámara, Conjunto Barroco Zarabanda y la Orquesta Barroca de Granada, entre otros. Ha realizado grabaciones para Radio France, RTVE, RAI, RTL, Alpha, Harmonia Mundi, Ambronay, Zig Zag Territoires, Astrée, Ricercar, Glossa Music, Almaviva, Erato, Verso, Opus 111, K 617, OBS Prometeo, Portugaler, E.G. Tabalet y Lindoro. Actualmente es invitado con frecuencia como primer violín, si bien su actividad musical es principalmente como concertista, tocando violín, viola y viela con grupos como Al Ayre Español, Le Concerts des Nations, Café Zimmermann, The Rare Fruits

SOPRANO + ENSEMBLE. 4 DE JUNIO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA Council, La Galanía, Tercia Realidad, Artaserse, Akademia, El Concierto Español, Os Musicos do Tejo, La Tempestad o Mala Punica, actuando en los más prestigiosos festivales por todo el mundo. Es solista de la Orquesta Barroca de Sevilla, agrupación de la que es miembro fundador, así como del trío Ex-corde y Tritonus. Es concertinodirector de la Orquesta Barroca del Conservatorio Profesional de Córdoba, ciudad donde actualmente reside. Pablo Prieto. Violín Orquesta Barroca Unión Europea, l Arpeggiata, Le Concert des Nations, Orchestra of the Age of Enlightment, Al Ayre Español, etc. compartiendo escenario con Jordi Savall, Christina Pluhar, Philippe Jaroussky, Krzysztof Penderecki, Plácido Domingo, Jesús López Cobos, etc. Ha ofrecido conciertos en salas como Tokyo Opera City (Japón), Concertgebouw (Amsterdam), Opéra Royal de Versailles y Salle Gaveau (París), Royal Festival Hall y Wigmore Hall (Londres), etc. Artista del sello Glossa, sus grabaciones al frente de La Ritirata han recibido galardones como el Ojo Crítico de Radio Nacional de España o el Premio Codalario al Mejor Producto Musical. También ha grabado para Virgin, AliaVox, así como BBC3, NPS3, Mezzo, etc. Tras obtener los títulos superiores de violín y música de cámara en los Conservatorios de Murcia y Zaragoza, Pablo Prieto continuó su formación con profesores como Irmgard Schaller, Emilio Moreno, Jaap Schröder, Enrico Gatti, François Fernandez o Mikhail Kopelman. Actualmente es miembro de los grupos La Tempestad, La Galanía y Los Músicos de Su Alteza, y colabora habitualmente con numerosas formaciones dedicadas principalmente a la música barroca como la Orquesta Barroca de Sevilla, Forma Antiqva, La Capilla Real de Madrid, La Folía, The Scholars Baroque Ensemble, Hippocampus, Conductus Ensemble, Estil Concertant, Tercia Realidad, El Trovar de los Afectos, Compañía Teatro del Príncipe de Aranjuez, Orquesta Barroca de Salamanca, etc., con los que ha actuado en numerosos escenarios y festivales españoles, europeos y americanos. Josetxu Obregón. Violonchelo Director artístico de La Ritirata y Profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Con 13 premios en concursos nacionales e internacionales, cursa estudios superiores y postgrado en violoncello, cámara y dirección en España, Alemania y Holanda, estudiando cello barroco en Koninklijk Conservatorium (La Haya) y con Anner Bijlsma. Ofrece conciertos en Europa, Asia, América y Oriente Medio. Ha sido miembro de orquestas como Royal Concertgebouw y Rotterdam Philharmonic, y en el mundo de la interpretación histórica colabora con EUBO- Jesús Fernández Baena. Tiorba Nace en Estepa (Sevilla). Estudia flauta de pico y cuerda pulsada en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla con Guillermo Peñalver y Juan Carlos Rivera. Más tarde, becado por la Junta de Andalucía, amplía estudios en el Koninklijk Conservatorium de La Haya, donde obtiene su diploma en 2002. Ha colaborado con grupos como El Concierto Español, Al Ayre Español, Private Musicke, La Real Cámara, More Hispano, Accademia del Piacere, Hippocampus, Harmónica Sphaera, Conductus Ensemble, Música Ficta o La Colombina, actuando en los principales festivales de música antigua (Ambronay, Úbeda y Baeza, Michigan, Amsterdam, Quincena Musical Donostiarra, Sevilla, Moscú, Toulouse, Bruselas, Gante, Aranjuez, Camino de Santiago, Cuenca, Utrecht, Daroca, Lugo, Torroella de Montgrí ) Ha sido dirigido por directores tales como Emilio Moreno, Frans Brüggen, Gabriel Garrido, Paul MacCreesh, Fabio Bonizzoni, Eduardo López Banzo, etc. Acompaña asiduamente a cantantes como María Bayo, Magdalena Kožená, Jordi Domènech, Núria Rial, José Hernández Pastor, Carlos Mena y Raquel Andueza, con la que desde el año 2003 forma dúo estable, especializándose en la música italiana del siglo XVII. Con ella funda en 2010 el grupo La Galanía. Ha realizado grabaciones para la radio suiza, francesa y holandesa, y para los sellos Harmonia Mundi France, Deutsche Grammophon, NB

SOPRANO + ENSEMBLE. 4 DE JUNIO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA Musika y Naïve. En 2010 funda su propio sello discográfico, Anima e Corpo Música. Ha ofrecido conciertos a dúo con solistas como Wieland Kuijken, Christophe Coin, Jaap Schröder o Hiro Kurosaki. Alberto Martínez Molina. Clavicémbalo Comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de Madrid y estudia clave en la Guildhall School of Music and Drama de Londres con David Roblou y en Amsterdam con Richard Egarr. Coordina el Departamento de Música Antigua de la Academia Maese Pedro y compagina su actividad concertística con la docencia en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, centro en el que es director de la Orquesta Barroca además de profesor de clave, bajo continuo y música de cámara desde 1999. Es director y miembro fundador del grupohippocampus, con quien ha venido difundiendo su compromiso con el público en diversas ciudades de Inglaterra, Alemania y España, participando en importantes ciclos y festivales y teniendo siempre como premisa el hallazgo de la emoción en las partituras. Bajo su dirección, Hippocampus fue residente en el ciclo madrileño de Las Cantatas de J. S. Bach, en el que desde 2004 hasta 2012 se interpretaron todas las obras religiosas de este compositor, de quien la formación tiene en repertorio más de setenta Cantatas además de Misas, Pasiones, Conciertos de Brandemburgo, Suites orquestales y música de cámara. Ha editado con el sello discográfico Arsis numerosas grabaciones de Hippocampus: el op.2 de Johann Philipp Krieger (4* Goldberg); Les Goûts Réunis, junto al violinista Jaap Schröder, Lasciatemi morire, con música de Caccini, Frescobaldi y Monteverdi; Sonatas de un oboísta, de G. Sammartini (con Xavier Blanch, Premio CD Compact 2010 a la mejor grabación instrumental barroca), y varias grabaciones en directo, editadas en 2009 en CD (Cantatas BWV 82, 170 y 199) y desde 2012 en pendrives GPD de 8 GB con audio y vídeo en alta definición: Liebster Jesu (2012, Excepcional Scherzo y nominado a los ICMA 2014, categoría Baroque Vocal ), Bach en Vallekas (2013, Excepcional Scherzo y Ritmo Parade) y otros en fase de postproducción. Estas innovadoras grabaciones incluyen nueve cantatas y dos conciertos de Brandemburgo de J. S. Bach, además de música de cámara de Telemann, Haendel y Vivaldi. Asimismo, y para el mismo sello discográfico, ha grabado a dúo sonatas de L. Boccherini y D. Porretti con el violonchelista Iagoba Fanlo y las sonatas para viola da gamba y clave de Johann Sebastian Bach con el violagambista Fahmi Alqhai.

SOPRANO + ENSEMBLE. 4 DE JUNIO DE 2015. INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA RAQUEL ANDUEZA Y LA GALANÍA EL PENÚLTIMO CONCIERTO DEL CICLO SCARLATTI ESTÁ PLANTEADO COMO UN VIAJE de ida y vuelta. La soprano Raquel Andueza, acostumbrada a tender puentes entre la música española de los siglos XVII y XVIII y los compositores italianos, franceses e ingleses del mismo periodo, abordará un programa que recupera la cantada al Santísimo al estilo italiano Flavescite, serenate del madrileño José de Torres (ca. 1670-1738), uno de los más brillantes maestros de la Capilla Real española, y varios fragmentos de la zarzuela en dos actos Viento es la dicha de amor y de Selva florida del aragonés José de Nebra (1702-1768). de Roma. Desde entonces, además de ganar varios premios (como el Goffredo Petrassi italiano o el Musikfabrik NÖ de Viena) y ser nombrada Cavaliere della Republica por Giorgio Napolitano, su música ha sido interpretada por varias orquestas europeas, como la del Teatro de los Campos Elíseos de París, la Nacional de Bélgica, la Sinfónica de Berlín y la Orquesta Sinfónica del Maggio Musicale Fiorentino. En el Teatro Amilcare Ponchielli de Cremona, bajo la dirección de Francesco Frongia, se estrenó en 2009 su ópera de cámara infantil Il sole, di chi è?, basada en un texto de Roberto Piumini. Entre medias, la cantante navarra, una de las mayores especialistas en el barroco italiano de su generación, establecerá un vínculo sentimental con Scarlatti a través de la bellísima Introduzione alla cantata contenida en Pur nel sonno almen tal ora. Siempre me ha interesado la música que busca el afecto por encima del efecto, sostiene la soprano. Quizá porque para mí cantar es lo mismo que contar historias. Necesito que se entienda el texto tanto como la música. Es la única forma de que el público pueda saborear cada palabra, entenderla y sentirla. Le acompañan en este concierto los músicos de La Galanía, ensemble de música barroca que ella misma fundó en 2010 con el tiorbista y laudista sevillano Jesús Fernández Baena. Con éste, los violinistas José Manuel Navarro y Pablo Prieto, el violonchelista Josetxu Obregón y el clavecinista Alberto Martínez Molina, estrenará Frammenti di Lettere amorose, obra encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid a la compositora Silvia Colasanti, una de las voces más originales e innovadoras del panorama musical actual. Sobre el proceso creativo, explica Colasanti que el truco está en conciliar la espontaneidad de la idea con el respeto por las reglas y la forma. Y en elegir temas universales en los que la gente se pueda sentir identificada. Entre sus composiciones recientes para teatro musical destacan Flebile queritur lyra, L angelo del Liponard (Un delirio amoroso) y Fausto (Tragedia soggettiva in musica), basada en un texto de Fernando Pessoa y estrenada en 2011 durante la 68ª edición de la Settimana Musicale Chigiana. Un año después, se presentó en el Festival del Maggio Musicale Fiorentino su ópera La Metamorfosi en un montaje del siempre imaginativo Pierluigi Pier Alli. Actualmente, Silvia Colasanti enseña composición en el Conservatorio de Música de Perugia. BENJAMÍN G. ROSADO Adelanta la artista italiana que la obra que escuchará el público madrileño parte de la partitura homónima de Scarlatti, utilizando fragmentos de sus tres cantatas, que cuentan la historia de dos amantes a través de sus cartas. He respetado tanto el contenido de las cartas como la línea de canto propuesta por Scarlatti, concede Colasanti. He querido que la filigrana armónica de las Sonatas pueda reconocerse en todo momento a través de una instrumentación de planteamiento moderno. Además, entre una carta y la otra habrá breves interludios que servirán de diálogo entre el presente y la tradición musical. Tras graduarse en piano y composición, Silvia Colasanti (Roma, 1975) estudió con Fabio Vacchi, Wolfgang Rihm, Pascal Dusapin y Azio Corghi en La Chigiana de Siena y en la Academia Nacional de Santa Cecilia

PIANO Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid 18 de junio de 2015. Instituto Italiano de Cultura, a las 20.00 horas PROGRAMA Scarlatti Project [Encargo del Instituto Italiano de Cultura de Madrid] URI CAINE NACE EN FILADELFIA Y EMPIEZA A ESTUDIAR EL PIANO CON BERNARD Peiffer. Estudio composicion de musical con George Rochberg y George Crumb en la Universidad de Pennsylvania. Trabaja con grupos llevados por Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles, Mickey Roker, Odean Pope, Jymmie Merritt, Bootsie Barnes y Grover Washington. Desde que se traslada a Nueva York Caine ha grabado más de 20 cds como director de grupo. Ha grabado cd s junto con su trío de Jazz : Bedrock