orquesta de cámara del conservatorio superior de música de aragón «camerata aragón»

XIVTEMPORADA DEGRANDESCONCIERTOS 2008/2009 lunes, 15 de diciembre de 2008 20,15 horas orquesta de cámara del conservatorio superior de música de aragón «camerata aragón» Rolando Prusak director/concertino Stefano Canuti fagot Wenzel Fuchs clarinete

orquesta de cámara del conservatorio superior de música de aragón «camerata aragón» El Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA) es el resultado de la decidida apuesta del Gobierno de Aragón por el Conservatorio Superior, que en el año 2002 supuso el inicio de un nuevo proyecto realmente ambicioso e innovador. La orientación del CSMA es, desde entonces, marcadamente instrumental: tiene como objetivo prioritario la formación de instrumentistas y agrupaciones del mas alto nivel de excelencia, labor que es encomendada a profesores de reconocido prestigio, que son los que actualmente forman la plantilla del CSMA, aunque es obligado señalar que el Conservatorio cuenta también con el Departamento de Composición más importante de España.

A pesar de ser un proyecto joven, el CSMA es considerado ya en este momento un centro de referencia para los estudios musicales superiores en España. El reconocimiento a la labor del Conservatorio en estos años no solo se ha producido en los sectores que tienen que ver directamente con la enseñanza, sino que proviene también del de los profesionales de prestigio que desarrollan su carrera tanto en España como fuera del país. El CSMA puede considerarse un centro de alto rendimiento, lo que entre otras cosas garantiza el nivel cualitativo de sus formaciones orquestales representativas: la Orquesta Sinfónica, la Orquesta de Cámara y la Banda Sinfónica, mereciendo también especial mención la alta calidad de las creaciones musicales que surgen de las aulas de Composición. El CSMA aspiró, desde el principio de su nuevo proyecto, a que sus formaciones fueran consiguiendo un espacio en los ámbitos cultural y social, contribuyendo activamente a su desarrollo. Desde hace cinco años ha sido habitual la participación de las tres formaciones orquestales representativas del CSMA en los importantes Ciclos que programa el Auditorio de Zaragoza en su temporada de conciertos, compartiendo siempre programación con orquestas de prestigio internacional. A tenor de esto, puede decirse que a pesar de que la Comunidad de Aragón, a diferencia del resto de las Comunidades españolas, como Cataluña, País Vasco, etc, no tiene una joven orquesta representativa, realmente tiene dos, ya que tanto la Orquesta Sinfónica como la Orquesta de Cámara del CSMA cumplen con creces este papel en Aragón; también lo hace su Banda Sinfónica. Una prueba de esta valoración, en este caso a nivel nacional, son las invitaciones que tanto la Orquesta Sinfónica como la Orquesta de Cámara han recibido para participar esta temporada en el Auditorio Nacional, en sendos Ciclos donde se van a dar cita las jóvenes orquestas representativas de las distintas Comunidades españolas consideradas más importantes. En esta misma línea de valoración, la Orquesta de Cámara va a actuar también en este mes de diciembre en otra de las salas más relevantes de nuestro país, el Auditorio de Barcelona, en un importante Ciclo de Música de Cámara al que ha sido también invitada.

Por otro lado, la valoración del CSMA en estos momentos empieza a ser asimismo equiparable a cualquiera de los centros superiores más reconocidos de Europa. De ahí la invitación recibida en este caso para participar dentro de un Ciclo de Jóvenes Orquestas europeas que tendrá lugar en la ciudad de Milán, para el que el CSMA ha sido elegido junto a otros centros superiores tan reconocidos, como son por ejemplo los de París, Viena y Milán. La representatividad la ostentará en este caso la Orquesta Sinfónica. El hecho de que las formaciones representativas del CSMA estén al nivel de las jóvenes orquestas más reconocidas del país exige una valoración añadida, pues mientras estas orquestas se nutren con jóvenes del resto del España, el CSMA es en este aspecto autosuficiente, ya que todos los componentes de sus formaciones son actualmente estudiantes del propio centro. Incluso el CSMA puede permitirse en estos momentos tener plantillas distintas para formar sus dos Orquestas, la Sinfónica y la de Cámara. No obstante, con respecto a los logros conseguidos hasta la fecha, el CSMA está todavía en pleno desarrollo. Hace dos cursos, el Centro empezó a ofertar estudios para postgraduados. Esto ha supuesto la incorporación en este tiempo de un número importante de profesores de extraordinario prestigio que, sumándose a los que ya había, ha servido para incrementar todavía más el nivel de calidad del Centro. Son todos figuras de referencia mundial en sus respectivos instrumentos, algunos solistas y otros primeros atriles de las más importantes orquestas europeas: London Simphony Orchestra, Orquesta de Cadaqués, Filarmónica de Berlín, Concertgebouw de Ámsterdam, Sinfónica de la Radio Baviera Por otra parte, es necesario resaltar, como una de las notas diferenciadoras del CSMA, la incidencia de estos profesores en el nivel de grado, ya que parte de su tiempo lo dedican también a la atención de estudiantes de ese nivel (individual o/y colectivamente), algo absolutamente inusual en los centros de enseñanza superior. Estos profesores se convierten así en los mejores embajadores del proyecto del CSMA en Europa, lo que contribuye de manera directa y natural a convertirlo en un Centro de referencia también en el ámbito internacional. Otra nota diferenciadora es la presentación de estos profesores al públi-

co a través de su participación como solistas con las Orquestas del CSMA, lo que se ha hecho habitual en sus programaciones y de manera destacada con la Orquesta de Cámara. Actuaron hasta ahora Nicolás Chumachenco (violín), Franco Petracci (contrabajo), Stefano Canuti (fagot), Peter-Lukas Graf (flauta), Lucas Macías (oboe) y Eric Terwilliger (trompa). Son todos referentes europeos en sus instrumentos. Hoy lo hará de nuevo Stefano Canuti y, por primera vez, Wenzel Fuchs. Una de las aspiraciones importantes de la Orquesta de Cámara, como la del resto de formaciones orquestales del Conservatorio, fue desde el principio llegar a convertirse en ese referente de calidad que, como el Conservatorio, ya ha empezado a ser en su caso en el ámbito de las jóvenes orquestas de España. El siguiente objetivo es, también como el del CSMA, serlo en el ámbito europeo en un futuro muy próximo. ORQUESTA PATROCINADA POR

Rolando Prusak director/concertino Rolando Prusak realiza su formación en Buenos Aires con el profesor Ljerko Spiller. Desde muy joven fue galardonado con diferentes premios y fue becado por distintas entidades, entre ellas la Fundación Wagneriana de Buenos Aires y la Fundación Antorchas. En 1980 recibe una beca concedida por la International Menuhin Academy en Gstaad (Suiza), donde estudia Violín, Viola y Música de Cámara con los profesores Alberto Lysy, Sándor Vegh, Yehudi Menuhin, Felix Andreievsky, Ana Chumachenco y Robert Masters. Asimismo, realiza estudios de postgrado en la Musikhochschule de Friburgo (Alemania), con el maestro Nicolás Chumachenco. Rolando Prusak ha tocado como solista con prestigiosas orquestas de Argentina, Uruguay, Francia, Suiza y Alemania, y como músico de cámara en las siguientes salas: Kennedy Center de Washington, Rockefeller University de Nueva York, Sala Tchaikovski de Moscú, Queen Elizabeth Hall de Londres, Palacio Wallenstein de Praga, Herkulessaal der

Residenz de Múnich, Teatro Colón de Buenos Aires, Kömische Stadt Oper de Berlín, Teatro de Kiev, Bratislava Teatras, Auditorio Nacional de España, etc. También ha participado en numerosos festivales, entre ellos los de Montreux, Assisi, Gstaad, Engadin, Estoril y Edimburgo. Ha sido solista de la Camerata Lysy Gstaad y fue miembro de la Camerata Bariloche, así como del Cuarteto Brahms de Buenos Aires. También ocupó la plaza de concertino de la Neues Orchester Basel y es integrante de numerosas formaciones dedicadas a la música contemporánea y a la música de cámara. Durante muchos años ha sido preparador y responsable musical del grupo de cuerdas de la Orquesta de las Tres Naciones (Francia, Alemania y Suiza) y Director de la Orquesta Juvenil de Südliche Breisgau (Alemania). Asimismo, es invitado habitualmente a dictar cursos de Violín y Música de Cámara en diversos marcos y ciudades de Europa y Latinoamérica. Rolando Prusak fue catedrático de Violín en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires antes de que entre los años 1996 y 2002 lo fuera de la Musikhochschule de Friburgo (Alemania). Desde el curso 2002/2003, y paralelamente a su actividad artística, ejerce como profesor ocupando una de las cátedras de Violín en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, siendo el Director/concertino de su Orquesta de Cámara («Camerata Aragón»).

Stefano Canuti fagot Nació en Parma (Italia), en 1961, y se familiarizó con la música a la edad de 9 años, gracias al estudio de la Guitarra Clásica. No fue hasta los 16 cuando empezó a estudiar Fagot. Después de cinco años de estudios se graduó con la más alta calificación gracias a las inestimables enseñanzas de O. Danzi. Stefano inmediatamente comenzó a colaborar como primer fagot con la Orquesta Maggio Musicale Fiorentino, y poco después con la Orquesta de la RAI de Turín. Su incansable energía y el rechazo de la rutina lo han llevado a emprender nuevas y estimulantes experiencias en la música de cámara y tocando como solista, y pronto se convirtieron en las causas que lo llevaban a la música. Estas experiencias lo han llevado a tocar en las más importantes salas de conciertos del mundo: en Europa (Fráncfort, Milán,

Viena, Londres, Manchester, Ámsterdam ), en EE. UU. (Chicago, Minneápolis, Bloomington, Phoenix ), en Sudamérica (Buenos Aires y Caracas), Canadá (Banff), y también en la República Popular de China (Pekín y Shanghái). Como solista, Stefano tiene varias grabaciones en su haber, algunas de las cuales («Fantasie di Bravura» y «Bassoon Images») han recibido grandes críticas y premios. Para el 25º aniversario de la International Double Reed Society (IDRS) fue invitado, junto con S. Azzolini y como únicos artistas europeos, a participar en la realización de la grabación del cedé conmemorativo con los duetos de Gebauer sobre «El Barbero de Sevilla». Su deseo de tocar música sinfónica y su madurez artística lo han llevado a las secciones de grandes orquestas. Stefano colaboró como fagot solista con la Orquesta de Cámara Mahler, dirigida por Claudio Abbado, y con la Symphonica Toscanini, de la que es director Lorin Maazel. También ofrece su enseñanza en toda Europa, EE. UU., Sudamérica y en la República Popular de China, impartiendo actualmente clases magistrales con el título de «Presidente de Fagot» en el Conservatorio de Música «Campiani» di Mantova. Además, varios de sus estudiantes procedentes de diversos países (EE. UU., Australia, Inglaterra, Finlandia, Portugal y Sudamérica) tienen ahora puestos importantes en conocidas orquestas. En junio de 2003 fue invitado por José Antonio Abreu, como profesor de Fagot avanzado para la «Fundación del Estado para el Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela», y en 2006 fue nombrado profesor en el Royal Northern College of Music en Manchester. En la actualidad es profesor del Conservatorio Superior de Música de Aragón, donde imparte clases de Fagot en los niveles de Grado y Postgrado. Cuando la enseñanza y sus conciertos se lo permiten, Stefano se sienta sobre su amada moto para darse una vuelta por sus preciosas colinas.

Wenzel Fuchs clarinete Wenzel Fuchs nació en Innsbruck (Austria). Proviene de una familia y entorno de gran tradición musical, y desde pequeño participó con el clarinete en diversas agrupaciones musicales. Después de los primeros estudios en Kitzbühel e Innsbruck ingresó en la Universidad de Música de Viena. Su carrera como solista se inició en la Wiener Volksoper, siendo luego solista de la ORF-Sinfonieorchester y desde 1993 es solista de clarinete de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Paralelamente a su trabajo en la Orquesta, Wenzel Fuchs desarrolla una intensa actividad como solista y músico de cámara en distintas formaciones: Philharmonischen Bläserensemble, Philharmonischen Bläsersolisten, Philharmonischen Oktett y Philharmonischen Freunden Wien-Berlin.

Asimismo, es profesor en la Academia de la Orquesta Filarmónica de Berlín, profesor del Conservatorio Superior de Música «Hans Eisler» de Berlín, profesor invitado de la Sakuyou-Univerity de Okayama (Japón), así como profesor honorífico en el Conservatorio de Shanghái. Desde el curso 2007/2008 es profesor de postgrado de Clarinete del Conservatorio Superior de Música de Aragón en Zaragoza, donde atiende también a los estudiantes del nivel de Grado.

Componentes PRIMEROS VIOLINES Víctor Martínez Nora María Lastre Elisa Martínez Elisa Ferrer Ana Albero SEGUNDOS VIOLINES Roldán Bernabé César Sánchez Susana Gallego Rita Perandrés Elena Nuño Cristina Armada VIOLAS David Tejeda Lara Fernández Germán de Eván Marta Pérez VIOLONCELLOS David Barona Aymara López Eva Otero Marta Mulero CONTRABAJOS Héctor Sapiña Antonio Ibáñez FLAUTAS Francisco López Ana Naranjo FAGOTES María José García Ana Herrero TROMPAS Francisco Gómez Jonatan Fernández CLAVICÉMBALO Gorka Gómez e Rolando Prusak director/concertino Stefano Canuti fagot Wenzel Fuchs clarinete

Comentarios al programa A. Vivaldi: Concierto en la mayor F. XI n.º 4 para cuerdas y clave Creador prolífico como pocos, Antonio Vivaldi compuso casi medio centenar de concerti ripieni, es decir, conciertos para orquesta de cuerdas sin instrumentos solistas; un género que había sido muy solicitado en Italia, sobre todo a finales del siglo XVII, cuando el músico veneciano se disponía a iniciar su andadura creadora. Según Heller, los concerti ripieni vivaldianos corresponden a una etapa tardía en la historia, relativamente corta, del género. El concerto a quattro o concerto ripieno, como el propio Vivaldi denomina los autógrafos de sus conciertos RV 115, RV 152 o RV 158 (el que hoy escuchamos, catalogado por Antonio Fanna como F. XI n.º 4) continúa una tradición que en la Italia barroca contaba con colecciones tan estimables como las Opus V (1698) y VI (1700) de Torelli, las Opus II (1700) y VII (1715) de Albinoni o la Opus II de Dall Abaco (1712), todas ellas probablemente conocidas por el Prete Rosso. El concerto ripieno vivaldiano basado en el equilibrio de las cuatro partes orquestales (violines I y II, violas y bajo continuo) constituyó un campo idóneo para la experimentación. Su perfil sinfónico, en contraposición al concierto con solista, supone en muchos casos un verdadero antecedente de la sinfonía clásica. El ritornello, la fuga, la variación, la forma unitaria (frecuente en los movimientos lentos intermedios) y la forma bipartita (usual en los movimientos rápidos finales) son las fórmulas constructivas habituales adoptadas por Vivaldi en sus sinfonías y conciertos sin solista. El Concierto en La mayor, RV 158 es una página de escritura brillante cuya estructura ternaria tradicional combina detalles contrapuntísticos con desarrollos motívicos que prefiguran la forma sonata clásica, como es el caso de su finale bipartito. H. Villa-Lobos: Ciranda das sete notas para fagot y cuerdas El oceánico legado compositivo del brasileño Heitor Villa-Lobos es particularmente rico en páginas concertantes. A los cinco conciertos para piano, dos para violoncello y los dedicados a instrumentos como la guitarra, el arpa o la armónica, han de añadirse tres Fantasías para violín, violoncello y saxofón e Introduçao aos chôros para guitarra, así como numerosas páginas para piano y orquesta, entre las que se cuentan la juvenil Suite, Chôros n.º 11, Momoprecoce y Bachianas brasileiras n.º 3, además de Chôros n.º 11 para dos pianos.

Ciranda das sete notas, fantasía para fagot y cuerdas, es página fruto del gusto por la experimentación tímbrica de que siempre hizo gala el incansable músico carioca. La partitura, fechada en 1933, se estructura en un único bloque de duración relativamente breve (apenas una decena de minutos), dividido en varias secciones encadenadas y su título alude a las siete notas de la escala diatónica. La tonalidad triunfante, en diversos pasajes, de do mayor permite considerar la obra, según Breier, como «una broma a cuenta de los estudios para piano universalmente conocidos de Carl Czerny en esta tonalidad». Los trazos irónicos o la alusión velada a los ritmos del folklore brasileño asoman en una obra que, si bien pone a prueba las capacidades técnicas o meramente virtuosísticas del solista, tampoco desdeña episodios de singular melancolía como el lamento del fagot en su registro agudo poco antes de la conclusión. Con Ciranda das sete notas Villa-Lobos contribuye, en todo caso, a nutrir de modo significativo un repertorio (el de las páginas concertantes para fagot) particularmente exiguo. W. A. Mozart: Concierto para clarinete en La mayor, KV 622 En 1789, Mozart esboza un concierto en Sol mayor para corno di bassetto pariente próximo, y pronto olvidado, del clarinete actual del que solo se conserva el manuscrito del incompleto primer movimiento (catalogado como KV 621b). Dos años más tarde, el 7 de octubre de 1791 el mismo de su temprana muerte concluye Mozart el concierto que muchos consideran como el primero y, a la vez, mejor de todos los escritos para clarinete, además del más popular. Tras el paréntesis estival de Praga, a donde el compositor había viajado junto a su esposa Constanze y su alumno Süssmayer para la primera representación de La clemencia de Tito con motivo de la coronación del emperador Leopoldo II, Mozart compone en Viena la que será no solo su última partitura concertante sino también su última obra de gran formato enteramente concluida. Destinado a su amigo y compañero de logia masónica Anton Stadler, a quien ya había dedicado el Trío «de los bolos», KV 498 y el Quinteto con clarinete, KV 581, el Concierto para clarinete en La mayor explota al máximo las posibilidades tímbricas del instrumento, un clarinete bassetto, de afinación y sonoridad a medio camino entre el corno di bassetto y el clarinete actual. La versión definitiva para este último instrumento ha de atribuirse al editor Sieber que, en 1801, publicó la partitura en París. «Bastaría cotejar esta obra con composiciones afines de otro gran apasionado y maestro del clarinete, Carl Maria von Weber, recuerda Einstein para percibir la diferencia entre la suprema eficacia de la sencillez y el lucimiento puramente virtuosístico».

La delicadeza expresiva y asombrosa variedad del material melódico encauzan el fluido discurso del Allegro inicial, el movimiento más extenso de la obra, cuya pátina nostálgica le otorga una personalidad inconfundible. Emparentado con el Larghetto del Quinteto para clarinete, el Adagio central constituye el corazón de la partitura; un instante de sublime serenidad en el que la soberana invención melódica mozartiana alcanza una de sus más altas cotas. El carácter danzante y sensual del Rondó-Allegro conclusivo aporta una nota de optimismo tras las frecuentes sombras insinuadas por las incursiones del solista en su registro grave. Como apunta Dal Fabbro, esta obra «demuestra a la perfección que, en vísperas de la muerte, la fantasía creadora de Mozart se estaba aprestando para emprender quién sabe qué caminos inimaginables». F. Mendelssohn: Sinfonía para cuerdas n.º 10 en Si menor Instigado por su maestro Carl Friedrich Zelter, Mendelssohn comenzó a componer en marzo de 1820. Tenía solo 11 años y en menos de 5 asimilará, como recuerda Köhler, «toda la diversidad de formas y géneros de su época, el estilo clásico (entendido en el sentido del último Mozart), las estructuras polifónicas heredadas de Bach y las bases esenciales de la instrumentación contemporánea». Las trece sinfonías para cuerdas (1821-23), anteriores al ciclo oficial de cinco en el que se enmarcan las famosas «Escocesa» e «Italiana», fueron interpretadas en los conciertos privados dominicales (Sonntagsmusiken) que el banquero Abraham Mendelssohn organizaba para su hijo en colaboración con la élite musical berlinesa. El modelo sobre el que trabaja el joven músico en estas pequeñas sinfonías no es el de Beethoven, ni tan siquiera el de Mozart o Haydn, sino el más antiguo en el que se inscriben las obras análogas de Graun, Georg Benda y, sobre todo, Carl Philipp Emanuel Bach. No es extraño que Zelter, gran estudioso y encendido admirador del segundo hijo de Bach, escogiera las obras de éste como modelo a seguir en las clases de composición impartidas a su alumno. Por si fuera poco, la tía abuela de Mendelssohn, Sara Levy, había comprado a la viuda de Bach una parte de sus archivos musicales que más tarde regaló a su sobrino nieto. Compuesta entre el 13 y el 18 de mayo de 1823, la Sinfonía n.º 10 en Si menor consta de un único movimiento; acaso el primero de una obra interrumpida aquí o de la que, simplemente, se han extraviado los posteriores. La breve introducción lenta, marcada Adagio, hace alusión a la obertura de Ifigenia en Aulide de Gluck, autor querido por Mendelssohn. En el agitado Allegro subsiguiente, cuyo modelo temático, según Ménétrier, podría ser Dussek, por entonces muy célebre en Berlín, el músico renuncia a los elementos contrapuntísticos presentes en otras páginas similares para tratar el material melódico a la manera de Schubert en sus primeros ensayos sinfónicos.

E. Bloch: Nigun (Suite «Baal Shem») para violín y cuerdas Las obras de inspiración judía constituyen una parte de trascendental importancia dentro del amplio catálogo del músico suizo nacionalizado norteamericano Ernst Bloch. Destacan, entre ellas, páginas de configuración instrumental y ambiciones muy diversas como los Tres poemas judíos para orquesta (1913), los Tres Salmos para voz y orquesta (1912-14), la Sinfonía n.º 2 «Israel» (1912-16), la famosa rapsodia para violoncello y orquesta Schelomo (1915-16), la Meditación hebraica (1924) para violoncello y piano, el monumental Servicio sagrado (1930-33) para barítono, coro y orquesta, el poema sinfónico para violoncello y orquesta Voz en el desierto (1936) o la Suite hebraica (1951) para violín y orquesta. A estas partituras debe sumarse Baal Shem, suite para violín y piano fechada en 1923, de la que Bloch realizaría en 1939 una versión orquestal. Escrita en memoria de su madre, la obra fue compuesta en Estados Unidos durante la etapa en que el ginebrino ejerció como director del Instituto de Cleveland. André de Ribaupierre, amigo suizo del músico y violinista en la cátedra del Instituto, fue el destinatario de esta obra de gran celebridad en su momento cuyo título hace referencia al rabino polaco, activo en Ucrania y fundador de la secta de los Chassidim (o Hassidim), Rabbi Israel ben Eliezer (1700-1760), conocido como «Baal Shem Tov», que propugnaba el acercamiento a Dios a través de la alegría del canto y de la danza. De estas tres escenas de la vida espiritual judía ha alcanzado enorme popularidad hasta el extremo de eclipsar a las secciones extremas su movimiento central y más amplio, Nigun (Improvisación), página virtuosística que, como alude su nombre, evoca una improvisación cantada a través de los acentos amplios y enérgicos del violín, explorado especialmente en su registro grave. N. Skalkottas: Cinco danzas griegas para cuerdas Nikos Skalkottas es una de las figuras mayores de la música griega contemporánea y de las primeras que, en su país, adoptaron la atonalidad y el dodecafonismo. Nacido en 1904, Skalkottas se traslada de niño a Atenas, en donde pronto muestra un talento musical excepcional. Violinista de formación, tras graduarse en el Conservatorio obtiene una beca para trasladarse a Berlín en 1921. Dos años después abandona la carrera de violinista para dedicarse por entero a la composición, estudiando con Juon, Weill y Jarnach y, a partir de 1927, con Schönberg. De naturaleza solitaria e introvertida, Skalkottas regresa a Atenas en 1933. Como compositor es, en esos años, un autor aislado, casi secreto. Durante la

ocupación alemana cae prisionero y es recluido en el campo de Haidari durante dos meses. En 1946 contrae matrimonio con la pianista Maria Pagali. Antes de que nazca su segundo hijo, Skalkottas muere súbitamente en 1949. Pese a lo breve de su existencia, el músico griego tuvo tiempo de elaborar un nutrido catálogo integrado por más de un centenar de composiciones que solo en los últimos veinte años han comenzado a recuperarse. Aunque hoy se conozcan, sobre todo, sus obras atonales y dodecafónicas, Skalkottas es, como escribe Dimitriades, «un ejemplo bastante raro de compositor que trabaja simultanea y alternativamente con un lenguaje tonal y atonal, utilizando y explorando las principales corrientes estilísticas de la primera mitad del siglo XX: atonalidad (no serial), método dodecafónico, así como una tonalidad avanzada con elementos folklóricos y una tonalidad neoclásica». Distribuidas en tres series de doce danzas cada una, Skalkottas escribió sus treinta y seis Danzas griegas, una de sus obras más conocidas, entre 1931 y 1936, si bien hasta el último año de su vida revisó la orquestación, modificó en ocasiones el material temático y realizó transcripciones para diferentes combinaciones instrumentales (cuarteto de cuerda, conjunto de vientos, violín y piano o piano solo). En su versión para cuerdas, publicada póstumamente, las Danzas griegas alcanzaron inmediata popularidad. Los títulos de estas piezas hacen referencia a regiones griegas (Kretikos) o a un tipo de danza folklórica (Tsamikos) o de canción popular (Kleftikos). Como Bartók, Skalkottas elabora asimismo en numerosas ocasiones melodías originales «en estilo popular», permaneciendo fiel a la esencia del material folklórico griego, modal y monofónico, construido sobre ritmos enérgicos aunque casi nunca rápidos a los que añade un humor agridulce, reflejo indudable de su carácter melancólico y sombrío. Juan Manuel Viana

Programa I A. VIVALDI Concierto en La F. XI n.º 1, RV 158 para clavicémbalo y orquesta de cuerdas Allegro Andante Presto Duración media de la ejecución 10' H. VILLA-LOBOS Ciranda das sete notas para fagot y orquesta de cuerdas Stefano Canuti fagot Duración media de la ejecución 9' W. A. MOZART Concierto en La, KV 622 para clarinete y orquesta de cuerdas Allegro Adagio Rondó-Allegro Wenzel Fuchs clarinete Duración media de la ejecución 18' II F. MENDELSSOHN-BARTHOLDY Sinfonía n.º 10 en Si m Adagio-Allegro Duración media de la ejecución 10' E. BLOCH Nigun (Suite «Baal Shem») para violín y orquesta de cuerdas Rolando Prusak violín Duración media de la ejecución 7' N. SKALKOTTAS Cinco danzas griegas para orquesta de cuerdas Epirotikos Kretikos Tsamikos Arkadikos Kleftikos Duración media de la ejecución 15' ORQUESTA DE CÁMARA DEL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE ARAGÓN «CAMERATA ARAGÓN» Rolando Prusak director/concertino

COLABORA PATROCINA Diseño: Strader. Estudio Camaleón Imprime: Navarro & Navarro Impresores, Zaragoza D. L.: Z-4549/2008 La organización se reserva el derecho de variaciones de días y sustituciones de orquestas, solistas y programas por causas obligadas de fuerza mayor www.auditoriozaragoza.com