Tema 4. La música en el clasicismo. Música sinfónica y música de cámara: la sinfonía clásica, la forma sonata, el cuarteto de cuerda.

Transcripción

1 Tema 4. La música en el clasicismo. Música sinfónica y música de cámara: la sinfonía clásica, la forma sonata, el cuarteto de cuerda. 1/. Situación del tema en su contexto histórico y social. En música entendemos por Clasicismo el corto período que va, aproximadamente, desde 1740 a Son décadas de gran importancia histórica, con acontecimientos de gran trascendencia también para el mundo de la música. La Ilustración fue un movimiento cultural europeo que se desarrolló, especialmente en Francia, desde principios del siglo XVIII hasta el inicio de la Revolución francesa. Fue denominado así por su declarada finalidad de disipar las tinieblas de la humanidad mediante las luces de la razón. El siglo XVIII es conocido, por este motivo, como el Siglo de las Luces. Las características de la Ilustración pueden resumirse en el racionalismo, la búsqueda de la felicidad, la creencia de las bondad natural del hombre, le optimismo y el laicismo. El ideal de la Ilustración fue la naturaleza a través de la razón. En realidad no es más que el espíritu del Renacimiento llevado hasta sus últimas consecuencias, en manifiesta oposición con lo sobrenatural y lo tradicional. El Ilustrado llegaba al amor al prójimo partiendo de la razón y no de la Revelación. Los pensadores de la Ilustración sostenían que la razón humana podía combatir la ignorancia, la superstición y la tiranía, y construir un mundo mejor. La Ilustración tuvo una gran influencia en aspectos económicos, políticos y sociales de la época. La expresión estética de este movimiento intelectual se denominará Neoclasicismo. Es un período artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza más absoluta, es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Por ello se tiende a dar más la forma de las cosas, que es la que refleja esta perfección, que el contenido o la ideología; en este sentido el Clasicismo refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad como sociedad perfecta y sin problemas. En las artes plásticas destacaron los pintores franceses David e Ingres El sistema de gobierno es el Despotismo Ilustrado. Son monarquías absolutas, pero que incorporan los ideales de la Ilustración, de manera que se gobierna con la razón pensando en el beneficio del pueblo. El absolutismo ha desembocado en el despotismo ilustrado, en el que los reyes y sus ministros introducen importantes mejoras en la cultura y las artes, aunque manteniendo la situación social del antiguo régimen. El despotismo era la forma de gobernar que buscaba el bienestar y la cultura para el pueblo, pero sin el pueblo. Progresivamente, la concepción ilustrada fue aceptada como propia por una clase social, la burguesía, cuyo imparable ascenso y la pérdida de poder de la nobleza culminaron en la Revolución Francesa (1789) y sus ideales de libertad, igualdad y fraternidad que terminaron con el Antiguo Régimen y dieron paso al mundo moderno. Fue un conflicto social y político que convulsionó Francia y, por extensión a otras naciones de Europa que enfrentaban a partidarios y opositores del sistema conocido como el Antiguo Régimen. Desde el punto de vista político, fueron 1

2 fundamentales ideas tales como las expuestas por Voltaire, Rousseau o Montesquieu (por ejemplo, los conceptos de libertad política, de fraternidad y de igualdad, o de rechazo a una sociedad dividida, o las nuevas teorías políticas sobre la separación de poderes del Estado). La Enciclopedia (primera edición en 1751)fue una obra colectiva bajo la dirección de Diderot y D Alembert. La ambición totalizadora de éstos representaba un esfuerzo de documentación y de síntesis que no podían ser dominados por unos cuantos individuos aislados. En ella colaboraron todo un conjunto de hasta 160 personas de las más variadas ocupaciones, como literatos, científicos, artistas, magistrados, teólogos, nobles y artesanos que fueron conocidos como les encyclopédistes. La Guerra de Independencia de los Estados Unidos ( ) fue un conflicto que enfrentó a las trece colonias británicas originales en América del Norte contra Inglaterra. Las colonias británicas que se independizaron de Gran Bretaña edificaron el primer sistema político liberal y democrático, alumbrando una nueva nación, los Estados Unidos de América, incorporando las nuevas ideas revolucionarias que propugnaban la igualdad y la libertad, lejos del rígido sistema estamental europeo. Por último debemos citar el inicio de la Revolución Industrial en Inglaterra, cuyas consecuencias desde el punto de vista económico, social y político serán determinantes en los siglos posteriores. 2/. Características musicales. La música clasicista está impregnada del humanismo ilustrado que quiere mostrarse elegante y agradable a todos, por lo que triunfa un melodismo externamente sencillo, pero que recoge un trabajo racional acorde con la filosofía del momento. Entre las características musicales del Clasicismo encontramos: - Búsqueda del orden, equilibrio y simetría en los distintos parámetros musicales (ritmo, melodía, textura, timbres, dinámicas ) dentro del retorno al ideal clásico de belleza de la antigüedad que el Clasicismo en las diversas artes pretende recuperar. - La anterior música barroca, recargada de adornos, texturas contrapuntísticas y estilo concertato, da paso a una música más sencilla y natural que además pretende gustar y entretener no sólo a la nobleza refinada, sino a un público más amplio. En este sentido es de sumo interés, desde el punto de vista musical y sociológico, la aparición de los conciertos públicos. - Todo lo anterior se concreta en el protagonismo de la melodía. Por su gracia, belleza y equilibrio tiene un lugar destacado. Suele estar compuesta por frases simétricas con el mismo número de compases. Las melodías se repiten mucho, son cuadradas y bien separadas por cadencias. Se suelen estructuras en frases de 8 compases, semifrases de 4 compases y motivos. Igualmente será frecuente el uso de melodías contrastantes dentro de una misma 2

3 composición. Cobra importancia el tema de una melodía para desarrollarlo jugando con los motivos que lo forman como se hacía en los desarrollos de la fuga. - En la armonía el juego del reposo de la tónica y el impulso de movimiento de la dominante adquiere mayor protagonismo y se organiza con grupos de tonalidades distintas. Se asientan las tonalidades mayores y menores ya utilizadas en el barroco. Hablamos de una armonía plenamente tonal, con un lenguaje armónico no excesivamente complejo. - Cambia también la textura, que se hace más ligera. La tendencia general es la melodía acompañada de acordes (textura de melodía acompañada), si bien no desaparece la técnica contrapuntísiticas. Lo que sí desaparece es el bajo continuo y el clave. Se incorporan voces intermedias en la textura, como las violas. - Se perfecciona la forma y el diseño musical, la estructura de la música. Se busca la claridad y la simplicidad, la proporción y el balance, la moderación y el control. La finalidad es llegar al equilibrio entre expresividad y estructura formal. Muchas veces los autores huyen de todo subjetivismo para mostrar, a través de la música, un sentimiento ajeno a ellos mismos. La dinámica general de las obras, aunque busca el movimiento, la expresión y el sentimiento, lo hace de una manera equilibrada y controlada por la forma. - Es habitual una mayor variedad y contraste entre todos los elementos sonoros de un mismo movimiento, lejos de la unidad de afectos característica del barroco. Además de lo ya mencionado en torno a la melodía, se dan contrastes entre ritmos, tonalidades, timbres, carácter y dinámica. Se incorpora el crescendo y el diminuendo que producen un gran impacto en la época. - Aumenta considerablemente el prestigio de la música instrumental. Junto con las óperas, la sinfonía y las distintas posibilidades que ofrece la música de cámara serán el terreno preferido tanto por los compositores como por los oyentes. Van desapareciendo formas instrumentales anteriores, como la suite, el concerto grosso o la tocata. Por el contrario aparecen y se desarrollan nuevos géneros y formas instrumentales: forma sonata, cuarteto de cuerdas y sinfonía. Por otra parte se impone el género profano por encima del religioso, fruto de la mentalidad laica del momento. - En cuanto a los timbres se incorporan las trompas, los clarinetes, las trompetas y los timbales a la orquesta, aumentando además la sección de cuerda. El bajo continuo cae en desuso. La orquesta, por tanto, experimenta un desarrollo progresivo, si bien quedará aún lejos de la gran formación postromántica de finales del XIX. Además aparecen nuevos instrumentos de gran trascendencia como el clarinete y el piano. Este último cobrará un enorme protagonismo, imponiéndose paulatinamente al clave, por la posibilidad de producir contrastes dinámicos tanto graduales (crescendo y decrecendo) como súbitos. Sinfonía. Es una composición de grandes dimensiones para orquesta, dividida normalmente en cuatro movimientos, según el esquema allegro, andante, minueto o scherzo y allegro. Presenta 3

4 similitudes con la sonata para uno o dos instrumentos, si bien con la difernecia fundamental de que la sinfonía se escribe siempre para orquesta. El origen lo encontramos en las oberturas de las óperas italianas del barroco, independizándose y alcanzando un gran desarrollo posteriormente. La sinfonía puede considerarse el gran género musical para orquesta de la segunda mitad del siglo XVIII y buena parte del siglo XIX. Cuarteto de cuerda. El cuarteto de cuerda es una agrupación instrumental formada por dos violines, viola y violonchelo, así como un género instrumental dentro de la música de cámara. Aunque tiene antecedentes barrocos, es un género típico de la época del clasicismo (2ª mitad del siglo XVIII). Normalmente los cuatro instrumentos tienen la misma importancia y lo que caracteriza al cuarteto es el diálogo que se establece entre ellos. Solía tener cuatro movimientos: rápido y con esquema de forma de sonata, lento o andante, minueto y allegro. Forma de sonata. Forma de sonata es un esquema compositivo aplicable a un movimiento de sonata (normalmente el primero) y de otros géneros como la sinfonía, el cuarteto, el concierto o el aria de ópera. Dicho esquema tiene tres partes: exposición, desarrollo y recapitulación. En la primera, a veces tras una introducción, se presentan dos temas contrastantes A y B enlazados por un puente. A está en la tonalidad principal de la obra, mientras que B normalmente en la dominante o un tono vecino. En el desarrollo el compositor juega con diversas manipulaciones de los temas. Es la parte más tensiva de la obra, donde parecen enfrentarse los dos temas. Todo vuelve a su cauce en la recapitulación. De nuevo se escuchan los temas del inicio sin apenas transformaciones, con la importante novedad de que B aparece también en la tonalidad principal. En ocasiones se acaba con una coda. La forma sonata, fundamental en la segunda mitad del siglo XVIII, tiene un esquema clásico cerrado: relajación-tensión-relajación. 3/. Cita y comentario de autores y obras. Entre los tipos de música de cámara del Clasicismo, el cuarteto de cuerda llegó a convertirse en el medio principal. Un distinguido compositor de música de cámara fue Luigi Boccherini, que trabajó en Madrid. Su producción abarca alrededor de 140 quintetos de cuerda (sin duda la parte más importante de su obra. Algunos con arreglos posteriores con guitarra), 100 cuartetos de cuerda, 65 tríos para cuerda, además de otras piezas camerísticas y orquestales. El compositor anterior a Haydn que realzó la independencia de las cuatro partes de cuerda para crear un auténtico estilo de cuarteto de cuerdas fue Franz Xaver Richter. Los cuartetos de cuerda de Haydn representan la culminación de este género característico del clasicismo, con un total de 70 cuartetos. Los cuatro instrumentos tienen personalidad propia, están en igualdad de condiciones. Mozart ( ) fue otro gran compositor de cuartetos de cuerda, con 26. En este punto resulta necesario señalar que, en general en las obras instrumentales de estos dos compositores, no siempre se cumplen las normas más o menso estrictas de la forma sonata de primer movimiento, tal y como se estudia en la teoría. Así, por 4

5 ejemplo Haydn emplea falsas recapitulaciones en un intento de sorprender al oyente que espera escuchar un esquema establecido. Mozart, en muchas ocasiones, emplea un único tema o grupo temático A en sus formas de sonata. Estos dos genios de la música no siempre respetan en sus composiciones el modelo establecido de forma sonata. Los cuartetos de Beethoven constituyen un puente de unión con el cuarteto romántico. Un tipo de música diferente, destinada a la ejecución al aire libre, fue la serenata vienesa. Junto al divertimento y el nocturno, era una forma intermedia entre la suite orquestal barroca y la sinfonía clásica. Constaba de cinco o más movimientos, muchos de ellos con ritmos de danza y un aire popular en sus melodías. Merece destacarse la Serenata nocturna de Mozart. Entre las sonatas para teclado destacaron, en una primera fase, las aportaciones de compositores italianos y alemanes. Uno de los más destacados compositores de sonata para teclado del preclasicismo fue Doménico Scarlatti, auténtico precursor de la forma sonata en sus más de 550 sonatas para clave. En Alemania destacaron los hijos de Bach Carl Philipp Emmanuel Bach y Johann Christian Bach. Posteriormente, la sonata para teclado tuvo en Haydn y sobre todo en Mozart a sus máximos representantes. Entre las sonatas para piano de Mozart podemos comentar brevemente la sonata en La mayor Kv 331. Dividida en tres movimientos, el primero es un tema con cinco variaciones, el segundo un minueto según el esquema habitual y el tercero un famoso rondó a la turca. El género sinfónico fue ampliamente cultivado por casi todos los compositores de la segunda mitad del siglo XVIII, constituyéndose como el gran género instrumental del periodo clásico. De nuevo tenemos que mencionar un primer momento de formación, denominado preclásico, entre aproximadamente En él destacaron varias escuelas sinfónicas. Empezando por la escuela italiana con Sammartini y continuando con la escuela de Berlín, la famosa escuela de Mannheim, que impresionaba a sus contemporáneos por los cambios graduales de dinámica, sobre todo los crescendo (Stamitz) y una primera escuela de Viena anterior a Haydn y Mozart. Estos dos últimos compositores representan, junto a las obras tempranas de Beethoven, la culminación del espíritu clásico y de la sinfonía clásica en particular. Haydn llegó a componer hasta 104 sinfonías, muchas de ellas con títulos como La caza, Sinfonía Oxford, Militar, Sorpresa, Los adioses, Sinfonías de París, Sinfonías de Londres Como rasgos particulares de muchas de ellas tenemos la introducción lenta en muchos de los primeros movimientos, el carácter desenfadado e incluso cómico de algunos movimientos, como el primero de su Sinfonía Sorpresa y el sentido descriptivo, como en la Sinfonía los adioses. Mozart fue autor de 41 sinfonías, experimentando progresivamente un mayor desarrollo y madurez. Sobresalen la Sinfonía Haffner, Sinfonía Praga, Sinfonía Linz, la nº 40 y la 41 Sinfonía Júpiter. Beethoven ( ) lleva a su máximo esplendor la sinfonía clásica y al mismo tiempo anticipa la romántica. Por ejemplo, el primer movimiento de la 5º tiene forma sonata, pero con una gran coda, tan desarrollada, que amplía y modifica la forma clásica. Especialmente el 4º movimiento de su 9ª sinfonía, con la inclusión de cantantes solistas y un coro, libera los moldes clásicos e inicia la sinfonía programática. Otro género instrumental muy importante a finales del XVIII fue el concierto para solista y orquesta. Merecen destacarse los 21 conciertos para piano y orquesta de Mozart y los 5 conciertos para violín y orquesta del mismo compositor. 5