TALLER DE CÁMARA Y FOTOGRAFÍA

TALLER DE CÁMARA Y FOTOGRAFÍA de Waddo Pedreira - Realizador Cinematográfico I.D.A.C. El término fotografía quiere decir escribir con luz ; y es el proceso de capturar imágenes mediante algún dispositivo tecnológico sensible a la luz. Tomar una fotografía o grabar una toma de video son procesos artísticos y técnicos, es por eso que, no se limitan solamente a seguir las reglas o pautas de un libro. Pero sin dudas el conocimiento teórico y la experimentación de dicho conocimiento han mejorado los resultados creativos a través de los tiempos. A. ENCUADRE (Procesos Artisticos): Son las delimitaciones bidimensionales de la fotografia o video, es decir, el encuadre es lo que determina dónde empieza y termina el cuadro hacia la derecha, izquierda, arriba y abajo. Es delimitar un rectángulo alrededor de la imagen, eligiendo que entra y que queda afuera, descartando la información visual inservible o que no nos interesa mostrar. A.1. COMPOSICIÓN DEL CUADRO: El camarógrafo debe conocer el lenguaje visual para usarlo en su beneficio. Al igual que debemos conocer las palabras para comunicarnos verbalmente; es necesario conocer cómo funcionan los elementos en la composición del cuadro para poder expresarse en las artes visuales. Se denomina COMPOSICIÓN a la distribución de los elementos dentro del cuadro, de acuerdo con la intencionalidad del realizador. Componer es crear. Las Reglas de la Composición están alejadas de las ciencias exactas (matemáticas, física, etc), tratan en realidad de sensaciones, de sentimientos, de la percepción inconciente o intuitiva que experimenta una persona al contemplar una imagen. Es por esto que, NO son reglas rígidas, por el contrario, aprendiendo que sensación genera cada elemento dentro de la composición, es posible quebrar dicha regla para conseguir una sensación contraria o adversa. Las Reglas de la Composición son el fruto de la experimentación a través de los siglos, los griegos fueron los primeros en postularlas para la pintura y luego fueron adoptadas por las artes visuales: fotografía, cine, diseño, etc. - A.1.1. LAS TRES LEYES DE LAS REGLAS DE ORO DE LA COMPOSICIÓN: Es posible y hasta recomendable, cuando se pueda hacer, cumplir las tres leyes de La Regla de Oro en una misma fotografía, pues éstas no solo son perfectamente compatibles entre sí, sino también complementarias. - A.1.1.1. Ley del Horizonte: Al encuadrar es recomendable evitar componer el horizonte en la mitad del cuadro, aun cuando el horizonte no sea totalmente plano.

El cuadro se divide imaginariamente en tres tercios y el horizonte debe ubicarse sobre alguna de éstas dos líneas divisorias, dependiendo de lo que se quiera resaltar. Como se puede observar en la imagen de la derecha: El horizonte en el tercio superior: resalta la tierra y en el tercio inferior: resalta el cielo. Esta ley básica es generalmente utilizada en encuadres de paisajes pero también es posible aplicarla en otras situaciones. - A.1.1.2. La Regla de Los Tercios: Una composición asimétrica es más dinámica, y una composición simétrica es más estática. Se debe elegir un tipo u otro de composición según lo que se quiera transmitir. Si alejamos el personaje o elemento principal del centro del cuadro, podemos darle más fuerza, haciéndolo menos evidente. Esta regla divide el cuadro en tres partes iguales en el sentido horizontal y en el sentido vertical (tercios). Estas líneas son: Líneas Fuertes pues atraen la atención del espectador y se cruzan en cuatro puntos que se llaman: Puntos Fuertes, pues son los puntos donde más resaltan los elementos de la imagen, otorgándoles un interés especial. Por esto, en general es preferible un equilibrio dinámico destacando los elementos mediante diferencias en la posición, el tamaño o el tono de los mismos. Los Puntos Fuertes ocasionan un arreglo asimétrico de la imagen, con el polo de máximo interés visual desplazado del centro del cuadro hacia alguna de las cuatro esquinas, y el área central ocupada por elementos secundarios. O sea que, el motivo (objeto principal) que se quiere resaltar dentro de la composición debe colocarse en torno a alguno de estos cuatro puntos. En algunos casos se evita utilizar ésta regla, para tratar de conseguir resultados más extremos y jugados en la composición. La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, paisajes, etc.

- A.1.1.3. Ley de Dirección de Mirada o Movimiento: Es la ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del cuadro debe tener más aire (espacio libre) hacia donde mira (su parte frontal) que hacia su espalda o parte trasera. Lo mismo sucede con los objetos o personas que están en moviendo, siempre debe haber más aire hacia donde se mueven. El espectador inconciente o intuitivamente entiende hacia donde se mueve el objeto o la persona. Si el objeto o personaje se encuentra muy cerca de la cámara o es de dimensiones muy grandes, se puede recortar la parte posterior del elemento encuadrado para favorecer la composición (como la foto del elefante). Siguiendo estas leyes, brindaremos más o menos espacio delante de nuestro elemento principal (objeto o personaje), según la importancia y el tamaño de lo que estemos encuadrando, para que sea directamente proporcional entre el valor de lo mostrado (personaje) y el espacio otorgado al aire delante de él. - A.1.1.4. Otras Reglas de Composición del Cuadro: Aunque la mirada del espectador siga un recorrido de lectura inconsciente cuando observa una imagen, es el artista que, con su composición obligará al espectador a seguir el recorrido que él quiera, jugando con los ritmos creados por las líneas, masas y tonos. Como en la foto donde todas las líneas dirigen la mirada a la modelo y el mar, que son los puntos de interés de esa imagen. Por otra parte, existe cierta jerarquía básica que destaca lo que está iluminado por sobre lo que está oscuro (queda claro que la mujer iluminada es el personaje destacado de la imagen), lo que es más grande sobre lo pequeño, lo que se encuentra aislado sobre lo que se confunde en la masa, lo que está enfocado por sobre lo que se encuentra fuera de foco (foto), etc.

A.1.1.4.1. Líneas: Las líneas dominantes deben dirigir la mirada del espectador, no desviarla. El concepto de línea es más amplio que un simple objeto con esa forma es por eso que existen líneas evidentes y líneas sugeridas con la composición de los objetos del cuadro. Las líneas verticales producen una sensación de fuerza, equilibrio, estabilidad y sugieren cierta situación de tensión y vigilancia. Las líneas horizontales dan una sensación de calma, armonía, espera, profundidad y a veces de muerte. Las líneas diagonales son líneas en tensión y ofrecen sensaciones de profundidad, acción y dinamismo, resultando más agradables que las verticales y horizontales. En general, las diagonales guían la mirada del que observa la imagen, generando la ilusión de tridemencionalidad de la imagen. Las líneas curvas son las que más se asocian al movimiento, son fluidas, suaves, sensuales y elegantes. Permiten pasear la mirada más lentamente por la imagen que las líneas rectas. Las líneas convergentes acentúan la fuerza de las diagonales para dirigir la mirada hacia el punto de interés de la imagen. A.1.1.4.2. Colores y contrastes: Los rojos, naranjas y amarillos son colores cálidos (sol, fuego), y se los considera más temperamentales, agobiantes, violentos; en cambio los azules, verdes y violetas son colores fríos, tranquilos y relajados. Por otra parte, el color blanco y los colores más claros vienen hacia delante en la imagen destacándose (se nos vienen encima), en cambio el negro y los colores más oscuros parecen ir hacia el fondo, hacia atrás. Los tonos oscuros en la parte superior de cuadro aumentan la sensación de ahogo y claustrofobia. Por el contrario, cuando los tonos oscuros se ubican en la parte inferior, tienen un efecto de solidez y estabilidad. La saturación también incide en la composición, puesto que los colores más saturados, tienen un peso visual mayor que los colores más lavados. Todo tiene su significado y el artista debe conocerlo y aplicarlo, para poder transmitir las ideas y sensaciones que quiere hacer llegar al espectador para construir la narrativa del relato audiovisual. Tanto el contraste tonal como el cromático, junto con los demás parámetros espaciales (ubicación, tamaño, iluminación, foco, etc.), determinan la relación figura y fondo, donde se verifica la separación y/o integración requerida para destacar narrativamente o no, algún objeto o personaje.

A.2. TAMAÑOS DE PLANOS: Existen infinitos tamaños de planos, todo depende de que porción de la realidad seleccionemos para mostrar en nuestro encuadre. Pero para facilitar la comunicación entre los técnicos con fines laborales y prácticos, se han definido un grupo de planos técnicamente convencionales. En general, los tamaños de plano se definen por la porción de figura humana que aparece en el encuadre. - A.2.1. PLANOS GRANDES O DESCRIPTIVOS: Se denominan descriptivos porque describen el entorno en el que suceden las acciones. Estas son opacadas por la importancia del escenario. Estos son los planos de mayor duración, ya que al ser planos generales necesitan mayor tiempo de lectura o apreciación por parte del público para que verifique detalles del entorno y duran aproximadamente 7 segundos. A.2.1.1. Plano panorámico, Gran Plano General (GPG): Presenta un escenario muy amplio en el que puede haber múltiples personajes sin distinguirse ninguno en particular. Hay mucha distancia entre la cámara y el objeto que se registra. A.2.1.2. Plano General (PG): Presenta un escenario amplio en el cual se pueden distinguir bastante bien los personajes y los sitúa en el entorno donde se desenvuelve la acción. A.2.1.3. Plano Entero (PE). El Plano entero o plano figura muestra al personaje de cuerpo entero en el encuadre. Describe las acciones físicas de los personajes y amplía la visión del escenario. - A.2.2. PLANOS MEDIOS O NARRATIVOS: En los planos narrativos se escapa del entorno para dar paso a la situación o acción que se da en el momento. Estos planos tienen una duración intermedia, debido a que en este tipo de planos priman los diálogos y las acciones, entonces su duración se acorta a aproximadamente 5 segundos. A.2.2.1. Plano Americano (PA): Muestra los personajes desde la cabeza hasta las rodillas. En este plano lo que interesa sobre todo es mostrar la cara y las manos de los protagonistas; y se utiliza mucho en las escenas donde salen personajes hablando. A.2.2.2. Plano Medio (PM): Considerado un plano de retrato, con este tipo de plano, cedemos mayor importancia a los aspectos emocionales del sujeto. Es el tipo de plano más utilizado y son de corta duración. A.2.2.3. Plano Pecho (PPe): Se utiliza mucho para nota periodísticas, con el corte en el centro del pecho.

- A.2.3. PLANOS CORTOS O EXPRESIVOS: Los planos expresivos muestran la expresión de los protagonistas, con mucho detalle destacando sus emociones y sentimientos. Son planos de corta duración ya que con poco tiempo de lectura es posible observar todos los detalles, la duración es de aproximadamente 3 segundos. A.2.3.1. Primer Plano (PP): El encuadre recoge únicamente el rostro. al centro de su expresividad la boca y la mirada, los rasgos tensos o relajados nos indican las emociones, gestos y reacciones. A.2.3.2. Primerísimo Primer Plano (PPP): Se encuadra sólo una parte del rostro o se resalta una pequeña parte del cuerpo a una distancia muy corta. El énfasis se centra en la intimidad: una forma de mirar, un gesto, por lo que su tiempo de lectura es fugaz. A.2.3.3. Plano Detalle (PD): Muestra un objeto o una parte del objeto o personaje. La cámara está sobre los elementos que registra. Puede aportar un valor descriptivo, un valor narrativo o un valor expresivo.

A.3. POSICIONES DE CÁMARA: Hay dos tipos de angulaciones de cámara, la vertical y la horizontal y es lo que determina la posición de la misma en relación al objeto o persona: - A.3.1. ANGULACIONES HORIZONTALES: Cambia a medida que la cámara se mueve alrededor del objeto, es decir que si hiciéramos un travelling circular, tendríamos todas las angulaciones horizontales posibles. También lo lograríamos dejando la cámara quieta y girando el objeto o persona sobre sí misma. Si tomamos la persona de frente, se llama angulación horizontal frontal, de espaldas es un contra ó dorsal, a 90º de perfil es un perfil derecho o perfil izquierdo. Si la cámara está en un punto intermedio entre frontal y perfil, se llama ¾ perfil derecho o ¾ perfil izquierdo, y por último, si la cámara se encuentra en un punto intermedio entre el dorsal y el perfil, se llama escorzo ¾ perfil derecho o escorzo ¾ perfil izquierdo. - A.3.2. ANGULACIONES VERTICALES: Cambia a medida que la cámara sube o baja en relación al objeto. Cuando el ángulo de la cámara es paralelo al suelo y se encuentra a la altura de los ojos de la persona filmada o, en caso de ser un objeto, a su altura media, se llama angulación vertical normal. Si la cámara sube y lo toma desde arriba hacia abajo, se le da el nombre de cámara picada, y al revés, de abajo hacia arriba, contrapicada. En el caso de que la cámara tome al objeto desde justo encima de su cabeza perpendicular al suelo), se llama cámara cenital. Se usa mucho para mostrar bebés en sus cunas. Y en el caso contrario, es decir, tomado desde abajo de sus pies, se llama cámara supina ó nadir y se usa para mostrar lo que ve el bebé desde su cuna, o la típica imagen del ventilador de techo girando. - A.3.3. ALTURAS DE CÁMARA: Las alturas de cámara se toman en relación a la persona o el objeto que se está filmando o fotografiando. Cuando la cámara está ubicada a la altura de los ojos del modelo que estamos encuadrando o, si fuera un objeto, a su altura media, se llama altura de cámara normal ; si la cámara se ubica por arriba de la posición normal se denomina cámara alta y por debajo cámara baja.

A.4. MOVIMIENTOS DE CÁMARA: Los movimientos de cámara se dividen en dos clases: Movimientos Físicos y Ópticos. Al mismo tiempo, los movimientos físicos se dividen en: Movimientos de Rotación, cuando éste se da sobre alguno de sus propios ejes y Movimiento de Traslación, cuando la cámara se traslada o desplaza de un lugar hacia otro. - A.4.1. MOVIMIENTOS DE ROTACIÓN DE LA CÁMARA: A.4.1.1. Panorámicas o paneos: El paneo es el desplazamiento de la cámara sobre cualquiera de sus tres ejes, mientras el pie o trípode de cámara permanece inmóvil. A.4.1.1.1. Cuando la cámara se gira horizontalmente se llama PAN o paneo horizontal y puede ser paneo a derecha o paneo a izquierda de cuadro. Si la cámara gira completamente sobre si misma se llama panorámica o paneo de 360º. A.4.1.1.2. El TILT o paneo vertical consiste en girar la cámara hacia arriba o hacia abajo. Los paneos verticales se denominan tilt up cuando es hacia arriba, y el tilt down cuando es hacia abajo. A.4.1.1.3. Por último el Roll es el movimiento menos utilizado, cuando la cámara gira como si se estuviera cayendo de costado, y puede ser: roll a derecha o roll a izquierda. Según se usen estos movimientos de rotación, las panorámicas o paneos pueden ser descriptivos o de reconocimiento cuando la cámara recorre un paisaje, o hace un recorrido lento por la escena para permitir al espectador que se fije en todos los detalles del escenario. Puede crear dramatismo y expectación o puede servir para mostrar cierta decepción; de seguimiento si acompañan la marcha de una persona, un animal o de un vehículo; y de relación cuando vinculan dos figuras (personas u objetos) con alguna conexión entre sí. - A.4.2. MOVIMIENTOS DE TRASLACIÓN DE LA CÁMARA: A.4.2.1. Travelling: Es el movimiento que traslada a la cámara de un punto a otro, puede ser Travelling Adelante, o Travelling In de acercamiento a una persona u objeto; Travelling Atrás, o Travelling Out de alejamiento al objeto o persona; Travelling Lateral que puede ser Travelling a Derecha o Travelling a Izquierda de cuadro, o sea, hacia los costados siguiendo a un sujeto u objeto (auto, tren, etc), o simplemente descriptivo de un paisaje; Travelling Circular es el que se realiza alrededor del objeto o personas; Travelling Ascendente o hacia arriba; y el Travelling Descendente o hacia abajo.

Los realizadores utilizan cualquier recurso para lograr un travelling fluido: desde changuitos de supermercado, silla de ruedas, o patinetas, hasta los equipos más caros y sofisticados del mercado. Pero los más comunes son: Cámara al Hombro cuando el camarógrafo está grabando mientras camina en cualquier dirección; en los estudios de TV los trípodes de cámara tienen ruedas, llamados Dolly para desplazar la cámara mientras están al aire; en el cine normalmente se utiliza un sistema de vías con un carro que se desplaza sobre ellas, donde se monta la cámara y se llama Carro de Travelling ; distintas clases de Steadycam que son sistemas sofisticads de amortiguaciones que atenúan los movimientos del camarógrafo, haciéndolos más fluido; la Grúa o Jimi Jib donde se monta la cámara para lograr movimientos en diferentes direcciones, que además puede tener un cabezal robótico; los Grips que son fijaciones especiales para montar una cámara en casi cualquier cosa que se mueva: en un auto, en una lancha, en un avión, etc; el SkyCam, Spidercam, o XPortCam son sistemas de cables y poleas que se utilizan para desplazar la cámara como si estuvieran volando (estadios de futbol, recitales, etc.); los Drone son pequeños helicópteros a radiocontrol que transportan una cámara muy pequeña hasta una distancia de 500 metros; y otros. Hay que mencionar que también existen sistemas combinados, como por ejemplo: Grúa sobre Carro de Travelling ; o Grúa sobre autos o camionetas, Steadycam sobre Segway, etc. - A.4.3. MOVIMIENTO ÓPTICO DE CÁMARA: Zoom: Aunque no es un movimiento de cámara propiamente dicho, es un desplazamiento óptico en relación del sujeto, obtenido por un juego de lentes que logra el acercamiento llamado zoom in, o alejamiento llamado zoom out. En realidad, la cámara no se mueve. La diferencia que hay entre el zoom y el travelling es que: el zoom distorsiona la perspectiva y comprime distancias, mientras que el travelling no.

B. CÁMARA (Procesos Técnicos): Se puede decir que una cámara fotográfica o de video, es una caja oscura que deja pasar la luz el tiempo preciso para que la imagen enfocada a través del objetivo (lente) sea registrada por un sensor digital, cinta de video analógica o una película sensible (emulsión química). La cámara está compuesta por: un objetivo (lente enfoca); diafragma (abertura variable); obturador (temporizador variable); visor o viewfinder (para encuadrar); disparador (o botón de Rec/Grabar); sensor digital (capta imagen); chip (procesa imagen); tarjeta de memoria (almacena imagen); batería; y algunas también tienen fotómetro (mide la luz). - TOMA: En rodaje una toma es: todo lo que capta la cámara desde que se presiona el botón REC (grabar) hasta que se lo vuelve a presionar y deja de grabar. En una obra ya editada: las tomas se transforman en planos, en si la toma es una serie de fotogramas o frames. La duración de la toma depende principalmente del tamaño del plano, aun que puede modificarse de acuerdo a las necesidades narrativas del realizador. Para que una toma sea técnicamente correcta debe estar bien expuesta, para lo cual se deben calibrar tres variables: Abertura de Diafragma o Iris, Velocidad de Obturación, y Sensibilidad del Sensor o Película, pero lo más interesante es que estas tres variables también pueden ser utilizadas creativamente. B.1. DIAFRAGMA + VELOCIDAD + ISO - LEY DE RECIPROCIDAD Esta relación es la base de todo dispositivo fotográfico, al dominarla se abandonan los modos automáticos y se logran imágenes más interesantes. La mejor forma de explicar ésta relación es el ejemplo del cuarto oscuro con una sola ventana: B.1.1. El tamaño de la ventana será la Abertura del Diafragma, cuanto más grande sea la ventana más luz entrará al abrirla y cuanto más chica sea la ventana entrará menos luz. O sea, regula la CANTIDAD DE LUZ que entra al mismo tiempo. B.1.2. Si abrimos y cerramos la ventana muy rápidamente, entrará poca luz por apenas un instante, pero si la dejamos abierta más tiempo veremos todo el cuarto completamente iluminado, esto será la Velocidad de Obturación. O sea, regula durante CUANTO TIEMPO entrará la luz. B.1.3. Si estamos sentados frente a la ventana mirando hacia afuera, la sensibilidad de nuestros ojos a la luz nos permitirá ver completamente el exterior o tal vez solo lo más brillante, ésta será la Sensibilidad ISO (sensibilidad del sensor digital o película). O sea, regula la SENSIBILIDAD A LA LUZ.

Los tres parámetros definen si una imagen está bien expuesta, o por el contrario si está subexpuesta (oscura) o sobreexpuesta (muy clara o quemada). Estos tres elementos tienen características especiales que podemos utilizar también como herramientas creativas, ejemplo: el ISO altera la calidad de la imagen con más o menos grano; la Velocidad de Obturación congela o le da movimiento a los objetos; y la Abertura del Diafragma incide sobre la profundidad de campo y nitidez. - B.1.1. ABERTURA DE DIAFRAGMA O IRIS: El diafragma es una parte del objetivo (lente) que limita el rayo de luz que penetra en la cámara (el tamaño de la ventana), permitiendo que entre más o menos luz según sea necesario. La abertura de diafragma se mide en números f. El salto de un valor al siguiente se denomina paso. La relación entre los números f es que: por cada paso la luminosidad se duplica o se divide a la mitad si la aumentamos o la reducimos respectivamente. Así f11 tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8. La relación entre el número f y la Abertura de Diafragma es inversamente proporcional: el menor número f es la mayor abertura y el mayor número f es la menor abertura. Cada objetivo tiene una abertura de diafragma máxima. Si son objetivos con distancia focal fija la abertura máxima es fija, para los zooms la abertura máxima puede cambiar según varía la distancia focal o puede ser fija, dependiendo del diseño del objetivo. La abertura de diafragma máxima viene indicada en los objetivos. Pero además la abertura de diafragma es también una herramienta creativa dado que incide directamente en lo que se denomina profundidad de campo (enfoque), que veremos más adelante.

- B.1.2. VELOCIDAD DE OBTURACIÓN: Es el tiempo durante el cual permitimos que llegue luz al sensor digital o película, en otras palabras, es la velocidad a la que se abre y se cierra el obturador de la cámara. El obturador es una cortinilla que se abre en el momento de disparar y limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y alcanza al sensor digital. El tiempo que la luz está incidiendo sobre el sensor digital es lo que se llama Tiempo de Exposición. El tiempo de exposición es el tiempo en que se está haciéndose la foto, o el tiempo que tarda la foto en hacerse. En cine o video la velocidad de obturación es fija durante una toma, o sea que, no se puede variar la velocidad durante la toma. Pero a través de la historia se han utilizado distintas velocidades de obturación, en el Cine Actual la película corre a 24 cuadros o frames por segundo, por lo tanto la velocidad de obturación es de 1/24 segundos; (veinticuatro avas partes de un segundo); en el antiguo Cine Mudo la película corría a una velocidad de entre 16 y 18 cuadros por segundo, o sea que, la velocidad de obturación era de 1/16 o 1/18 segundos; la Televisión Internacional tiene diferentes normas, Ej: Europa utiliza PAL y SECAM que funcionan a 25 FPS (Frames Por Segundo), USA utiliza el sistema NTSC que funciona a 30 FPS. Si la velocidad de obturación es rápida (número mayor), el tiempo de exposición es corto, y a la inversa. Utilizar una velocidad mayor nos permite congelar personajes o vehículos en movimiento, bajando la velocidad el vehículo saldrá movido; y bajándola aun más, hasta el sujeto que camina lentamente también saldrá movido.

Las velocidades lentas nos dan tiempos de exposición largos, se utilizan con diferentes fines, como por ejemplo: para captar el movimiento del agua en un río, para sacar fotos nocturnas, para grabar el movimiento de las estrellas en el cielo nocturno (time lapse), para capturar el movimiento de las cosas, etc. pero en la mayoría de los casos será necesario utilizar un trípode. O sea que, la velocidad de obturación es también una herramienta creativa que debemos tener presente si queremos congelar el movimiento o aumentar su sensación. - B.1.3. SENSIBILIDAD ISO: La sensibilidad ISO de una película fotográfica analógica es la velocidad con la que su emulsión fotosensible (haluros de plata) reacciona a la luz; y de la misma manera para las cámaras digitales, la sensibilidad ISO que posee una cámara indica la capacidad que tiene para captar la luz, o en otras palabras, la cantidad de luz que necesita para hacer una foto o grabar un video. La escala de sensibilidad ISO fue creada para las emulsiones de películas fotográficas analógicas utilizadas en fotografía, cine y TV, pero ésta escala ha sido adaptada también para la fotografía, cine y video digital. Cuanto mayor es la sensibilidad menos luz se necesita para exponer correctamente una foto o video. En la escala de sensibilidades ISO, cuando duplicamos el valor de sensibilidad del sensor, reducimos a la mitad la cantidad de luz necesaria para registrar la imagen. Algunas cámaras digitales, según su diseño y construcción también traen valores intermedios de ésta escala ISO. En analógico, cada película tiene una sensibilidad fija y determinada, por lo cual, durante el uso de un mismo rollo de película no se puede variar la sensibilidad en cada una de las fotos. Por el contrario en digital se puede asignar una sensibilidad ISO diferente para cada foto según sea conveniente.

Tanto en las películas fotográficas como en los sistemas digitales, utilizar sensibilidades altas tiene como contrapartida la pérdida de calidad de la fotografía o de la toma que se grabe en video. Ya que, cuanta más sensibilidad se utilice para exponer, más grano (analógico) o ruido (digital) tendrá esa fotografía o toma de video. Utilizar menor sensibilidad ISO requiere más luz, pero la mayor calidad de imagen se obtendrá usando la cámara en su menor sensibilidad ISO. Si no es posible exponer correctamente la fotografía con las variables de abertura de diafragma y velocidad de obturación, entonces se debe aumentar la sensibilidad ISO. En las cámaras digitales, el sensor es el encargado de capturar la imagen creada por el lente. El sensor está compuesto por millones de celdas microscópicas fotosensibles de silicio. Cada una de esas celdas contiene un fotodiodo que es capaz de convertir la energía de la luz (fotones), en corriente eléctrica (electrones), acumulando una mayor carga eléctrica cuanto mayor sea la intensidad lumínica que reciba y a la inversa. Los pulsos eléctricos de cada una de las millones de celdas son digitalizados por el chip procesador de la cámara, transformándolos en valores digitales de formato binario, creando de ésta manera un pixel o punto. Una vez que el procesador une el resultado de todas las celdas (pixeles), los guarda en la tarjeta de memoria de la cámara como archivos de imagen o video. Un megapixel es un millón de pixeles o puntos. La resolución de los sensores se mide en megapixeles. Son el número de puntos que contendrá una imagen producida por el sensor. Por ejemplo: si una imagen tiene un tamaño de 3.888px o puntos de largo y 2.592px de alto, la resolución del sensor resultará de la multiplic ación de ambos, es decir 3.888px x 2.592px = 10.077.696 pixeles = 10,1 Megapixels. Pero lo más importante para lograr fotos de Alta Calidad es el tamaño físico del sensor y no la cantidad de puntos que tenga el sensor. O sea, el sensor más grande de una Cámara Reflex DSLR Profesional de 10 Megapixeles registra imágenes de mayor calidad que un pequeño sensor de 10 Megapixeles de una cámara compacta o celular.

- B.1.4. LEY DE RECIPROCIDAD (PASOS): La ley de reciprocidad dice que, a una sensibilidad ISO determinada hay una relación directa entre la abertura de diafragma y la velocidad de obturación. Ejemplo: Si para exponer correctamente una foto en un día soleado, utilizamos ISO 100; Abertura de Diafragma f16; y una Velocidad de Obturación de 125 (1/125 seg); también podremos utilizar las siguientes relaciones: En fotografía se llama paso a la diferencia del doble o mitad de luz que entra en el sensor de la cámara. Cerrar un paso el diafragma dejará entrar la mitad de luz y viceversa. Aumentar un paso la velocidad obturación, también dejará entrar la mitad de luz y viceversa. Aumentar un paso la sensibilidad ISO permitirá exponer con la mitad de la luz y viceversa. La Ley de Reciprocidad establece entonces una relación lineal con dichos pasos entre dos variables. Al abrir un punto más el diafragma (f11) entra el doble de luz, pero al aumentar al doble la velocidad de obturación (1/250 seg) entra luz durante la mitad del tiempo, por lo tanto, nos llega al sensor la misma cantidad de energía lumínica, por lo tanto, la foto quedará expuesta igual que en el ejemplo anterior y lo mismo sucede con los demás ejemplos marcados con colores en el gráfico. La ley de reciprocidad deja claro que, una exposición usando f5.6 y 1/250 tendría exactamente la misma luz que usando f2.8 y 1/1000. Lo mismo se podría hacer usando ISO y velocidad, o ISO y apertura, etc. Hay que tener en cuenta que, las cámaras digitales actuales permiten regular la velocidad, abertura e ISO de a pasos, de a 1/2 paso y de a 1/3 de paso, para lograr una mayor precisión a la hora de ajustar la luz. C. OBJETIVOS O LENTES: Existen diferentes objetivos de cámara y se los denomina por su distancia focal: la distancia focal de un objetivo es la distancia entre el diafragma (centro óptico) y el foco (sensor o película) y se mide en milímetros. C.1. EL ZOOM: En la actualidad, prácticamente todas las cámaras de video vienen con una LENTE ZOOM incorporada. Zoom es un objetivo de distancia focal variable, es decir, es un lente que permite variar la distancia focal y el ángulo de visión, manteniendo la imagen en la misma posición.

Lo cual nos permite trabajar con la cámara sin estar cambiando los lentes. Pero las lentes de mayor calidad y más luminosas son lentes fijas y se dividen en tres grupos principales: C.2. LENTES CORTAS O ANGULARES: Un objetivo angular es aquel cuya distancia focal es menor a la del objetivo normal (menor a 50mm), obteniendo un ángulo de visión mayor al de la visión humana. Se utiliza principalmente: para vistas panorámicas (paisajes), para periodismo fotográfico, para encuadrar objetos monumentales como catedrales o edificios, y para poder fotografiar grupos de personas en lugares reducidos, o con poco tiro de cámara (la distancia mínima necesaria a la que se debe ubicar la cámara para poder encuadrar uno o más objetos). Además las lentes angulares fijas suelen ser lentes muy luminosas y dependiendo de su distancia focal, se clasifican en tres grupos principales: - B.2.1. ANGULARES: Se consideran angulares los objetivos cuya distancia focal se encuentra en el rango aproximado de los 35mm a 24mm. - B.2.2. GRAN ANGULARES: Cuando la distancia focal se encuentra en el rango de los 24mm a 16mm, la lente se considera como Gran angular o Ultra angular. - B.2.3. OJO DE PEZ: Los objetivos con rangos menores a 16 mm son llamados Ojo de pez. Y a simple vista se puede ver como deforman las líneas rectas, curvándolas y modificando la perspectiva. Como se ve en la foto. C.3. LENTES NORMALES: Son los objetivos cuya distancia focal es igual a la diagonal del formato en el que se expone la imagen (diagonal de la película o sensor digital), o sea para una cámara profesional de película 35mm el lente es de 50mm aproximadamente. Con ello resulta un ángulo de visión de unos 46º, lo que se aproxima bastante al campo visual del ojo humano. Como se ve en la foto, no deforma las líneas rectas, ni modifica las perspectivas.

C.4. LENTES LARGAS O TELEOBJETIVOS: Es el objetivo con distancias focales superiores a la normal, es decir, superiores a la diagonal del formato que se usa, en el caso de película de 35mm o sensores full frame, distancia focal superior a 50mm. Por lo tanto, con los teleobjetivos el ángulo de visión disminuye por debajo del de la vista humana. Su ángulo de visión es menor a 30º, y las distancias focales van de 70mm en adelante. A diferencia de los angulares, los teleobjetivos suelen comprimir los planos mostrándonos fotografías a veces poco realistas donde las distancias entre los objetos se reducen de forma considerable. Se utilizan para acercar la imagen al fotógrafo, o sea, para tomar fotografías desde lejos. Y esta característica los divide en dos grupos, los Teleobjetivos Cortos y Largos. - C.4.1. TELEOBJETIVOS CORTOS: Son los de distancia focal entre 70 y 135 mm, muy útiles para fotografía de retrato, ya que una de las grandes características de estas focales es la capacidad de hacer enfoques selectivos; enfocar a nuestro modelo mostrando su rostro nítido mientras obtenemos un fondo borroso y desenfocado (efecto bokeh), con lo que conseguimos dirigir la atención del observador donde nos interesa. - C.4.2. TELEOBJETIVOS LARGOS: Son los de distancia focal mayor de 135 mm, Indispensables para la fotografía deportiva, la fotografía de fauna salvaje y toda actividad en la que el fotógrafo deba mantenerse muy alejado de lo que va a fotografiar. - C.4.3. OBJETIVOS MACRO: Son objetivos preparados de forma específica para poder fotografiar desde muy cerca. Es normal que los objetivos nos exijan una distancia mínima para poder enfocar, pero los Macro permiten el enfoque hasta a un centímetro del objetivo, consiguiendo fotografiar objetos realmente pequeños desde muy cerca. Los macro son objetivos muy usados en la fotografía de naturaleza (insectos, flores, etc).

D. PROFUNDIDAD DE CAMPO O ENFOQUE: Profundidad de Campo es el espacio comprendido entre el primer y el último punto aceptablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque. Se dice que una imagen está enfocada cuando la vemos con nitidez y, por el contrario, que está desenfocada cuando la vemos borrosa. En video y fotografía es posible que parte de una imagen esté enfocada y el resto de la misma no lo esté. Observando la imagen anterior vemos que en un mismo cuadro podemos encontrarnos con diferentes tipos de enfoque. En la figura 1 sólo aparece enfocada la pila que está en el medio de las demás; en la figura Nº2 hay dos pilas enfocadas; y en la figura Nº3 todas las pilas están enfocadas. Mayor profundidad de campo implica mayor distancia enfocada (fig. 3); mientras que una menor profundidad de campo implica menor distancia enfocada (fig. 1). La profundidad de campo es una herramienta creativa muy importante, ya que influye de forma directa en la atención inconciente del espectador que observa una imagen. Pues inconscientemente, dirige sus ojos a la zona de la imagen que se encuentra más enfocada. Esto convierte a la profundidad de campo en un arma infalible que juega a favor del camarógrafo a la hora de componer una imagen. Permitiendo dirigir la atención del espectador hacia el centro de interés (enfocado) de la imagen, reforzando el mensaje que se pretende transmitir. Pero esa mayor o menor profundidad de campo que podamos conseguir en nuestras fotos va a depender de varios factores:

Podemos ampliar o disminuir la profundidad de campo modificando las tres variables que la determinan: la abertura del diafragma; el objetivo (lentes: Gran Angular, Normal, o Teleobjetivo); y la distancia al elemento (los metros entre el lente y el objeto o personaje a enfocar). La técnica del Enfoque Selectivo es la que destaca el objeto o persona que nos interesa al presentarlo enfocado sobre un fondo desenfocado, o en medio de un entorno desenfocado: Para conseguir este efecto se reduce lo máximo posible la profundidad de campo. Esto se consigue abriendo el diafragma todo lo posible, acercándose mucho al objeto y utilizando el lente teleobjetivo más extremo que tengamos. D.1. LA ABERTURA DEL DIAFRAGMA EN EL ENFOQUE: Hemos visto en el punto A.1. que la relación entre el número f y la Abertura del Diafragma es inversamente proporcional (más grande el número f = más cerrado el diafragma y más chico el número f = más abierto el diafragma). Lo mismo sucede entre la Abertura de Diafragma y la Profundidad de Campo. Mientras mayor es la abertura = menor es la profundidad de campo; y cuanto menor es la abertura = mayor es la profundidad de campo. En la imagen se observa que, para el mismo objetivo (lente) y la misma distancia al objeto: la profundidad de campo aumenta al cerrar el diafragma. El punto de enfoque son las piedras cercanas a la cámara; con el diafragma muy abierto (f/2.8) sólo las rocas más cercanas aparecen enfocadas, al cerrar el diafragma (f/22) incluso las islas del fondo, situadas a gran distancia, aparecen enfocadas. Por lo tanto, para fotografiar un paisaje se utilizan valores de f lo más grandes posibles (diafragma muy cerrado) para que salgan todos los elementos enfocados.

D.2. LOS OBJETIVOS EN EL ENFOQUE: El tamaño del objetivo (lente), o la distancia focal del objetivo que se utilice para encuadrar una imagen modifica de forma determinante la profundidad de campo o zona enfocada. Cuanto menor es la distancia focal de nuestro objetivo (gran angulares, ojos de pez), mayor será la profundidad de campo. O dicho de otro modo, a menos milímetros de focal, más zona nítida enfocada se conseguirá en el encuadre. Es decir si usamos una focal de 10mm la profundidad de campo será mucho mayor que con una lente de 135mm, a una misma abertura de diafragma y distancia fijada al elemento enfocado. Por lo tanto, para hacer una imagen con el fondo desenfocado se deben utilizar objetivos de mayor distancia focal (o acercar más la imagen con el zoom) que resultarán en menor profundidad de campo. Por ejemplo: la imagen hecha con el zoom a 150mm tiene mucha menos profundidad de campo que la imagen realizada con el zoom a 16mm. En la foto se puede observar como se va desenfocando el fondo a medida que utilizamos un objetivo con mayor distancia focal (el camarógrafo se debe ir alejando para mantener siempre el mismo tamaño de plano). Al mismo tiempo se puede observar como se va comprimiendo la imagen y se va achicando el ángulo de visión, aparentando engañosamente que la distancia entre la figura y el fondo es menor a lo que es en realidad. Y por otro lado, más allá de la profundidad de campo, es notorio como los objetivos de menor distancia focal deforman el rostro del personaje.

D.3. DISTANCIA AL ELEMENTO EN EL ENFOQUE: Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo. Existe otro parámetro que determina la mayor o menor profundidad de campo en la fotografía y es la distancia desde el lente hasta el elemento o personaje que se está enfocando. Con un mismo objetivo y una misma abertura de diafragma, cuanto más cerca de la cámara esté el elemento enfocado, menor será la profundidad de campo y viceversa. Como se ve en la ilustración: el personaje enfocado a 1,5 mts de la cámara, tiene un foco mucho más crítico (menos margen) que el personaje enfocado a 4,5 mts de distancia. Por ejemplo, si se pretende hacer un retrato con el fondo difuminado o fuera de foco, se debe colocar al personaje lo más cerca posible de la cámara (teniendo en cuenta el tamaño de plano que se va a encuadrar). E. ILUMINACIÓN: La iluminación puede ser natural o artificial y es indispensable para lograr una toma, ya que en la oscuridad es imposible grabar o fotografiar nada (aunque hay tomas hechas con night-shot). La iluminación de una imagen puede ser dura o blanda según su contraste entre la luz y la oscuridad, ejemplo con luz natural: en un día de sol tendremos una iluminación dura, mientras que en un día nublado será blanda. Con luz artificial se atenúa la potencia de la lámpara utilizando tamizadotes y rebotes para ablandar la luz. La cámara solo puede ver dos dimensiones (ancho y alto), mientras el ser humano por su visión binocular ve en tres dimensiones (ancho, alto y profundidad). Es por esto que, siempre en fotografía, en cine o TV se trabaja la luz para generar una sensación de profundidad o tridimensionalidad de la imagen. E.1. PUESTA BÁSICA DE LUCES: algunos la llaman iluminación en triángulo. La Luz Principal (Key Light) es la que ilumina al objeto, determina la exposición correcta de la imagen, es la dominante ; determinando si es de día, de noche, interior o exterior. La Luz Secundaria (Fill Light) o de relleno, se usa para atenuar las sombras de la luz principal y tiene una intensidad menor que esta última, determinando el ratio de contraste entre ambas luces. En el cine se utilizan distintos ratios para distintos géneros cinematográficos; ej: en las películas de terror o suspenso se utiliza alto ratio de contraste y en comedia, drama, comerciales, etc. se usa bajo ratio de contraste.

Por último, El Contraluz (Back Light), es la luz que más se enfrenta a la cámara, se utiliza para recortar o despegar la figura del fondo y ayuda a definir el volumen o profundidad (tridimensionalidad) del objeto o sujeto enfocado. En algunos casos se utiliza también una cuarta luz, llamada Luz de Fondo (Backstage) para iluminar y dar volumen o profundidad a lo que haya de fondo. F. SONIDO: Para realizar correctamente su trabajo, el camarógrafo de TV normalmente también graba el sonido en su cámara. En producciones más sofisticadas como series de TV o Cine, el sonido se registra aparte, en grabadores digitales de 2 o más canales. Pero en todos los casos la Toma de Sonido Directo es fundamental, ya que el audiovisualismo es justamente eso Imagen y Sonido y si uno de los dos componentes es de mala calidad, todo el trabajo se desmerece. La toma de sonido directo se realiza con diferentes tipos de microfonos según lo que se necesite registrar y las condiciones sonoras del lugar donde se grabará. Existen cinco tipos de micrófonos que son los más utilizados: Micrófonos Omnidireccionales (ej: corbatero, de mesa); Micrófonos Direccionales o Cardioides (ej: mic. de mano); Micrófonos supercardioides; Micrófonos Hipercardiodes (ej: boom); y Micrófonos Bidireccionales (ej: colgantes para estudios de radio). F.1. MICRÓFONOS OMNIDIRECCIONALES: Son los micrófonos que captan todos los sonidos independientemente de la dirección de donde provengan. Se fabrican en diferentes formatos: corbateros; de mesa con distintas formas (pirámides, circulares, etc); para el trípode o brazo de los estudios de radio o grabación; y de mano (son más raros pero los hay). Tienen la ventaja de poder usar un solo micrófono para varias personas que se ubiquen a su alrededor.

Son micrófonos diseñados y fabricados especialmente para estudios (TV, radio, grabación), o para lugares donde se puede controlar el sonido ambiente; pues, el principal inconveniente que tienen es que por sus características técnicas constructuvas, captan todo los sonidos que queremos grabar y también los que no deseamos registrar como: ruidos ambientales; reflexiones acústicas; el colectivo que pasa por la esquina, la tos de una persona en la otra punta del salón o auditorio; etc. F.2. MICRÓFONOS UNIDIRECCIONALES O DIRECCIONALES: Son los micrófonos que captan los sonidos que provienen de una única dirección y son relativamente sordos a los sonidos de las demás direcciones. Su principal ventaja es que permite grabar el sonido que proviene del lugar de donde se apunte el micrófono. Se fabrican con diferentes formatos, pero el más común es el micrófono de mano, es el más utilizado por todos los noteros de TV para hacer entrevistas en la calle, pues permite captar solo la voz del entrevistado evitando los demás ruidos. Existen diferentes clases de micrófonos direccionales, que se diferencian entre si por ser más o menos direccionales o cardioides (ver gráfica de captación): - F.2.1. MICRÓFONOS CARDIOIDES: Muy sensibles a los sonidos que llegan desde el frente y muy poco sensibles a los que le llegan por detrás (típico micrófono periodístico de mano). - F.2.2. MICRÓFONOS SUPERCARDIOIDES: La captación de sonido es más puntual o direccional (menor ángulo) que en el cardioide, pero menos puntual que la captación del hipercardioide. Por otra parte, lo negativo es que tiene mayor sensibilidad que el cardioide a los sonidos que llegan por la parte posterior (desde atrás), pero menor sensibilidad que el hipercardioide. - F.2.3. MICRÓFONOS HIPERCARDIOIDES: Es más direccional que el cardioide y el supercardioide, pero recoge más sonido por su parte posterior que el cardioide y el supercardioide. Este es el típico boom utilizado en cine. F.3. MICRÓFONOS BIDIRECCIONALES: Por último, están los bidireccionales que toman el sonido que llega desde los costados, típicos micrófonos de estudio de radio o grabación.