El alumno deberá elegir una de las dos opciones que se le proponen, A o B. OPCIÓN A 1. Lámina 1 (hasta 4 puntos). / Lámina 1 (ata 4 puntos): Clasifica esta obra situándola en el tiempo y en el espacio, indicando sus autores (hasta 1 punto) / Clasifica esta obra situándoa no tempo e no espacio, indicando os seus autores (ata 1 punto). Analiza tipológicamente este edificio (hasta 1 punto). / Analiza tipolóxicamente este edificio (ata 1 punto). Señala sus características formales y espaciales (hasta 1 punto) / Sinala as suas características formais e espaciais (ata 1 punto). 2. Lámina 2 (hasta 4 puntos) / Lámina 1 (ata 4 puntos): Clasifica esta obra situándola en el tiempo y en el espacio, indicando sus autores (hasta 1 punto) / Clasifica esta obra situándoa no tempo e no espacio, indicando os seus autores (ata 1 punto). Estúdiala iconográfica y formalmente (hasta 2 puntos) / Estúdiaa iconográfica e formalmente (ata 2 puntos). 3. Definiciones (hasta 0,50 por cada una) / Definicións (ata 0,50 por cada unha). a) Señala las partes de un templo griego. / Sinala as partes de un templo grego. b) Qué es una dovela? / Qué é unha dovela? c) A qué llamamos bóveda de crucería? / A qué chamamos bóveda de crucería? d) Qué entiendes por imprimación en una pintura? / Qué entendes por imprimación nunha pintura? OPCIÓN B 1. Lámina 1 (hasta 4 puntos). / Lámina 1 (ata 4 puntos): Armadura. Sitúa la obra en el tiempo y en el espacio (hasta 1 punto) / Sitúa la obra no tempo e no espacio (ata 1 punto). Señala sus características formales y espaciales (hasta 1 punto) / Sinala as suas características formais e espaciais (ata 1 punto). 2. Lámina 2 (hasta 4 puntos) / Lámina 1 (ata 4 puntos): Clasifica esta obra situándola en el tiempo y en el espacio, indicando su autor (hasta 1 punto) / Clasifica esta obra situándoa no tempo e no espacio, indicando o seu autor (ata 1 punto).
Estúdiala temática y formalmente (hasta 2 puntos) / Estúdiaa temática e formalmente (ata 2 puntos). 3. Definiciones (hasta 0,50 por cada una) / Definicións (ata 0,50 por cada unha). a) Qué entendemos por curva praxiteliana? / Qué entendemos por curva praxiteliana? b) En qué estilo artístico situarías a Caravaggio? / En qué estilo artístico situarías t i a Caravaggio? c) A qué llamamos perspectiva jerárquica? / A qué chamamos perspectiva jerárquica? d) Qué es el modelado? / Qué é o modelado? OPCIÓN A Lámina 1 Lámina 2
OPCIÓN B Lámina 1 Lámina 2
SOLUCIÓN OPCIÓN B 1. Lámina 1. Virgen del canciller Rolin, obra de Jan Van Eyck. La Virgen del canciller Rolin fue pintada en 1435 por Jan Van Eyck, una de los más celebres artistas de la pintura gótica flamenca del siglo XV. Jan y su hermano Huberto Van Eyck éste último muerto muy joven en 1426- están considerados como los creadores de la escuela flamenca. Jan Van Eyck fue el pintor oficial de Felipe el Bueno, duque de Borgoña, de quien dependía políticamente Flandes en esta época. A comienzos del siglo XV, Flandes era una región dependiente desde el punto de vista político del duque de Borgoña y que había alcanzado un enorme auge económico, gracias al desarrollo de la artesanía y del comercio. Flandes constituía uno de los focos mercantiles más importantes del momento, donde se daban cita algunos de los mercaderes más prestigiosos y ricos. En estas circunstancias, se configuró una nutrida y rica burguesía, interesada también por el arte y, sobre todo, por verse retratada por los más célebres artistas. El esplendor económico de Flandes coincidió con un importante desarrollo artístico, materializado en la consolidación de la llamada escuela flamenca de pintura. El estilo arranca de las formas del Gótico internacional de los maestros que trabajaron en las cortes de los duques de Berry y Borgoña, respectivamente, y se desarrolló al tiempo que en Italia surgía el Renacimiento. La Virgen del canciller Rolin fue realizada por Jan Van Eyck en 1435. Se trata de una pintura al óleo en la que figuran en primer término la Virgen con el Niño sentada ante un devoto, en este caso el canciller Rolin, donante de la obra, que había sido nombrado canciller por Felipe el Bueno, duque de Borgoña, en 1422. Mientras el Niño bendice al canciller, un ángel corona a la Virgen, envuelta en un amplio manto rojo, cuyo excelente y cuidado trabajo permite captar las calidades táctiles del mismo. En el cuadro pueden observarse las principales características de la pintura flamenca de este momento. En primer lugar, la técnica del óleo, que constituye una de las grandes aportaciones de estos artistas. El empleo del aceite como aglutinante de los colores permitió enriquecer la gama cromática mediante la veladura (superposición de dos colores). El color adquirió mayor viveza y los tonos se hicieron más brillantes. Pero, sobre todo, la técnica del óleo permitió la minuciosidad en los cuadros, uno de los rasgos más sobresalientes de esta escuela. El detallismo y el interés por todo que presentan los artistas flamencos no sólo se demuestra en la recreación del ambiente sobre el que se sitúan los personajes sino también en los excelentes retratos. El fondo de este cuadro es un paisaje de extremada minuciosidad que se observa a través de una arcada románica compuesta por tres arcos de medio punto sobre columnas perfectamente trabajadas. El paisaje corresponde a una ciudad, probablemente alguna visitada por el canciller en sus viajes, en la que pueden apreciarse los más mínimos detalles arquitectónicos y paisajísticos. Por otra parte, llama la atención la fidelidad en los rasgos del donante, representado como un hombre impregnado de seriedad. Es curioso observar cómo el autor dota al realismo de un cierto carácter simbólico, conseguido tanto por algunos detalles u objetos secundarios (el ángel coronado a la Virgen, por ejemplo) como por el tratamiento del color y el uso de la luz que impregna la escena. La luz del atardecer entra por el amplio ventanal y envuelve la habitación con un cierto idealismo poético. Es importante destacar la habilidad de Van Eyck para transmitir las calidades táctiles, tanto en los ropajes como en las formas arquitectónicas que incorpora, y para obtener un armonioso contraste entre la inmutabilidad facial que parecen tener la Virgen y el Niño, símbolo de lo religioso y
sobrenatural, y el realismo y fidelidad de los rasgos físicos del canciller, en los que se pueden apreciar incluso las arrugas de la piel. El artista manifiesta también un interés por el estudio de la perspectiva, que consigue a través de la composición: los personajes centrales en primer plano y el paisaje que se observa a través del ventanal en último término. La obra constituye, su duda, una excelente muestra de la pintura flamenca del siglo XV, que tanta influencia tuvo en la pintura española. 2. Lámina 2. Las señoritas de Avignon, obra de Pablo Picasso. Este cuadro fue pintado por Picasso en 1907. Picasso está considerado el fundador del cubismo, junto con Braque. Se trasladó a París en 1900, donde atravesó unos años de carencia económica, que quedaron reflejados en sus obras de la denominada Época azul. Picasso representó el hambre y la soledad, con características de la temática expresionista, estilizadas figuras de tristes rostros y tonos fríos que exageraban la sensación de tristeza y desamparo. En 1905 su pintura dio paso a la denominada Época rosa, en la que Picasso cambia las tonalidades de sus obras y se centra en personajes relacionados con el circo. Sin embargo, el gran salto en su trayectoria pictórica se produce en 1907, cuando realiza Las señoritas de Avignon. El Cubismo forma parte del conjunto de vanguardias que se desarrollaron en Europa en la primera mitad del siglo XX. Entre 1900 y 1914, fecha del comienzo de la Primera Guerra Mundial, se produjeron una serie de transformaciones que impactaron también en la concepción artística. El arte terminó con el espacio monofocal que había estado vigente desde el Renacimiento y dio origen a diversos movimientos sucesivos, las denominadas vanguardias, que rompieron con el arte académico y que chocaron, por su radicalismo, con la estética tradicional. En este cambio intervinieron varios factores. La aparición y divulgación de la fotografía, así como el desarrollo del cine, provocaron el desinterés de los artistas por la representación realista de los objetos y el deseo de buscar nuevas forman estéticas, que abrieran caminos innovadores para representar la realidad. En este sentido, los avances científicos y técnicos que tuvieron lugar durante el primer tercio del siglo XX pusieron de manifiesto un universo desconocido e indujeron a los artistas a introducirse en el campo de la experimentación permanente. En estos años, Freud empleó la hipnosis para tratar las enfermedades mentales, método que sustituyó posteriormente por el psicoanálisis. En 1900, publicó La interpretación de los sueños, que suponía la entrada en el desconocido mundo del inconsciente. Por la misma época se desarrollaron las investigaciones de Einstein, cuyo resultado principal fue la exposición de una nueva teoría de la gravitación. Estos avances, entre otros, configuraron un nuevo concepto de realidad, transmitido también al arte, y basado en el convencimiento de que la realidad, el mundo, no era exclusivamente aquello que los sentidos percibían. Por otra parte, los primeros años del siglo XX coincidieron con el auge del imperialismo de las grandes potencias, que acabó llevando al enfrentamiento entre ellas y al estallido de la Gran Guerra de 1914. Desde el punto de vista cultural, las metrópolis volvieron sus ojos hacia las colonias y los artistas comenzaron a fijarse en otras culturas no europeas que tenían sistemas de representación de la realidad diferentes. De hecho, la escultura negra africana tuvo una clara influencia en el desarrollo del Cubismo. La evolución de este movimiento atravesó por distintas fases. En sus primeros pasos, el Cubismo de estilo cezanniano se propuso la descomposición matemática y la reducción de las figuras a formas geométricas. Entre 1910 y 1912, se desarrolló el Cubismo analítico, en el que los puntos de vista se
multiplicaron. Finalmente, el cubismo sintético, puesto en práctica hasta 1914, delimitó y simplificó los planos y concedió un mayor contraste a los colores. La obra que nos ocupa representa a las mujeres desnudas de un prostíbulo de la calle Avinyó, en Barcelona. Se aprecia la construcción de la escena a base de planos quebrados, como si fuera un relieve. El espacio se organiza siguiendo una trama geométrica, que resalta la idea de simultaneidad y la supresión del punto de vista único. El espectador no se limita a observar la obra para percibir su belleza, sino que debe hacer un esfuerzo intelectual para captar los rasgos esenciales el objeto. Esto es consecuencia de la actitud de estos artistas, que pretendían hacer algo más que registrar datos que pudieran ser percibidos por los sentidos. El objetivo es desprender a las formas de lo meramente accidental y poner su atención en la pureza geométrica. Desaparece también la sensación de profundidad espacial, pero la obra adquiere, en cambio, una profunda sensación de volumen. Se observa la descomposición de la realidad en distintos planos. La gama cromática es reducida y apagada, como será característico en la pintura cubista. El dibujo conserva gran fuerza expresiva y parece haber cierta inspiración del artista en las obras de Cézanne y Matisse, en las máscaras africanas y en la escultura ibérica. 3. Definiciones a) Curva praxiteliana: Praxíteles fue uno de los grandes escultores de la Grecia Clásica. Acentuó las curvas en sus obras, apoyando el peso del cuerpo sobre una pierna y creando así la denominada curva praxiteliana. Obras suyas son el Hermes con el niño Dionisio o el desnudo de la Afrodita de Cnido. b) Caravaggio: se trata de uno de los máximos representantes de la pintura barroca. Se inspiró siempre en la realidad, sin someter a sus modelos a ningún proceso de idealización, y fue el introductor del tenebrismo, una técnica que consiste en presentar a los objetos y figuras sobre un fondo oscuro y destacarlos con una iluminación violenta y directa. c) Perspectiva jerárquica: Es aquella perspectiva en la que el tamaño de los personajes viene determinado por su importancia, según el criterio de a mayor importancia, mayor tamaño. d) Modelado: Es una técnica que consiste en dar forma artística a un bloque o pieza de barro, cera o cualquier otro tipo de material blando.