3 Gustav Klimt. Friso del Palacio Stoclet 1905-09 1929. El Pabellón Alemán de Barcelona fue diseñado por Ludwig Mies van der Rohe como pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona en 1929 que se celebró en Montjuïc. Less is more (menos es más) Mies van der Rohe, E Ñ O. HISTORIA EN IMA GEN E S
3.1 # INTRODUCCIÓN Las primeras décadas del siglo XX se caracterizaron por los intentos de muchas naciones de inyectar arte a la industria. En esta época se extendió la opinión, compartida por diseñadores, críticos y fabricantes, de que el concepto tradicional de aplicar arte a la superficie de los artículos fabricados había perdido relevancia ahora que la máquina, y no la mano, dominaba los procesos de producción. La alternativa lógica era desarrollar un estilo sencillo y racional que reflejase los valores y procesos de la producción a máquina y de ese modo simbolizase el nuevo siglo en toda su gloria tecnológica. Las curvas del Art Nouveau fueron desapareciendo gradualmente, dejando paso a una estética de la máquina, mucho más simple y geométrica, que se convirtió en el estilo dominante en arquitectura y artes decorativas durante las tres primeras décadas de éste siglo. # INSPIRACIONES Quizás más que en ningún otro, éste movimiento se vio influido por el arte contemporáneo. Picasso, Braque y Juan Gris trataban de extraer la esencia mística de los objetos descomponiéndolos en partes geométricas y yuxtaponiendo imágenes desde varios puntos de vista en lienzos monocromos. El resultado era una arquitectura de planos entrelazados. Mientras tanto, en Italia, los futuristas atacaron la apatía mental, proporcionando la emoción de la velocidad, la maquinaria e incluso la guerra, a través de un arte que podría describirse como Cubismo en movimiento. Los motivos geométricos angulosos proporcionaron a los diseñadores una iconografía dinámica mediante la cual predicaron el culto a la máquina, que en Rusia se veía como un instrumento esencial de la sociedad proletaria. Pero la estética de la máquina no era solamente hija de una teoría artística o de necesidades propagandísticas. Hacía tiempo que se apreciaba en América y en Europa Occidental el impulso de reducir las cosas a sus partes más esenciales, para permitir la rápida producción en serie de artículos de consumo. # EL ESPÍRITU DE LA ESTÉTICA DE LA MÁQUINA Los diseñadores de estas primeras décadas del siglo quedaron atrapados en el torrente artístico de la época. Si los cubistas podían ver todo en términos de esferas, cilindros y conos, y presentar un objeto desde varios puntos de vista a la vez, por qué tendría el diseñador que dejarse distraer por ornamentos irrelevantes?. Había llegado la era de la máquina y el diseñador tenía que responder a un reto. El impacto fué doble: se notó en la reducción de las cosas a sus componentes básicos ( en teoría, para facilitar la producción en masa) y como inspiración decorativa, donde los motivos son metáforas de la rueda, el émbolo y otros elementos mecánicos. # LA BAUHAUS La principal contribución de la Bauhaus, escuela de diseño alemana fundada por Walter Gropius (1883-1969) en Weimar en 1919, al estilo del siglo XX consistió en su promoción de una estética de inspiración maquinal para la arquitectura y las artes aplicadas y en sus sofisticados programas de enseñanza, diseñados para estimular a los estudiantes a dominar un oficio artesanal y la manipulación del lenguaje de formas elementales. Johannes Itten (1887-1967), Lyonel Feininger (1871-1956), Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946), Paul Klee (1879-1940), Wasily Kandinsky (1866-1944), Marcel Breuer (1902-1981), Mies van der Rohe E Ñ O. HISTORIA EN IMA GEN E S
3.2 Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) El término Bauhaus, que significa en alemán "Casa [de la] construcción", fue utilizado para denominar la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. La escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran media una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo. Bauhaus Dessau. Primera época (1919-1923) En el momento de su fundación, los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto fueron: "La recuperación de los oficios artesanales en una actividad constructiva, elevar la actividad artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público". Entre los años 1919 y 1924 Gropius contrató a Feininger, Itten, Muche,Schlemmer, Paul Klee, Kandinsky y Moholy-Nagy. También integraron el equipo docente artesanos, como maestros de taller, los cuales tenían un sueldo similar por su trabajo que los artistas. Los estudiantes, de esta forma, recibían el estímulo mental de los artistas y la pericia técnica de los artesanos. En los primeros tiempos, no había clases de arquitectura, pero sí algunos cursos de construcción y dibujo arquitectónico a cargo de Meyer. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional. El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro de Stuttgart. Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro. En 1922 Kandinsky se incorpora al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidío trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado. Esta primera etapa, culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y por lo tanto, también de educadores del diseño. The Bauhaus masters on the roof of the Bauhaus building in Dessau. From the left: Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl and Oskar Schlemmer. E Ñ O. HISTORIA EN IMA GEN E S
3.3 # Walter Gropius: edificio de la Bauhaus en Dessau Segunda época (1923-1925) En 1923 Theo Van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, comienza a publicar la revista De Stijl en Weimar, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de Laszlo_Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitsky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. Tercera época (1925-1929) En 1928 Laszlo Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista. La vida cotidiana y las fiestas de la Bauhaus La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo lengendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas "oficiales", cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, el nacimiento de un niño... La Nueva Bauhaus Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta las Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Alta escuela para la formación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 19541966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes. # Lyonel Feininger. 1919 La catedral del futuro # Herbert Bayer. 1928 Portada revista Bauhaus n` 1 E Ñ O. HISTORIA EN IMA GEN E S
3.4 ALEMANIA: la Bauhaus #Marcel Breuer: silla Vassily y muebles de tubo #Christian Dell, jarra, 1922 #Marianne Brandt, Tetera, 1924, latón, plata, ébano. #Juego de construccion en madera # Lampara # Tapiz # Alfred Arndt, Color plan for Haus Auerbach, detail of bedroom 1924 EÑO. HISTORIA EN IMAGENES # Josef Hartwig, Ajedrez, 1924, madera cerezo natural y coloreada en negro.
3.5 ALEMANIA: la Bauhaus #Herbert Bayer. Litografía en color 1927 # Karl Peter Röhl. Cuadrado amarillo 1923 # Fritz Schleiferl. Poster 1923 #Walter Dexel. Usar siempre gas para cocinar 1924 #Walter Dexel. Figuración F-J 1925 #Karl Peter Röhl. Círculos Rojo-Naranja 1923 #Joost Schmidt, Poster for the Bauhaus exhibition in Weimar, 1923 #László Moholy-Nagy "Staatliches Bauhaus Weimar 1919-1923", E Ñ O. HISTORIA EN IMA GEN E S
3.6 HOLANDA: De Stijl De Stijl ("El Estilo") era un movimiento y una revista formado en Holanda en 1917. Los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y otros se unieron a Theo van Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl.. Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban "expresar la consciencia general de su época". De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales. En el año 1924, Mondrian dejó de contribuir con sus artículos en el periódico después de que Van Doesburg desarrolló su teoría del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical. Piet Mondrian. Composicion Bart van der Leck, Poster 1924 Theo van Doesburg. Composicion 1924 # Gerrit Rietvel Silla Berlín. 1923 EÑO. HISTORIA EN IMAGENES End table. 1923 Casa Schröeder. 1924 Silla roja y azul. 1917-18
3.7 RUSIA: constructivismo y suprematismo El suprematismo es el nombre dado por Kasimir Malevich, teorizado primero en el manifiesto de 1915, escrito por el pintor en colaboración con el poeta Vladímir Maiakovski, y más tarde en su ensayo de 1920 El suprematismo o el mundo de la no representación, y consiste en una tendencia artística, derivada del cubismo, en la que los elementos formales se reducen al triángulo, el cuadrado, la cruz y el círculo; los elementos cromáticos se circunscriben al rojo, negro, azul, blanco y verde. Esta tendencia defiende un arte liberado de fines prácticos y estéticos, la abstracción pura, expresada por medio de las figuras geométricas, prescindiendo de la apariencia de los objetos. Un ejemplo de los límites a que lleva este tipo de arte es la obra del propio Malevich "Cuadrado blanco sobre blanco", de 1918, en la que se ha prescindido completamente del color. El suprematismo tuvo una gran influencia en pintores como Wassily Kandinsky y en la Bauhaus alemana, aunque no consiguió interesar a muchos artistas rusos. El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art (construcción artística) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kazimir Malevich para describir el trabajo de en 1917. Vladimir Tatlin, aunque no fue un arquitecto de carrera, su obra más representativa es un proyecto arquitectónico. Se trata de una torre, que serviría de Monumento a la Tercera Internacional que no llegó a construirse. Tatlin se unió a Alexander Rodchenko en la dirección de la VKhUTEMAS (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) una de las primeras escuelas de Diseño en el mundo instalada en rusia hasta el principio de la primera guerra mundial. El Lissitzky fue pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Desde 1922 hasta 1931 se trasladó a Europa occidental para difundir las ideas de la vanguardia rusa. En Berlín, conoció a Theo van Doesburg y otros miembros del grupo De Stijl, y desde entonces se convirtió en un personaje influyente del movimiento abstraccionista. El Monumento a la Tercera Internacional o Torre de Tatlin, fue un proyecto arquitectónico del escultor ruso Vladimir Tatlin, quien lo presentó a comienzos de los años veinte. Se proyectó para ser construido en Petrogrado como monumento y sede de la Tercera Internacional. Se trataba de una torre de estilo constructivista de unos 400 metros de alto, superando en altura a la Torre Eiffel de París, que consistiría en una estructura espiral de hierro y acero, volcada hacia un lado en el ángulo del eje terrestre, conteniendo cuatro estructuras de vidrio con diferentes formas: un cubo, una pirámide, un cilindro y media esfera. Todos estos elementos rotarían a distintas velocidades. El cubo completaría su giro en un año, la pirámide en un mes, el cilindro en un día y la media esfera en una hora. En su interior se situaría la sede de la Internacional Comunista, así como una oficina de telégrafos y varios restaurantes. Dispondría de una serie de pantallas gigantantes por las que se mostrarían las últimas noticias mundiales. # Kasimir Malevich # El Lissiztky # Ilia Chashnik y Nikolai Suetin Tazas pintadas con diseño suprematista. Sin Título. 1919-1920 EÑO. HISTORIA EN IMAGENES Suprematismo 1915 # Kasimir Malevich. Cuadrado Negro 1913 Circulo Negro 1913 Cruz Negra 1913 Blanco sobre blanco 1918
3.8 FRANCIA: L'Esprit Nouveau Le Corbusier (1887-1965) fue un arquitecto, urbanista, teórico de la arquitectura y pintor suizo-francés. Es considerado uno de los padres de la arquitectura moderna. A fin de divulgar sus ideas sobre la arquitectura y la pintura, Le Corbusier fundó en 1920, la revista L'Esprit Nouveau. En él, Le Corbusier expuso en artículos sus nuevas y revolucionarias ideas sobre cómo tenía que ser un edificio moderno, tomando como ejemplo la evolución que el campo de la ingeniería estaba llevando a cabo (automóviles, paquebotes, etc) y que serían recopilados en 1927 en el libro Vers une architecture (Hacia una arquitectura), que se covertiría en uno de los libros de arquitectura fundamentales para las generaciones venideras de arquitectos. También es de esta época su definición de la vivienda como máquina para vivir, desmarcándose de las corrientes historicistas del momento y adoptando un punto de vista más racional y funcional. Ideó el Modulor, sistema de medidas en que cada magnitud se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de arquitectura. De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre. Tomó como escala el francés medio de 1,70 m de estatura. Le Corbusier se hizo famoso por el llamado estilo arquitectónico internacional, que aplicó junto con Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y Theo van Doesburg. Fue un arquitecto muy admirado en su época e influyó a varias generaciones de jóvenes arquitectos. Fauteuil grand confort Chaise longue Plan Voisin. Paris Pabellon de L'Esprit NouveauL Le ModulorL EÑO. HISTORIA EN IMAGENES Le ville Savoye. Poissy
3.9 ITALIA. Futurismo Futurismo, movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fue fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, el 20 de febrero de 1909. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común, lo impregnaba todo. Según Marinetti había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades. Para ello se toma como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización. El Futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica en los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla, Fortunato Depero o el escultor Umberto Boccioni. También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta). #Gino Severini. La danza (1909-19) #Fortunato Depero #Giacomo Balla: Velocidad #Carlo Carra. Jinete rojo (1913) (1913) #Umberto Boccioni. (1913) Forma unica de continuidad en el espacio EÑO. HISTORIA EN IMAGENES #Filippo T. Marinetti: Marcia futurista (1916)