UNIDAD 21: EL ARTE CONTEMPORÁNEO EN ESPAÑA. Pintura: Pablo Ruiz Picasso (Málaga 1881, Mougins 1973) Introducción: Pablo Ruiz Picasso es la máxima figura del arte del siglo XX. La personalidad de Picasso desborda la escena pictórica, no sólo española, sino de toda la cultura occidental. Su obra señala un compromiso con los problemas de los hombres de la época en que vive el artista. Considerado un renovador incansable, es difícil encontrar una línea en la evolución de su arte, más perceptibles son las rupturas, incluso la apertura de fronteras nuevas en diferentes momentos. A pesar de las dificultades que ofrece cualquier intento de sistematización de su obra, no existe otro medio de acercamiento más clarificador que la exposición de las etapas de su producción, con el agravante de que Picasso, no es respetuoso ni siquiera con su propia obra, no abandona totalmente su conquistas y puede encontrarse un cuadro cubista o expresionista años después de haber ensayado otras fórmulas estéticas. Etapas: Época de aprendizaje: Su aprendizaje evidencia un ritmo vertiginoso. A los 14 años domina el dibujo y el color con la maestría de Rafael, como muestran los cuadros de este periodo que conserva el museo de Picasso de Barcelona. A los dieciséis pinta la tela Ciencia y caridad y a los diecinueve decora con veinticinco retratos los muros de la taberna barcelonesa Els Quatre Gats, en la que forman tertulia Nonell, Eugenio D Ors, Miguel Utrillo y el que será su íntimo amigo Sabartés;
A los 23 se establece definitivamente en París, donde ya había estado en tres ocasiones y se impregna primero del espíritu de Toulouse Lautrec y más tarde del fauvismo de Matisse. En estos dinámicos años juveniles encontramos ya en la vida y temática picassianas un humanismo del que no abdicará nunca apoyado en la intensidad de su trato y preocupación por el mundo de los humildes. En Barcelona vive en el barrio cercano al puerto, del que le atrae el ajetreo de los hombres sencillos. En París se instala en el Bateau Lavoir, en la vecindad de los cenáculos de pintores y filósofos y de los centros nocturnos. Le repele la vida contemplativa y prefiere el contacto con la sociedad. Repasando sus carteles de niño y adolescente llama la atención la insistencia en el tema de los mendigos y desvalidos, en algunos dibujos alcanza una intensidad dolorosa casi expresionista. La etapa azul: (1901-1904) En primavera de 1904, Picasso se instaló definitivamente en París, en el corazón de Montmarte. En 1901, la trágica muerte de su amigo Casagemas supone un cambio importante en su vida y en la forma de concebir su obra. A partir de este momento, se inicia el llamado periodo azul (1901-04) del que la obra la planchadora es un ejemplo genuino. El sentimiento patético domina su primer estilo personal de la época azul. El azul es interpretado como el color de la tristeza y la melancolía. En los retratos de 1896, uno de ellos totalmente compuesto con gamas azuladas, meditó sobre la capacidad simbolista de este color. Pero es definitivamente en París (entre 1901-1904), donde construye, mediante una monocromía azul elegida por su atmósfera calmante, su capacidad para resaltar la melodía de las líneas y su esencial simplicidad. El Picasso de los veinte años se ve acometido por la desesperación y contempla la vida desde un ángulo pesimista que le inclina a la denuncia de las miserias, mendigos y mujeres vencida por la vida, trágicos ciegos, figuras tristes de cabezas tronchadas, componen su iconografía.
El símbolo de este mundo melancólico será el circo ambulante, con sus juglares errantes, hambrientos y demacrados. Incluso las maternidades, como la del museo Picasso de Barcelona, de 1903, rehúyen cualquier connotación de alegre ternura para plasmar la inquietud por la salud o la alimentación del hijo. El dibujo es severo, los elementos del cuadro los imprescindibles; en las raras ocasiones en que el pintor prescinde del color, como en el estremecedor aguafuerte de la la comida frugal en el que el alargamiento anguloso de los brazos, manos cabezas, transparenta el influjo de el greco. A este periodo pertenecen obras como la celestina, la planchadora, la vida, los mendigos a orillas del mar y el viejo judío. Época rosa: (1905) Su estado depresivo mejoró y el suave color rosa con toques azul grisáceo dominó en sus cuadros de gran delicadeza. (Maternidad) Más que por una modificación del cromatismo se distingue por la evolución desde las formas angulosas escuálidas a las más graciosas y llenas y a los rostros que expresan una indiferencia sosegada; el dibujo se basa en la rapidez vívida de las líneas, en los resúmenes expresivos. Durante varios meses insiste en el tema de los arlequines, dotados de una romántica melancolía. Se interesó por los artistas ambulantes del circo a los que pinta con melancolía: saltimbanquis, el joven acróbata y niño muestran unas figuras tranquilas e indiferentes. Insistirá en el tema de los arlequines. Época negra o precubista: (1906-1907) En el año 1906 conoce a Matisse y su obra, que influye en el enriquecimiento de su paleta, pero sabe que sus mendigos azules y sus arlequines rosas carecen de la vivacidad cromática del gran maestro francés y no piensa que su camino esté en explorar la sensualidad del color, sino en la creación de un mundo de formas severas, independientes de la naturaleza. A ello es estimulado por una exposición que ve de escultura negra y por el estudio de los antiguos relieves ibéricos y el arte egipcio, que
se le revelan como formas de expresión con orígenes emotivos antes que intelectuales. Pasa el verano de 1906 en Gósol y comienza junto a la distorsión grequiana de algunas figuras la petrificación de los rostros y la esquematización arquitectónica de las figuras. Estaba naciendo el cubismo, cuyo manifiesto es las Chicas de la calle Aviñón iniciada en 1906 y terminada al año siguiente, obra que rompe con el arte amable de Matisse e introduce a la pintura en un mundo demoníaco y mágico. El título se refiere a un burdel de la calle D`Avinyó en Barcelona. Se trata de cinco mujeres desnudas en posturas inexplicables y con rostros desfigurados que recuerdan las máscaras africanas. En primer plano hay un sereno bodegón. Los cuerpos están geometrizados y pintados de rosa. Época de cubismo: (1908-1917) En las Chicas de la calle Avinyó al influjo de la escultura negra y del arte ibérico se añade el impacto de Cézanne, del que en 1907 se celebra una exposición conmemorativa. En las cabezas puede distinguirse una gradación creciente de la geometrización, pero no es todavía plenamente un cuadro cubista; una cristalización más acusada de las formas puede encontrarse en los paisajes de Horta de Ebro, del verano de 1909. En los años siguientes el cubismo se somete a una serie de ensayos y pasa por varios períodos; - Analítico, junto con su amigo braque desarrolló la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. Picasso pintó preferentemente instrumentos musicales, naturalezas muertas, paisajes y retratos como: o La fábrica de Horta de Ebro, o Retrato de Ambrosio Vollard. o El hombre del acordeón. - Transición al cubismo analítico: En 1912 introdujo la técnica del collage en: Naturaleza muerta, y Naturaleza muerta con silla de rejilla, iniciando la transición al cubismo sintético.
- Sintético, tras la ruptura de líneas del objeto del primer período se acentúa en el cubismo sintético el recelo del color y Picasso utiliza para las perspectivas la proyección de los planos y la transparencia; Etapa clásica: (1918-1924) La paz en los años posteriores a la primera guerra mundial, un viaje a Italia y el contacto con los ballets rusos, abren una etapa clásica. En este momento, coexisten en la obra de Picasso dos tendencias muy diferentes, un estilo cubista sintético, como en dos versiones de tres músicos del 1921, un óleo alegre y decorativo por su color brillante y cálido, y un estilo clásico basado en la línea y el modelado simplificado, a la manera de ingres, como en tres mujeres en primavera o madre e hijo, con figuras gigantescas y pétreas modeladas como esculturas. Desarrollò este estilo tras quedar impresionado por la escultura romana y giotto mientras estaba en Italia preparando decorados para el ballet ruso de diaghilev. Allí conoció a Olga Koklova, con quien se casó y tuvo a su hijo Pablo de quien realizó unos tiernos retratos. En Italia, Picasso contempla las obras de la Roma antigua, Pompeya, el Renacimiento. Es el momento creador de las máscaras en las que con un dibujo portentoso inmoviliza la expresión mientras se limita a apuntar las otras partes de la figura. En las danzas de los ballets rusos estudia la esencia del movimiento, que le inspira pinturas de ritmos agitados (tres bailarines 1925). Las metamorfosis (1924-1035) A partir de 1924 Picasso se ve influido por el surrealismo. Su pintura se puebla de monstruos y seres diabólicos, reflejo de sus preocupaciones por los problemas del mundo moderno. Su mujer sentada al borde el mar, de 1927, es una figura terrible y
amenazadora. Entre 1929 y 1931 realiza la serie de aguafuertes para las metamorfosis de Ovidio, con monstruos marinos de un expresionismo surrealista. En 1935 regresa a España y en los aguafuertes de la Tauromaquia se ve la influencia española del tema del toro y la corrida. Continúa con el tema del minotauro. A partir de 1925 la temática cambia y algunos tratadistas hablan de una fase surrealista, en efecto el pintor español muestra por entones una gran admiración por los escritos teóricos de Breton y por la obra de Miro y Tanguy. Pero en él, la representación de lo onírico no pasa de serán ensayo, un intermedio. Su Mujer sentada al borde del mar de 1929, coincide con el estallido de la gran depresión económica que se inicia en los Estados Unidos. Para Picasso, la pintura es un conjunto de signos y la metamorfosis o modificación de las formas el equivalente a una metáfora, un lenguaje con el que se exprésalas angustias de la época. Se desenvuelve esta de- formación dentro de los presupuestos del expresionismo, aunque en ningún momento se ate a una disciplina de escuela ni siquiera llegue a una relación personal con otros metros expresionistas. Hasta 1929 las metamorfosis basaban en curvas y elipses, desde ese momento la figura humana es una estructura de trazos angulosos y agudos de una violencia que refleja un espíritu atormentado. Etapa de la Guerra Civil Española: (1936-1939) Cuando estalla, Picasso toma partido por los republicanos. El dolor de la guerra se refleja en su pintura, dentro de los presupuestos del expresionismo, como mujer llorando, de trazos angulosos y violentos y colores ácidos. El dibujo destierra las curvas demasiado conciliadoras. Los volúmenes son quebrantados por coléricas deformaciones, y el monumental Guernica pintado por encargo del gobierno republicano español para la exposición de parís de 1937. El cuadro fue una denuncia contra la destrucción de la ciudad vasca de Guernica en abril de 1937 por los nazis y se ha convertido en símbolo del horror de la guerra civil y de todos los crímenes contra la humanidad del siglo xx. Es un mensaje de terror y resistencia, el Guernica combina formas y técnica cubistas, en una serie de planos quebrados blancos, negros y grises, con la simbología del surrealismo y las deformaciones expresionistas. Introduce motivos de la cultura española, como el terror, seguramente relacionado con el miedo
al minotauro con la materialización de lo irracional. Si el toro se identificación el fascismo, el caballo agonizante sugiere el tormento del pueblo español. La posguerra civil española y la la segunda guerra mundial (1940-1944) Hizo que se afiliara la partido comunista francés en 1944. Al terminar la guerra española, la Segunda Guerra Mundial sigue pidiendo a Picasso símbolos del sufrimiento. Gato y pájaro, de 1939, con el vientre del ave desgarrado por la poderosa dentadura y las zarpas del gato, se sitúa en ese nivel de queja, más intenso en el Cráneo de buey de 1942, ante una ventana cerrada, muerte soledad, desesperanza, cuadro en el que el dolor por la guerra se intensifica con la muerte reciente de su amigo, el escultor Julio González. La segunda postguerra (1945) Señala otro paréntesis de la tensión testimonial. Picasso llena las telas con bacones abiertos al azul del mediterráneo, con palomas o temas pastorales. Es la época de antibes, los cráneos y las cabezas de toro son sustituidos por fabulas alegres. Después de 1945 se instaló en el sur de Francia y su pintura se volvió más alegre y optimista, realizando muchos retratos y obras pacifistas como la paloma. En los años cincuenta, La guerra de Corea inicia una nueva fase expresionista. Matanza en Corea, se continua en los años sesenta con la extraordinaria serie de Las Meninas contrapunto de las concepciones espaciales y humanísticas de Velázquez, da diferencia del siglo XVII ni el espacio es lo que la vista contempla ni los seres humanos son por dentro como un rostro correcto pudiera sugerir. Hizo obras de denuncia como masacre en Corea, de 1951, inspirada en Goya. En los últimos años Picasso cultiva con intensidad los grabados y las cerámicas en las que puede fundir animales formas geométricas y desde el cubismo al expresionismo e intenta en alguna figura de niño resumir la dualidad de la existencia. El dolor y la alegría, la desesperación y la esperanza.
Su visión del arte fue muy personal y libre, cambiando de estilo con frecuencia y mostrando complejas interconexiones de ideas e invenciones. Se dedicó a la interpretación personal de obras de los grandes pintores, como Delacroix (/mujeres e argel) Courbet y especialmente de las meninas de Velázquez. En su vejez siguió manteniendo una extraordinaria actividad. Picasso no ha tenido discípulos pero ha ejercido una enorme influencia sobre los pintores contemporáneos. Otras figuras de talla universal destacan sobre el inmenso y rico panorama y creador plástico de la España del siglo XX. Nombres como Juan Gris, Miró, Dalí, Tapies o Antonio López, encabezan y deciden movimientos plásticos definidores del rápido transcurrir del pensamiento y sensibilidad de la sociedad de este siglo.
Joan Miró (1893-1983) Es uno de los mejores pintores de este siglo. Su obra inicial, esencialmente mediterránea, está llena de luz, sencillez y alegría. Después de breves escarceos en el cubismo y en el dadaísmo termina por encontrar en París, tras profunda crisis interior, su verdadero camino en una línea imaginativa, surrealista y tremendamente lírica que nunca abandonará. Joan Miró será el máximo representante de la corriente antiobjetiva o poética del surrealismo. Su pintura, estaba llena de fantasía, alegre, lúdica, lírica (el cielo, las estrellas, la música ) su estilo se hizo cada vez más simple y personal, con formas biomorficas dibujadas de manera infantil, como modo de liberación. Empleó el automatismo psíquico en pintura, pintando de forma intuitiva y dando rienda suelta al subconsciente del artista al prescindir de la guía de la razón. Se caracteriza por sus líneas y formas que reproducen signos e ideogramas y sus colores puros y tintas planas que recrea una atmósfera onírica y mágica. De la primera época, altamente incisiva, data su Carnaval del Arlequín. Poco después muestra sus primeras esculturas- objeto, y después de iniciarse en la litografía pinta grandes mosaicos murales y decoraciones teatrales. Su Tierra labrada es el enunciado de su programa vital. En 1924 se relaciona con Breton y los surrealistas, lo que termina por reafirmar su cauce de acción irreal, infantilmente onírico. El mismo Breton dice de su surrealismo visceral, genuino Miro es probablemente el más surrealista de todos nosotros. En 1950 hace los mosaicos murales del palacio de la UNESCO en parís. Desde 1956, reside en palma de Mallorca, donde continúa su labor, principalmente de litografías y aguafuertes. Su última fase, terriblemente sintética, reduce la expresión a una sola línea desarrollada sobre un color único.
La obra de miró con todo, se resiste a la clasificación; su pintura fresca, irreal, y por encima de todo, inocente produce la inexplicable fascinación de haber encontrado el descanso, la alegría, el sortilegio hecho luna, pájaro o niño.
Salvador Dalí (1904-1989) Es junto con Picasso y miró, uno de los más universales y debatidos pintores españoles del siglo xx. Salvador Dalí ha sido el más genial provocador del público, con sus dichos, en ocasiones prodigio de automatismo irracional, y con sus escritos, como en Vida secreta de Salvador Dalí donde establece el método del análisis paranoico crítico. Inconformista radical se marchará pronto de la escuela de bellas artes de Madrid por juzgar incompetentes a sus profesores y en parís se alistará a la tendencia surrealista a partir de 1929. Aunque su actitud megalómana y provocadora, así como su desmedido amor al dinero, escandalizó a los surrealistas, que lo expulsaron del grupo en 1933. Otro motivo de alejamiento fue la simpatía que mostró al bando franquista durante la guerra civil española. Las características de su obra se pueden resumir en dos líneas maestras: surrealismo y provocación. Su obra siempre inquietante, esta con frecuencia muy próxima al lenguaje oral poético, y a veces, narrativo- cinematográfico. Hay un intento de romper los valores espaciales característicos de la pintura y adentrarse en los temporales más propios de la literatura. Lo más auténtico del arte daliniano debe buscarse en sus alucinantes perspectivas de premoniciones de la guerra civil o tentaciones de san Antonio con una concepción de los espacios vacíos similar a la de su famoso cristo y a la de la asunción. Utilizo el método paranoico crítico, sustituyendo la pasividad de la pintura automática por la representación de imágenes oníricas seleccionadas subjetivamente y pintadas de manera realista. En sus lienzos dio realidad a sus delirios y obsesiones, aplicando el método paranoico- crítico de su invención. El estilo de su pintura se caracteriza por la excepcionalidad de sus cualidades plásticas. Su dibujo académico, de gran exactitud y su realismo fotográfico se deja
intencionadamente influir por el renacimiento y el barroco y sus espacios desiertos recuerdan las influencias de chirico. La distorsión, descomposición y alargamiento de las figuras resultan inquietantes y ofrecen un dramatismo extraordinario. Introdujo elementos tales como relojes y formas blandas, formas fálicas, insectos, huesos, etc., de claras connotaciones sexuales Además esta la luz, esa luz clara, transparente y limpia que caracteriza su obra y que Josep Pla ha señalado como la del alto ampurdam en el que vivió su infancia y adolescencia, y que acabo instalándose definitivamente en su obra. Desde los años cincuenta pintó obras que combinaban el surrealismo y el academicismo y que influyeron en el hiperrealismo. ya en trabajos iniciales, como muchacha en la ventana, de 1925, donde la concreción del dibujo, de la composición y del color hace pensar en una obra clásica, sorprende su intento de ruptura con los convencionalismos usuales al situar a la muchacha vuelta de espaldas al espectador. Su primera etapa surrealista es furiosa y acida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca como en la la persistencia de la memoria de 1931, en el ángelus arquitectónico de 1933, en la premonición de la guerra civil, de 1936 o en el simulacro transparente de la falsa imagen de 1938. En los años 40 se instaló en estados unidos y a partir de entonces, su pintura se volvió más conservadora. Se tornara grandiosamente barroco y sus obras leda atómica o el cristo de san juan de la cruz estarán imbuidas de un sentido del espacio y de la composición más clásico, pero siempre inquietante. Sus últimas obras tienen, a veces carácter histórico como el sueño de Cristóbal colon de 1959, y otras rinden tributo al arte pompier del siglo pasado, como la pesca del atún, posiciones, ambas, radicalmente opuestas a las corrientes contemporáneas. Dalí abandona, prácticamente, la pintura en 1982, al morir su musa y compañera gala eluard.
ESCULTURA: GARGALLO PABLO, Maella 1881 - Reus 1934 Su educación discurre en Barcelona. Su primer maestro fue Eusebio Arnau, uno de los artistas más destacados de su tiempo. Antes de cumplir los veinte años se inscribe en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja, donde Venancio Vallmitjana es su profesor de escultura. Fuera de las clases, canaliza sus inquietudes culturales en el café "Els Quatre Gats", donde conoce a Nonell, Canals y Picasso. En un primer momento sigue las pautas del realismo. A comienzos de siglo, se instala en parís durante un año gracias a una beca que le otorga la escuela de bellas artes. la obra de Rodin le causa gran impresión por aquel entonces. En la ciudad de las luces entra en contacto con Max Jacob. Su estancia en la capital gala provoca un giro en su arte, que se decanta por las formas del Cubismo. Estando en Madrid trabajó como medallista al igual que Querol. Por esta época otro de los trabajos que le asignan es la realización de las esculturas que decoran el hospital de Sant Pau i Santa Creu de Barcelona. En 1907 vuelve a parís y experimenta por primera vez con el metal recortado en la ejecución de una obra que titula pequeña máscara con mechón. Desde entonces esta técnica se convierte en una referencia constante en su obra. Cinco años después regresa a París y vuelve a encontrarse con Picasso, además de entrar en contacto con otros autores como Manolo Hugué, Gris y Apollinaire, entre otros. En estos años, debido a sus problemas de salud realiza obras de formato pequeño como joyas. Además de su labor como escultor, llevó su arte a las aulas. Sin embargo, en 1923 abandona su faceta docente al secundar a unos profesores que habían sido despedidos. Desde entonces su actividad artística es prolífica. El uso del metal fue fundamental en su obra, así como la concepción del espacio. En este sentido, evita los volúmenes, y se decanta por los huecos, al igual que por las formas cóncavas. La iluminación adquiere un sentido especial en su obra. de Julio González aprendió la
técnica de la soldadura autógena. Zaragoza cuenta con uno de los mejores exponentes de su obra: el museo de pablo gargallo, abierto en 1985. Entre sus obras destacan la gran bailarina y el profeta Gargallo descubre primero en las chapas de hierro su configuración geométrica, pero pronto llega a aprovechar los espacios vacíos y a dotarlos de fuerza, lo mismo que a las aristas. el profeta su obra más conocida, ofrece formas cubistas pero se mueve dentro de los presupuestos espirituales del expresionismo. La potencia sugeridora de Gargallo es admirable; las obras de los años veinte enseñan los músculos en los huecos, los rasgos del rostro en las aristas el volumen por medio de placas curvadas. EN manos del escultor aragonés el espacio atrapado por los planos y las varillas de hierro se convierte en un elemento expresivo de primer orden, dando lugar a una obra de amplios registros que abarca tanto la gracilidad de su bailarinas y arlequines como la intensa gravedad del el profeta sin olvidad su espléndida serie de retratos. Si la sustitución de la masa pro el vacío constituye la más violenta ruptura con el concepto tradicional de la escultura, también se debe a los escultores cubistas la ampliación sin límites de los materiales a utilizar. La madera, el hierro, la chapa metálica, el cartón, la superficie de cristal, sustituyen al bronce y mármol tradicionales.
Chillida, Eduardo San Sebastián, 10 de enero de 1924 San Sebastián, 19 de agosto de 2002 Inicia estudios de arquitectura que no acabará nunca. En 1948 viaja a París, donde entabla amistad con Pablo Palazuelo. En 1950 vuelve a San Sebastián, al año siguiente se instala en Villaines-Sous-Bois, un pueblo francés. En 1952 se instala definitivamente en España. Se autocalifica como arquitecto del vacío. Su obra se inspira en la naturaleza. El igual que Gargallo y Julio González, emplea el hierro forjado, aunque utiliza también otros materiales como madera, granito, hormigón e incluso alabastro. Fiel admirador de la escultura de Brancusi; se ha señalado que su obra se mueve entre las influencias del arcaísmo griego y de la escultura contemporánea de Henry Moore. Junto a Jorge Oteiza es el escultor vasco más destacado del siglo XX. Asumió ciertos aspectos neoconstructivistas cercanos al Mínimal. Sin embargo, el carácter manual de sus piezas les aleja de la estética industrial de los estadounidenses. Aparte del hierro, Chillida, uno de los escultores más importantes del momento, ha trabajado también con maestría el hormigón, la madera y el alabastro.