Pablo Ruiz Picasso. Jomira Riofrio Calderón (1881/10/ /04/08)

Transcripción

1 Pablo Ruiz Picasso Jomira Riofrio Calderón (1881/10/ /04/08)

2 INTRODUCCIÓN Pablo Picasso [ ], pintor y escultor español; considerado como el artista más importante y proficiente del siglo XX. Fue uno de los artistas los más prolíficos de su época. Autor de una obra de más de trabajos, Picasso, a partir de los años cincuenta, se ejercita a todos los soportes, la litografía, el grabado, la cerámica, la escultura, la pintura que abordan tantos temas como técnicas, revelando una libertad creadora excepcional. Picasso impactó en el desarrollo de la moderna y arte contemporáneo con una magnitud sin igual. Sus estilos de pintura trascienden el realismo, Abstracción, Primitivismo, cubismo, surrealismo y expresionismo. Picasso no sólo fue el artista del siglo XX: supo revolucionar el arte gracias a sus ideas innovadoras; en efecto, dio el ejemplo por la creación de un nuevo estilo original de pintura : el cubismo. Por otra parte, supo defender sus opiniones afirmándolas artísticamente: Guernica es la prueba la más pertinente de esta obstinación aunque, por culpa de esta obra elocuente, se atrajo la hostilidad nazi. Por eso, podemos calificar a Picasso como un artista comprometido.

3 BIOGRAFÍA Pablo Ruiz Picasso nació el 25 de octubre de 1881, en el número 36 de la Plaza de Riego de Málaga (España). Picasso es hijo del pintor y profesor de arte José Ruiz Blasco, quien trabajará en distintas escuelas de arte de España (en Málaga, La Coruña y Barcelona) trasladando con él al conjunto de su familia cada pocos años. Los viajes y los cambios de domicilio también serán una constante en la vida de Picasso. Es precisamente de la mano de su padre que Picasso se inicia en la pintura desde niño con un estilo académico. En 1985 ingresa en la misma escuela de arte de Barcelona en la que trabaja su padre como profesor, ciudad a la que se mudan tras el fallecimiento de la hermana de Picasso a los 7 años. Ya en Barcelona, Picasso, a la edad de catorce años, ingresa en la Escuela de Bellas Artes. Tras su marcha a París, comienza su relación, no siempre de amistad, con algunos importantes artistas: los pintores Matisse y Braque, el poeta Apollinarie. El nacimiento del cubismo, considerado creación suya y de Braque; la invención del collage, como técnica pictórica, de enorme importancia posterior en toda la pintura contemporánea. Con 10 años realiza sus primeras pinturas y a los 15 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Consiguió el ingreso presentando el lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona). En 1904 se establece en París. La obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, ejercieron una gran influencia sobre él. En sus pinturas de esa época reflejará la miseria humana, mendigos, alcohólicos y prostitutas.

4 EL PERIODO AZUL Entre 1901 y 1904, Picasso vive el llamado Periodo azul, esta época se llama la época azul porque la mayoría del color en las pinturas es azul. En la época azul, las pinturas de Picasso muestran la desesperación, la soledad y la tragedia. Durante este período en la vida de Picasso, él estaba muy triste y melancólico. La razón por la que él estaba tan triste es que el amigo de Picasso, Carlos Casagemas, se suicidó. Esto ocurrió en febrero de Los dos eran buenos amigos; trabajaban juntos en Francia. Picasso era muy pobre y no tenía éxito con la pintura, y el suicidio le sorprendió a él. Picasso empezó a pintar en colores fríos, melancólicos, y, en su mayor parte, azules. La muerte de su amigo dio lugar a la época azul. Los cuadros de esta época muestran la compasión de Picasso por las personas pobres y destituidas. El color azul le pareció a Picasso adecuado para expresar sus sentimientos de pena y de dolor. Utilizó este color durante más de cuatro años, y de año en año sus cuadros se fueron haciendo más monocromos.

5 La época azul comenzó con el cuadro Evocación--El entierro de Casagemas. Este cuadro marcó el final de su amistad y el principio de una nueva fase de creación en la obra de Picasso. Es una memoria de su amigo muerto. Picasso organizó para su amigo un entierro digno de un santo. Pero su versión resultó algo profana; hay rameras, vestidas solamente con medias, en lugar de los coros de ángeles que normalmente circundarían al alma robada por el caballo blanco. El cuerpo está en la tierra, mientras el alma está montando a caballo con rameras. Entonces, este cuadro muestra la tragedia y también la alegoría que existe en algunos de los cuadros de la época azul. El cuadro es obra del dolor. La muerte fue para Picasso la experiencia decisiva y en su subconsciente constituyó el tema de los cuadros de la época azul.

6 En la época azul, Picasso distorsionó a la figura humana con imaginación para representar el decaimiento moral y físico de sus personajes. Dibujó miembros y dedos alargados y pintó cuerpos huesudos. Este estilo de pintura es similar al estilo de El Greco que Picasso había visto en Madrid y Toledo. Los cuadros siguientes--el guitarrista viejo (1903) y Dos figuras (1904)--muestran este estilo; la mano flaco del limosnero y la mano frágil de la mujer son ejemplos buenos del estilo.

7 EL PERIODO ROSA Transcurre entre 1905 y El cambio tiene lugar cuando conoce al único amor verdadero que encontró en su vida y establece su primera relación estable. Se trata de Fernande Olivier. Fernande es una mujer casada de quien se enamora perdidamente (parece que Picasso era más sentimental de lo que aparentaba), y como sucede con muchos artistas, la pintura se fue adaptando a su estado de ánimo. El tránsito del azul al rosa, no se produce de forma radical. Gradualmente, Picasso va cambiando los elementos temáticos e iconográficos, y aunque el argumento principal de su pintura sigue siendo el mismo durante este periodo, introduce personajes circenses como los arlequines, que conoce en el Circo Medrano, y que serán figuras clave en su pintura.

8 Durante este periodo, el pintor utiliza colores más humanos que reflejan la suavidad y delicadeza, de unos sentimientos que llevan el lirismo a sus figuras. Se distingue sobre todo por el uso de colores pastel y tonos cálidos, de donde poco a poco va desapareciendo el azul. Las líneas son suaves y delicadas y pone más énfasis en el dibujo que en el color. Sin embargo, Picasso continúa trabajando las figuras de proporciones alargadas que recuerdan su admiración por El Greco. 11 En 1906, dejó temporalmente el retrato que estaba realizando de Gertrude Stein7, para realizar los primeros bocetos de Las señoritas de Avignon, con el que el cubismo, se va abriendo camino en su obra.

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11 Autorretratos de Picasso Picasso rompe la tradición del autorretrato. Se niega a dar cuenta de transformaciones operadas por el tiempo sobre su cara. Utiliza su imagen para proclamar su estatuto de artista y su talento. En sus innumerables autorretratos metafóricos, se pone en escena disfrazado, transformado en animal o frente su modelo. Como si el tiempo no tenía toma sobre él. El autorretrato tiene una plaza relativamente modesta en la producción prodigiosa de Picasso, por lo menos si se refiere al autorretrato tal como se practicaba antes de él. Sin embargo, su cara obsesiona el siglo XX. El pintor español no se inscribe en la tradición larga de los artistas que escudriñan su cara a lo largo de su existencia y pintan una categoría ininterrumpida de autorretratos. El artista abandona toda descripción paciente de los cambios morfológicos y psicológicos. Sin embargo, podemos distinguir dos períodos en los cuales su propia efigie ocupa una plaza esencial en su obra: los años de la infancia que anteceden su aventura cubista y el fin de su vida. La dignidad de la pintura al óleo toma a veces una forma más acabada y entrega un trabajo más personal.

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13 EL CUBISMO Partiendo de Las señoritas de Aviñón, Braque y Picasso acabaron formulando la definición del cubismo 1908, como un punto de inflexión radical en la historia del arte. El nuevo estilo, inspira al resto de las vanguardias artísticas y abandona el ilusionismo pictórico al rechazar la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas más abstraídas de la percepción convencional y juegan con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.19 Esta técnica iniciada por Picasso, tuvo muchos seguidores, entre los más destacados, Braque, Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

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15 LA ETAPA NEOCLÁSICA: Otra vez la vida, vuelve a influir decisivamente en la obra de Picasso. En 1917 conoce a la bailarina rusa Olga Khokhlova, se casa con ella y tiene su primer hijo. El estudio de sus interpretaciones, que el artista pudo haber visto durante los ensayos o las representaciones en escena, junto al análisis de las obras que éste dedicó al tema de la danza, permite evaluar el impacto de Olga como fuente de inspiración. Favorecido por el contexto italiano, el diálogo con la Antigüedad y el clasicismo abrió una nueva etapa en la obra de Picasso, que vuelve al desnudo monumental, al dibujo de línea precisa, como los retratos de Ingres y al equilibrio. En esta etapa, las protagonistas fueron principalmente la danza y la música, artes que descubrió gracias a su colaboración con los Ballets Rusos y su relación amorosa con Olga.

16 EXPRESIONISMO CUBISTA: EL GUERNICA. El período expresionista refleja la angustia y el dolor que rodeaban a la época, repleta de muerte y sufrimiento. Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad, que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo. Su boca abierta y su lengua afilada demuestran su excitación ante los acontecimientos. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto. Su mano todavía sujeta una espada rota. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y a su lado, una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena. Un poco a la derecha, en segundo plano, un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido.

17 Realizada en 1937, por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau, a petición del Gobierno de la República Española, para ser expuesto en el Pabellón Español, durante la Exposición Internacional de 1937 en París. El fin no era otro que atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil. En 1940, Picasso dejó que el cuadro fuera exhibido en el Museo de arte moderno de Nueva York porque en España se había instaurado la dictadura militar del General Franco, expresando su voluntad de que el cuadro fuera devuelto cuando en España se restableciera la democracia, cosa que sucedió por fin en 1981, instalándose en el Museo Reina Sofía. El cuadro se ha convertido en un verdadero icono del siglo XX, al ser considerado un símbolo de los sufrimientos y penalidades que causan las guerras en el ser humano. 19 Picasso dijo de esta pintura, que: no está hecha para decorar habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo.

18 REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS o