Índice. Azzaretti, María Sofía. Serie 4. Introducción 8. Desarrollo 9. o Capítulo I: La forma 9. o Capítulo II: El Contenido 12

Transcripción

1 Índice Serie 4 Introducción 8 Desarrollo 9 o Capítulo I: La forma 9 o Capítulo II: El Contenido 12 o Capítulo III: El significado 17 Conclusión 20 Bibliografía 22 3

2 4 Azzaretti, María Sofía

6 Introducción Se realizara un análisis semiótico de la serie fotográfica cada vez que decimos adiós realizada por Jorge Miño en el año 2009, ubicada dentro del género artístico. Dicha serie se basa en diferentes fotografías en blanco y negro de diferentes partes de una o varias terminales y aeropuertos. La particularidad de esta serie radica en que en dichos escenarios no se puede hallar ningún sujeto que se pueda reconocer como un humano. El presente trabajo busca analizarla analítica e interpretativamente con el objeto de demostrar que gracias a dicha supresión del personaje se propone una metáfora sobre la ausencia de las personas despedidas. 8

7 Desarrollo Capítulo I : La forma Analizando la serie en su totalidad se puede afirmar que todas las fotografías están unidas mediante un hilo conductor, la mayoría tiene un encuadre frontal y horizontal con un particular uso del blanco y negro y la elección de la gama mayor con una clave tonal muy contrastada, se observa un negro absoluto en algunas partes y una amplia gama de los tonos medios, es decir, de los grises; este tipo de contraste elimina cualquier objeto secundario de color que pueda llamarle la atención al espectador y alejarlo del verdadero punctum1. En cuanto al nivel morfológico de análisis de la imagen, en la fotografía número uno, se puede observar una división de la imagen en dos por una línea de horizonte baja, la cual no logra completarse en la totalidad de la imagen por estar interrumpida por líneas perpendiculares a la misma. Es posible detectar varios conjuntos de líneas y formas geométricas, dónde se reconoce, según saberes cultuales, escaleras, puentes y columnas entre otras cosas; que por su brillo se podría afirmar que son metálicas. En esta fotografía las líneas, tanto horizontales, como verticales, y las formas y planos que de ellas nacen, ocupan un papel protagónico ya que; por un lado, generan diversas formas geométricas haciendo que la distribución de pesos sea homogénea; lo que hace que haya un gran equilibrio, desde ese punto de vista se la puede pensar a la imagen como simétrica; y dando mayor sensación de profundidad y perspectiva; por el otro, dado a la repetición de las mismas, genera un ritmo esencial, que le da dinamismo a la imagen y no la hace estática., provocando un recorrido visual que no es lineal sino más bien cíclico. No hay ni comienzo ni final explícito ante la correcta observación de la imagen. Toda línea nos hace ir a otra y esa a otra infinitamente.. Esta particular presencia de la composición de líneas y ritmos y simetrías crea composiciones altamente estetizadas, junto al manejo contrastado de claros y oscuros. 1 Roland Barthes dice en su libro La cámara lúcida que el punctum en una fotografía es aquello que nos conmueve y nos llama la atención, algo que nos sobresalta al ver una imagen, a menudo lo que lo provoca es un detalle anodino dentro de la imagen. (Roland Barthes, La cámara lúcida Barcelona: Paidós, 1999) 9

8 En la siguiente imagen se puede observar detallado con rojo las líneas que hay en la imagen y con verde, la tan difícil de hallar línea de horizonte. También se puede observar la inmensa variedad de formas geométricas creadas a través de los conjuntos de líneas: 10

9 Ante este alto dinamismo generado gracias a la repetición de líneas se puede observar también un fuerte ritmo en la imagen, lo que se puede observar de manera más clarificada en la fotografía número dos, a continuación, en la que también se puede observar una fuerte presencia de la perspectiva, dada por estas líneas que se unen en un solo punto. Perspectiva Ritmo En cuanto a lo que anteriormente se comentaba sobre el ritmo que se genera gracias a la repetición de líneas y formas, se puede decir que también hay una cierta tensión entre ellas, ya que se cortan bruscamente en varios puntos, generando nuevos planos y nuevas formas, pero sin perder una perspectiva clara, no es para nada surreal sino más bien algo totalmente real, un lugar conocido, (se ubica en un espacio cerrado, un interior con mucha profundidad, que al tener tantas líneas puede parecer abstracto pero es un lugar concreto y reconocible como tal), que es posible que el observador transite a diario. 11

10 Capítulo 2: El contenido La serie se basa en fotografías de paisajes urbanos interiores. Las fotografías muestran lo que se puede reconocer según saberes culturales como terminales, no se podría definir exactamente de que. También se puede observar que dichas terminales suelen estar llenas de gente y en este caso, están vacías. Esta ausencia de personas en sitios especialmente concurridos, representa una alotopía, a la vez que supone una metáfora de la ausencia de la persona que ha viajado. Si bien los escenarios nunca son los mismos siempre se buscan terminales y se sigue una misma línea de significado y estética. En cuanto al tiempo, si bien la fotografía remite a un tiempo futuro, debido a las líneas rectas, el brillo metálico y la ausencia de personajes, todos los elementos que en ella se encuentran, pertenecen al presente por lo que el tiempo es más bien subjetivo, puede ser tanto en el presente como en el futuro sin importar demasiado ello. Se reconoce que es una terminal gracias al conocimiento previo de ella: 12

11 Por otro lado se puede ver la terminal como es en su funcionamiento cotidiano, con mucha gente. En cuanto a las relaciones intertextuales que es posible encontrar en las fotografías se pueden nombrar los siguientes: Se hace un hipertexto con movimiento Contructivista Ruso, sobre todo en cuanto a las construcciones arquitectónicas y también con fotógrfos como El Lissitzky. La relación se encuentra en cuanto a los paisajes futuristas, industriales y de líneas rectas 13

12 También, de la misma manera que en el punto anterior, el autor logra un hipertexto con obras de arte del futurismo italiano: Ciudad del futuro según Sant'Elia, arquitecto futurista italiano. Imágenes recuperadas de y ard-artes.blogspot.com.ar/2012/07/futurismo-1- introduccion.html&zx=x34rtb3efelq -del-futurismo.html 14

13 Ya en un segundo plano, la obra remite a los laberintos, por lo tanto al tan conocido cuento de la mitología griega sobre el minotauro, y por supuesto, al clásico cuento de Alicia en el país de las Maravillas. A esto sólo se hace referencia viéndolo como un futuro de perdición, en donde nadie se encuentra, o se despide al entrar allí, lo que hace hincapié en el título de la serie de Jorge Minio, Cada vez que decimos adiós. Por otro lado, en cuanto a la alotopía que hay al no haber ningún personaje ubicado en ninguna de las fotografías de la serie, las cuales son escenarios en el que suele transitar mucha gente, se hace un hipertexto con diferentes textos dentro de diversos ámbitos, como el musical en canciones nacionales como 15

14 Ciudad Vacía de Ataque 77, o Solo en la ciudad de Rata Blanca, entre otros. Pero más que nada se puede observar un hipertexto en el cine y en series televisivas que recurren frecuentemente a la temática de estar solo en la ciudad,o de un futuro turbulento y terrible como por ejemplo Vanilla Sky de Cameron Crowe, o Volver al Futuro de Robert Zemeckis, entre otros. Y también dentro del ámbito de la literatura se puede ver también en textos como El Irisid de Pablo Mateu. Mayormente se verá un hipertexto con todo texto que se refiera a la ciencia ficción y en particular al futurismo, a ese futuro frío, gris y temeroso, sin personas en las calles, vacío. 16

15 Estas referencias hipertextuales nutren a la serie de un clima particularmente frío, industrial y de tipo metafísico e inquietante. Capítulo 3: El significado. Dentro del análisis de los procedimientos de connotación, los cuales, Roland Barthes, en su libro Lo obvio y lo obtuso nombra seis (pose, objetos, trucaje, fotogenia, esteticismo y sintaxis), pero en este caso sólo se aplican dos de ellos, el esteticismo y la fotogenia, el primero es la fotografía como arte, cuando la fotografía se convierte en pintura, en composición o sustancia visual, deliberadamente tratada por empaste de colores y sólo para significarse a sí misma como arte o para imponer un significado, normalmente más sutil y complejo del que permitirían otros procedimientos de connotación. La fotogenia es el proceso de embellecimiento de una imagen, de sublimación, por las técnicas de iluminación, impresión y reproducción. Son los retoques que se le hacen a las fotografías digitalmente, luego de la toma, para que luzcan mejor.(barthes, Lo obvio y lo obtuso - Imágenes, gestos, voces, 1982). Y ambos procesos se pueden observar en la manera en la que las fotografías están logradas, que parece un cuado. Esto se refuerza teniendo en cuanta que el autor y la serie se encuentran dentro del género artístico. Además se ve en que, lo que importa, no es lo que se reconoce, sino lo que se forma con ello y lo que el autor desea que el observador intrínseco descubra a través de la interpretación, así es que apela a otro de los temas manejados por Barthes, que es el hecho de que cada uno ve a una imagen, y la configura diferente, según de dónde se pare a mirar el mundo, el sentido denotado es el mismo para todos, pero el connotado no lo es, y se refuerza aún más este sentido al no ubicar ningún personaje dentro de la representación. También al hacer esto genera una alotopía textual, la de la supresión. Generada gracias al hecho de no ubicar personajes en un contexto que al observador lo remite indefectiblemente a una multitud de gente, dónde hay muchas despedidas, encuentros y desencuentros. Lo esperado es que haya gente en ese escenario, que haya alguna historia o simplemente una multitud caminando, sin más, que es lo que se observa dentro de lo cotidiano. El hecho de ver un lugar cotidiano, en donde suele haber despedidas, personas viajando, o situaciones similares; vacío, remite a que el observador se pregunte quién o qué es lo que falta allí y he ahí lo que se desea lograr, con esta pregunta como disparador, el lector imagina e interpreta la fotografía a su 17

16 manera y es así que termina logrando una total identificación con este lugar que parece tan futurista, tan frío, tan cotidiano y sin ningún significado más que el de un lugar de paso hacia un viaje, fuera cual fuera, y este mismo lugar, de esta manera, termina cobrando sentido, se lo ve distinto, se imaginan infinitas situaciones, encuentros, despedidas, viajes a nuevos rumbos, se termina llenando del color que le falta gracias a la interpretación de cada observador. Es así que al realizar esta supresión la serie adquiere un sentido más fuerte y es otro el significado que se transmite. Aquí podemos notar la clara traslación de sentido mediante la supresión del objeto humano, por lo que se puede afirmar que hay una metáfora. El enunciador está fuertemente presente mediante la composición lineal, la elección del blanco y negro y la puesta en escena, al solicitar a las personas que queden fuera de campo. el enunciador no sólo se constituye a si mismo sino que construye una imagen del enunciatario (Filinich). Aquí el enunciatario se halla de manera implícita y el enunciatador explícita, específicamente se observan huellas de su presencia en la ausencia de algún personaje en la escena y así logra el espectador una identificación con el lugar, en cuando al reconocimiento de un lugar en el que la mayor parte de las personas han estado. Es así como genera, con la sustracción del elemento humano de u n lugar en que suele estar siempre lleno de personas, una alotopía, genera un distanciamiento y un miedo. Genera que la serie parezca surrealista y tomada de una película de ciencia ficción. Al no ubicar tampoco ninguna despedida o escena conocida y emotiva o ningún objeto genera en el espectador un sentimiento de incomodidad. Esto se da porque en un lugar en donde suele verse a montones de personas, ahora no hay nada, está vacío, solitario y frío. Se puede pensar que alguien aparecerá para atacar al observador que se encuentra desprotegido en ese inmenso lugar. Finalmente podemos decir que esta es una fotografía fuertemente simbólica, si bien es importante que se reconozca el espacio a nivel icónico, se sobre entiende que se hace, ya que la mayor parte de toda sociedad ha estado en un lugar similar a este y sabe lo que es. Desde lo simbólico, lo que se ve representa lo vacío, lo frío, y lo complejo, la ausencia. Eso es lo primero que al espectador se le presenta en la mente al ver la imagen, luego una suerte de futuro, ya que se asocia al futuro con los adjetivos anteriormente nombrados, y se puede ver esta imagen como un lugar extraño, quizás, un futuro complejo, sin salida, con forma de laberinto, al poseer tantas líneas y formas, un lugar sin personas, triste Pero luego ese lugar se reconoce como algún tipo de estación, por más que sea del futuro no deja de ser una terminal de algún tipo de transporte, y he 18

17 ahí la pregunta dónde está aquel que va a tomarse el transporte para viajar?, por qué en un lugar tan transitado, no hay nadie? Y seguido de esto, inmediatamente, las imaginaciones de cada observador que mire esta fotografía apareceran, recuerdos de películas de ciencia fcción o de terror vendrán a su mente. Como también las ausencias de personas que ya no están. Personas que no forman más parte de su vida. Que han muerto o que simplemente se han despedido y no han regresado. Esto quedará en la interpretación de cada observador. En ese mismo momento, en que la mente se abstrae y se aleja de aquel lugar, que al principio se veía tan frio, tan triste, ese momento es cuando se mete dentro de la obra, tanto, que termina formando parte de la misma, es por esto que esta imagen no posee sentido si le falta una de sus partes, la del enunciatario, que es quien viene a llenar ese vacío que el enunciador no llenó, ese hueco que dejó para que el que mire, llene. Así es como deja una suerte de desafío al espectador, esta alotopía hace necesaria la búsqueda de un espectador activo, que piense, que interprete, no que mire y siga, sino que le quede un mensaje al tener la oportunidad de ver la obra, y que se vaya con una sensación diferente, con una reflexión entre labios. Lo que parece ser buscado es que el observador no se quede con el sentido denotado, como dice Barthes de la imagen, que profundice mucho más en el connotado, que le de su propio sentido y eso es justamente lo que se busca, transmitir un determinado discurso a través de estas diferentes maneras de comunicar, cumpliendo una función metalingüística del lenguaje, que no busca informar, busca que el espectador busque, que el observador ahonde en si mismo y vea algo más que una simple fotografía de una terminal. Que logre llegar a una reflección de la soledad que hay en ella. 19

18 Conclusión Mediante los mecanismos para la producción de sentido la serie combina los diferentes elementos para construir el nivel simbólico. Desde las líneas con referencias cubistas y constructivistas, la simetría, el equilibrio, la distribución de pesos, la perspectiva, la profundidad, el ritmo y el dinamismo; es decir todo lo que constituye a la forma de la imagen se hace una fuerte referencia al mundo del arte del Constructivismo Ruso, al Futurismo Italiano. Estos hipertextos refuerzan la idea de la ausencia en lugares habitados cotidianamente y a la temática del futuro. Desde la alotopía textual de supresión, al no ubicar ningún personaje en la escena genera un mayor sentido a la idea de la ausencia de público como metáfora de la partida de la persona que se ha ido a despedir si bien la estética hace referencia a un tiempo futuro, los lugares son conocidos actualmente y al observador le es fácil ubicarse dentro de él a pesar de su frialdad metálica. Al contraponer la fuerte identificación con un lugar cotidianamente transitado y la supresión del factor más importante, quienes lo transitan, genera una fuerte ironía sobre la falta de mirada hacia los lugares que habitualmente se ven sin prestarles mayor atención, pero, sobre todo, se hace para reflexionar sobre un futuro sin personas, vacío, frío y triste, al que es posible nos estemos dirigiendo. En conclusión, se puede ver cómo la fotografía de un simple y cotidiano lugar que suele estar lleno de gente, al ser vaciado y fotografiado en alto contraste, fuertemente estetizado en su composición lineal puede llevar al entendimiento de un mensaje mucho más profundo, al crear un clima inquietante, onírico de tipo futurista y particularmente inquietante desde una tristeza inminente, a un futuro de caos, frialdad y horror. La serie no queda en lo banal de observar la imagen que es estéticamente atractiva en cuanto al género artístico sino que también va más allá, se fortalece con su significado. Es decir, no importa tanto el 20

19 sentido denotado de la imagen sino que lo que importa es el sentido connotado que cada intérprete le de a la obra, y como se identifique con ella (Barthes, 1986) Para reforzar la hipótesis demostrada en el trabajo, se incluye a continuación una cita del autor de la serie que refuerza el sentido que se ha tratado de construir durante este trabajo: Cada vez que decimos adiós Aeropuertos, todos ofrecen una sistematizada experiencia de tránsito entre vestíbulos de salidas y llegadas, algunos minutos de tensa espera en los sillones de las salas de embarque, el control de aduanas y un gigantesco ventanal desde el cual el pasajero se asomaba al misterioso y lejano territorio de aviones, pistas y hangares. Esas fachadas de concreto representaban la esperanza en un mundo más pequeño y comunicado, la fe en las relaciones internacionales, el destino de un planeta amistoso, ordenado y funcional en donde ser ciudadano del mundo es posible. Fotografías blanco y negro, en donde los espacios están vacíos. Sin nadie que circule por él, el aeropuerto se transforma en un laberinto en donde se ignora si las escaleras suben o bajan, o si los detectores y pantallas funcionan en absoluto. Como un mundo sin sobrevivientes, aparece como una nueva Pompeya, una ruina suspendida en el tiempo. Jorge Miño 21

20 Bibliografía Libros Barthes, R. (1982). Lo obvio y lo obtuso - Imágenes, gestos, voces. Paidós Comunicación. Barthes, R. (1999). La cámara lúcida. Barcelona: Paidós. Filinich, M. I. (s.f.). Enunciación. Eudeba. Mateu, P. (2003). El irisid. Buenos Aires: irojo. Material de cátedra Recopilaciones de internet (s.f.). Obtenido de Arte. (s.f.). Obtenido de Arte Lista. (s.f.). Obtenido de laberinto-metalico.html Catálogo de obras editadas. (s.f.). Obtenido de Constructivismo. (s.f.). Obtenido de Constructivismo Ruso. (s.f.). Obtenido de El Taller de Carmen. (s.f.). Obtenido de 35-relato-de-terror-moderno/ Futurismo Italiano. (s.f.). Obtenido de 22

21 La ciudad del vacío. (s.f.). Obtenido de Lo que le sobra al tiempo. (s.f.). Obtenido de Miño, J. (s.f.). Jorge Miño. Obtenido de Redex. (s.f.). Obtenido de Terminal de Omnibus de Santiago del Estero. (s.f.). Obtenido de Urbano. (s.f.). Obtenido de httpwww.sumariourbano.comnews.phpnews=50 Películas Spielberg, S. (Dirección). (2004). La Terminal [Película]. Crowe, C. (Dirección). (2001). Vanilla Sky [Película]. Zemeckis, R. (Dirección). (1985). Volver al Futiro [Película]. 23