Universidad Veracruzana Facultad de Historia HISTORIA DE ARTE ARTE ABSTRACCIONISTA Maestro: Dr. Raúl Romero Ramírez
Ideas Estéticas Sentido Gusto Fin del Siglo XIX y principios del Siglo XX Abstraccionismo La representación espacio - temporal de la realidad no figurativa como su esencia El uso de la geometría angular y los remolinos de color Ideal Realizar una obra de arte sin un significado representativo, líneas y figuras geométricas bajo una apariencia visual común Valor Análisis, extracción, separación, selección, simplificación y geometrización de la esencia de la naturaleza y de las experiencias de sensoriales Pasión Sentimientos La no objetivación de la realidad, sino hallar la esencia subjetiva geométricamente extraída Figurativos y visuales contradictorios
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas El Guernica de Picasso, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.
PABLO PICASSO (1881-1973) De nombre completo, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, creó el estilo expresionista denominado cubismo que crearía una escuela diferente, el abstraccionismo. El abstraccionismo cubista se fundamenta en el cubo como el elemento dimensional básico para generar espacio. Nótese en la pintura, en las dos figuras femeninas de la derecha como aparece la primera tentativa cubista de dotar a la tela de una tercera dimensión sin recurrir a la perspectiva tradicional. Les Demoiselles D Avignon (1907)
PABLO PICASSO Desde un punto de vista formal puede considerarse al cubismo como una nueva propuesta basada en la perspectiva clásica pero representada bajo una dimensión moderna, por lo que es el movimiento pictórico más revolucionario del siglo XX. Para evitar un arte abstracto clásico, a causa de la fragmentación geométrica, se creó el llamado cubismo sintético o eidético que pretende presentar planos y al mismo tiempo dimensiones. Hombre con una pipa (1915)
GEORGES BRAQUE (1882-1963) La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje a Amberes y, durante el verano boreal de 1907, a La Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese mismo año, la exposición retrospectiva de Cézanne y la amistad que trabó con Pablo Picasso, que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. La Mandolina (1910)
JUAN GRIS (1887-1927) De nombre real José Victoriano González-Pérez, en inicia en el cubismo con varias pinturas presentadas en el Salon des Indépendents de París. En el verano de 1913 lo pasó en Céret, donde empezó a trabajar la técnica del papier collé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Guitarra y pipa (1913) Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal. Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista, en sintonía con la vuelta al orden que emprendieron muchos otros artistas como André Derain. Mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista.
ROGER DE LA FRESNAYE (1885-1925) A partir de 1908, fue alumno de Maurice Denis y Paul Sérusier en la Academia Ranson. Se hizo construir un taller de pintura y un taller de escultura en el château de Beauvernay en Saint-Nizier-sous-Charlieu, propiedad de sus ancestros maternos donde pasaba la mayor parte de las vacaciones desde su infancia. Acogió allí a Jean Hugo y su esposa Valentine Gross, ambos pintores, Irène Lagut, Alfred Courmes su único alumno. Conquista del aire. (1913)
FERNAD LÉGER (1881-1955) Los estudios de pintura bajo la perspectiva expresionista ilustrada y el espacio cubista sin recurrir a la fragmentación sino sólo al volumen, crean estas obras propias de un postcubismo o una abstraccionismo de mediados del siglo XX. En la realidad vulgar, Léger fue capaz de hallar una belleza más allá de toda idealización, buscó un lenguaje popular que pudiera ser comprendido por todos y enfatizó el color y la forma desentendiéndose una de la otra como el la obra de abajo aquí mostrada. Dicho recurso lo adoptará repetidamente el arte del cartel expresionista y publicitario. El ocio (1948) Arriba. Tres mujeres con flores (1948) Abajo.
A pesar de que Picasso y Braque intentaron evitar que el Cubismo se convirtiera en una moda, la visión utilitarista de los jóvenes de los ochentas y de inicios de la segunda década del 2000, consideraron atractiva la ropa, zapatillas y tacones cubistas.
ROBERT DELAUNAY (1885-1941) El cubismo experimentó con la fragmentación geométrica y asimétrica dando por resultado una obra extraordinariamente cinética. Partiendo de la fórmula cubista y basándose en la observación directa, el pintor tomó como tema principal edificios arquitectónicos como la iglesia de Saint Severin y la Torre Eiffel. Aquí, la fragmentación de la torre y de las construcciones que la rodean aporta un elemento dinámico que viene a romper el enclaustramiento del espacio cubista. El gusto por el color no sólo enriquecerá su obra, sino la dirigirá hacia la abstracción total. Campo Marte. La Torre Eiffel Roja (1911)
ROBERT DELAUNAY (1885-1941) El abstraccionismo creó un juego de colores primarios y un dinamismo en el mismo pincelazo que trazó nuevas formas basadas en la geometría pero de ninguna manera clásicas. Aquí, éstos círculos concéntricos se subdividen en sectores que corresponden a diferentes armonías de color y que logran crear un dinamismo rotativo. Los acordes visuales del color se subordinan a un ritmo análogo al musical. A esto se le conoce como abstraccionismo geométrico. Formas circulares (1912)
Ritmo. Robert Delunay 1939.
Las Composiciones de Delaunay, son tomadas por su familiar, Sonia Delaunay creadora de los afamada diseñadora de vestuario y trajes de baño de los años treinta en Europa. Auto pintado al estilo Delaunay 1930. Sonia Delaunay swimsuits, 1928.
BART VAN DER LECK (1876-1958) Fundador en 1931 de la revista holandesa De Stijl que tomó con el que tomo el nombre su arte y empleó el color primario puro antes que Mondrian y se valió de una composición de elementos aislados que ni se cruzan ni se cortan, pero que crean ritmo, dinamismo, tensión y un máximo de atención. Composición Geométrica II (1917)
Van Der Leck fue un pintor, diseñador y ceramista neerlandés, perteneciente al neoplasticismo y con Theo van Doesburg y Piet Mondrian fundó el movimiento artístico De Stijl cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total. Van Der Leck. Composición No. 7. (1917)
Este estilo de arte trajo consigo el Stijl o Arquitectura neoplástica. Casa Rietveld Schröder. El único edificio dee entonces realizado completamente de acuerdo con los principios de De Stijl (1924). Silla roja y azul diseñada por Gerrit Rietveld en 1917.
PIET MONDRIAN (1872-1944) El abstraccionismo geométrico clásico corrió a manos de Mondrian. Los colores primarios, azul, amarillo y rojo dominan su obra. El negro se reserva a las anchas líneas de separación. No existe una forma central. El ángulo recto representa el equilibrio, pero no hay nada más inmóvil que un fragmento tomado por separado ni más dinámico que el conjunto de la composición. Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente, conocido por sus pinturas no figurativas, a las que llamó composiciones, que consisten en formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas negras, todo esta dentro de un estilo neoplasticista Tableau II (1924)
Mondrian. Composición en rojo, amarillo y azul. (1921)
Las Composiciones de Mondrian. inaugurarán una moda en el vestido de mediados de los años sesenta, así como de zapatillas. Modelo Mondrian 1964-1965.
Kazimir Severínovich Malévich (1878-1935) Fue un pintor ruso, creador del Suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX. Publica un pequeño folleto que titula Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura, hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el cubismo y el futurismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico. Con el suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría expresar un sistema completo de construcción del mundo Suprematist Composition (1916)
En 1927 Malévich viaja a Polonia y a Berlín; en abril visita la Escuela de la Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga de conseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos, entre ellos «Die gegenstandslose Welt» (El mundo no-objetivo). En 1929 los historiadores del Instituto de arte soviético, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo. Paisaje de Verano. (1929) Sin embargo en 1932 se le concede un laboratorio para experimentar en el Museo Estatal Ruso hasta su muerte.
El artista vanguardista Kazimir Malevich pintó entre 1928 y 1932 la obra La carga de caballería Roja para homenajear el cuerpo de caballería soviético, participante en la Revolución Rusa ocurrida diez años antes. La imagen nos muestra a un grupo de jinetes pintados de color rojo socialista, cruzando una estepa, en una muestra visual del supremacismo pictórico de Malevich. La Carga de la Caballería Roja. Kazimir Malevich / Unión Soviética (1932). Aunque la obra se encuadra claramente en el arte oficial soviético que pretendía idealizar ciertos acontecimientos de la Revolución, hay quien ve en ella una velada crítica a la fugacidad del movimiento comunista.
El Abstraccionismo Constructivista nacerá con Antoine Pevsner junto con su hermano Naum Gabo, quienes reciben una primera formación científica que les aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla. En 1911 Pevsner viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger y en una segunda visita a París en 1913, conoce a Modigliani y a Alexander Archipenko, que estimulan su interés hacia el cubismo. En ese mismo año ve la exposición de Umberto Boccioni iniciador del movimiento futurista, y observa algunas construcciones arquitectónicas, que le interesa profundamente. 'Unique Forms of Continuity in Space', bronze sculpture by Umberto Boccioni, 1913.
Se puede suponer que Antoine Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas propias del impresionismo constructivista o constructivismo arquitectónico y de diseño, mientras Naum Gabo Pevsner su aproximación científica a los materiales y a la forma, lo que lo lleva a desenvolverse mas tarde en al arte cinético. Antoine vuelve a Rusia en 1917 y enseña, con Kandinsky y Malevich, en la Academia de Bellas Artes de Moscú. Obra constructivista cinética de Naum Gabo Pevsner.
Cuadro espacial. (1920) ANTOINE PEVSNER (1888-1962). En su manifiesto realista de 1920, Pevsner y su hermano Gabo proponen un arte que responda a la vida real basado en dos elementos fundamentales: el espacio y el tiempo. Son por ello creadores de nuevas formas y nuevos sistemas espaciales sin principio ni fin, que probaron de una vez para siempre que el volumen no era la única expresión del espacio.
En 1923, Antoine Pevsner se instala definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930. En 1926 sus obras están incluidas en una exposición en la Little Review Gallery de Nueva York. Junto con Gabo, diseña la escenografía para el ballet La Chatte, producido por Sergei Diaghilev. Antoine Pevsner. Developable Column. (1942) En París, los dos hermanos estarán a la cabeza del grupo constructivista Abstracción- Creación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se muestran en Ámsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.
Esculturas de Antoine Pevsner en La Haya, Países Bajos (izq) y en la ciudad universitaria de Caracas, Venezuela (der).
VASILI KANDINSKI (1866-1944) Fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica. En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas. Improvisación 14 (1910) Acuarela considerada generalmente como la primera composición puramente abstracta del arte contemporáneo. Corresponde al grupo de realizaciones que el mismo autor llamó como impresión directa de la naturaleza exterior. En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París. En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich.
WASSILY KANDINSKY Impresión 5 (1910) Imagen lírica que aparenta una transposición poético-musical de la época aún romántica. Puede hablarse de esta tela como una emancipación progresiva del color y de la forma, así como de la aparición de una geometría inspirada en las montañas románticas, quizá en los Alpes Bávaros donde vivió algún tiempo pues al respecto escribió: Amo demasiado la naturaleza para verla con objetos.
WASSILY KANDINSKY Esta composición es una obra abstraccionista del periodo de las improvisaciones, es decir, de las expresiones espontáneas de carácter espiritual o, en otras palabras, de un carácter que exige no se reproduzca nada material. Por ello, esta es una composición abstracta que propone una temática inspirada únicamente en elementos plásticos, línea color, etc., y no en una realidad exterior a la pintura, es aún una obra tan cargada que no se nota con certeza la estructuración arquitectónica que adoptará el maestro del Bauhaus. Con mancha roja (1921)
WASSILY KANDINSKY Composición basada en el Bauhaus, que da inicio a la racionalización del proceso creador arquitectónico que combina la rigidez con la fantasía y da ritmo a una composición cual música que tomara en cuenta Klee. Hornform (1924)
WASSILY KANDINSKY Amarillo, rojo y azul (1925) Esta pintura constituye un claro ejemplo de la abstracción constructiva de las composiciones, denominadas así por el autor. Los signos del lenguaje se han hecho precisos y una cuidada estructuración del espacio ha sustituido aquella espontaneidad anterior. El mismo autor explica que la elaboración de estas telas ha sido lenta, que trabajaba una y otra vez desde los primeros esbozos. El círculo es un elemento dominante que parece actuar como foco o como centro de gravitación.
WASSILY KANDINSKY Composición compleja que viene a ser como una arquitectura de elementos abstractos. Con el uso de dichos elementos, forma un vocabulario que expresa un universo de círculos y triángulos, de curvas y rectas, de grafismos angulosos, perfectamente estructurado. Con esta obra Kandinsky parece haber alcanzado aquella ruptura hacia el interior de que él mismo hablaba, considerándola como la máxima aspiración de su obra, una de las más interesantes del siglo XX. Puntas de Arco (1927)
En 1911, Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich la Der Blaue Reiter, formada por un grupo de artistas vinculado al Expresionismo y al Abstraccionismo. Paul Klee no fue oficialmente miembro de él pero se sentía muy cercano a los artistas que la integraban, de hecho, participó con ellos en sus exposiciones. Tras la Primera Guerra Mundial, en la que participó como soldado, Klee era ciudadano alemán, que enseñó en La Bauhaus, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, hasta que fue denunciado por los nazis y ser catalogados sus cuadros como arte degenerado. En 1933 tras abandonar la enseñanza, regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en La Kunsthalle en 1935. Se interesó en la teoría de la pintura (sobre la que escribió) y en el aspecto formal, donde fue muy innovador. Sus obras invocan el mundo onírico, con un estilo que oscila entre el surrealismo, el expresionismo, el cubismo y la abstracción, lo que dificulta su clasificación. El color juega un papel central.
PAUL KLEE (1879-1940) Pintor alemán nacido en Suiza tuvo un estilo que varía entre el expresionismo, la abstracción y el surrealismo, Arquitectura espacial (1915) Esta acuarela abstracta se basa en una composición elemental de yuxtaposición con cuadros y rectángulos mediante un juego de colores fríos para obtener una complejidad de ritmos y tensiones propios del uso geométrico abstracto de Klee. Después de su viaje a Túnez, Klee declaró que el color le poseía y para demostrarlo no dejó de pintar acuarelas como ésta a las que deba más importancia incluso que los óleos. El color representa como un recuerdo, una evocación, que lo impregna todo, declaró.
PAUL KLEE El expresionismo muestra en Klee un ritmo, fuerza en el delineado y figuratismo que sugieren sutilmente diluidos una telaraña en el ambiente a propósito de la aventura de esta joven. Esta es una obra de fantasía expresionista basada en elementos abstractos que dan pie a una demostración propia de lo que devendrá en l pintura. Aventura de una joven (1922)
A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración. Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos. Conquistado 2. (1930)
PAUL KLEE Aquí se muestra un esbozo figurativo velado por una extrema depuración de las formas que hace una composición maestra de las formas, colores y ritmos; Entre los expresionistas que utilizan la abstracción geométrica orgánica en su trabajo, el título de su obra parece dado siempre cuando la obra ha sido concluida. Estigmatizado (1932)