lunes, 23 de noviembre de ,15 horas ARA MALIKIAN NAIRÍ GRIGORIÁN

Transcripción

1 lunes, 23 de noviembre de ,15 horas ARA MALIKIAN NAIRÍ GRIGORIÁN

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3 Ara Malikian violín Ara Malikian es uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio, forjado a partir de sus orígenes y ricas vivencias musicales, su violín se alza como una de las voces más originales e innovadoras del panorama musical internacional. Nacido en Líbano, en el seno de una familia Armenia, Ara Malikian se inició en el violín a muy temprana edad, de la mano de su padre. Dio su primer concierto con 12 años, y a los 15 recibió una beca del Gobierno alemán (DAAD) para cursar estudios en la Hochschule für Musik und Theater Hannover. Después amplió sus estudios en la Guildhall School of Music & Drama, de Londres, y recibió lecciones de Franco Gulli, Ruggiero Ricci, Ivri Gitlis, Herman Krebbers, o miembros del Alban Berg Quartett. Una inagotable inquietud musical y humana han llevado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces armenias y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y kletzmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea. Su calidad y nivel como violinista han sido reconocidos en numerosos concursos, entre los que destacan el «Felix Mendelssohn» (1987, Berlín, Alemania), «Pablo Sarasate» (1995 Pamplona, España), «Niccolo Paganini» (Génova, Italia), y otros muchos. Además, como solista ha sido invitado en

4 más de cuarenta países: Nueva York (Carnegie Hall), París (Salle Pleyel), Viena (Musikverein), Toronto (Ford Center), Madrid (Auditorio Nacional y Teatro Real), Zúrich (Tonhalle), Londres (Barbican Center), Tokio, Estambul, Berlín, Atenas, Venecia, Los Ángeles, Taipei, Hong Kong, Kuala Lumpur, Cuba, Bogotá, Múnich, Praga, y un largísimo etcétera. Asimismo, ha colaborado en conciertos para violín y orquesta, bajo la batuta de directores como Mariss Jansons, Peter Maag, Jesús López Cobos, Miguel Ángel Gómez-Martínez, Luis Antonio García Navarro, Peter Schneider, Juan José Mena, Pedro Halffter, Alejandro Posada, Cristóbal Halffter, José Luis Temes o Salvador Brotons. Ara Malikian tiene una amplia discografía, que incluye Las cuatro estaciones de A. Vivaldi (más de copias vendidas para UNICEF), las Sonatas y Partitas de J. S. Bach, Los 24 caprichos para violín solo de N. Paganini, las Seis sonatas de Eugene Ysaÿe, las Tres sonatas de R. Schumann, así como gran cantidad de obras de Pablo Sarasate, Enrique Fernández Arbós y Astor Piazzolla. También música armenia, música flamenca (junto al guitarrista José Luis Montón: Manantial y De la felicidad); y música de Fernando Egózcue, recogida en el disco Lejos, junto al compositor a la guitarra. Recientemente ha iniciado un proyecto junto con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León para grabar varios conciertos para violín y orquesta de compositores españoles; el primer disco publicado contiene los conciertos de Xavier Montsalvatge y Luis de los Cobos. Acaba de lanzar al mercado también el Concierto para violín y orquesta de Aram Khachaturian, y el álbum Seasons, en el que se recogen Las cuatro estaciones Porteñas, de Astor Piazolla. Ara Malikian ha mostrado siempre un especial interés en acercar la música a todos los públicos. Para ello creó Mis primeras cuatro estaciones, una versión dramatizada de Las cuatro estaciones de A. Vivaldi, que se ha representado por toda España. Y en 2009, Cuentos del mundo: Armenia, un nuevo espectáculo familiar en el que, con la narrativa como hilo conductor, se disfruta de la música de Ara Malikian y su conjunto.

5 Nairí Grigorián piano Nairí Grigorián Avakimov es una pianista española de origen armenio que reside en Zaragoza desde Comienza sus estudios de Piano a los 5 años de edad bajo la dirección de Yegorova, quien también fue profesora de Bella Davidovich. A los 7 años entró a la Special Central Music School del Conservatorio de Moscú, siendo Vladimir Bunin el responsable de su educación musical desde entonces. En esta etapa estudia con Lev Naumov, Nelly Eguizarova y Flier. A los 17 años concluye sus exámenes con Premio de Honor, interpretando el Concierto para piano y orquesta, Op. 23 de P. I. Tchaikovski y los Estudios Sinfónicos de R. Schumann, entre otras obras. Además, es bien conocida su labor pedagógica y reconocida por el gran número de premios internacionales logrados por sus alumnos, en estos momentos más de 137. En 2002 obtiene la Medalla de Oro del Ministerio de Cultura de Italia por el mérito a su labor pedagógica e interpretación y realiza una extensa actividad como miembro de jurado en concursos internacionales. Asimismo, durante los años 2002, 2003, 2004 y 2005 fue miembro del Concurso Internacional de Piano Camilo Togni en Brescia (Italia), y durante los meses de agosto de 2003 y 2004 fue asistente del profesor Aquiles Delle-Vigne en el Festival Internacional Mozarteum en Salzburgo. Desde 2004 es profesora del Conservatorio Superior de Róterdam (Holanda) y su actividad como concertista se ha desarrollado en las principales capitales europeas, interpretando un repertorio clásico reconocido por su personal ejecución.

6 Comentarios al programa Con Beethoven queda establecida la definitiva igualdad y equilibrio entre los sonidos del piano, o fortepiano, y del instrumento acompañante u «obbligato», ya sea el cello o el violín, en el campo de la cuerda presionada. El diálogo e intercambio de las frases musicales solo se obtienen con el autor alemán quien, con los cercanos antecedentes de Haydn y Mozart, conduce hasta su cúspide la línea en que se sustentaba la disertación musical del teclado y que venía naciendo en la escritura galante para clave, enfrentándose a la antigua sonata a solo de raíz barroca, acompañada de bajo continuo. El instrumento que colaboraba con el fortepiano o el clave, en esta preferencia elegida por los clásicos de centroeuropa, se usaba «ad libitum»: se podía emplear con cualquier instrumento, violín, cello o flauta, a no ser que apareciese la indicación «obbligato», que se puede apreciar en la mayoría de las obras de la época. El cello conoció, en la segunda mitad del XVIII, un gran auge y evolución, pero fue el violín el instrumento rey del siglo de las luces, junto a los de teclado. Beethoven había estudiado de niño el violín y la viola. A finales de siglo hubo una considerable evolución el perfeccionamiento del arco moderno, siendo François Tourte el primer impulsor de estos avances, para que más tarde Viotti, en la escuela francesa, y Pierre Rode y Rodolphe Kreutzer en la vienesa, desarrollasen las posibilidades del instrumento. Beethoven aunó los logros de la escuela francesa y las contribuciones del estilo de Viena, aportando así fuertes y novedosas vías de expresión que rápidamente se hicieron realidad, en una serie de obras en las cuales el genio del músico se evidenció plenamente. Beethoven se acerca por completo a los esquemas que Mozart había pergeñado para su colección de sonatas para teclado y violín, mostrando una profunda transformación durante los años en que escribe para esta formación. Las sonatas del Op. 12 son obras típicamente vienesas que, aunque muestran ya novedades tímbricas y diversos efectos sonoros, todavía se encuentran bajo la influencia e Haydn.

7 Las sonatas del Op. 23 y 24 toman un camino prerromántico por lo amplio de su estilo y por la riqueza de sus ornamentos. Una tendencia que continuará en las del Op. 30 y Op. 47, en las que se encuentra la conocida como Sonata Kreutzer. Escrita entre 1802 y 1803 y, como todas las sonatas de Beethoven para dos instrumentos, son auténticos dúos en los que tanto el piano como el violín alcanzan una misma categoría de virtuosismo y protagonismo. En la primera audición, en 1805, ya figuraba en la partitura editada la dedicatoria a Rodolphe Kreutzer, profesor de violín de origen francés, de quien se ha dicho que no la llegó a interpretar por considerar la obra «ininteligible». Según un crítico de la época, «Beethoven había llevado hasta tal extremo su deseo de originalidad, que había llegado a resultar grotesco». El violinista inglés George Polgreen Bridgetower, quien iba a interpretarla, en principio, se negó a hacerlo, calificando la sonata como «la música de un loco», y hasta Tolstoi, en su novela La sonata a Kreutzer, escribió dos páginas de absurdas insensateces en contra de Beethoven y de su genial obra. El primer movimiento, «Adagio sostenuto. Presto» es más enérgico, dramático y completo que los dos siguientes. Se inicia por medio de una introducción lenta a cargo del violín solo que, en «fortissimo», canta una frase melódica apoyada por el mismo instrumento en dobles, triples y hasta en cuádruples cuerdas al enunciar el acorde del inicio; el piano recoge la frase y se prepara la entrada del «presto», que se presenta con una impetuosidad imparable. Transcurrirá este movimiento con una sucesión de melodías dialogantes, finalizando el movimiento con una amplia coda que mezclará nuevos apuntes con los ya conocidos. El «Andante con quattro variazioni» se compone de las dos partes que marca la tradición. El primer tema será expuesto por la parte central del piano y en su repetición pasará a ser recordado por el violín. En la primera variación, el piano cobrará un casi total protagonismo sobre el apunte rítmico del violín, que se prodigará más en el cambio de tema. Tras las abundantes ornamentaciones de la cuarta variación, aparecerá la coda en aire de fantasía.

8 En el «Finale. Presto», el comienzo está a cargo del violín con el contrapunto del piano que se enlaza a un tema de ritmo característico, y tras un breve motivo el piano continuará con una bella y melódica frase. La coda viene apoyada por la primera idea y la concluye una nueva afirmación del movimiento inicial. Nacido trece años más tarde que Debussy, tras tener a los 20 años las revelaciones de Preludio a la siesta de un fauno, de Pelléas y Mélisande y de las obras de los jóvenes rusos Balakirev o Rimski-Korsakov, Ravel había conocido naturalmente el ambiente «impresionista». Pudo contar con la liberación musical conseguida por Debussy, pero adoptó muy a su estilo, y con su propia personalidad, las transparencias, los movimientos paralelos de acordes fundamentales, los encadenamientos excepcionales de agregaciones elaboradas, las modulaciones súbitas, la paleta orquestal de luces irisadas, o la concisión en el discurso exento de cualquier grandilocuencia. Pero Ravel era simplemente él mismo, Maurice Ravel. Su melodía es de un dibujo cerrado, de una absoluta originalidad, basada en modelos antiguos y de las escalas llamadas «defectivas», como la pentafónica. Su armonía, más bien frecuentemente ácida, está basada en un pequeño número de acordes de los que, paradójicamente, obtiene gran variedad de sonoridades. El ritmo, en Ravel, es franco, tradicional como la forma, la cual se refiere voluntariamente a módulos clásicos, con un primer movimiento basado en dos ideas opuestas, como en la Sonata para piano y violín en Sol mayor, escrita entre 1922 y 1927, y que es la que hoy nos ocupa. Conviene señalar que Ravel escribió, en 1887, un movimiento de sonata para violín y piano, publicado después de su muerte, un «Allegro moderato», con la indicación de «muy dulce». La obra no ha gozado de excesiva popularidad y su estreno de forma «oficial» tuvo lugar en Nueva York, para celebrar el centenario del autor, en La Sonata n.º 2 en Sol mayor es una obra plena de hallazgos inéditos e inusuales, de escritura escueta, y en la que los dos instrumentos se muestran individualizados, apreciándose esta particularidad tanto en la expresividad como en la sonorización. El «Allegretto» es el tiempo más extenso, con una exposición temática muy variada, en el que se suceden

9 «staccati», acordes en yuxtaposición y con un inesperado final en «fugato». El segundo movimiento, un «Blues» en «moderato», es una demostración del gusto de Ravel por el jazz; el tratamiento del violín evoca las sonoridades del saxofón o el banjo, mientras que el piano perfectamente podría cumplir las funciones de la percusión «jazzística». El tercer y último movimiento, «Perpetuum mobile», en «Allegro» es el más breve de la sonata. El comienzo es un motivo bucólico, en el que la repetición de notas y los arpegios del violín restan personalidad al instrumento, tan provisto de virtuosismo a lo largo de la partitura. Aunque nacido en Tymoszowka, localidad situada en Ucrania, el origen de Karol Szymanowski es totalmente polaco; en el seno de su familia, de antiguo abolengo y refinada educación, se cultivaban diversas artes; la literatura, la pintura y la música eran prácticas habituales entre ellos. El joven Szymanowski recibió sus primeras clases de piano en casa, su padre, violoncellista y pianista, se ocupó de la educación musical de su hijo. También su tío, Gustav Neuhaus, en Jelisabethgrad, enseñó al futuro compositor diversas materias en cuestión de música. Más tarde, en Varsovia, Szymanowski se prepara para iniciar su carrera como compositor. A los 23 años se relaciona con el grupo «Joven Polonia», que trataba de introducir en el arte polaco las últimas innovaciones de la música europea. Durante toda su vida, el músico viajó casi constantemente para, en 1919, instalarse en Varsovia pero, a causa de una enfermedad, la tuberculosis, que le acompañaría a lo largo de su vida, finalizada el 29 de marzo de 1937, Szymanowski se trasladaba con frecuencia a las montañas de Zakopane, en los Altos Tatras. Durante aquellas estancias, el compositor descubrió el folclore de los montañeses, lo que aumentó su interés por la música popular. Se dice que el estilo de Szymanowski es poliforme, y que viene de la influencia de artistas y movimientos diversos, pero mantuvo en cada etapa compositiva numerosos rasgos personales. Recuerdos de Chopin, Scriabin, Wagner, Richard Strauss o Max Reger no son extraños en sus primeras obras, para, posteriormente, acogerse al impresionismo conservando una forma propia.

10 En su última etapa, Szymanowski se adapta a la corriente folclorista, representada por Stravinski y Bartók. Para la música polaca, la obra de este compositor constituyó un movimiento auténticamente revolucionario, llevando a los medios musicales, aún retrógrados, un nuevo aliento, suscitando una gran revolución estética e insistiendo en la apremiante necesidad de encontrar un lenguaje moderno. Su obra Nocturno y Tarantella, para violín y piano, toma, junto a otras composiciones para violín, como Mitos o el Primer Concierto, motivos de clara raíz folclórica u orientalizante, incluyendo los recuerdos a los temas españoles debidos a Lalo, Sarasate o Saint-Saëns. Las dos partes presentan un violín de sonoridades innovadoras y las ornamentaciones exponen unos desarrollos seductores ricamente inspirados. Su escritura data de 1915 y está dedicada a Augusto Ivanski. Juana Bonafé

11 Programa PRIMERA PARTE L. v. BEETHOVEN Sonata para violín y piano n.º 9 en La, Op. 47 «A Kreutzer» Adagio sostenuto. Presto Andante con variazioni Finale. Presto DURACIÓN APROXIMADA 34 min. SEGUNDA PARTE M. RAVEL Sonata para violín y piano n.º 2 en Sol Allegretto Blues Perpetuum mobile DURACIÓN APROXIMADA 18 min. K. SZYMANOWSKI Nocturno y Tarantella para violín y piano, Op. 28 DURACIÓN APROXIMADA 12 min. ARA MALIKIAN NAIRÍ GRIGORIÁN

12 Imprime: Navarro & Navarro Impresores D. L. Z-4.134/2009 La organización se reserva el derecho de variaciones de días y sustituciones de orquestas, solistas y programas por causas obligadas de fuerza mayor.