HISTORIA DEL ARTE. TEMA 9 PINTURA GÓTICA EN LA BAJA EDAD MEDIA

Transcripción

1 HISTORIA DEL ARTE. 2º BAC TEMA 9 PINTURA GÓTICA EN LA BAJA EDAD MEDIA I.- INTRODUCCIÓN. II.-PINTURA ITALIANA TRECENTO (1.300) S. XIV. CORRIENTE ITALO-GÓTICA GIOTTO CARACTERISTICAS CAPILLA SCROVEGNI: LLANTO POR CRISTO MUERTO EL BESO DE JUDAS III.- PINTURA FLAMENCA S.XV. CARACTERISTICAS GENERALES. VAN EYCK CARACTERÍSTICAS: EL MATRIMONIO ARNOLFINI; LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN I.- INTRODUCCIÓN. La pintura es la manifestación artística que mejor muestra la nueva mentalidad de la época, la preocupación por el hombre y la naturaleza; por el entorno, por los pequeños detalles. Veremos dos escuelas, la florentina con Giotto, y la flamenca, con Van Eyck, que nos intentarán acercar a la realidad pero siguiendo caminos opuestos: Uno, el italiano, buscará la perspectiva, el dominio de la belleza, del cuerpo humano... Los italianos comenzaron trazando el armazón de las líneas de la perspectiva y plasmaron sobre ellas el cuerpo humano, mediante sus conocimientos de anatomía y las leyes del escorzo, ya en el s. XV, trataban de representar la naturaleza casi con exactitud científica. Otro, el flamenco, en el camino opuesto, logra la ilusión de lo natural, añadiendo pacientemente detalle tras detalle, hasta que el cuadro se convierte en un espejo fiel de la realidad. Esta diferencia entre los artistas del norte y los italianos marcarán la pintura europea durante muchos años, incluso siglos. El surgimiento de la pintura de caballete y el perfeccionamiento de la pintura al óleo completarán las novedades de esta época. Hay cuatro grandes etapas: 1. S. XIII. Gótico lineal. Deriva de los manuscritos. 2. S. XIV. Italo-gótico. Pintura volumétrica, no de contornos. 3. S. XIV. Gótico internacional. 4. S. XV. Pintura flamenca. Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 1

2 II.- PINTURA ITALIANA. TRECENTO (1.300) S. XIV CORRIENTE ITALO GÓTICA La pintura gótica, en general, está influenciada por la estética bizantina, que nos representa especies irreales, figuras en posición ¾, en actitud forzada, figuras de siluetas y de colores planos. Esta corriente bizantina tendrá su continuación en la escuela de la ciudad de Siena que recoge esta herencia y nos dará una pintura delicada y elegante, de la que tenemos como principales representantes a Duccio, Simone Martini... Un autor que empieza a liberarse del bizantinismo será Cimabue, sus figuras serán más dinámicas, y incluso, parecen dotadas de cierta carga sobrenatural, haciendo desaparecer el carácter preciosista de esta pintura. Giotto, el auténtico innovador de la pintura gótica italiana será discípulo de Cimabue. Es preciso recordar que en Italia la estética gótica nunca tuvo excesivo éxito (recordar que sólo la catedral de Milán es auténticamente gótica y se terminó en el S. XIX). Las influencias en Italia provienen de la cultura bizantina y germana mezcladas con la nórdica y oriental, sin abandonar la clásica y la de los mosaicos paleocristianos, que en la Edad Media siguen siendo un referente importante, que hace que los artistas italianos utilicen un lenguaje artístico distinto del gótico europeo. La gran revolución de la pintura gótica italiana consistirá en abandonar los convencionalismos góticos (fondos dorados...) para ir a una pintura preocupada por la representación del espacio y del ambiente, una pintura que intenta alcanzar la tercera dimensión y que, por tanto, nos llevará al próximo siglo a conseguir plenamente la perspectiva. El principal representante y artífice de estos cambios será Giotto. GIOTTO DI BONDONE (CA ) Su figura sirve de puente entre la Edad Media y el Renacimiento. Inaugura una nueva forma de pintar que lo convierte en el primer precursor del Renacimiento, y, por tanto, en el verdadero iniciador de la pintura moderna, por varias razones: 1ª.- Es el primer artista conocido que diseña el conjunto antes, que concede importancia al boceto, algo muy importante sobre todo en la pintura al fresco. 2ª.- Además de pintor, Giotto era arquitecto y escultor, como los grandes artistas del Renacimiento: Leonardo o Miguel Ángel. Giotto no se limita a ser un simple artesano poseedor de un oficio, si no que aspira a ser un intelectual homo universalis que domina tanto la práctica como la teoría de las diversas artes. Estas novedades no serían posibles sin los cambios en la mentalidad de la época, en la consideración social del artista, en la aparición de nuevos mecenas, aspectos que en Italia son anteriores al resto de Europa, es el incipiente humanismo que apunta ya a mediados del S. XIV. CARACTERÍSTICAS: - Afán naturalista, rompe con los convencionalismos de influencia bizantina. Nada es rebuscado, todo tiene la sencillez de lo natural. Tiende a captar psicológicamente a los personajes, los individualiza, alejándose de todo bizantinismo. Naturalmente, esta individualización es relativa. No se trata de hacer retrato. - Primacía absoluta de la figura humana, tratada con gran monumentalidad, dota a las figuras de un volumen casi escultórico; es un precedente claro de Masaccio y éste de M. Ángel. Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 2

3 A menudo coloca algunos personajes de espaldas al espectador, para obtener el máximo efecto plástico. Giotto concibe el espacio como un escenario en el que se desenvuelve la acción, por si mismo no tiene valor, las figuras aisladas se unen para formar una composición, el fondo paisajístico y arquitectónico no interesa por si mismo, sino en cuanto es soporte de una escena. - Preocupación por representar la profundidad, busca esa tercera dimensión, valiéndose de la arquitectura, paisajes, monumentalidad,... aunque, a veces, aparezcan sus imágenes algo distorsionadas. (No olvidar que se trata de pintura al fresco). - Dominio del lenguaje de gestos, expresiones dramáticas, fuertes. Rostros de formas aplastadas, ojos muy rasgados y miradas penetrantes. La obra principal de Giotto, su obra de madurez, son los FRESCOS DE LA CAPILLA SCROVEGNI, en Padua. ( /13) El tema elegido por Giotto para la capilla es la Salvación. La obra presenta una clara unidad entre arquitectura y pintura, lo que nos lleva a pensar que Giotto podría ser también el autor o colaborador del proyecto arquitectónico. Las pinturas al fresco ocupan las paredes interiores del edificio, que a modo de grandes cuadros (en el que cada uno se desenvuelve una escena, es como una peregrinación en la que las figuras importantes sirven de guía) nos ofrece temas importantes: - Uno, dedicado a la Virgen (la capilla tiene carácter mariano), con temas alusivos a su vida como la visita de San Joaquín y Sta. Ana... - Otro tema, dedicado a Cristo, muestra su vida desde la infancia a Pentecostés en el que se incluye un Juicio Final. - Son 42 escenas de las que destaca: Llanto sobre Cristo muerto. A) CLASIFICACIÓN NOMBRE: Llanto por Cristo muerto AUTOR: Giotto CRONOLOGÍA: Siglo XIV LOCALIZACIÓN: Capilla Scrovegni. Padua (Italia) ESTILO: Gótico MATERIALES: Pintura al fresco Conocida también como la Capilla de la Arena, por encontrarse cerca del anfiteatro romano, el promotor de la obra fue Enrico Scrovegni, una de las grandes fortunas de Padua, quien hizo construir la capilla, de carácter funerario, como un medio de expiar sus pecados, ya que su fortuna Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 3

4 había sido amasada en buena parte, con la práctica de la usura (el propio Enrico aparece en la escena del Juicio Final ofreciendo a Cristo la maqueta de la construcción). La obra presenta una perfecta adecuación entre las pinturas y el marco arquitectónico lo que ha llevado a pensar que Giotto haya podido ser el autor del proyecto arquitectónico y no sólo de la decoración pictórica. Las pinturas al fresco ocupan completamente las paredes interiores del edificio con un amplio ciclo dedicado a la Virgen y otro a la vida de Cristo (desde su infancia hasta la Ascensión y la Pentecostés pasando por las escenas de la Pasión, con episodios tomados de los Apócrifos, como el Sueño de S. Joaquín o El Abrazo ante la Puerta Dorada). Todo ello se completa con un monumental Juicio Final situado, como es tradicional, en el muro occidental. En total son cuarenta y dos composiciones en las que se descubre lo mejor de Giotto y el porqué de su trascendencia en la historia de la pintura B) ICONOGRAFÍA Llanto sobre Cristo muerto: La Lamentación sobre el cuerpo de Cristo no se menciona en la Biblia, es un tema de origen bizantino inspirado en los ritos dramáticos del Threnos e introducido en Italia a finales del siglo XIII por Coppo di Marcovaldo. Giotto, que fue quien popularizó el tema, plantea una composición monumental en la que las masas de las figuras se distribuyen armoniosamente por la escena. El componente trágico aparece reflejado en los rostros y actitudes de los personajes cada uno de los cuales representa un diferente estado emocional ante la muerte de Cristo. Giotto se inspiró, como demuestra Panofsky, en un sarcófago romano con la tragedia de Meleagro. C) ANÁLISIS TÉCNICO Y ARTÍSTICO Giotto domina completamente el lenguaje de los gestos, las manos de sus figuras son más elocuentes que las palabras. En el gesto de desesperación de S. Juan (brazos abiertos hacia atrás) La preocupación de Giotto por la tridimensionalidad de la escena se plasma en la introducción del paisaje (todavía no demasiado real), en los escorzos de los querubines voladores y en la propia monumentalidad escultórica de las figuras con sus rotundos volúmenes resaltados por el fuerte claroscuro de las túnicas. Son característicos de Giotto los ojos, negros o castaños fuertemente rasgados que dotan de intensa emoción a sus figuras, recurso luego muy imitado por sus numerosos seguidores. Las escenas son tridimensionales gracias a la utilización del paisaje de fondo, la disposición de las figuras en diferentes planos, las lanzas y el uso de recursos que psicológicamente sugieren profundidad (figuras de espaldas en primer plano) y consiguen la sensación de tercera dimensión. Sus figuras son rotundas y volumétricas gracias a los fuertes efectos de claroscuro. Los gestos juegan un papel fundamental en la caracterización psicológica de los personajes y en general se puede decir que comienza aquí el camino de la pintura moderna en su intento de conseguir que el cuadro sea una "ventana abierta" a la realidad.- A) CLASIFICACIÓN NOMBRE: El beso de Judas AUTOR: Giotto CRONOLOGÍA: Siglo XIV (1303-5) LOCALIZACIÓN: Capilla Scrovegni. Padua (Italia) ESTILO: Gótico MATERIALES: Pintura al fresco Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 4

5 B) ICONOGRAFÍA El beso de Judas era la escena que centraba el registro inferior del muro sur de la capilla Scrovegni. Sabedor de la importancia del acontecimiento, Giotto le dio un lugar destacado en la capilla. La traición de Judas ocurre en el primer término de la composición. El resto de los personajes reflejan la confusión y el dramatismo de la escena. El núcleo argumental destaca por la tensión que reflejan los protagonistas: Judas rodea con su manto, de plasticidad y modelado de increíble tratamiento, y se acerca a Jesús para delatarlo con su beso, mientras éste permanece estático. Las dos figuras se miran fijamente, convirtiéndose este hecho en el que más claramente ilustra el contenido del episodio. A la izquierda, se presenta Pedro cortándole la oreja a Malco, mientras que fariseos y soldados con sus armas comienzan el enfrentamiento al fondo y a la derecha. En El Beso de Judas, Giotto organiza la emoción de toda la escena en torno a la imagen central, donde se encuentran el traidor y el traicionado. Los rostros tienen gran importancia, ya que a través de la expresión facial de los personajes expresa la emoción humana El dinamismo que presentan estos grupos, muy dependientes en su composición de la tradición gótica, contrasta vivamente con el momento contenido de delante. Estas acciones no son más que un reflejo del dramatismo y tensión argumental del primer término. Completar el comentario de este cuadro con: la vida del autor, la capilla Scrovegni, y el análisis técnico y artístico del cuadro de Llanto por Xto. Muerto III.- PINTURA FLAMENCA S. XV. Al final de la Edad Media, los Países Bajos viven una evolución distinta a la del resto de Europa, gracias a un floreciente comercio que dio lugar a la aparición de una nueva clase social: la burguesía, que será una nueva clientela para los artistas, y que con la aparición de la pintura de caballete (o cuadro de pequeño tamaño)difundirá las obras de arte y posibilitará la aparición de una temática nueva. La pintura flamenca, con antecedentes en el gótico lineal y sobre todo en el estilo internacional, se caracterizó por el empleo exclusivo de tabla, tanto en obras religiosas (trípticos, politrípticos) como en los retratos, atendiendo siempre a la cuidada representación de los rostros, objetos y telas, éstas pegadas de Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 5

6 modo anguloso como era lo convencional (a veces estos pequeños cuadros eran utilizados por los mercaderes flamencos para vender sus telas). Utilizan una especie de plumilla finísima para introducir los pequeños detalles. El alto grado de perfección no sería posible si desde el punto de vista técnico no se perfeccionaran, y aunque ya existe pintura al óleo en Flandes desde el S.XIV, es ahora cuando se va a utilizar mejorando el secado y utilizando los aceites adecuados: - Aceite de linaza y de nuez. El color se aplica por veladuras o capas de barniz, la pintura se hace transparente, de tal forma que se capta el aire o la luz. Antes de pintar, la tabla se prepara con una imprimación (capa de estuco o cola de animal), que se pule, quedando un soporte esmaltado, blanquísimo. Esta pintura tiene gran influencia en las miniaturas y se opone a los frescos monumentales y decorativos de Italia. CARACTERÍSTICAS GENERALES. El auge económico de la burguesía flamenca es uno de los factores que más influyó en su desarrollo. Es el resultado de la unión del gótico internacional con el sentido realista burgués. Es de un realismo extremo: - Agudo espíritu de observación. Copian la naturaleza sin idealizarla. Esta captación de la realidad es, tal vez, una de sus principales aportaciones. - Minuciosidad y detallismo en lo representado, tanto en la figura humana (rostros, manos etc.) como en los objetos (ropajes, flores, adornos etc.).es una pintura para ser vista de cerca. - Magistral interpretación de la calidad. Antinaturalismo y convencionalismos en la representación de los pliegues de los ropajes: angulosos y duros, como si fuesen de cartón piedra. Generalizan el uso del óleo. es su aportación técnica más importante y con él consiguen: - Efectos de transparencias y veladuras, al poder aplicar el color mediante capas sucesivas. - Dar mayor brillo a los objetos. - Mayor riqueza de colorido: más tonos y colores. - Reproducir hasta los más mínimos objetos. Crean el espacio pictórico mediante la difusión de la luz sobre los objetos y no por la ordenación de los distintos elementos, según las reglas geométricas de la perspectiva espacial. Temas: -Religiosos, situando la escena mediante ambientes de la vida ordinaria: interiores íntimos o amplios y paisajes luminosos. A veces, introducen detalles de alto contenido simbólico (esto lo defiende Panofsky) que no siempre podemos descifrar. -Profanos, pero con un sentido religioso. -Retrato: Cobra gran auge, pero por influencia de la burguesía. Captan todos los detalles del aspecto físico, incluso psicológicos...en ocasiones el retrato de los donantes se incluye dentro de cuadros religiosos. Obras: Principalmente Trípticos y Polípticos. Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 6

7 JAN VAN EYCK (CA ) Humberto y Jan Van Eyck son los creadores de la escuela flamenca, aunque nosotros nos centraremos en Jan principalmente, continuador de la obra de Humberto. En el Otoño de la Edad Media, los Países Bajos flamencos (Holanda y norte de Bélgica) viven una evolución distinta a la del resto de Europa. En Flandes, el desarrollo de las actividades mercantiles (Amsterdam era el centro del comercio mundial de paños) provoca la aparición de una pujante burguesía, una nueva clase social con suficiente poder económico como para permitirse el lujo de encargar obras de arte, pero con actitudes estéticas muy distintas a las de la nobleza o el clero, tradicionales patronos de la creación artística. La pintura flamenca es una pintura burguesa, intimista, una pintura que, sin abandonar la temática religiosa, introduce nuevas preocupaciones: un renovado interés por el retrato, el gusto por la exhibición de los interiores domésticos, los muebles y objetos que atestiguan el status social de sus poseedores. Una pintura que, sin abandonar el simbolismo medieval (ahora "disfrazado") se plantea los problemas de la representación tridimensional descubriendo por su cuenta la perspectiva matemática y la perspectiva aérea que serán los grandes logros del Renacimiento italiano. Los principales representantes de la escuela flamenca (Robert Campin, los hermanos Van Eyck, Roger Van der Weyden...) conocidos como los "primitivos flamencos", florecen en los últimos años del siglo XIV y los primeros del XV, coetáneos por tanto de la primera generación del Renacimiento italiano (Masaccio, Piero de la Francesca, Mantegna...). Sin embargo, a pesar de las novedades que supone en el terreno de la representación tridimensional y del realismo, su pintura sigue siendo medieval por su concepción simbólica y porque desconoce la temática clásica, el componente mitológico, fundamental en el Renacimiento. Los datos biográficos del principal representante de la escuela flamenca son escasos y confusos. Nacido hacia 1390, probablemente en la pequeña villa de Maaseik, su biografía y buena parte de su obra aparece entremezclada con la de su hermano mayor Hubert Van Eyck, con el que trabajó en el políptico de Gante (también conocido como Retablo del Cordero místico). Sabemos que estuvo al servicio del conde de Holanda y de Felipe el Bueno, duque de Borgoña, y que viajó en 1428 por España y Portugal. Desde 1432 vive en Brujas, donde fallecerá en 1441, pero sigue viajando en extrañas misiones por encargo del duque de Borgoña. No se sabe que finalidad tenían sus viajes pero se conservan comprobantes de pagos cuantiosos por parte del duque lo que ha llevado a más de uno a sospechar que ejerciera funciones de espía o embajador secreto. Su pintura, plena de un "simbolismo disfrazado", por usar la afortunada definición de Panofsky, supone la culminación de las características de la escuela flamenca que se había iniciado con el Maestro de Flemalle (identificado con Robert Campin). Van Eyck maneja como nadie la compleja simbología bajomedieval, pero la combina con una construcción rigurosa del espacio, un uso perspectivo del paisaje, el dominio del retrato y un virtuosismo técnico en la descripción de las calidades de la materia que lo sitúan entre los grandes de la historia de la pintura. Van Eyck utiliza la técnica del óleo de la que extrae todas sus posibilidades para lograr la representación plenamente realista de las cosas. Aunque no fue el inventor de la técnica, como se ha venido afirmando, sí fue el primero en comprender sus extraordinarias posibilidades. Solía firmar sus obras, dentro del cuadro o en el marco, por lo que conocemos bastantes obras seguras suyas y ello ha permitido, por comparación estilística, atribuirle otras que aparecen sin firma. Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 7

8 EL MATRIMONIO ARNOLFINI A) CLASIFICACIÓN NOMBRE: El matrimonio Arnolfini AUTOR: Jan Van Eyck CRONOLOGÍA: Siglo XV. (1434) LOCALIZACIÓN: National Gallery, Londres ESTILO: Gótico MATERIALES: Pintura al óleo sobre tabla B) ICONOGRAFÍA Se trata de un cuadro nupcial, encargado por Michele Arnolfini para conmemorar su boda. Los esposos aparecen retratados en pie, vestidos lujosamente como corresponde a su estatus social, dándose las manos mientras el esposo hace un gesto de bendición; es el gesto con el que se celebraba un matrimonio en la época, cuando todavía no era necesaria la presencia de un sacerdote. Sin embargo, Arnolfini sujeta a sus esposa con la mano izquierda, no con la derecha que sería lo normal, rasgo que se ha interpretado (Panofsky) como signo de desigualdad social lo que cuadraría perfectamente con el matrimonio de Michele, casado con una plebeya, Elisabeth, de la que se desconoce el apellido y su procedencia (para algunos el representado es su hermano Giovanni con su esposa Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 8

9 Giovanna Cenami. Los Arnorfini, originarios de Lucca (Italia), eran adinerados comerciantes de telas asentados en Brujas). La ceremonia nupcial transcurre en un confortable dormitorio burgués que Van Eyck representa con todo detalle y con su habitual maestría técnica, al fondo, en un espejo aparecen reflejadas dos personas, una el propio Van Eyck y la otra un personaje desconocido, que actúan como testigos de la ceremonia. Sobre el espejo, en la pared, aparece la firma de Jan pero una firma de notario, no de pintor Johannnes de Eyck fuit hic, (estuvo aquí, no lo hizo o lo pintó que sería lo normal). El "truco" del espejo que representa la realidad que está fuera del cuadro es un recurso típico de la pintura flamenca y será más tarde utilizado por Velázquez en Las Meninas. Aparentemente el cuadro es solamente un retrato nupcial, una "foto de boda" pero, diseminados por la habitación, aparecen una serie de objetos, frecuentes en una estancia burguesa pero a los que Van Eyck ha dotado de un carácter simbólico convirtiendo la tabla en una representación alegórica del matrimonio. Aunque es de día, y por tanto completamente innecesaria, una vela encendida luce en la magnífica lámpara de bronce que cuelga del techo de la habitación: es un símbolo de Cristo que santifica la unión matrimonial y se utilizaba en las ceremonias de casamiento, pero es también la llama del amor que nunca debe de apagarse. Las naranjas, que aparecen como por azar en el alféizar de la ventana que proporciona la luz a la habitación y al cuadro, son la fruta del paraíso, símbolo de los placeres del matrimonio. El perrillo a los pies de los esposos simboliza la fidelidad. Las zapatillas tiradas, los placeres de la vida hogareña. La figura de Sta. Margarita, protectora de los nacimientos, aparece tallada en la cabecera de la cama y con el "embarazo" ficticio de la señora Arnolfini alude a la procreación como finalidad del matrimonio. El espejo del fondo es un atributo de la virginidad. El "rosario" de cuentas que aparece colgado en la pared simboliza la castidad...alrededor del espejo diez medallones nos relatan las escenas de la Pasión de Xto, imitando esmaltes con un virtuosísimo inigualable No hay nada al azar en el cuadro y hasta el objeto más mínimo esconde un "simbolismo disfrazado" que aumenta el encanto de la obra. C) ANÁLISIS TÉCNICO Y ARTÍSTICO En el terreno estilístico, el cuadro es una excelente muestra del virtuosismo técnico de Van Eyck. Nadie como él es capaz de describir las calidades de los objetos: el metal de la lámpara, el terciopelo del traje de Elisabeth, las pieles de Arnolfini... todo aparece representado con un detallismo típicamente flamenco. Si a ello añadimos un sabio uso de la luz (hay dos focos, uno la ventana y otro frontal que ilumina los rostros de los esposos), una coherente construcción perspectiva y la habilidad para el retrato tenderemos los ingredientes para considerar al Matrimonio Arnolfini como una obra maestra. El cuadro fue adquirido, a finales del S. XV por el embajador de los Reyes Católicos en los Países Bajos quien lo regaló a la infanta Margarita de Austria, futura esposa del malogrado infante Juan, hijo de los Reyes Católicos. Llegó así a España donde estuvo -en El Escorial- hasta principios del XIX siendo robado por las tropas de Napoleón y acabando luego en los fondos de la National Gallery. Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 9

10 LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN A) CLASIFICACIÓN NOMBRE: La Virgen del Canciller Rolín AUTOR: Jan Van Eyck CRONOLOGÍA: Siglo XV LOCALIZACIÓN: Museo del Louvre, París ESTILO: Gótico DIMENSIONES: 66 X 62 CM MATERIALES: Pintura al óleo sobre tabla B) ICONOGRAFÍA El canciller Nicolás Rolin, "primer ministro" del ducado de Borgoña en la época de Felipe el Bueno, encarga a Jan Van Eyck este pequeño cuadro de devoción en el que se hace representar él mismo como donante, en oración recibiendo en su cámara la visita-aparición de la Virgen con el Niño, coronada como Reina por un ángel. El canciller, que maneja las riendas del gobierno de Borgoña, recibe la bendición del Niño que legitima su poder. Un cuadro de devoción mariana que lleva implícito un mensaje político autolaudatorio. Sorprende la relevancia que se otorga al canciller, situado de tú a tú con los personajes divinos pero Van Eyck subraya con el tratamiento de las figuras el carácter terrenal del Canciller, un soberbio retrato en el que el pintor demuestra sus dotes como retratista y las posibilidades del óleo, frente al carácter celestial de María a la que corresponde un tratamiento idealizado C) ANÁLISIS TÉCNICO Y ARTÍSTICO A pesar de sus pequeñas dimensiones el cuadro tiene carácter monumental por la profundidad que Van Eyck ha conseguido gracias al uso que hace de la perspectiva lineal o matemática (situando el punto de fuga en la pequeña isla que aparece en el río que puede verse a través de la ventana del fondo) combinada con la perspectiva aérea que le lleva a pintar la atmósfera en el paisaje del fondo, difuminando los contornos de los objetos que aparecen en la lejanía y azulando los tonos para conseguir la sensación de tercera dimensión. El interior de la estancia palaciega, la terraza, la ciudad y el río se enlazan en perfecta continuidad con una fórmula -la ventana al fondo, el cuadro dentro del cuadro- destinada a gozar de gran éxito posterior. El temperamento de miniaturista de Van Eyck aflora en el tratamiento minucioso y detallista que le lleva, por ejemplo, a representar en el capitel-friso del fondo escenas perfectamente legibles. Tampoco está ausente el "simbolismo disfrazado" típico del autor: la ciudad del fondo alude probablemente a la Jerusalén celeste y los pavos reales que aparecen el la terraza son, además de un signo de estatus, símbolos de la resurrección. BIBLIOGRAFÍA: La misma que en los temas anteriores, cambiando de volumen o de capítulo según el caso. Historia del Arte.-.Sofía Lanchas Pintura Gótica.-.Pág. 10