ENTREGA Nº2 CONCEPTOS BÁSICOS: Qué es el sonido? La Presión Sonora y el Nivel de Presión Sonora (NPS)... 2

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1 ENTREGA Nº2 Bienvenido a la primera entrega del Curso sobre Producción Musical dentro del género Hard Rock! En esta entrega hablaremos sobre los Conceptos Básicos desde los cuáles vamos a partir, y también la importancia de la Preproducción Musical y los pasos más importantes que se deben seguir a la hora de empezar a realizar tu producción. En esta entrega encontrarás: CONCEPTOS BÁSICOS: Qué es el sonido? La Presión Sonora y el Nivel de Presión Sonora (NPS) Qué es la Frecuencia y para qué sirve? El Rango Dinámico Melodía, Armonía, y Ritmo Qué es un Plugin?... 4 LA PRODUCCIÓN MUSICAL:... 4 Preproducción:... 5 Selección del tema:... 5 Arreglos musicales:... 6 Ensayos de Preproducción:... 8 Producto demostrativo o demo:... 8

2 CONCEPTOS BÁSICOS: 1. Qué es el sonido? El sonido es una vibración que se produce en un medio cualquiera. El sonido como casi siempre lo percibimos tiene como medio al aire, aunque también puede ser una vibración en el agua, en un metal, o cualquier otro medio. Cada vibración empuja un grupo de partículas que se mueven juntas recorriendo una distancia. Esta es la onda sonora. Dependiendo de cuántas veces se repita este fenómeno se escuchará un sonido u otro. En la siguiente imagen podremos ver como se mueve la onda sonora dentro de un tubo con aire. 2. La Presión Sonora y el Nivel de Presión Sonora (NPS) Cuando el medio en el que se produce el sonido es el aire sucede que las partículas comprimidas crean una mayor presión conforme se mueven. La presión se incrementa y disminuye conforme pasan distintos grupos de partículas, aunque esta variación es extremadamente pequeña. Debido a esto la unidad usual para la medición de cambios de presión, el Pascal (Pa), no es muy útil para evaluar estos cambios y por ellos se ideó una escala con base a una nueva unidad: el Decibel (db). Esta nueva escala es logarítmica, facilita el trabajo en acústica y nos da una idea más clara sobre la intensidad de un sonido, o Nivel de Presión Sonora (NPS). En el momento (a) el pistón que va a vibrar y por tanto empujar a las partículas está en reposo, así como el aire al interior del tubo. Luego, en un momento (b) el pistón vibra y se mueve, provocando el grupo de partículas que están junto al pistón se junten y se compriman. Finalmente, en los momentos (c), (d), y (e) podemos observar como las partículas comprimidas van recorriendo cada vez una mayor distancia dentro del tubo. Si miramos la imagen podremos notar que las variaciones en pascales son muy pequeñas, iniciando en el orden de las 5 cifras decimales. Por ello utilizar como referencia a los decibeles es más sencillo.

3 3. Qué es la Frecuencia y para qué sirve? La frecuencia es uno de los parámetros más usados en la acústica. Lo podremos encontrar en los manuales de micrófonos, instrumentos, consolas, etc. Pero qué es? Si representamos al sonido como una onda, la frecuencia viene a ser el número de veces en que se repite esta onda cada segundo, o lo que es lo mismo, las vibraciones en el aire por segundo. La unidad de medida de la frecuencia es el Hertz (Hz) y un Hertz equivale a una vibración cada segundo. Así, si hablamos de 20Hz se entiende como que hay 20 vibraciones por segundo. Una característica del sonido es que a mayor frecuencia percibimos al sonido como más agudo, y viceversa. Así, a frecuencias altas tenemos sonidos agudos, por ejemplo. Finalmente hay que decir que el ser humano escucha en promedio entre los 20Hz y los 20000Hz. grito en nada, o los tambores), o también indica la variación que puede soportar un determinado equipo (por ejemplo una mixer o un micrófono). 5. Melodía, Armonía, y Ritmo Estos son conceptos musicales importantes para el entender correctamente cómo se estructura la música. La Melodía es una combinación de notas tocadas una por una, de manera sucesiva. Por ejemplo cuando tarareamos una canción estamos haciendo una melodía, o cuando oímos una flauta tocar. 4. El Rango Dinámico Otro de los términos más usados en acústica es en rango Dinámico. El rango dinámico es la diferencia entre la mayor y la menor cantidad de decibeles alcanzados por una señal de audio, es decir entre el nivel mínimo y el máximo de dicha señal. Es muy útil para señalar instrumentos que varían mucho entre sus niveles mínimos y máximos (como es la voz humana que pasa del susurro al Una Armonía es, en cambio, una combinación de notas tocadas simultáneamente. Así, cuando tocamos más de una tecla a la vez en un piano lo que oímos es una armonía, o también cuando tocamos más de dos cuerdas simultáneamente en una guitarra.

4 El tercer y último concepto importante en los elementos de la música es el Ritmo. El ritmo viene a ser los golpes que se tienen a intervalos constantes y regulares dentro de una canción. Estos dan la pauta si se debe tocar rápido o lento un instrumento, indicando la duración de cada nota. La velocidad de una canción, por tanto qué tan rápido es su ritmo se llama tiempo o tempo. 6. Qué es un Plugin? Un plugin es un complemento de un programa informático que le da mayores funcionalidades de las que tenía dicho programa de por sí. Es decir, el plugin nos permite realizar una mayor cantidad de tareas de las que se podía sin él. Sin embargo, los plugins no son elementos autónomos, es decir que necesitan un programa que los aloje para poder funcionar. Dentro de la producción musical los plugins son especialmente importantes dado que permiten el uso de herramientas como efectos e instrumentos virtuales. LA PRODUCCIÓN MUSICAL: La producción musical viene a ser el proceso por el cual obtenemos una captura de la totalidad de una obra musical. Esta totalidad se entiende como la intensión del compositor, la interpretación de cada músico, el timbre, el tempo, el significado, etc. Por tanto, no solo busca lograr una grabación, sino la mejor grabación posible y para ello trabaja en cada etapa de este producto. Así, la producción empieza a hacerse desde la misma composición, arreglos, ensayos, grabación, etc. con el fin de lograr el mejor resultado dentro de las posibilidades reales de un medio. El productor viene a ser como un director de orquesta, administrando de manera adecuada los recursos tanto económicos, como humanos, y tecnológicos. Es por ello que se considera que el máximo responsable del éxito o el fracaso de una producción es el producto. La producción tiene 4 pasos: Preproducción, Producción, Mezcla, y Masterización. A estos dos últimos pasos se los suele agrupar en uno solo llamado Postproducción.

5 Preproducción: La preproducción es todo aquello que hagamos antes de empezar la grabación o producción. Aquí se seleccionan los temas a grabar, se desarrollan las ideas para cada canción, se hacen los arreglos, ensayos, y preparaciones previas a la grabación. lentas y en otras más rápidas. Esto puede funcionar incluso mejor si se usan las partes rápidas en partes que son más fuertes, por ejemplo. También se debe jugar con los silencios, pues el silencio también es un elemento muy importante en la música. Selección del tema: Para este paso debemos comenzar con la adecuada selección del tema que vamos a producir. No todas las composiciones son aptar para empezar una producción. Lo primero a buscar será una buena melodía, o motivo. El motivo es lo que en música se denomina a una de las estructuras básicas de una melodía, y suele ser principalmente rítmico. Si el motivo está bien elaborado la melodía será fácil de memorizar, y tendrá una coherencia. Caso contrario el tema no es fácil de memorizar y la canción puede no tener ningún impacto sobre la audiencia. En primer lugar nuestra canción debe ser cautivante, y permitir que el escucha se relacione con la canción. Esto implica que los motivos deben estar bien desarrollados, buscando que sean interesantes. Por ejemplo, una canción donde la voz siempre tenga un ritmo constante y demasiado similar puede llegar a ser muy aburrida. Se puede crear mucho más interés si se hace que en ciertas partes la voz cante notas En este ejemplo dentro del tema que se desarrolla en este curso podemos mirar que las notas tienen distinta duración, y también se usan silencios. De esta manera se hace más interesante para el escucha. Esto es muy importante pues es conocido que una canción tiene alrededor de 10 segundos para llamar la atención de la audiencia, caso contrario preferirán escuchar otra canción. Es importante combinar nuestra melodía con una buena letra, pues tanto la melodía como la letra es lo que por lo general recuerdan los oyentes. Una letra demasiado laberíntica y oscura puede ser poco atractiva para la mayoría de la audiencia. La estructura es muy importante, pues si no se desarrolla adecuadamente la canción se volverá tremendamente monótona, por muy buenos motivos que maneje. La estructura debe ayudar a resaltar partes de la canción, enfatizando los cambios entre las distintas partes. Por ejemplo, si una canción va a un coro debe haber algo en su estructura que nos diga que el coro está llegando (ya sea un cambio de armonía, melodía, ritmo, o de varios de estos elementos a la vez).

6 sobre su instrumentación, armonías, y melodías con el fin de lograr una sonoridad y género definido. El hacer arreglos es una herramienta poderosa y hace la diferencia entre el éxito y el fracaso. Así podemos ver que en el tema que estamos realizando la Estrofa tiene motivos distintos a los del Precoro, así como distintas armonías. Esto dará énfasis al cambio entre secciones. Generalmente este proceso necesita ser hecho una y otra vez, tantas veces como sean necesarias hasta lograr tener el mejor material para empezar la producción. En todo caso es muy importante analizar el público para el que vamos a realizar nuestra producción, de manera que entendamos que tipo de letras, melodías, y estructuras le gustan. Dentro del hard rock la forma común es: Intro A B C- A B Outro Donde A son las estrofas, B son los coros, y C es un solo. Sin embargo se puede jugar libremente sobre esta forma estándar. Por ejemplo podemos poner un coro luego del solo e ir al outro, o poner al solo en lugar del outro. También podemos crear nuevas partes como puentes, o precoros. Se puede experimentar con todo siempre y cuando ayude al tema a crecer y ser mejor. Arreglos musicales: Los arreglos son adiciones o cambios que se hacen en una canción o idea Uno de los principales recursos a la hora de hacer un arreglo es la instrumentación. Se debe procurar que no sea excesiva, cada elemento debe tener un espacio propio sin competir con los demás. Así, por ejemplo, si estamos en un solo de guitarra no es conveniente tener demasiados instrumentos tocando al mismo tiempo pues pueden hacer que el solo se vuelva inentendible o poco protagónico. En la orquestación también se trabaja sobre los matices. Estos comprenden tanto las dinámicas como la orquestación en sí. Las dinámicas son las distintas intensidades o volúmenes con las que los músicos interpretan distintos pasajes. Así, por ejemplo, en un coro todos los instrumentos sonarán con un mayor volumen que en una estrofa. Esto ayuda mucho al desarrollo de una canción. El trabajo sobre la orquestación, en cambio, nos ayuda a resaltar una parte u otra mediante la adición o sustracción de instrumentos. Usando el ejemplo anterior, un coro usualmente requiere más instrumentos que una estrofa. Otro recurso de gran importancia es la forma. No importa que la orquestación sea una obra de arte, si la forma del tema no es buena el producto final será malo. A pesar de que la forma es algo que ya tiene el tema de por sí, se pueden añadir partes como puentes o interludios, o realizar cambios sobre partes ya establecidas como estrofas y coros, o incluso eliminar partes que no

7 funcionen tan bien, todo para darle una buena fluidez a la canción. Finalmente los elementos, de acuerdo a su función, se pueden clasificar en: - Foundation: Es la sección rítmica base, y usualmente suelen ser el bajo y la batería. Sin embargo pueden ser otros instrumentos, con la condición de que están tocando el mismo patrón rítmico. distinto al de la batería, o incluso el bajo. Este elemento es muy útil para dar movimiento y emoción al tema. - Lead: Es la melodía principal. Comúnmente es un vocalista o un instrumento solista. - Pad: Suele ser una nota o acorde largo y sostenido. Los sintetizadores y cuerdas suelen ser instrumentos típicos de esta función, aunque también pueden realizarla otros instrumentos. - Fills: Son instrumentos que responden a la línea del lead, en los espacios que deja este. Pueden ser guitarras, o cuerdas por ejemplo. - Rhythm: Es cualquier instrumento que toca contra el foundation, es decir con otro patrón rítmico. Un ejemplo puede ser un shaker tocando a doble tiempo, o una guitarra rítmica que toca un patrón Antes de empezar a orquestar es muy útil decidir cuál será el rol de cada instrumento y enfocarlo desde ahí. Esto nos permitirá un trabajo más ordenado y rápido. Finalmente no hay que perder de vista la instrumentación típica del hard rock. Los instrumentos básicos de este género son la batería, el bajo, las guitarras, y la voz. Instrumentos opcionales que típicamente se usan en el género suelen ser los pianos o

8 teclados, las cuerdas, o incluso instrumentos de viento. Ensayos de Preproducción: Dentro de los pasos finales para lograr una buena preproducción están los ensayos. Aunque tu banda ya haya ensayado mucho se deben realizar ensayos que tienen como fin perfeccionar todo para hacer de la grabación el proceso más sencillo posible. Aquí se pulen y se rearman las canciones que se vayan a grabar y para ello es importante hacer énfasis en algunos puntos: - Todos los músicos durante un ensayo deben escucharse unos a otros. Esto es debido a que muchas veces, al momento de grabar, la banda recién empieza a darse cuenta de problemas que tuvieron cada uno de los miembros al momento de tocar, además que de esta manera la banda suena compacta, como un grupo, en lugar de músicos tocando cada cual por su lado. Esto es muy importante porque si la banda se siente como un solo grupo entonces la intención de la canción mejora muchísimo. Para logar que cada miembro de la banda se escuche a sí mismo y al resto sin problemas es recomendable que todos toquen en un volumen bajo, e ir subiendo la intensidad poco a poco, con cada ensayo. Así es mucho más sencillo corregir cualquier error en lugar de ir músico por músico escuchando. - Cuando se presente un problema lo ideal es que la banda se detenga en ese momento y corrija le problema o se resuelva el conflicto. Esto es muy importante pues si se sigue el ensayo sin haber corregido el problema la banda se acostumbra a tocarlo así, y es muy probable que durante la grabación se repita el mismo error. - Cuando un error sea muy difícil de resolver se puede bajar el tempo de la canción. De esta manera se reduce la complejidad del pasaje. Una vez que esté dominado se va subiendo el tempo hasta llegar al de la canción. - Finalmente muchas veces es muy útil empezar ensayando desde la parte que tenga el gancho de la canción, como el coro. Como esta parte generalmente es más pegajosa también es más sencilla de memorizar y por tanto que la banda entre en confianza. Producto demostrativo o demo: Hay que evitar confundir este primer demo con el resultado final que se va a obtener. El producto demostrativo o demo que se hace previo a la grabación consiste en una grabación sencilla, de la mejor calidad posible, pero cuyo fin es el detectar errores que se pueden haber escapado durante los ensayos. Con este fin el demo se realiza con un equipamiento sencillo, que puede ser desde una consola sencilla con salida de dos canales a un celular, siempre buscando grabar el mejor sonido posible

9 pero gastando lo menos posible. Después de escuchar las grabaciones se vuelve obvio qué errores se deben corregir y qué músicos deben trabajar más otros para lograr que la canción sea lo más fluida posible.