FERNANDO BOTERO: Un artista de talla grande Con los grandes maestros Lección de 10 a 16 años

Transcripción

1 Lección de 10 a 16 años Leonardo Da Vinci Fernando Botero La Gioconda, Mona Lisa a los doce años, 1977 Óleo sobre tabla, 77 x 53 cm Óleo sobre lienzo, 187 x 166 cm -Introducción- Esta lección explora la idea de reinterpretación e intervención artística a través de la comprensión de versiones que varios artistas han hecho de La Gioconda, entre ellos Fernando Botero. Comparando formal y técnicamente la obra con las de algunos artistas de vanguardia que la retoman en el siglo XX como Andy Warhol, Marcel Duchamp y Salvador Dalí, se busca hacer una reflexión sobre la originalidad y la reproducción en el arte. La lección incluye una actividad con los estudiantes en para que hagan su propia intervención de la famosa obra de arte teniendo en cuenta los postulados formales de las vanguardias artísticas y escogiendo libremente el tratamiento del tema.

2 -Acerca del arte- FERNANDO BOTERO: Lección de 10 a 16 años Desde 1503, el año en que fue pintado el que se considera uno de los retratos más famosos de la historia del arte, La Gioconda de Leonardo da Vinci, se han hecho muy diversas obras de arte inspiradas en él, para no hablar de las incontables reproducciones y variaciones a las que ha dado lugar. Reinterpretar una obra de arte tan emblemática es un acto que va más allá de la trasgresión, es un acto de comprensión de los valores estéticos que estaban a disposición del artista, según el momento histórico en el que vivió, la sociedad que lo rodeaba y el pensamiento del propio artista. El espíritu crítico y las nuevas herramientas de las que disponen los artistas contemporáneos han permitido que las versiones de La Gioconda (también conocida como La Mona Lisa) sean reconocidas y comentadas. Leonardo da Vinci es uno de los grandes genios del Renacimiento, destacado como artista, inventor y descubridor. Nació en Vinci y se crió en Florencia; realizó importantes aportes a la ciencia y la ingeniería de su época y para la posteridad. Además intentó demostrar el carácter científico de la pintura y se interesó por las proporciones del cuerpo humano. Fue uno de los precursores de la técnica del claroscuro y el esfumado, así como de la perspectiva atmosférica que podemos apreciar claramente en esta famosa obra suya. La Mona Lisa, esta mujer de sonrisa y mirada enigmáticas, es el retrato de Lisa Gherardini, nacida en Florencia en mayo de 1479 y esposa de Francesco del Giocondo, un rico comerciante de seda. El retrato fue pintado cuando ella tenía veinticuatro años, entre 1503 y Los rasgos que han sido comúnmente considerados más llamativos en esta pintura son los ojos y la sonrisa de la mujer: su mirada es capaz de posarse en todos los ojos, mientras su misteriosa sonrisa refleja tristeza y la felicidad al mismo tiempo. Así mismo, su figura contrasta con un fondo de paisaje vaporoso en el que se ve a lo lejos el lecho de un río. Fernando Botero reinterpreta esta obra 474 años después de que Leonardo da Vinci la pintara. A partir de 1959, Botero había elaborado varias versiones del tema en distintos formatos y técnicas. En el modelo de Botero la protagonista es infantilizada y la forma es ensanchada hasta llevarla a los extremos del lienzo para exacerbar su monumentalidad. La desproporción del cuerpo se evidencia en el tamaño de la cara respecto a los ojos, nariz y boca, y el de la cabeza respecto de las manos. Por otra parte, esta obra que recrea La Mona Lisa nos remite igualmente a las vanguardias artísticas de principio del siglo XX que Botero conoció de primera mano en París. Debido a su importancia y su fama como icono de la pintura europea y del arte tradicional, La Gioconda ha sido blanco de tiro para muchos artistas cuando se trata de cuestionar los supuestos del arte, su mercado, o sus formas de reproducción y trasfondos simbólicos.

3 Para ver ejemplos concretos, podemos remitirnos a la obra titulada L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp, una reinterpretación del tema que en 1919 hace una clara parodia de la obra de Da Vinci poniéndole bigote y barba a una estampita con su imagen, y que refleja sin duda la faceta irreverente y polémica de las búsquedas de las vanguardias de principios de siglo. Recordemos que en estas vanguardias la renovación del arte se dio en gran medida a través de la confrontación con la tradición, los cuestionamientos sobre la reproducción visual, la función social del arte y la alteración de los sistemas aceptados de representación. Así mismo es interesante mencionar la Mona Lisa doble que Andy Warhol realiza en 1963, una serigrafía que juega con la idea de una imagen única, sumamente valiosa, y a la vez trivialmente reproducida; y, finalmente, la intervención de Salvador Dalí, que convierte La Gioconda en la base de un autorretrato, en 1954, alterando sus rasgos y sustituyendo las manos de la mujer por una imagen de las suyas propias cargadas de dinero. Marcel Duchamp Salvador Dalí Andy Warhol. L.H.O.O.Q., 1919 Autorretrato como Mona Lisa, 1954 Doble Mona Lisa, 1963, serigrafía -Preguntas para discusión- - Qué sabe el grupo sobre los artistas Salvador Dalí, Marcel Duchamp y Andy Warhol? Qué sabe sobre las vanguardias artísticas y sus ideas del arte? Habiendo investigado sobre el tema (surrealismo, cubismo, dadaísmo, pop) oriente a los estudiantes en la identificación de los rasgos generales de cada uno de ellos, y valiéndose de material de referencia web o bibliográfico disponible para analizar compartativamente sus obras.

4 - En qué consiste la intervención artística? Cuál es la diferencia entre hacer una nueva obra de arte a partir de otra anterior o replanteándola, y hacer una simple reproducción o una parodia de esa obra? Cuándo puede decirse que una parodia como la de Dalí o Duchamp son propuestas artísticas válidas? - Qué relación hay entre originalidad y autenticidad en el arte? Las reproducciones de imágenes son arte o no lo son? Analizar la diferencia entre diversas formas artísticas del siglo XX: la pintura y el grabado, la fotografía y otras formas de reproducción, como los libros de artista. Buscar también ejemplos de arte serial de las últimas décadas (de la Colección de Arte del Banco: Una taxonomía para el herbario de plantas, de Alberto Baraya, o Todo está muy Caro, de Antonio Caro, por ejemplo) y plantear la discusión sobre su validez. -Una Gioconda muy particular- Actividad Basado en la lección anterior y en otros materiales de referencia, el docente hará una breve presentación de La Mona Lisa de Da Vinci, y de las obras que se podrán como ejemplo, de modo que sea posible compararlas y hacer énfasis en el contexto artístico y cultural de sus autores. Discutir con el grupo qué elementos o propuestas de sus propias obras se reflejan en las versiones de La Gioconda de cada artista (Duchamp, Dalí, Warhol y Botero). Luego se planteará la actividad para desarrollo de obras individualmente en el aula. Materiales: Pinceles, témperas, marcadores, lápiz, papel periódico, estilógrafos, pegante, tijeras; en caso de que se desee trabajar figuras tridimensionales, suministrar materiales apropiados, como alambre, arcilla, plastilina, etc. El dibujo guía de la obra se puede descargar de la web:

5 Proceso: FERNANDO BOTERO: 1. Teniendo en cuenta las imágenes de las tres obras contemporáneas realizadas a partir de La Gioconda, discuta con el grupo qué elementos de La Gioconda son imprescindibles a la hora de reinterpretar la obra para que sea reconocible. Las ropas, el fondo, los colores seguramente se pueden cambiar. También la expresión del rostro, la posición del cuerpo, la disposición en el espacio? 2. Cada estudiante debe escoger una temática o punto de vista particular para realizar su versión de la obra. Se sugiere el tema de las tribus urbanas, pero también pueden ser las visiones del arte que tengan los estudiantes, posturas religiosas, políticas, filosóficas, musicales o la visión del mundo con la que se identifiquen. Una vez hayan elegido sus perspectivas de intervención, para preparar el trabajo ayúdelos individualmente a determinar qué caracteriza su postura, de modo que ésta se refleje bien en el lenguaje plástico escogido para la actividad: cuáles son sus principios, sus íconos y simbologías, estilos gráficos, atmósferas, etc. 3. Cada estudiante hará su versión personal de la obra partiendo del dibujo base, si se desea (el dibujo puede ser una guía útil, pero quizá inhiba algunas propuestas interesantes), explorando con los materiales, formas y elementos gráficos. Hágales ver la importancia de ir más allá de la ropa, los colores o look del retrato y fijarse en que el estilo, la composición y la técnica sean coherentes con la perspectiva adoptada, y en cómo se insertan los íconos claves de su postura en ella. Cierre: Invite a los estudiantes a exponer individualmente su retrato, explicando sus decisiones de estilo, técnica y simbología según la temática que cada uno ha escogido. Extensión: Habiendo conocido los medios de reproducción y formas de reinterpretación que hacen el pop art y las vanguardias sobre el arte clásico, invite a sus estudiantes a hacer un retrato (de alguna persona que sea interesante para ellos) o un autorretrato, a través de los medios digitales o de reproducción en serie que conozcan. Primero deben escoger el personaje y definir los elementos y la atmósfera con que será retratado. Después elegir al técnica: fotografía, serigrafía, esténcil o ilustración digital, según se sientan más cómodos tengan el manejo y la disponibilidad técnica; lo importante es que intenten aplicar los postulados de las vanguardias artísticas y del pop art.

6 Objetivos de aprendizaje y habilidades cognitivas: El análisis comparativo de las obras pone en acción la apreciación visual y artística de los estudiantes. Luego, propiciando a un tiempo el conocimiento de las vanguardias, se busca estimular su apropiación creativa de las obras y se la emplea como recurso para su expresión de estéticas y concepciones personales. La lección fomenta el análisis sobre los límites del arte y sus criterios de producción y aborda el carácter polémico de algunas vanguardias para reflexionar sobre la irreverencia en el arte, la ruptura de esquemas dados y la diferencia entre vanguardia y mera trasgresión. Así se espera promover un acercamiento amplio a la producción artística, que tenga en cuenta el contexto filosófico y social de los creadores.