PINTURA BARROCA CURSO 2013/204 MADRID CARACTERÍSTICAS Recuperación de la realidad, en reacción contra el Manierismo. Buscan la realidad cargada de riqueza psicológica, de expresión de los contenidos anímicos. Nuevo tratamiento del espacio, implicando al espectador en la obra con engaños ópticos, figuras incompletas o movimientos que se prolongan fuera del lienzo. Representación de lo instantáneo, mediante el predominio de lo cromático y la imprecisión de los contornos. De esta forma, se acentúa la sensación de movimiento sorprendido en el tiempo. La pincelada barroca es siempre suelta y libre. La luz es un elemento fundamental que concreta la realidad sensible y contribuye a definir el espacio. Unas veces crea focos concretos de atención en la escena (Caravaggio), otras globaliza el conjunto. A veces, surge de las propias figuras (Rembrandt). Casi siempre tiene valor conceptual. Cuidadoso estudio de la composición. En la mayoría de los casos se optó por esquemas compositivos diagonales, ondulados, centrífugos; pero algunos autores también emplearon composiciones más ordenadas y simétricas. Hubo en la pintura barroca tres modos de reaccionar contra el Manierismo. Los tres buscaron la realidad, pero por diferentes caminos: el Naturalismo aceptándola tal cual es, el Clasicismo depurándola, y el Barroco decorativo magnificándola.
PINTURA BARROCA EN ITALIA a) Naturalismo Esta tendencia copia la realidad tal cual es, sin depurarla, aceptando todas sus imperfecciones. Se sirve con frecuencia del tenebrismo que consiste en destacar las figuras, iluminándolas violentamente sobre un fondo oscuro. La luz aísla las figuras y las modela. Es una luz determinada, intensa, contrastada y conceptual, es decir, que potencia el tema que el pintor quiere subrayar. El autor más importante, creador de la corriente, fue CARAVAGGIO. Su obra se caracteriza por: Pinta alla prima, sin dibujo preliminar. Los personajes son siempre seres reales e incluso vulgares. Fue un gran defensor de la verdad directa, lo que le trajo no pocos problemas con la Iglesia Católica, su mejor cliente. Suele adaptarse a esquemas compositivos sencillos. Caravaggio se formó en Milán, su tierra natal, donde había surgido a finales del s. XVI una escuela de pintura realista, como reacción al Manierismo. Allí se especializó en cuadros de flores y frutas, haciendo del bodegón un tema independiente. Empleaba una paleta de colores claros como vemos en Bacoo en el Cesto de frutas. Tras esta etapa, se establece en Roma donde comenzó a practicar el tenebrismo. Para la iglesia de San Luis de los Franceses, pintó una serie de san Mateo. De una de estas obras, San Mateo guiado por un ángel, tuvo que hacer una nueva versión al ser rechazado por la Iglesia, ya que la consideraron demasiado vulgar porque representaba al santo con los pies sucios. La obra maestra es La vocación de San Maç*teo. Para la iglesia de Santa María del Popolo, ejecutó dos grandes lienzos, La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo: el primero, con la composición en aspa; el segundo, circular. La muerte de la Virgen, fue una de sus últimas obras en Roma, ya que, debido a sus problemas con la justicia, tuvo que exiliarse. El realismo es tan directo que fue rechazada: había tomado como modelo el cadáver de una suicida ahogada en el Tíber. El estilo de Caravaggio encontró fecunda continuación en muchos artistas italianos, holandeses, franceses y españoles.
b) Clasicismo El clasicismo barroco nació en Italia a la par que el naturalismo y por idéntica reacción ante el Manierismo. En este caso, el objetivo era servir a un ambiente culto y refinado: el mundo universitario de Bolonia. La familia Carracci, principales representantes de esta tendencia, fundaron una Academia donde se enseñaba pintura y se iniciaba en las ciencias humanísticas. Los clasicistas depuran la realidad evitando lo que esta tiene de feo y desagradable, eliminan lo vulgar y se acercan a la belleza ideal del Renacimiento. Buscan el orden y la claridad compositiva. Sus temas son religiosos, paisajes con pequeñas figuras y, a menudo, mitológicos con significación moral. Aníbal Carracci, su máximo representante, realizó obras como El triunfo de Baco en la bóveda de la Galería Farnesio. Guido Reni pintó La Aurora c) Barroco decorativo Se desarrolló en la segunda mitad del XVII, centrándose en la decoración de grandes bóvedas y lienzos murales de iglesias y palacios. Son obras dotadas de un sentido escenográfico y teatral, sobre temas grandilocuentes, alegóricos o triunfales, que llaman la atención del espectador por su dinamismo y riqueza cromática. Las figuras escorzadas vuelan en un espacio figurado y abierto que parece horadar el edificio, engañando al espectador (trampantojo). El barroquismo decorativo enlaza con el pintor flamenco Rubens cuya grandilocuencia y dinamismo influyó mucho en esta corriente. Los principales representantes del barroco decorativo fueron Pietro de Cortona (bóveda del Palacio Barberini), el padre Pozzo que decoró la bóveda de la iglesia de San Ignacio y el napolitano Lucas Jordán, que trabajó en España.
PINTURA BARROCA EN FLANDES: RUBENS Las convulsiones que sufrieron los antiguos Países Bajos en la segunda mitad del siglo XVI dieron lugar a la división política, religiosa y artística. En consecuencia tenemos que hablar de dos escuelas pictóricas, una flamenca y otra holandesa. La región de Flandes formaba parte de la Corona de España. Era mayoritariamente católica, aristocrática y monárquica. En la pintura flamenca barroca se cultivan tres modalidades. Pintura de temática religiosa, al servicio de la Contrarreforma católica, que busca acercarse a los fieles a través de grandes composiciones teatrales. Pintura cortesana, al servicio del poder político. Los temas son el retrato, que resalta la apariencia externa, lo superficial; y los asuntos mitológicos, para decorar los palacios. Pintura popular, con naturalezas muertas (opulentas, auténticos monumentos a la gula), flores, paisajes y escenas de género populares y bulliciosas. La figura fundamental de la Escuela flamenca del XVII es PEDRO PABLO RUBENS. Hombre de sólida formación, creó una pintura de gran dinamismo, apta por igual para satisfacer el impulso triunfal de la Contrarreforma católica, con sus grandes lienzos de altar, como los deseos de pompa de los soberanos y príncipes europeos, con los retratos, las alegorías, y los temas mitológicos. Tuvo un éxito tan grande que en su taller había pintores especializados en paisajes, edificios, flores, etc. Los Archiduques gobernadores de Flandes le confiaron misiones diplomáticas, actividad que simultaneó con la pintura. Esto le permitió viajar a Italia, a España, a Inglaterra y a Francia, y contemplar las colecciones regias de cada estado, así como propagar sus formas barrocas y aumentar su fama. Características Exuberancia y dinamismo logrado con ritmos curvilíneos. Formas hercúleas y monumentales heredadas de Miguel Ángel. Amor al desnudo: nacarado y de carnes blandas y opulentas en las mujeres; broncíneos y musculosos los cuerpos masculinos. Colorido veneciano, sensual y cálido, tomado de Tiziano. Pinceladas largas y vibrantes sobre las que aplica pequeños toques sueltos, ricos en pasta. Composiciones espectaculares, basadas en diagonales ondulantes, con un movimiento que parece prolongarse más allá del límite del lienzo.
Obras Los retratos son aparatosos y superficiales. Destaca el retrato ecuestre del Duque de Lerma, de acusado dinamismo. Tema mitológico. En un paisaje que recuerda a la escuela veneciana, Las tres Gracias muestran sus cuerpos de carnes nacaradas, que se ondulan con elegancia. Dos de los personajes tienen los rostros de las dos esposas de Rubens, Isabel Brandt y Helena Fourment. El juicio de Paris es un encargo por Felipe IV en el que de nuevo aparece el rostro de Helena. Las luces, el paisaje, las ondulaciones y belleza de los cuerpos, todo está resuelto con una técnica libre y audaz. Tema religioso. La adoración de los Magos, uno de los cuadros más suntuosas del autor, en que articula la composición mediante una gran diagonal. El Descendimiento, de Amberes, es teatral pero realista y con gran unidad de conjunto. Pintura de género. La danza de aldeanos es un canto al dinamismo, con sus figuras rítmicamente trabadas. Rubens ejerció una gran influencia en el barroco decorativo, en la pintura romántica del XIX y en Renoir. Van Dick fue discípulo de Rubens y estuvo más tarde al servicio de la corte de Carlos I de Inglaterra. Destacó en el campo del retrato, que ejecutaba con formas elegantes y figuras alargadas y un tanto afectadas. El retrato de Carlos I, entonado en grises y platas, nos muestra un rey altivo y displicente; el de Sir Endimion Porter y el pintor presenta un juego de contrastes netamente barroco. Otros discípulos de Rubens se especializaron en pintura de género como Jordaens que se inclinó por lo popular y cotidiano en cuadros que rezuman alegría de vivir (El rey bebe), y Teniers, que reflejó el ambiente de las tabernas llegando incluso a representar personajes groseros. Cultivo la técnica del cuadro dentro del cuadro, como se observa en La galería del archiduque Guillermo de Bruselas.
PINTURA HOLANDESA BARROCA: REMBRANDT La pintura holandesa está relacionada con el auge de la burguesía, que impuso sus gustos y sus valores. El estado holandés era calvinista y, por eso, escasea la pintura religiosa, mientras que abundan los temas profanos en retratos individuales y colectivos, paisajes, cuadros de género y bodegones. Los holandeses optaron por el realismo y por un sentido puramente pictórico, concediendo gran importancia a la luz. Frans Hals destacó como retratista de primera fila. En esa especialidad cultivó, con soluciones nuevas y magistrales, los retratos de grupo, que los gremios y asociaciones encargaban para sus salas de reunión. En estos retratos colectivos coloca los personajes en una composición horizontal, sin destacar a ninguno de ellos, dando a todos la misma importancia y captándolos con un profundo estudio psicológico. Su pincelada es muy suelta, preimpresionista, y la luz hace resaltar los rostros. De sus pinceles salió el lienzo de Las regentes del asilo de Haarlem, que realizó siendo ya octogenario, con un impresionante estilo directo. La asombrosa fuerza expresiva de los rostros que pintaba Hals se manifiesta con más vigor, si cabe, en los retratos individuales como La gitanilla. El arte de REMBRANDT es la culminación de la pintura holandesa. Autor genial, abarcó todos los temas, siendo también uno de los mejores grabadores de todos los tiempos. Fue criticado por sus contemporáneos, debido a que su obra es anticonvencional y subjetiva. Características de su estilo Se inspira siempre en la realidad. Incluso en las escasas representaciones de tema religioso se despega de la belleza idealizada del clasicismo. Pincelada suelta y separada, contornos desdibujados, empastes densos en muchas zonas del cuadro. Suele mezclar distintos tipos de pincelada en una misma obra. La luz dorada es el elemento básico que resalta el tema y da valor al espacio. La luz es como un resplandor envolvente, que parece proceder del propio sujeto. Desde sus primeras obras Rembrandt se inclinó por un tipo de iluminación lateral, en diagonal. Capta la interioridad del ser humano, que pone de manifiesto en la intensidad de las miradas.
Obras. Podemos ver estas características en sus numerosos autorretratos, en los retratos individuales y, sobre todo, en sus retratos colectivos como Los síndicos de los pañeros, La lección de anatomía y LA RONDA DE NOCHE. La Ronda es un cuadro fundamental en la historia del Arte, por lo novedoso de la composición del retrato de grupo, por el maravilloso ejercicio de entonación cromática, por las calidades táctiles y por la magistral utilización de la luz para crear un espacio unitario y verosímil. También realizó pintura de género, temas como el buey desollado, temas bíblicos, de historia, etc. La pintura holandesa del barroco tuvo también grandes pintores de género, herederos de los primitivos flamencos. Es el caso de Jan Steen, cuyas escenas familiares ofrecen un cuadro fiel de la burguesía holandesa, en forma sugestiva y satírica. El maestro indiscutible de ese género es Vermeer. Vermeer de Delft refleja casi siempre ambientes domésticos, interiores de los ordenados y luminosos hogares de la ciudad de Delft. Poetiza la vida cotidiana inundándola de luz que resbala por las paredes y los objetos. Busca el detallismo y la minuciosidad (como en La lechera). Su espíritu intimista alcanzó también el paisaje con la Vista de Delft.