ENCUENTRO INTERNACIONAL HACIA DÓNDE VA LA GESTIÓN DE ESPACIOS ESCÉNICOS PÚBLICOS?

ENCUENTRO INTERNACIONAL HACIA DÓNDE VA LA GESTIÓN DE ESPACIOS ESCÉNICOS PÚBLICOS?

º DOSSIER DEL ENCUENTRO CELEBRADO LOS DÍAS 13 Y 14 DE DICIEMBRE DE 2010 EN MADRID

03 ÍNDICE ÍNDICE DE CONTENIDOS 05 ACTAS DEL ENCUENTRO 06 Bienvenida Institucional Gerardo Ayo, Presidente de la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública. 08 Introducción al Encuentro Carlos Morán, Director del Organismo Autónomo Serantes Kultur Aretoa de Santurzi. 10 Sesión General. Presentación de los modelos de gestión de espacios escénicos de Reino Unido, Holanda y España Holanda: Nan Van Houte, Instituto del Teatro de Holanda, TIN. Reino Unido: David Micklen, Battersea Arts Centre/BAC, Londres. España: Miguel A. Varela, Director del Teatro Municipal Bergidum, Ponferrada. 27 Sesión específica 1. Desarrollo de la creatividad artística PONENTE: Matthias Lilienthal, Director de Hebbel Am Ufer/HAU 1, 2, 3, Berlín. RELATOR: Andrés Beladíez, Director artístico de la Feria Internacional de Teatro de Castilla-La Mancha. 33 Sesión específica 2. La autonomía de gestión de espacios escénicos PONENTE: Rob Van Steen, Director del Theater en Congrescentrum Hanzehof, Hanzehal, Holanda. RELATORA: Sonia López, Programadora del Teatro Municipal Buero Vallejo de Alcorcón.

04 ÍNDICE 42 Sesión específica 3. La rentabilización económica de los espacios escénicos PONENTE: Leo Pot, Director de Theaters Tilburg, Holanda. RELATOR: Pep Tugues, Director del Teatre Auditori de Sant Cugat. 50 Sesión específica 4. Educación, participación y diversidad cultural PONENTE: Jan Sharkey-Dodds, Directora del Departamento de Jóvenes y Educación del Theatre Royal Stratford East, Londres, Reino Unido. RELATOR: Agustín Lorenzo, Coordinador general del Instituto Municipal Coruña Espectáculos (IMCE), A Coruña. 58 Sesión específica 5. Nuevas tecnologías aplicadas al marketing y la gestión de espacios PONENTE: Kingsley Jayasekera, Director de Comunicaciones y Estrategia digital de Sadler s Well, Londres, Reino Unido. RELATOR: Pepe Zapata, Director de Comunicación del Mercat de les Flors de Barcelona. 66 Conclusiones del Encuentro Carlos Morán, Director de Serantes Kultura Aretoa de Santurzi. 72 ANEXOS 73 Perfil de los ponentes. 78 Documentos de las ponencias.

actas del encuentro

06 BIENVENIDA INSTITUCIONAL BIENVENIDA INSTITUCIONAL Gerardo Ayo Presidente de La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública Buenas tardes. Mi agradecimiento a todos los asistentes. Ha sido una gran satisfacción para la Red la estupenda acogida que han tenido estas jornadas: 140 inscritos es un éxito del que todos nos tenemos que felicitar. Agradecer también a los ponentes y relatores por su fantástico trabajo. A veces nos preguntamos dónde se ven reflejados los trabajos y proyectos de la Red. Pues bien, este es uno de esos proyectos, comenzado hace tres años, y su resultado aparece en los tres libros que hemos editado, recogiendo los tres modelos de gestión que hemos podido conocer en nuestras visitas. Han sido tres experiencias intensas e interesantes. Y este es el momento de agradecer a nuestros anfitriones el trato brindado a la Red, en Alemania, Inglaterra y Holanda. Muchas gracias por estar aquí, hablando de vuestros modelos de trabajo, y gracias también por vuestra calidad humana. No es fácil que un encuentro como este se repita, y por eso os pido a todos vuestra participación. Es importante que escuchemos, y también que preguntemos, porque este es el momento. Parece que vivimos una doble crisis: la económica, y la polémica. La polémica que intenta enfrentar a lo público con lo privado. Yo creo que no somos tan diferentes, y estamos obligados a colaborar unos y otros. Tal vez aquí aprendamos hoy una manera de hacerlo sin tensiones y, por encima de todo, desde la gestión pública. Una gestión que ofrece muchas modalidades que algunos hemos elegido, y a otros nos han impuesto. Pero es evidente que en nuestro país, desde la transición hasta ahora, los espacios públicos han avanzado muchísimo, y tenemos un modelo que podremos ir mejorando poco a poco.

07 BIENVENIDA INSTITUCIONAL La cultura es un derecho de todo ciudadano, y las artes escénicas deben hacer la vida más fácil a esos ciudadanos: atender a los más desfavorecidos, a los jóvenes, y crear también puestos de trabajo. No olvidemos que la cultura mueve el 4% del PIB, y es hora de que esto se vea reflejado. No me voy a extender más, porque lo interesante viene ahora. Gracias a todos por venir. Tenemos muchas cosas que aprender de nuestros invitados. Bienvenidos.

08 INTRODUCCIÓN AL ENCUENTRO INTRODUCCIÓN AL ENCUENTRO CARLOS MORÁN Director del Organismo Autonomo Serantes Kultur Aretoa, Santurzi Después de tres años de viajar por Europa, y visitar Inglaterra, Alemania y Holanda, vimos la necesidad de dar un paso más allá, y por eso este año la Comisión de Formación pensó que era conveniente hacer un alto, antes de continuar viajando, para avanzar, aprovechando la experiencia y el conocimiento directo resultado de nuestras visitas. Y nos pareció que era oportuno porque, por un lado, después de veinticinco o treinta años de ejercicio de las instituciones democráticas en el ámbito de la cultura, y específicamente en el de las artes escénicas, parecía necesario reflexionar sobre lo que estábamos haciendo, y el modelo de gestión que estábamos aplicando en nuestro país. Y porque, además, habíamos alcanzado una cierta madurez conceptual en la medida en que hemos generado muchos foros, saliendo de nuestros espacios concretos para compartir experiencias, reflexiones, dificultades, etc. Nos parecía un buen momento para hacerlo porque el entorno de la crisis está agudizando la necesidad de que desde la gestión pública de los espacios tengamos un discurso sobre lo que hacemos, de dónde venimos y, sobre todo, hacia dónde debemos ir. A nadie se le escapa que la situación económica y el propio desarrollo del modelo de gestión están generando un debate donde los perfiles entre lo público y lo privado se muestran un tanto conflictivos. Debemos reflexionar colectivamente sobre el papel de la Administración Pública en el ámbito de la gestión de la cultura y las artes escénicas, y tenemos que generar un discurso desde lo público sobre qué debemos hacer. En este contexto de ideas nos pareció que era un método muy apropiado utilizar la experiencia de esos viajes, y utilizar los modelos, prácticas e historia de estos países como un espejo donde mirar lo que estamos haciendo en nuestro país. El objetivo de estas jornadas será

09 INTRODUCCIÓN AL ENCUENTRO buscar nuestras debilidades y fortalezas y, lo que es más importante, tratar de encontrar caminos para solucionar los problemas que tenemos de cara al futuro. Pretendemos, en estos dos días, buscar análisis generales, y llevar a cabo una reflexión amplia en términos de país y de sector. Y con la perspectiva de elaborar un discurso que aborde nuestras dificultades y nos aporte respuestas para los debates que se irán generando en nuestro entorno. El encuentro se desarrollará siguiendo una dinámica de exposición de contraste entre un ponente extranjero y un relator español, y buscaremos sobre todo el debate y la reflexión en común. Así, entramos en materia con una primera sesión de presentación general y a grandes rasgos de los diferentes modelos internacionales de gestión de espacios escénicos. En este caso hemos escogido Inglaterra, Holanda y España. Esta tarde y durante la jornada de mañana desarrollaremos cinco temas específicos que nos han parecido importantes en la coyuntura actual. Tres de ellos tienen una relación muy directa con la gestión: autonomía de la gestión, rentabilidad económica de los espacios y nuevas tecnologías aplicadas a la comunicación. Los otros dos están relacionados con la función de los espacios: educación, participación y diversidad cultural en los espacios escénicos, y el desarrollo de la creatividad artística. Con estos cinco temas y una visión general, intentaremos, entre todos, elaborar un argumentario de lo que somos y hacia dónde queremos ir en la gestión de las artes escénicas en este país, siempre desde la voz de lo público. Damos paso a la primera mesa en la que intervendrán Nan van Houte de Holanda, David Micklen de Inglaterra y Miguel A. Varela de España. Gracias.

10 SESIÓN GENERAL sesión general Nan van Houte David Micklen Miguel A. Varela presentación de los modelos de gestión de espacios escénicos de Reino Unido, Holanda y España EL MODELO HOLANDÉS Nan van Houte, Instituto del Teatro de Holanda, TIN. Buenas tardes, me alegra mucho tener la oportunidad de explicar el modelo holandés en el extranjero, y en un momento en el que éste se encuentra también sometido a una fuerte presión, porque se está debatiendo ahora mismo en el parlamento holandés, y tenemos ciertos temores sobre la continuidad del modelo tal y como ha sido hasta la fecha y como lo conoció la delegación española en su visita a Holanda. Intentaré explicar de forma exhaustiva cómo ha funcionado el modelo, al menos hasta ahora, y reflexionar sobre el camino que tendremos que tomar en el futuro. La política cultural en los Países Bajos está definida en la constitución. Según ella, el Ministerio de Educación, Ciencia y Cultura es el responsable de crear las condiciones para la conservación, desarrollo y difusión de la cultura. Además de las subvenciones estatales, una herencia de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, contamos con subvenciones provinciales y locales. En los años ochenta del siglo pasado se produjo un intercambio de responsabilidades entre el estado, las provincias y las ciudades, y se estableció que el Minis-

11 SESIÓN GENERAL terio de Cultura (en parte a través de Fondos Nacionales) fuese el responsable de apoyar las producciones y la creación a nivel nacional; que las regiones se encargasen de la difusión y distribución de las producciones, y las ciudades fuesen las encargadas de su exhibición. En los Países Bajos, todas las compañías de teatro, con excepción de la Ópera nacional y las orquestas nacionales, tienen la obligación de hacer giras. Hasta el día de hoy el estado holandés se mantiene fiel a un principio enunciado por Thorbecke, un ministro liberal del siglo XIX, según el cual no es tarea del gobierno juzgar el arte. Por ello, las subvenciones a actividades artísticas y culturales se conceden sobre la base de una evaluación realizada por profesionales y expertos independientes, que funciona a todos los niveles administrativos: nacional, provincial y local. En cuanto a las estructura de la gestión, Rob van Steen hablará mañana más detenidamente de esta cuestión, pero podemos avanzar que la mayoría de las entidades culturales son fundaciones independientes con una dirección o consejo de administración elegida por ellos mismos y designada en base a las competencias definidas de antemano en los estatutos. La dirección cuenta con entre tres y nueve miembros, y la primera es elegida por el fundador que establece también la duración de sus cargos. Después será la dirección la que vaya eligiendo las direcciones sucesivas. No hay intervención política de ningún tipo, con excepción de algunas entidades estatales y locales, como algunos teatros y museos que forman parte de los servicios municipales. Pero ni siquiera en este caso hay influencia política directa en la gestión, aunque sí en el nivel de subvenciones, que dependerá de la coalición política gobernante. La mayor parte de las entidades ha firmado un Código de Gobernanza Cultural, que incluye una serie de criterios sobre control y buen gobierno. En estos momentos, este código está siendo impuesto por decreto ministerial, y Rob nos hablará mañana sobre ello. Si hacemos un repaso histórico, podemos comenzar señalando que ya en los años cincuenta se construyeron numerosos teatros en Holanda, partiendo de la idea de proteger a las generaciones de la posguerra de la mala influencia de la cultura de masas. En los años setenta se produjo un boom de producciones de pequeño formato. Esto fue consecuencia de la Acción Tomate de 1969, una protesta estudiantil contra un teatro calificado como obsoleto, y se abrió así un espacio a nuevos creadores. Pronto se fue percibiendo un desequilibrio entre el tamaño de los teatros y el número de pequeñas producciones que no disponían de salas adecuadas. Se produjo un cambio en los setenta y ochenta, cuando muchos jóvenes productores empezaron a ocupar edificios y oficinas gubernamentales y los convirtieron en pequeños teatros marginales, las llamadas Cajas Negras. Al mismo tiempo en los grandes teatros, en las salas históricas, empezaron a habilitarse áticos y sótanos para ofrecer espacios al abundante

12 SESIÓN GENERAL teatro alternativo. Y a partir de ese momento, todos los teatros de nueva construcción contaron con una o varias salas pequeñas para este tipo de oferta. Nosotros las llamamos salas horizontales, y en ellas la oferta depende de un circuito propio desvinculado de la gestión del propio teatro. A partir de los ochenta y noventa, se ofreció a jóvenes productores y creadores la posibilidad de crear espectáculos durante las horas en las que el teatro estaba fuera de uso, y se habilitaron para ello salas específicas (laboratorios, talleres). Fue lo que llamamos las casas de producción, que a partir de finales de los ochenta empezaron a recibir subvenciones de las autoridades locales y se fueron incorporando al sistema nacional de subvenciones. En los años noventa asistimos a una importancia cada vez mayor de las salas pequeñas, mientras las grandes salas ofrecen un porcentaje cada vez menor de producciones subvencionadas, sobre todo en las capitales de provincia. Por un lado, muchos espectadores del teatro de repertorio tradicional dejaron de asistir a espectáculos de teatro contemporáneo y, por otro, muchas grandes compañías decidieron limitar sus esquemas de gira dejando fuera determinadas provincias. Además, Miguel los teatros Varela no estaban dispuestos a correr riesgos con sus programaciones, de modo que fue aumentando la oferta comercial en los grandes teatros de Holanda. En los años noventa al dos mil se produjeron privatizaciones de grandes teatros, y la mayoría se incorporaron al sistema de subvenciones locales, aunque también hubo alguno vendido a empresas comerciales que no recurrían a las arcas públicas. A lo largo de los últimos diez años, y hasta la actualidad, se ha desarrollado una red muy tupida de productores y consumidores. Tenemos unos 160 teatros subvencionados (al menos un teatro en un radio máximo de 20 kilómetros) y hay unos 1500 estrenos anuales. Hay muchas oportunidades para los jóvenes creadores en los talleres, laboratorios y casas de producción, así como un incremento de la orientación internacional en la programación y exportación de producciones holandesas. Hay un gran interés de la población inmigrante por participar en la cultura, con un código de diversidad cultural, y hay una crisis cada vez más acusada en la distribución de producciones tradicionales en grandes escenarios. Hay muchas quejas sobre la escasa oferta de teatro clásico y un exceso de producciones contemporáneas. Además, observamos un descenso del número de visitantes a las salas, pero es un fenómeno que se está produciendo en toda Europa. En 2008 se puso en marcha un nuevo sistema de subvenciones, y no sabemos cuánto durará, porque ya se nos ha anunciado que se volverá a modificar en 2012 o 2013. Según este sistema, las subvenciones estatales se concentran en ocho espacios (cinco en grandes ciudades y tres en regiones). Cada región o ciudad cuenta con una infraestructura básica para la enseñanza, programación y promoción de las actividades (casas de producción, teatro infantil, orquesta, compañía de teatro clásico y de ópera, etc). Todos estos agentes funcionan de acuerdo con un principio de corresponsabilidad en el desarrollo de una vida cultural floreciente en su área geográfica.

13 SESIÓN GENERAL Qué nos deparará el futuro? El futuro empieza hoy. Probablemente el próximo 1 de enero tendremos una nueva tarifa de IVA para las entradas, con una subida del 6 al 19%. Eso afecta especialmente a los espectadores y, desde luego, a los teatros. A partir del año 2014 se espera un recorte de la subvención a la producción de entre un 30 a un 50%. Esto afectará en primer lugar a los productores, a las compañías, pero también a los teatros, porque todos los gastos adicionales repercutirán en las salas. Prevemos también recortes en los fondos provinciales y municipales, como consecuencia de los recortes en los apoyos nacionales asignados a estas administraciones. Así pues, parece el momento adecuado para cambiar de estrategia. Hemos de ampliar la base del apoyo público a los espacios escénicos. En el caso de los Países Bajos, los recortes en el ámbito de los espacios escénicos no tiene que ver únicamente con la crisis económica, sino también con un problema de legitimación. La política y los ciudadanos opinan, en general, que tal vez sea excesiva la subvención que se concede a nuestra actividad. Debemos intentar que crezca Miguel número Varelade espectadores, pero también saber transmitir el valor de la cultura y las artes escénicas. Tenemos que incorporar al público en el proceso de formulación de estrategias artísticas. Debemos establecer relaciones con nuestros políticos, porque hemos sido siempre independientes de la política, pero tal vez nos hemos alejado demasiado de ella, de modo que la política no se siente ya responsable de la cultura. Tal vez hayamos de dar un paso atrás, sin que la política tenga por ello que valorar el contenido de la cultura. Las coproducciones y las redes son dos elementos fundamentales a tener en cuenta, lo mismo que las fusiones y las colaboraciones, por ejemplo a nivel administrativo y de gestión. Pensando en los teatros, hemos de tener en cuenta el alquiler de espacios, algo que todo el mundo hace ya, pero también en el alquiler de personal, de expertos, de conocimientos. También acoger a artistas en residencia, una forma barata de internacionalizarse y traer nuevas energías a nuestras entidades, que además genera atención de los media. Hay también posibilidades de convertir al público en accionistas de nuestras producciones. Necesitamos mucho tiempo para adaptar nuestro modelo a los nuevos vientos y protegerlo de una política que en este momento debe enfrentarse a un potente sistema de libre mercado. (Documentación de la ponencia en Anexo II, págs. 86-90)

14 SESIÓN GENERAL EL MODELO INGLÉS David Micklen, Battersea Arts Centre/BAC. Londres, Reino Unido. Hola, buenas tardes. Voy a hablar del teatro en Gran Bretaña entre los años 1990 y 2010. Algunas ideas generales Los años 90 son la década de la nueva literatura en Gran Bretaña. Autores como Mark Ravenhill, Sarah Kane, Martin Crimp, Ayub Khan-Din, Philip Ridley, Martin McDonagh o Jez Butterworth ocuparon la escena teatral en esta década. Y el Royal Court Theatre de Londres, bajo la dirección de Stephen Daldry y después de Ian Rickson, estimuló la demanda de voces frescas y nuevas, y muchas carreras se establecieron sobre la base de una única obra. En su libro El teatro en tu cara Aleks Sierz describe la escena teatral del Reino Unido como un tipo de nueva literatura, que él llama teatro experimental, caracterizado por un lenguaje y unas imágenes extremos y un serio cuestionamiento de las normas morales. Durante esta misma década, los teatros regionales se estancaron debido a los bajos niveles de financiación, que en ocasiones prácticamente se congeló, y una programación muy conservadora. Durante la década 2000-2010 se produjo un desplazamiento del teatro de autor para dar paso a voces más diversas: directores, diseñadores, escritores y artistas contribuyeron a un modelo más ecléctico de trabajo creativo. Fue el momento de crecimiento de algunos teatros experimentales como el Punchdrunk, el Kneehigh, Improbable o Forced Entertainment, que han alcanzado una enorme reputación. Las artes circenses y de calle se han incorporado como parte de la industria teatral incluso a muy alto nivel: grandes espectáculos al aire libre, como The Spider ( La araña ) de Liverpool, han demostrado que existe un gran interés por obras que están fuera del circuito tradicional. Con estas nuevas realidades, se ha ampliado muchísimo la idea de lo que supone el teatro en el Reino Unido. Antes se basaba en las obras, ahora incluye una gama más amplia de espectáculos que va más allá del mero teatro.

15 SESIÓN GENERAL Edificios En cuanto a la infraestructura, podemos dar el dato de inversión de 1650 millones de euros desde 1997 hasta hoy (fondos procedentes de la lotería) que se han empleado en la construcción de nuevos edificios y en la renovación de teatros ya existentes que han proporcionado vitalidad cultural a barrios y ciudades. Muchos de estos proyectos han tenido un enorme éxito (Royal Court, Roundhouse y Young Vic en Londres, Contact Theatre en Manchester), aunque también se han invertido enormes cantidades en instalaciones que ahora no cuentan con el respaldo del público. En nuestro caso, el Battersea Arts Centre, hemos tenido la suerte de recibir recientemente 6 millones de euros procedentes de fondos de la lotería para la renovación del edificio. Otro rasgo importante durante la última década es el nacimiento de los teatros nacionales de Escocia y de Gales, ambos con un enorme éxito, y que no tienen una sede física, son itinerantes. Por último, podemos señalar el derrumbe de las fronteras entre el teatro tradicional y el de vanguardia. Pero con la profesionalización del teatro de vanguardia, gracias a la mejor financiación, se ha ido aceptando la idea de que una escena teatral sana debe incluir una ecología equilibrada, en la que haya sitio para todos, con repertorios más amplios y ambiciosos. Políticos y financiación Esta no es una presentación sobre política, pero es necesario hablar de la financiación de los teatros en los últimos veinte años. En los años noventa, con un gobierno conservador que no valoraba las artes, se redujo la financiación. Esto redujo, a su vez, las posibilidades de una buena planificación y debilitó los teatros regionales e itinerantes. También fue disminuyendo la financiación local, con un efecto menor en grandes ciudades y algo mayor en ciudades medianas. Con la llegada del gobierno laborista de Blair en 1997 se produjo un importante crecimiento de la inversión en artes. En el año 2000 el Departamento de Teatro del Consejo de las Artes aprobó un aumento de la financiación de los teatros y una aportación adicional de veinticinco millones de libras a partir de 2003. Estos acuerdos pasaron a ser compromisos a tres años, lo que permitió una planificación más sólida y un sector independiente. La relación entre el Consejo de las Artes (gobierno central) y las autoridades locales creó un nuevo sistema de organizaciones que recibían financiación de forma regular. Los directores artísticos, y también el público, pudieron asumir mayores riesgos. Esta fue, en palabras de Tony Blair, la edad de oro del teatro, y culminó en 2007, con una inversión de 120 millones de libras anuales para el teatro en Inglaterra.

16 SESIÓN GENERAL A partir de 2007 la financiación se ha reducido lentamente y se han desviado fondos para la candidatura de Londres para los Juegos Olímpicos de 2012. Hay que hacer una especial referencia a estos tres últimos años en los que ha sido mucho más difícil conseguir financiación. Desde mayo de 2010 tenemos un nuevo gobierno de coalición, y las cosas han vuelto a parecerse a los años noventa con los gobiernos conservadores. El Consejo de las Artes, en los próximos cuatro años, recortará su presupuesto en un 29%, y los porcentajes de reducción son similares en los gobiernos locales. Pero, como antes decía, una ecología teatral sana requiere algo más que subsidios públicos, precisa también de recursos generados para financiar los proyectos: los ingresos de taquilla y otros ingresos. Creo que los teatros más sanos del Reino Unido son los que consiguen un equilibrio entre estas tres partidas. En el caso del Battersea Arts Center (BAC) intentamos conservar este equilibrio. En 2008 se produjo una recesión en el sector privado que tuvo un impacto considerable en los ingresos por ventas. A partir de 2011 se producirá una reducción importante de la financiación pública, así que esperamos poder ir incrementando en los próximos años la parte correspondiente a los ingresos generados por los espacios escénicos (alquiler de espacios, maximizar beneficios de ingresos por comidas y bebidas, explotación de nuestro trabajo fuera del BAC etc.) El BAC no es el único que ha adoptado un enfoque más empresarial. Muchos de nuestros teatros están buscando nuevas formas de explotación comercial. El Teatro Nacional está invirtiendo muchísimo en la explotación de sus obras de mayor éxito en el West End y en nuevas tecnologías que permitan su retransmisión en directo. En el BAC llamamos a nuestro enfoque la empresa cultural, es decir, asumir riesgos artísticos y creativos para generar ingresos. Para ello es necesario arriesgarse en producciones, ideas y metodologías, y en la forma en que conectamos con otras industrias y negocios de carácter creativo. Hemos aprendido en los últimos años que el riesgo artístico y la generación de ingresos no son incompatibles. En 2007 la compañía Punchdrunk produjo La máscara de la muerte roja, una producción ambiciosa y de enorme riesgo económico. Para cubrir costes necesitábamos un 70% de asistencia de público, y al mismo tiempo sufrimos un importante recorte de la financiación del gobierno local. Decidimos entonces coproducir el proyecto con Punchdrunk con una combinación de dinero público y nuestra propia empresa. Conseguimos mantener el espectáculo en cartelera durante siete meses y cien mil libras de beneficio para el BCA en venta de entradas, bar y catering. Gobernabilidad La mayor parte de los teatros están gestionados por patronatos compuestos por voluntarios independientes, sobre todo de carácter benéfico (charities), lo que les permite mantener su

17 SESIÓN GENERAL independencia de la autoridad local. Este modelo se ha convertido en estándar en todo el Reino Unido: empresas no lucrativas dirigidas por un patronato independiente de profesionales, que reciben subvenciones públicas y donaciones privadas. La Charity Comission es la institución encargada de supervisar y establecer las normas de funcionamiento de las organizaciones benéficas, centradas en la idea de bien público. Muchos teatros, incluido el BAC, tienen aparte sus propias divisiones comerciales que se encargan de obtener beneficios de actividades como el catering, explotación comercial o giras. Al final de cada año, el beneficio de estas actividades es donado de forma no lucrativa, exenta de impuestos, al BAC. Participación y diversidad cultural En los últimos diez años se ha intentado por todos los medios atraer y diversificar públicos e involucrarlos en el trabajo de los teatros. Gracias al apoyo de los contribuyentes, se trabaja en la diversificación tanto de artistas como de públicos. Hay numerosos ejemplos: una iniciativa llamada Decibel busca promover el teatro realizado por negros y asiáticos como llamamiento a la diversidad. El teatro Green Room de Manchester tiene un director artístico negro, y hay un pequeño grupo de compañías formadas por actores negros y asiáticos. En lo que se refiere a la diversificación, hemos hecho todo lo posible por eliminar la idea de sistema de clases sociales que domina la gestión del teatro británico. Siete de nuestros treinta teatros regionales son dirigidos por licenciados en Oxford o Cambridge. Estos graduados en Oxbridge son los que tienen ahora mismo los máximos cargos de responsabilidad en el Teatro Nacional, el Donmar, el Northern Stage y un largo etcétera. Además de este trabajo a favor de la diversificación, se han hecho grandes esfuerzos por garantizar la participación en muchas estrategias teatrales. Cuanto más involucrado está el público en los programas, mayores son las oportunidades de desarrollar los públicos. En el BAC queremos que el público se sienta protagonista de la experiencia teatral, que contribuya activamente en la programación (jóvenes, tercera edad) La participación del público, desde luego, mejora muchísimo el trabajo de un teatro. Compañías como Punchdrunk, Kneehight y DreamThikSpeak han ido más allá de la presentación teatral formal, pero los teatros regionales no han estado a la altura. La lotería ha financiado muchos auditorios nuevos en todo el país, pero no se ha prestado al público la atención que merecía. Muchos teatros regionales no han podido mantener el ritmo de las nuevas tecnologías, mientras algunas de nuestras compañías más interesantes han hecho que la participación del público vaya mucho más allá del hecho de sentarse pasivamente en sus butacas.

18 SESIÓN GENERAL Organismos y asociaciones Contamos con diferentes organismos y asociaciones en el Reino Unido. l La ITC, el Consejo de Teatro independiente, que apoya las pequeñas y medianas compañías independientes. l El TMA, la Asociación de Directores Teatrales. l El SOLT, la Sociedad de Teatros de Londres. Desde el año 2000 los límites entre estas redes se han ido difuminando. Hay una red que imagino conocerán los que estuvieron en Glasgow, la IETM, Red Europea Informal de Teatro, una red internacional para productores teatrales. Tres deseos para el futuro En primer lugar, la financiación: que los recortes del sector público no sean tan severos como para destruir por completo la cultura teatral en el Reino Unido. En segundo lugar, la cuestión de las clases sociales. Hay una nueva generación no educada en Oxford ni en Cambridge, que espero participe cada vez más en el teatro convencional, porque el teatro británico sigue estando en manos de una élite, y queremos que nuestro teatro sea diverso en clases y etnicidad. Y en tercer lugar, que seamos capaces de experimentar: es importante ir asumiendo más riesgos tanto por parte de artistas como de programadores. Muchas gracias. (Documentación de la ponencia en Anexo II, págs. 78-79)

19 SESIÓN GENERAL EL MODELO ESPAÑOL Miguel A. Varela, Director del Teatro Municipal Bergidum, Ponferrada. Voy a intentar explicar el proceso evolutivo del modelo escénico español. En España, salvo los referentes de La Barraca o las Misiones Pedagógicas, hubo muy pocas iniciativas teatrales anteriores a la guerra civil. Hasta la muerte del dictador Franco y el comienzo de la transición, España vivió Miguel de Varela espaldas a Europa y a los fenómenos de intervención pública en las artes escénicas. A lo largo de la dictadura, primero los llamados teatros de cámara y ensayo y después el teatro independiente, intentaron acercarse de algún modo a las experiencias europeas. Hay que señalar la importancia del teatro independiente en el desarrollo posterior de las artes escénicas en España. A partir de 1982, buena parte de los responsables del teatro independiente ocuparon cargos de responsabilidad en la cultura oficial. Franco muere unos meses después de la primera huelga de actores de la historia del teatro español. En 1978 se elige el primer gobierno democrático y se aprueba la Constitución que garantiza la libertad de creación, y aparece por primera vez una referencia a la cultura incluida entre los derechos de los ciudadanos y los deberes de los poderes públicos. Se inicia una etapa que en el ámbito escénico fue clave: acaba la censura, se crean nuevas instituciones y se produce un notable aumento de subvenciones. En 1977 se crea el Ministerio de Cultura siguiendo el modelo francés, que pasó a ser responsable del desarrollo del cine y el teatro entre otras artes. Durante el gobierno de UCD se crea el Centro Dramático Nacional cuya dirección recae en Adolfo Marsillach. Posteriormente se van sumando otras iniciativas institucionales: en 1982 se pone en marcha el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y la Compañía Nacional de Teatro Clásico. El INAEM tiene como objetivo fomentar la actividad y cultura teatral en España a través de sus unidades de producción, que deben cumplir los cometidos propios de los teatros públicos europeos. Con la aprobación de la Constitución de 1978 se produce una transformación radical del sistema de servicios públicos, un aspecto clave en la presencia de lo público en el desarrollo escénico. Se permitió a las Comunidades Autónomas asumir importantes competencias culturales en materia de museos, bibliotecas, conservatorios, patrimonio y también artes escénicas.

20 SESIÓN GENERAL En 1979 se celebran las primeras elecciones municipales, y los ayuntamientos surgidos de aquellas urnas generan una carrera acelerada para mitigar el tiempo perdido, tanto en infraestructuras como en políticas sectoriales, con un enorme protagonismo de la cultura y la aparición de la figura del técnico o programador cultural. Paralelamente a esta descentralización administrativa, los poderes públicos se implican en un proceso de descentralización territorial de la producción y sobre todo de las infraestructuras teatrales. Ante el estado de ruina de gran parte del patrimonio arquitectónico escénico, se pone en marcha en 1983 el Plan de rehabilitación de Teatros Públicos. Se busca la recuperación de un legado cultural, con implicación de los poderes locales, y a mediados de los noventa se incorporan al mapa teatral unos cincuenta espacios escénicos recuperados, hasta llegar con el tiempo a casi un centenar. Como dato significativo, en 1978 poco Miguel más Varela del 10% de los teatros españoles eran públicos. Actualmente podemos decir que el porcentaje se ha invertido, y es probable que el 90% de los espacios sean públicos. También se producen cambios en el ámbito de la producción. Varias Comunidades Autónomas ponen en marcha centros dramáticos que vienen a ser una copia del modelo francés. Lo cierto es que tres décadas después, los centros supervivientes se han convertido en meras unidades de producción con muy escasa presencia fuera de sus ámbitos geográficos, y la mayor parte de las comunidades ha optado por líneas de trabajo de fuerte apoyo a la producción regional y de cofinanciación de circuitos de exhibición, además de festivales, ferias o nuevos centros de formación en arte dramático. La aparición de un nuevo mapa de recintos pone en marcha mecanismos de coordinación de gran importancia, como son los circuitos de exhibición o la propia Red Española de Teatros, que nace a principios de 1992 bajo los auspicios del Ministerio de Cultura. En ese momento integran la red unas treinta instituciones, municipios titulares de teatro, y a finales de los noventa contaba con unos noventa espacios escénicos y once circuitos autonómicos. Este crecimiento, no exento de contradicciones, provocó que en el año 2000 la Red despareciera como organismo vinculado al Ministerio de Cultura y se creara lo que hoy es la Asociación Cultural Red Española de Teatros, que cuenta con 134 asociados y más de 600 espacios escénicos. Un elemento característico del modelo escénico español es la enorme rapidez con la que se han producido cambios trascendentales. En apenas treinta años se han incrementado espacios, la producción y la presencia de lo público en el desarrollo de este sector en España. Ello ha propiciado la creación de un amplio tejido asociativo (producción, autores, directores, técnicos y distribuidores, salas alternativas, etc.)

21 SESIÓN GENERAL Otro elemento propio son la Ferias de Artes Escénicas. La precursora fue la Fira de Tárrega en 1981, y ahora mismo son uno de los espacios de mercado más importante de nuestro modelo. En 2007, después de seis años de trabajo, se presenta el Plan General de Teatro, un análisis exhaustivo del sector y una propuesta sobre su futuro, elaborado de forma consensuada por una comisión de estudios en la que están todas las asociaciones profesionales del sector salvo la Asociación de Directores de Teatro. Estamos ante un sector con importantes fortalezas: contamos con empresas maduras, unos 18 millones de espectadores anuales y unos 260 millones de euros de volumen de negocio (datos seguramente cuestionables por la falta de datos fiables y recogidos con cierta eficacia). Tenemos también un hábito de asistencia arraigado en colectivos de ciudadanos; una infraestructura de espacios escénicos descentralizada, sólida y moderna; formación y especialización profesional de gestores de empresa, de compañías y de teatros; un gran nivel de asociacionismo y contacto profesional, aunque lejos de tener capacidad de presión o negociación. Tenemos también fuertes vínculos de empresas y compañías con su entorno territorial. En cualquier caso, la crisis ha llegado a las artes escénicas. Menos dinero público, nuevas formas de gestión: ese parece ser el nuevo lema. Parece que, en lo fundamental, las principales variables del sector no han sufrido el desplome que inicialmente cabría pensar, aunque debemos ser cautos al respecto por la precariedad de los datos. Acabaré con una frase de Voltaire: Cualquiera que condene al teatro es un enemigo de su país. No vamos a condenar al teatro: debemos buscar nueva luz y nuevas posibilidades más allá de estas circunstancias adversas que estamos atravesando. (Documentación de la ponencia en Anexo II, págs. 80-85)

22 SESIÓN GENERAL SESIÓN GENERAL Presentación de los modelos de gestión de espacios escénicos de Reino Unido, Holanda y España. COLOQUIO Carlos Morán. Es el momento de plantear preguntas y sugerencias, y aprovechar la presencia de los invitados internacionales para plantear dudas y posibles aclaraciones sobre sus intervenciones. Pregunta. Juan Luis García, Teatro Regio de Almansa. Me gustaría aprovechar la presencia de nuestros compañeros de Holanda Miguel y Gran VarelaBretaña para pedirles, si es posible, que ampliasen un poco el tema de la gestión de los espacios. En el caso de Holanda, por ejemplo, se intuye por lo dicho la existencia de entidades separadas del organismo público que crea el teatro como espacio. Pero, realmente, cómo se lleva a cabo la gestión? quién y cómo se contrata? quién es el responsable si se producen deudas? Cómo se establece la relación de una comunidad pequeña o mediana que ha pagado un teatro que luego se cede a una organización y quiere utilizarlo? Gestión cotidiana, por decirlo así. Respuesta. (Nan van Houte) En Holanda tenemos fundaciones independientes con un consejo de administración y un director. Hay diferentes modelos de gestión que están fijados en el Código de Gobernanza Cultural al que mañana se referirá Rob van Steen. Los teatros, en función de su déficit, se financian en períodos de cuatro años. El consejo de la fundación, en el que también hay políticos, es el responsable y el director lleva a cabo la gestión cotidiana. P. Pepe Vélez, coordinador de los Teatros Municipales de la ciudad de Cádiz. La gestión en Holanda es privada, es pública o es mixta? Cómo intervienen los funcionarios del estado en esos espacios teatrales? R. (Nan van Houte) En los teatros medianos o pequeños, que es el sector en el que yo he trabajado, el consejo de administración lo elige el fundador, sin implicación de partidos políticos. Ese consejo es el responsable del nombramiento de los miembros y del director. Es interesante preguntar a Rob van Steen o Leo Pot si esto también es válido para los otros teatros municipales o no. R. (Rob van Steen) En algunos teatros, entre ellos el que yo dirijo, los políticos y funcionarios no pueden formar parte del consejo de administración. Se quiere tener un teatro completamente autónomo y sin ningún tipo de ingerencia política.

23 SESIÓN GENERAL P. Jordi Giramé, Teatros Municipales del Ayuntamiento de Tarragona. Una pregunta para David Micklen, del BAC. David decía que el riesgo no es incompatible con la rentabilidad económica, y ponía como ejemplo su experiencia con Punchdrunk, que algunos tuvimos posibilidad de ver en su teatro. Podrías detallar, por favor, las cifras de esta producción? R. (David Micklen) La máscara de la muerte roja fue posible gracias a una combinación de subvención pública y explotación comercial. Intentaré simplificar los datos. Contábamos con una ayuda del Consejo de las Artes para los tres primeros meses de la producción. Esta era la previsión inicial para estar en cartelera. La ayuda era de 120.000 libras, y la obra costó 250.000 libras. Al final de los primeros tres meses habíamos conseguido cubrir costes: 27.000 libras en honorarios para los actores se obtuvieron directamente de taquilla. Después de estos primeros meses, en los que obtuvimos muy buenas críticas, decidimos prorrogar cinco meses más. Al haber cubierto los gastos del montaje de la obra, entramos en beneficios y podríamos estar todavía en cartel, porque la gente estaba entusiasmada. P. Javier Romero, programador del Teatro Federico García Lorca de Getafe. En España tenemos a veces la sensación de que nuestro sector está falto de regulación por su propia evolución histórica, y el resultado es que, después de treinta años de democracia, en cada teatro se va haciendo un poco lo que nos parece a políticos y técnicos. Mi pregunta es cómo se fijan los proyectos de cada teatro, y si existe alguna normativa o ley general que regule las dinámicas de los teatros y los estándares de calidad y funcionamiento y, por último, si existen órganos de participación ciudadana para fijar esos estándares. Gracias. R. (Nan van Houte) La situación es muy heterogénea, pero podemos decir que muchos teatros tienen un programador artístico y un director financiero. Además, los teatros son evaluados por un consejo que estudia el valor artístico. En los teatros financiados por los municipios, todo depende de las normas fijadas por el municipio, pero director y programador artístico definen en gran medida la programación. Sobre todo en teatros con mucho presupuesto hay programadores profesionales que eligen esta programación. R. (Rob van Steen) En cuanto a la segunda parte de su pregunta, puedo decirle que, afortunadamente no hay ninguna ley que regule el funcionamiento de los teatros en Holanda. Me sorprende su pregunta, pues en Holanda se considera a los teatros como empresas culturales, empresas que son capaces de crear un equilibrio entre la demanda y la oferta en las artes escénicas, y no hay necesidad de leyes para regular esto. Quisiera añadir algo respecto a su pregunta sobre la participación del público en la programación. Se hace sobre todo en lugares con público potencial heterogéneo, y en este caso se trabaja con consejos y propuestas por parte de jóvenes o representantes de minorías culturales. P. Ronald Brouwer, Teatro de la Abadía. Una pregunta para Nan van Houte. Nan habló de que la actividad no tiene lugar hasta que no haya suficiente público. Esa práctica se desarrolla ya en Holanda? Cómo se articula exactamente?

24 SESIÓN GENERAL R. (Nan van Houte) Estamos empezando. Me acaban de comentar un par de experiencias en dos teatros: se busca un público a través de Facebook o Twiter, y luego se decide dónde se actúa en función de la demanda previa. P. Fernando Sáenz de Ugarte, Auditorio Barañain. Una pregunta para David Micklen. Has dicho que en los 90 hubo muchos teatros de pequeñas localidades que tuvieron que cerrar por los recortes en subvenciones. Qué sucedió después? Volvieron de nuevo a la actividad? Por buscar paralelismos con lo que puede suceder ahora aquí. R. (David Micklen) Los teatros dejaron de ser independientes, algunos pasaron a ser teatros municipales. Otros fueron adquiridos por empresas comerciales con fines lucrativos, y lógicamente el listón artístico bajó. Algunos tuvieron que cerrar las puertas o fueron incluso derribados y convertidos en cines o centros comerciales. R. Jan Sharkey-Dodds del Theatre Stratford del Reino Unido. Además de lo que ha dicho David, señalar que hubo muchos teatros de pequeño tamaño que empezaron a negociar con las autoridades locales el tipo de obras que iban a producir y se reinventaron para sobrevivir, poniéndole mucha pasión y mucho corazón. Hicieron que se abriese un debate profundo sobre la función y el significado del teatro. Algunas compañías y edificios se perdieron, muchos de ellos emigraron a Nueva Zelanda y Australia. P. Juan Márquez, Teatro Cuyás de Las Palmas de Gran Canaria. Una pregunta para ambos ponentes. Alguna recomendación que nos pudieran hacer de uno o dos puntos fuertes de su modelo de gestión. Y también alguna recomendación de algún aspecto que nos sugerirían no copiar. Gracias. R. (David Micklen) Muchos teatros contaban con directores artísticos excelentes con una mala gestión del espacio escénico. En los últimos quince años ha aumentado la presencia de gestores profesionales, y eso ha tenido un impacto muy positivo. R. (Nan van Houte) En el caso de Holanda la situación no es muy diferente. También hemos podido observar una mayor profesionalización de la gestión de los teatros. Pero se toma también muy en serio la tarea de la programación para que haya equilibrio entre los dos aspectos, el artístico y el financiero. En los últimos años, la tarea de la programación ha de atender la heterogeneidad del público. La comunicación entre grandes y pequeños teatros es un punto débil en Holanda, y es necesario mejorar este aspecto. Se crean circuitos muy separados. Un punto fuerte es la producción, que es buena en pequeños y medianos teatros, con una gran vinculación con los espectadores.

25 SESIÓN GENERAL R. (David Micklen) Creo que hay un importante cambio en la figura del director artístico. Por ejemplo en el BAC los directores artísticos estamos programando pero también produciendo, y esto nos ha proporcionado importantes éxitos. En cuanto a la financiación, supone sólo un 11% de nuestros ingresos, pero lo dedicamos en su mayor parte a ensayar y desarrollar nuevos proyectos. El 70% de los ingresos vienen de la taquilla, sobre todo de las obras más populares, con lo cual se produce un cierto equilibrio. P. Oriol Picas, Departamento de Cultura, Cataluña. La pregunta va para los dos. Ha quedado claro que los dos modelos no son de gestión directa pública, sino que son independientes, pero hay una parte importante de ingresos públicos. Qué mecanismos hay de relación con estas instituciones, sobre todo en lo referido a rendimiento de cuentas y evaluación de estas aportaciones? R. (Nan van Houte) En los Países Bajos tenemos un contrato con la administración local, un contrato que se especifica en cifras y en calidades. Lo más sorprendente, creo yo, es que hablamos con la administración de Miguel rendimiento Varela social, una relación de negocios. El rendimiento social se traduce en número de visitantes. Así que en el contrato figura el número de actividades que organizamos y el número de visitantes que esperamos acoger. En cuanto a la duración de los contratos, se hacen para dos o para cuatro años, y eso depende de la situación política. R. (David Micklen) En el Consejo de las Artes del Reino Unido normalmente firmamos un contrato para financiación a tres años. Hay una revisión anual del rendimiento, audiencias, etc. Y a los tres años, un examen más profundo para conseguir financiación para un nuevo trienio. Debido a la situación actual, todas las organizaciones que reciben financiación de modo regular van a tener que volver a solicitarla a partir de abril de 2012 para un período de tres o cuatro años. De las 880 entidades que piden financiación, desaparecerán unos 600. La financiación local varía de un lugar a otro, y puede estar entre uno y cuatro años. P. Raquel Molina, Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes. Me gustaría preguntar a los dos, en relación con la situación actual de crisis y recortes en cultura, si se ha producido algún tipo de manifestación del público, de la sociedad civil, que siente amenazada la política cultural. Por otro lado, he oído que en el caso holandés las compañías tienen la obligación de girar, igual que ocurre aquí. Hay alguna normativa al respecto? Porque aquí se da el caso de producciones de compañías que no pueden sacar adelante todos los bolos a los que el ministerio les obliga. Se da ese mismo problema en Holanda? R. (Nan van Houte) Sí que ocurre, hay compañías que quisieran viajar más, pero tenemos un sistema que subvenciona sobre todo la oferta y no necesariamente el consumo, la presentación del espectáculo. La proporción entre la oferta y el consumo no está equilibrada. Sobre la primera parte de tu pregunta, la protesta ciudadana, ha habido algunas a gran escala, hemos reunido setecientas mil firmas y realizado una gran manifestación en la calle, con mucha más presencia de artistas que de público, la verdad. Pero es evidente que existe pro-

26 SESIÓN GENERAL testa contra los recortes desde la sociedad y, al mismo tiempo, si preguntamos a los ciudadanos de dónde debemos recortar, la respuesta es el arte y la cooperación para el desarrollo. R. (David Micklen) En el Reino Unido también tenemos un aumento del IVA previsto para el año que viene, pasando del 17,5 al 20%. Hubo una campaña justo antes de los recortes para plantear la situación del mundo artístico, y es que el gobierno recibe más por el IVA que la subvención que da a la actividad artística. Tenemos un gobierno que escucha ocasionalmente los argumentos económicos pero nunca se olvida de sus argumentos ideológicos. Antes olvidé añadir que estos recortes también se aplican a la formación en las artes, y eso quiere decir que muchos centros educativos han sufrido un recorte del 100% en sus subvenciones, una situación muy preocupante. P. Carlos Morán. Una última pregunta para los dos ponentes. Hay un envejecimiento del público en vuestros países? Hay una preocupación por el abandono de las artes escénicas por parte del público joven? R. (David Micklen) Yo creo que el teatro se encuentra en una buena situación. Han ocurrido dos cosas: en primer lugar, compañías de jóvenes como Punchdrunk hacen que se produzcan espectáculos en lugares nada habituales, y eso resulta muy atractivo para el público joven. Hay mucho buen teatro para niños, e importantes actividades de danza para jóvenes, street dance, hip hop Es muy difícil abrirse a nuevos públicos, y cuando los espacios públicos dan la bienvenida a los jóvenes, por parte de los jóvenes hay una muy buena respuesta. R. (Nan van Houte) En el caso holandés, y por mi experiencia personal como directora, pude darme cuenta de que el público estaba muy relacionado con los actores que estaban actuando. Una forma de interesar a los jóvenes era abrirnos a nuevas formas de danza y artes escénicas que no fueran necesariamente las clásicas. Por otro lado hay que interesar a productores y artistas y llamar su atención sobre este tipo de actividades, y eso ocurre en numerosos festivales. Debemos darnos cuenta de que las artes escénicas no se desarrollan sólo en los escenarios, sino que cada vez más los evitan y se celebran fuera de las salas habituales. Es tarea de los teatros darse cuenta de esta nueva realidad y utilizar toda la ciudad como escenario.