LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX

Transcripción

1 LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX 1. Historicismo y eclecticismo La arquitectura neoclásica fue indiscutible protagonista del primer tercio del siglo XIX, pero aún había mucho que construir y muchas ideas que desarrollar. Durante este siglo se van a poner las bases sobre las que habrá de crecer la arquitectura del siglo XX. En un principio aparecerán los revivals, esto es, la resurrección de estilos ya desaparecidos; como solución adoptada por el arquitecto del momento que se encuentra ante el gran dilema de hallar el estilo apropiado a todos los cambios que se habían producido. La mentalidad romántica vuelve los ojos al pasado, pero en este caso, el punto de referencia no va a ser solamente el mundo clásico, sino la Edad Media. A esto hay que unir los mundos lejanos y exóticos que se conocieron gracias al colonialismo. Lo exótico para el hombre romántico representa lo pintoresco, un concepto que se manejará con bastante frecuencia. La exaltación nacionalista es otro de los motivos por los que el arquitecto del siglo XIX ahonda en el pasado para encontrar el estilo que mejor caracteriza a un pueblo, el modelo nacional. Así es como surgen el Neogótico, el Neorrománico o el Neomudéjar, entre otros muchos estilos que se unen al Neoclasicismo de principios de siglo. Esto supuso una investigación y una reflexión sobre los mismos, la verdadera valoración de estilos que hasta el momento habían sido prácticamente ignorados y despreciados. De esta forma, la arquitectura de la primera mitad del siglo XIX estará centrada fundamentalmente entre dos de estos neo, en concreto en el debate entre el clasicismo y el goticismo. Se trata de dos posturas, en principio irreconciliables desde el punto de vista formal, pero que presentan un: aspecto en común: ambas realizan una lectura lo más purista posible de los estilos que les sirven de inspiración. Londres es un magnífico ejemplo de la coexistencia de ambas tendencias. En la década de los años 40 coincidían en la ciudad la finalización de la fachada sur del British Museum a cargo de Robert Smirke ( ) en una línea de clasicismo neogriego, y el inicio de la construcción de las Casas del Parlamento de Charles Barry ( ) y Augustus W. Pugin ( ) (25), máxima expresión del neogótico inglés. Junto al revival debemos hablar de eclecticismo, consistente en mezclar diferentes estilos en una misma obra en un intento de fusionar lo mejor o lo más representativo de cada uno de ellos. Este proceso se afianzará coincidiendo con la mitad del siglo XIX. Los estilos del pasado no se siguen ya de forma aislada, purista, sino que se combinan sus formas en función de las necesidades y en un mismo edificio. Nace así el Eclecticismo, la más extendida e influyente forma de entender la arquitectura de todo el siglo XIX. En el triunfo y difusión del Eclecticismo resultó fundamental la intervención urbanística dirigida por barón Haussmann en París. Con tal motivo fue preciso llevar acabo un enorme esfuerzo constructivo que, teniendo en cuenta el impulso oficial y centralizado, logró una gran coherencia. A partir de la arquitectura francesa anterior y de la reinterpretación de los estilos históricos se definió una manera de construir a veces denominada Estilo Imperio, del que derivará gran parte del gusto posterior. Se trata de una arquitectura sólida, colorista y variada, en la que prima la libertad de inspiración. Tal vez su obra más significativa fuera en este sentido la Opera de Paris ( ) de Garnier [comentarla].

2 2. Los nuevos materiales y el camino hacia una nueva arquitectura Superadas las primeras décadas del siglo XIX, la arquitectura, hasta entonces centrada en el debate entre neoclasicistas y neogoticistas, se encuentra ante retos para los que no tiene fácil respuesta. El problema fundamental consiste en tratar de dar satisfacción a las nuevas necesidades constructivas planteadas por la sociedad industrial y el fuerte crecimiento de la población. Surgen tipologías como las grandes fábricas, las estaciones de ferrocarril o los recintos para las muestras comerciales, para los que no hay precedentes históricos. Los arquitectos se encuentran entonces entre la posibilidad de adecuar las formas del pasado a las nuevas edificaciones o plantearlas a partir de lenguajes completamente nuevos. En general, se optó por una posición intermedia, siguiendo al más prestigioso de los teóricos y arquitectos del momento, Eugene-Emmanuel Viollet-le-Duc ( ), quien simultanea su admiración por las formas góticas, con la defensa de la utilización de las nuevas tecnologías y materiales propiciados por la Revolución Industrial. En ambos planteamientos encuentra un elemento común que convertirá en el referente de su obra y en el de buena parte de los arquitectos del siglo XIX: la racionalidad constructiva. En este sentido el hierro se convertiría en elemento de referencia. La Revolución Industrial hizo posible su fabricación masiva y económica, y su transporte hasta cualquier punto geográfico, abriendo unas inmensas posibilidades de empleo en la edificación. En principio fueron los ingenieros los que supieron apreciar las ventajas que ofrecía este material y comenzaron a utilizarlo sobre todo en la construcción de puentes. Los inicios fueron tímidos, empleando el hierro casi como si se hubiera tratado de piedra. Sin embargo, pronto se plantean soluciones más arriesgadas y se aplicó el hierro a la propia arquitectura, avanzándose por el camino de las nuevas posibilidades estéticas de este material. La madurez llegaría a partir de la segunda mitad del XIX con las Exposiciones Universales, comenzando por la de Londres en 1851 (Cristal Palace de Joseph Pastón) y culminando en la de París de 1889 (Galería de las máquinas y Torre Eiffel, I, II) [comentarla]. Las características más importantes son las siguientes: El material que utilizan es el hierro, hierro colado, de gran consistencia, más elástico indicado para soportes de gran carga. Desde 1845 se impone el acero de producción industrial y se generaliza el uso del cristal. En los revestimientos de los muros se utilizan materiales tradicionales (mampostería, ladrillo, piedra,..) Los muros son simples cerramientos de los edificios sin otra función ya que la carga está sustentada por un armazón interno. Los soportes aislados suelen ser columnas de fundición trabajadas como las clásicas y pies derechos de hierro laminado más resistente para cargas de gran empuje o construcciones amplias. Las cubiertas son techumbres de armazón metálico de diferentes formas o bóvedas metálicas cubiertas con láminas de cristal, teja o pizarra. La decoración hecha en metal es casi inexistente pero aparece a menudo otra decoración de materiales tradicionales en los revestimientos externos.

3 En el espacio interno aporta un nuevo concepto espacial de extensión indefinida, amplia, despejada y luminosa. Muestra respeto por la simetría, proporción y armonía pero no teoriza sobre esto. Se centró en la construcción de edificios acordes con los nuevos tiempos: puentes, fábricas, invernaderos, estaciones de ferrocarril, mercados, edificios para exposiciones, lo que significa el nacimiento de nuevas tipologías. Creó una nueva tradición constructiva que se ajusta al principio de que la forma sigue a la función. Se impone lentamente a mediados del XIX con sus innovaciones: construcción en esqueleto que permite edificar en altura, las paredes de vidrieras casi continuas, la planta libre y origina una nueva visión arquitectónica 3. El utilitarismo norteamericano como origen de la nueva arquitectura moderna: la Escuela de Chicago A finales del siglo XIX se observa un paulatino rechazo a las obras de tipo historicista, especialmente en Estados Unidos. Este país, y concretamente la ciudad de Chicago, se convirtió en el pionero de la auténtica arquitectura utilitaria y racionalista, necesaria en unas ciudades en que el desarrollo industrial y el rápido crecimiento poblacional exigían soluciones rápidas y económicas a las nuevas necesidades. Contaban, además, con la ventaja de poder edificar sin tener forzosamente como referencia las construcciones del pasado. Era más valorada la racionalidad que el esteticismo de un arte pasado y lejano. A mediados de siglo, Chicago se había convertido en el centro del comercio de EE.UU. y su población crecía vertiginosamente. Tras el incendio de 1871, que arrasó gran parte de sus edificios administrativos y de sus viviendas, se hizo necesario reconstruir la ciudad. Para ello, se desechó la madera y se utilizó desde entonces hierro y hormigón armado para levantar oficinas, viviendas, hoteles y almacenes. El nuevo Chicago se construyó con edificios que empleaban los nuevos materiales, nuevas tecnologías y nuevos tipos de edificios, que economizaban, al ser elevados en altura, un suelo cada vez más caro, entre ellos destacarán los rascacielos. Una serie de elementos comunes aparecen en buna parte de estos arquitectos. Entre ellos: el uso de pilares de hormigón para los cimientos; el armazón de hierro para las estructuras; la ampliación de los ventanales que reducen los muros de carga; la reducción de los elementos decorativos tradicionales (aunque se mantienen en una estética Art Nouveau); la búsqueda de la máxima funcionalidad en el edificio; y una nueva estética basada en los volúmenes geométricos y el juego entre verticales y horizontales. El carácter exterior del edificio debe emanar de la función interior. Entre los estudios de arquitectos que se encargaron de su reconstrucción destacaron los de William Le Baron ( ), Henry Richardson ( ) y Louis Sullivan ( ). La gran aportación de Le Baron fue la utilización de las estructuras en esqueleto (2) a partir de vigas de hierro en I, iniciando así el método característico de construcción del siglo XX. El nuevo sistema suponía que los muros dejaban de tener una función sustentante y se convertían en muros cortina que simplemente cerraban el edificio. Este proceso de edificación, posteriormente perfeccionado con la combinación de acero y hormigón, unido a la aplicación del ascensor de seguridad, hizo posible multiplicar la construcción en altura. Los pisos superiores pasaron a ser los más valorados y se resolvió en parte el problema del elevado valor del terreno. Richardson y Sullivan (almacenes Carsons [comentarlo]) continuaron la labor de Le

4 Baron en la definición del rascacielos. El modelo más habitual fue el de estructura triple de raíz clásica (base, fuste y capitel), con fachadas reticulares cada vez más abiertas mediante ventanales recortados sobre el muro. El nivel inferior, de finalidad comercial, destacaba por su diafanidad. El edificio debía ser, ante todo, práctico y, por tanto, responder a las necesidades para las que fue concebido. Sullivan resumió este sentido utilitario con una frase que está en el origen del Movimiento Moderno, la que afirma que, en arquitectura, la forma sigue a la función. 4. El modernismo arquitectónico (Antonio Gaudí) A caballo entre los siglos XIX y XX surge un estilo artístico fugaz pero de gran intensidad, el Modernismo, transmisor de la herencia cultural de siglo XIX y fundamento de muchas de las corrientes arquitectónicas del XX. El modernismo es un fenómeno complejo que se produce en las ciudades de aquellos países por donde se alcanza un cierto desarrollo industrial. Pretende ser el reflejo de una sociedad moderna y activa para hacer una ciudad alegre, nueva y elegante frente al feismo de la ciudad industrial. La búsqueda de la belleza aplicada a todos los órdenes de la vida. Será el estilo de una rica y refinada burguesía de fin de siglo, la más preparada social e intelectualmente. A pesar de las diferentes interpretaciones y nombres que recibe en los países en que se desarrolla, mantiene unas características más o menos comunes: Es una arquitectura que se pretende global, pues el arquitecto es también un diseñador que elabora los objetos de la casa (puertas, chimenea, mobiliario). Para ello, busca un regreso al trabajo artesano (importancia de la cerámica) frente a la mecanización impersonal de la industria. En materiales junto con los tradicionales se utilizan el hierro y el vidrio de forma constructiva y decorativa. Los nuevos materiales se abren pues paso, incluso como protagonistas de la propia fachada (Gaudí). Los muros tiene un modelado plástico y sinuoso con formas caprichosas y los soportes son columnas, con aspectos de tallos vegetales, y pilares de piedra con formas fantásticas. La decoración es un elemento importantísimo. Las superficies curvas y la decoración floral y ondulaste dan forma a los edificios y recubren los muebles y las paredes. Las algas marinas, los lirios y los tulipanes, las mariposas, las vestiduras y los largos cabellos femeninos se unen en una curiosa mezcla con un sentido orgánico. Están realizadas en cerámicas, relieves o vidrieras y el color es un elemento fundamental. Es la naturaleza orgánica que se apodera del rigor de la ciudad. Victor Horta es el pionero en Bélgica y en toda Europa. Su obra La casa Tassel de Bruselas es la primera manifestación de este estilo. En España, este estilo tendría un gran desarrollo, en concreto en Cataluña. Su desarrollo industrial permite incluirla en las corrientes artísticas europeas y "el modernisme" alcanza un desarrollo y una vigencia mayores que en otros lugares, pues se prolonga hasta los años veinte. Características del "modernisme" es el acento neogótico de

5 muchas de sus obras, consecuencia del nacionalismo de la burguesía catalana que pretende encontrar en lo medieval un esplendor modélico. Entre los arquitectos del "Modernisme" estarían Lluís Domènech i Montaner (Palau de la música catalana. I, II; Hospital de la Santa Creu, I) y Josep Puig i Cadafalch. Pero por encima de todos nos encontramos con Antoni Gaudí. Es el mejor y más creativo arquitecto de la época del Modernisme. Su arquitectura es más audaz y libre de prejuicios técnicos y formales que la de su tiempo y demuestra la capacidad de la arquitectura como vehículo de expresión lírica, de no estar casi siempre limitada por el utilitarismo y las tradiciones. Sus obras más importantes son:, La reforma de la casa Batlló (interior)donde las paredes se ondulas, La casa Milá, llamada también "la Pedrera", el parque Güell (I, II, III, IV)y La Sagrada Familia. [comentarla] Introducción. LA ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX En el siglo XX los problemas del hombre actual son nuevos y por ello sus necesidades también, sin antecedentes referenciales. Ante todo se revisa el verdadero significado de la arquitectura y a partir de este momento no podrá juzgarse suficientemente una obra si no la visitamos en su interior. Esta nueva estética radica en la función. Si el edificio está armoniosamente distribuido en su interior, si está integrado en el entorno, si resulta grata su habitabilidad, el edificio es bello. Desligados del compromiso del pasado, los arquitectos de este siglo manejan los volúmenes y los espacios con criterios absolutamente distintos producto de los nuevos materiales y de las nuevas necesidades. EL RACIONALISMO. Como preludio de la arquitectura racionalista se configura a principios de siglo una corriente en Europa que reacciona contra el historicismo y el decorativismo arquitectónico del modernismo, es el Protorracionalismo, en el que encontraríamos a los siguientes arquitectos: Adolf Loos: La mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de Viena. Estaba totalmente en contra de la ornamentación de la arquitectura. Esta ha de ser según él, utilidad, y sus formas y volúmenes han de estar en realción con el ser humano Peter Behrens: es, ante todo un arquitecto de fábricas comola AEG o la de turbinas de Berlin. Aprovechó las máximas cualidades de de los diferentes materiales para conseguir la máxima economía y simplificación, sin reñir con la estetica. Auguste Perret: reprsenta el racionalismo en Francia, y es el autor de la Casa Franklin de París (1902), en la que se sirve de cemento armado y cristal, igual que Tony Garnier que presentó una ciudad industrial para habitantes a base de los mismos materiales. Su obra se sitúa en utopías socialistas de Owen y Fourier.

6 El movimiento denominado Racionalismo centrará su desarrollo fundamentalmente en el periodo de entreguerras, agrupando a algunas de las más interesantes personalidades arquitectónicas del siglo XX; su obra y su teoría son individuales pero tienen el denominador común de la simplicidad de las formas, la forma sigue a la función como ya puso de manifiesto la Escuela de Chicago : Usa materiales altamente industrializados especialmente el hormigón armado. Es un material barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y que permite la construcción en esqueleto dejando la planta libre. Además permite la prefabricación en serie. Se alterna con otros como acero, cristal o ladrillo. El muro no es soporte, quedando reducido a una ligera membrana de cerramiento con gran número de ventanas que proporciona a los interiores luz y aire. Los soportes son pilares de diferente sección de acero y hormigón. Las cubiertas en general son adinteladas apoyando en los soportes con los que forman el esqueleto, consiguiendo un efecto ligero e ingrávido de gran audacia constructiva. Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma recta y desnuda. Hay una gran preocupación por la proporción, la simplicidad y la asimetría. El espacio interno se basa en la planta libre con paredes interiores que se curvan y mueven libremente adaptándose a las diferentes funciones. En los exteriores los voladizos, los bajos libres y las terrazas en horizontal definen la nueva imagen. Hay un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al nuevo ritmo de vida y organizar sus agrupaciones, proponiendo nuevas fórmulas como la ciudad-jardín de Howard o la ciudad industrial de T. Ganier. Los edificios más representativos son las viviendas sociales, en especial rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas de conciertos y estadios deportivos. 1. La Bauhaus En 1919, mediante la fusión de la Escuela de Artes Aplicadas y la Academia de Weimar, Walter Gropius crea en esta ciudad alemana la Bauhaus, a la que estuvieron ligados algunos de los más importantes arquitectos del siglo XX. Se trata, en realidad, de un instituto de artes y oficios en el que los alumnos diseñan todo tipo de objetos, con dos pretensiones fundamentales: superar la tradición y tener en cuenta las nuevas tecnologías surgidas como respuesta a las necesidades del individuo, tanto fisiológicas como psicológicas. Realizar objetos con técnicas industriales no tenía por qué significar que estos objetos estuviesen reñidos con el arte. El curso en la Bauhaus duraba aproximadamente tres años y seis meses. En ese tiempo los alumnos aprendían a manejar las cualidades de diferentes materiales y su proceso de elaboración. En 1925 la escuela se traslada a Dessau, a un edificio que se construyó según un proyecto de Gropius. Este fue el momento más interesante y productivo de la Bauhaus, el momento en el que más racionalistas se mostraron sus integrantes. Entre ellos se encontraban el propio Gropius y Meyer (este último sucedería a Gropius en la dirección de la academia). Fue clausurada en 1932, aunque se intentó reconstruir en Berlín bajo la dirección de Mies van der Rohe. Durante aquellos años se comercializó la producción industrial de modelos, alfombras, tejidos, etc. Dentro de esta escuela se encuentran algunos de los más destacados arquitectos del siglo XX: Walter Gropius ( ) se formó en el estudio de Peter Behrens. Su primera obra

7 importante fue la Fábrica Fagus (1911), concebida como una hermosa combinación de vidrio y hierro. Su gran obra es el edificio de la Bauhaus en Dessau [comentarla], en el que colaboraron tanto los estudiantes como los docentes. La planta esta forma a por tres brazos que se extienden con libertad y que multiplica los puntos de vista. Los muros son de cemento armado y vidrio. En 1937 se trasladó a los Estados Unidos, en donde montó un estudio con Breuer. Su arquitectura supone el triunfo de la razón en un momento en que las guerras representan la irracionalidad más absoluta. Mies van der Rohe ( ) era hijo de un cantero y sus primeros pasos en el mundo de la arquitectura los da de la mano de Behrens. Conocía a Le Corbusier y a Gropius, al tiempo que admiraba la obra del arquitecto neoclásico Schinkel. La primera obra de este autor que podemos considerar revolucionaria data de 1919: el edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, tres torres unidas en el centro en el que se situaron las escaleras y los ascensores. En 1923 y 1924 proyecta dos casas de campo y en 1929 el Pabellón de Alemania de la Exposición Universal de Barcelona, en el que demuestra que su arquitectura se fundamenta en el adecuado manejo de los materiales como el acero, el cemento armado y el vidrio, en los volúmenes nítidos y en el empleo del muro-cortina que sustituye al muro tradicional. En 1938 se vio obligado a emigrar a los Estados Unidos. Allí realizó el Illinois Institute de Technology de Chicago ( ) y un importante número de rascacielos (Seagran Building de Chicago, ) que parecen grandes cajas de cristal en los que se puede percibir la emoción siente por las formas puras. Menos es más es una frase que se le suele atribuir y que, en cualquier caso, define muy bien lo que fue buena parte de su arquitectura. 2. Le Corbusier La otra gran personalidad del funcionalismo racionalista fue Charles Edouard Jeanneret, conocido como Le Corbusier ( ). Nacido en Suiza, aunque la mayor parte de su obra se desarrolló en Francia, se formó en los estudios de Perret y Behrens, aprendiendo la utilización del hormigón armado. Ya en 1926 realiza una de sus obras más conocidas: La Villa Savoye ( ), en Poissy (Francia) que consiste en una estructura de hormigón armado encalada (estuvo durante toda su carrera influido por la arquitectura mediterránea) que se fundamenta en los cinco puntos que reúne su arquitectura: Empleo de pilotis: el edificio no se asienta directamente sobre el suelo. Se trata de que esté lo más separado posible del suelo, y se consigue, además, que este espacio sea transitable. Terraza jardín: es factible gracias al uso del hormigón, con el que se realizan techos planos. Las uniones del techo de hormigón se rellenan con arena que protege de las oscilaciones térmicas. La fachada libre Multiplicación indefinida de los vanos: los ventanales corridos están divididos por varillas metálicas y tienen mayor tamaño, llegan a invadir el muro, puesto que este ya no tiene la función tradicional de actuar como muro de carga. La planta libre: al variar la función tradicional del muro, tal y como hemos apuntado anteriormente, las plantas son muchísimo más libres. En 1935 publica una especie de tratado, Le modulor, en el que se recogen todas sus propuestas urbanísticas. Le Corbusier fue un gran teórico, pero no de carácter utópico,

8 sino que la mayor parte de sus teorías se aplican en sus obras. Por ejemplo, en Le modulor (1948) estudiaba los movimientos de un hombre de 1,83 m de alto e intentaba que sus arquitecturas estuviesen realizadas a una escala humana y sirviesen para ajustarse adecuadamente a sus necesidades. Estas teorías tuvieron una aplicación inmediata en la Unidad de Habitación De Marsella ( ), conjunto destinado a familias obreras, en el que se busca sobre todo la habitabilidad y la calidad a bajo precio. En ella, los bloques que la integran se disponen espaciosamente sin interferirse unos a otros y sin quitarse la luz. En 1950 se produce un importante cambio en la trayectoria de Le Corbusier. Se suaviza su Racionalismo y se aproxima al Organicismo. En 1955 realiza una de sus obras maestras: La iglesia de Notre-Dame du Haut en Ronchamps ( ). Su planta es irregular y ondulante y los muros están ligeramente inclinados. Este edificio está cubierto con un gran elemento curvado que parece una inmensa hoja. En este caso, Le Corbusier recurre a la propia naturaleza para inspirarse. Distribuidas libremente a lo largo del muro se encuentran pequeñas ventanas de vidrios de colores que concentran la luz en puntos muy concretos del suelo. Parece, más que una arquitectura, una escultura gigantesca, en la que la exaltación de la materia y la búsqueda del dinamismo son los aspectos fundamentales. Existe mucho del Expresionismo en esta obra. EL ORGANICISMO En oposición a los principios racionalistas y funcionalistas se desarrolló una arquitectura preocupada por buscar la correspondencia entre arquitectura y naturaleza, y por emplear formas más orgánicas. Esta tendencia, denominada organicismo pretende poner los medios técnicos al servicio del ser humano, y por ello parte del conocimiento de éste. Se tiene muy en cuenta la armonía experimental y, puesto que las sensaciones tienen mucho que decir, el arquitecto debe tener presente la acústica, la armonía de colores y la armonía de la vivienda con el entorno. Con el organicismo se recuperan materiales como la madera, el ladrillo o la piedra, y la arquitectura adquiere formas más libres, recobrando el espacio una nueva flexibilidad. Estas ideas las podemos encontrar en la arquitectura desde tiempos muy remotos, pero la verdadera formulación teórica del Organicismo la hace Wrigth ( ). Desde muy pronto se interesó e investigó las relaciones entre el hombre y la arquitectura, y de esta última con la Naturaleza. Este arquitecto era de origen norteamericano, viajó por Europa entre 1909 y 1911 y trabajó en Tokio, donde conoció la arquitectura japonesa que le fascinaba, lo mismo que los templos mayas de Yucatán. De esto podemos deducir que la formación de Wright es cosmopolita y amplia. En la segunda mitad de los años treinta realizó la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada (1936), bella simbiosis entre arquitectura y naturaleza. En ella se recogen buena parte de las características esenciales de su obra: El sentido de lo interior como realidad La planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes- La unidad entre el exterior y el interior- El uso de materiales naturales. La casa como protección. Con las aportaciones a la arquitectura de Wright el Racionalismo comienza a ser

9 olvidado y se ensayan nuevos caminos para la arquitectura. Él se encarga de oponer la curva a la línea recta, característica del Racionalismo. En los últimos años de su vida experimentó con dichas formas curvas e imaginativas en las plantas como demostró magistralmente en el Museo Guggenbeim de Nueva York ( ). En este caso se esforzó por dotar al museo de dos aspectos fundamentales. En primer lugar, se encargó de que fuese un lugar luminoso en el que sobresaliese una luz controlada que no se refleje sobre la superficie de los cuadros. Por otro lado, quiso que fuese un espacio para disfrutar, un espacio agradable, que se recorre ascendiendo por una rampa y de un modo continuo que permite que el museo se transite sin rupturas, como algo progresivo.