Artes escénicas europeas en los siglos XVI Y XVII. Bachillerato de artes escénicas. Teatro Olímpico de Vicenza Teatro Farnese de Parma

Transcripción

1 ARTES ESCÉNICAS EUROPEAS EN LOS SIGLOS XVI Y XVII En los siglos XVI y XVII la evolución de los espectáculos escénicos ofrece un progreso y un auge casi paralelos en todos los países europeos, principalmente Inglaterra, Italia, Francia y España. Se trata de una época en que se produce el nacimiento y desarrollo de los distintos teatros nacionales europeos: Shakespeare (Inglaterra), Molière (Francia), Lope de Vega (España) y la comedia del arte y la ópera en Italia. En general, existen tres modalidades escénicas en Europa: 1. Un teatro popular. Espectáculos representados por comediantes profesionales que recorren las ciudades y pueblos, para divertir a un público heterogéneo y que basa sus argumentos en cuestiones de enredo, de farsas, etc. Este teatro será el que más se desarrollará en Italia con la comedia del arte, en Inglaterra y España. 2. Espectáculos religiosos, mantenidos y promovidos por la Iglesia y llevado a cabo en los lugares de culto, cuya representación va unida a las grandes fiestas eclesiásticas. Calderón de la Barca fue el máximo representante con sus autos sacramentales. 3. Espectáculos cortesanos, desarrollados según los nuevos gustos de las cortes renacentistas e inspirado en el teatro clásico griego y latino. Es el que más se desarrolla en Francia, y da lugar a la ópera en Italia. EL TEATRO ITALIANO No es hasta el siglo XV que se tiene constancia del teatro renacentista en Italia. Pese a que las primeras obras estaban escritas en latín, pronto se fueron escribiendo en el idioma materno y, por lo general, trataban sobre temas clásicos. Este género teatral no es una evolución resultante de los modelos religiosos, tampoco de los tipos dramáticos populares. Era un tipo de teatro con un proceso meramente académico. Eran obras que se escribían principalmente para ser leídas, ya sea con fines didácticos o por varios lectores para los espectadores. Por otra parte, en el nacimiento de la ópera y el teatro musical en Italia, hay que tener en cuenta que a mediados del siglo XVI, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia, así como edificios teatrales como el Teatro Olímpico, de Vicenza (1580) y el Teatro Farnese, de Parma (1618). Teatro Olímpico de Vicenza Teatro Farnese de Parma LA COMEDIA DEL ARTE En el teatro popular renacentista italiano destaca la comedia del arte (commedia dell arte), porque es la forma teatral que más influirá en el teatro popular europeo de otros países. La comedia del arte IES Alborán, Almería 1

2 nace aproximadamente en el siglo XVI y se caracteriza por el hecho de que en sus obras hay unos personajes fijos que van improvisando el texto a partir de unas situaciones o guiones prefijados (canovacci) y en unos gags (lazzi) que se repiten en todas las obras. Es un teatro de media máscara, por lo que permite al comediante poder hablar. Cada uno de estos personajes utilizaba una variedad dialectal y tiene su máscara y vestimenta característica. Algunos de estos personajes se han mantenido en la cultura popular hasta nuestros días, como Arlequín. Los personajes de la comedia del arte se pueden clasificar en tres categorías. Criados Arlequín (Arlecchino), astuto y necio criado originario de Bérgamo. Su compañero es Brighella. Polichinela (Pulcinella) es el criado filósofo, de origen napolitano, jorobado y luce traje blanco, máscara negra y una gran nariz. Colombina es la típica criada, compañera de Arlequín. Amos Pantalón (Pantalone) es el poder económico: rico y viejo comerciante veneciano, tacaño y desconfiado. El Doctor (Dottore) es el poder intelectual y destaca por un divertido latín macarrónico El Capitán (Capitano), el poder militar, siempre es español, fanfarrón y cobarde. Enamorados: este grupo está formado por una pareja de jóvenes que suelen ser hijo o hija de Pantalón y del Doctor o viceversa. Llevan nombres como Rosana, Florindo, Isabel, Octavio, y su principal y único cometido es amar y ser amados. Suelen ir sin máscara (pero no siempre los hombres enamorados) quizás tratando de dignificarlos en medio de los fantoches que los rodean. TEATRO ISABELINO En Inglaterra, durante las dos últimas décadas del siglo XVI y casi toda la primera mitad del siglo XVII, se desarrolla el llamado teatro isabelino, que reúne un nutrido grupo de obras y autores, con Shakespeare a la cabeza. La denominación se debe a que se gestó durante el reinado de Isabel I ( ), aunque también se extendió a los reinados de Jacobo I ( ) y Carlos I ( ). El teatro popular inglés empezó a representarse en escenarios improvisados como los patios de posadas, a los que acudía un público numeroso y variopinto, pero al iniciarse el ciclo isabelino, ya existían locales expresamente construidos para las representaciones teatrales. Los más importantes se edificaron en las proximidades de Londres ya que, dentro de la ciudad, el teatro estaba entonces prohibido. Especialmente destacados fueron The Swan y The Globe, de forma circular y hexagonal respectivamente. Del mismo modo que en los corrales de comedia españoles, el público de estos teatros estaba integrado por gente de toda condición, pero con un predominio del estamento popular que imponía IES Alborán, Almería 2

3 sus gustos al margen de los conceptos clasicistas. De acuerdo con ese público, el teatro isabelino adoptó ciertos rasgos característicos: no se mantienen las unidades dramáticas de lugar, tiempo y acción; alternan con frecuencia el verso y la prosa; interactúan personajes nobles y plebeyos en la misma obra; y se mezclan los géneros, aunque en ocasiones el claro predominio del elemento trágico o cómico permite hablar con propiedad de tragedias o comedias. Dentro del teatro isabelino llama la atención el interés por el tema histórico, circunscrito al drama o a la tragedia. Destacan dramaturgos como Christopher Marlowe y Thomas Kyd, pero sobre todo la figura de William Shakespeare Los teatros construidos en Inglaterra durante el periodo de Isabel I eran muy distintos al resto de Europa. Teniendo en cuenta que las obras de teatro se representaban principalmente en los meses con mejor climatología, los teatros eran al aire libre y de forma circular. Por tanto, si estar provistos de techo y construidos básicamente con madera, su rasgo diferencial más importante era la ubicación del escenario. Era de forma rectangular y en una posición elevada. En torno a él, los espectadores lo rodeaban por tres de los cuatro lados y los puestos elevados estaban reservados para las clases altas o la nobleza. Entre todos los teatros de esta época destaca The Globe, teatro londinense en el que Shakespeare representaba sus obras. TEATRO CLÁSICO FRANCÉS El teatro barroco francés, similar al que se da en España, se prolongó hasta el primer tercio del siglo XVII. En los años treinta se produjo una reacción contra el Barroco que se manifestó de forma especialmente intensa en el teatro. El cambio de orientación en la escena francesa vino dado por la insistencia con que los preceptistas reclamaban una vuelta a las normas clásicas aristotélicas y a los modelos clásicos. Por otro lado, a partir de Descartes y su Discurso del método (1637), fue ganando terreno la importancia de la razón como instrumento para interpretar el mundo, con lo que se impuso el gusto por lo comedido, lo equilibrado y lo claro. Con el espíritu clasicista, se volvió en el teatro a la separación de géneros, la distribución de personajes según los géneros, la imposición de las tres unidades y la exclusión de todo tipo de excesos, considerados de mal gusto. La etapa del clasicismo es la época dorada del teatro francés ya que a ella pertenecen tres de sus más grandes dramaturgos: CORNEILLE, RACINE, en el caso sobre todo de la tragedia, y Jean-Baptiste IES Alborán, Almería 3

4 Poquelin, MOLIÈRE, en la comedia, con obras como Tartufo, El médico a palos, El avaro, Las mujeres sabias, indudablemente influenciadas por la comedia del arte. EL TEATRO ESPAÑOL EN EL SIGLO XVII Durante el siglo XVII el teatro conoce un gran auge en toda Europa: En España, Cervantes y otros autores buscaron una fórmula que gustase al público, pero fue Lope de Vega quien acierta a fijarla hacia 1590 y en 1609 ( Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo ) define y explica en qué consiste el género que él establece y que se denomina comedia española o, simplemente, comedia. El modelo teatral que implanta Lope de Vega tiene los siguientes rasgos: 1.- EL TEXTO DRAMÁTICO A.- División en tres actos o jornadas. Cada acto, a su vez, está integrado por cuadros con tiempo y espacio propios B.- Uso del verso como texto teatral, adaptando la métrica del verso a la situación dramática C.- Rechazo de las reglas de las tres unidades (tiempo, lugar y acción), de tal modo que las obras pueden desarrollarse en un transcurso superior a las 24 horas, pueden aparecer distintos lugares en el escenario y la acción principal se puede mezclar con otras secundarias. D.- Se mezclan lo cómico (personajes de baja condición; acontecimientos divertidos) y lo trágico (personajes nobles y hechos desgraciados). El final suele ser feliz. E.- Los personajes se ajustan a unos estereotipos: El GALÁN busca el amor de la DAMA, cuya honra es protegida por el PADRE, hermano o marido, quienes adoptaban las figuras del CABALLERO, pero también podía ser un VILLANO (campesino) en los "dramas" del poder injusto. El GRACIOSO presenta los aspectos cómicos, divertidos y realistas, a menudo coincide con el papel de CRIADO del GALÁN. El criado del galán y la criada de la dama viven una acción amorosa paralela. El PODEROSO (capitán o noble) representa la maldad, empeñado en disfrutar de la dama; provoca la venganza o desagravio del padre, hermano o marido, ya sea caballero o villano. La única excepción a esta norma se producía cuando el REY era el ofensor, pues un rey sólo podía morir a manos de otro rey o por castigo divino. F.- Se incorporan a la obra bailes y letrillas para ser cantadas (o en los inicios y descansos o en medio de la obra. Poco a poco constituirán un subgénero propio: la Zarzuela). G.- La temática es nacional; se tratan temas generalmente basados en los siguientes elementos: 1.- Defensa del HONOR (dignidad personal, lo que hace a un individuo ser persona) y de la HONRA (la imagen pública de un ser humano). El honor y la honra pueden perderse por actos propios (cobardía, traición...) o ajenos (insultos, ofensas, infidelidad amorosa). En ese caso se requiere una venganza inmediata. En los "dramas del poder injusto", un aldeano (villano) defenderá su honor matando al poderoso: esto es algo imposible en el teatro español anterior a Lope de Vega, y en el teatro europeo (Francia, Inglaterra). 2.- El amor es también el gran tema del teatro barroco. Aparece ligado indisolublemente al tema del honor/honra. Determina la división argumental en: DRAMAS: un poderoso intenta seducir a una dama, que es hermana, esposa o hija de un caballero (noble) o de un villano (aldeano). Se produce la venganza: el castigo y muerte del poderoso. En algunas obras, el «ofensor» y la «dama» (casada) están enamorados, pero eso no evita la venganza del «marido» (ejemplo: El castigo sin venganza de Lope de Vega. COMEDIAS: un joven galán soltero y una joven dama soltera se enamoran e inventan mil trucos, engaños o juegos para conseguir que el padre o el hermano de la dama aprueben el matrimonio con el que siempre terminan estas comedias IES Alborán, Almería 4

5 3.- La religión católica, o la moral cristiana en otros casos, es el tercer gran tema del teatro español del siglo XVII: a) Vidas y hazañas de santos, personajes bíblicos, etc. b) Dramas de tema teológico sobre la salvación del alma; c) Los autos sacramentales: con motivo de las fiestas de CORPUS CHRISTI (finales de mayo o principios de junio) para celebrar el sacramento de la eucaristía (la comunión). 2. LA REPRESENTACIÓN TEATRAL A.- Teatro popular: Los corrales de comedias.- El escenario típico del siglo XVII para las comedias son los corrales de comedias: en un principio, patios interiores de una manzana de casas, en uno de cuyos lados se montaba el tablado o escenario. En el patio se colocaban bancos de madera o lunetas, que ocupaban los hombres; en la parte de atrás no había bancos y los hombres estaban de pie (los mosqueteros). En los pisos superiores, encima de la puerta de entrada, estaba la cazuela, lugar donde se ubican las mujeres, normalmente sentadas en gradas. En las ventanas y balcones de las fachadas laterales estaban los aposentos y desvanes alquilados por los nobles y familias ricas. En los laterales, debajo de los aposentos, estaban las gradas. También había otras dependencias como los vestuarios, la tertulia (donde se acomodaban los eclesiásticos), los alojeros donde se se consumía aloja (agua, miel, y yerbas aromaticas). Los poetas o dramaturgos vendían sus manuscritos autógrafos a los autores (directores o empresarios) de compañías teatrales. Pero estos autores alteraban las piezas. No había derechos de autor y los autores se robaban las piezas o las copiaban. O eran pirateadas por memorias o memoriones, gente que supuestamente podía memorizar una obra al oírla. Por eso los dramaturgos empezaron a publicar sus obras en Partes (de 12 comedias cada parte). B.- El teatro cortesano.- El teatro cortesano o palaciego. A los corrales de comedias como el corral de la Cruz y el corral del Príncipe, se suma en 1640 uno nuevo, mejor dotado para la puesta en escena: el Coliseo del Palacio del Buen Retiro, que, entre otras, va a albergar esplendorosas representaciones de la obra de Calderón de la Barca. El Palacio del Buen Retiro ofrece un resumen, en excelencia, de los espectáculos y diversiones del Madrid del siglo XVII. C.- Teatro religioso: los autos sacramentales.- El auto sacramental era una obra en un acto, con personajes alegóricos, que desarrolla un tema religioso con intención didáctica y que concluye con la exaltación de la Eucaristía. En un principio, se representaba dentro de la Iglesia, y formaba parte importante de la acción litúrgica. A partir del siglo XVII, los autos sacramentales iban acompañados, en la representación, de sus correspondientes loas, entremeses y mojigangas. La escenificación tenía estructuras sumamente complejas y de gran dificultad técnica. IES Alborán, Almería 5

6 LOPE DE VEGA ( ) TIRSO DE MOLINA ( ) CALDERÓN DE LA BARCA ( ) Los autos sacramentales. - Sobresalen El gran teatro del mundo y el Auto de la vida es sueño. En los autos sacramentales, Calderón dramatiza conceptos abstractos de la teología católica convirtiéndolos en personajes: Dios, la Discreción, la Hermosura, la Virtud IES Alborán, Almería 6