TITULO: Análisis funcional de la luz dentro de la narración.

Transcripción

1 Trabajo Práctico N5 Facultad de Diseño y Comunicación TITULO: Análisis funcional de la luz dentro de la narración. GRUPAL Consigna: Elaborar un análisis crítico sobre la puesta de luz en dos películas, detallando los órganos principales con los que un director de fotografía consigue componer su ligazón con la narrativa. Actividad: Elija una película favorita, investigue acerca de la actividad de su director de fotografía (df), elabore un análisis sobre su trabajo, usando otra película mas como ejemplo. Visionado de película: Tips para orientar la investigación: Exposición y tema que la de la película trata. Deduzca si hay alguna predominancia de género al que pertenece, o rasgo pictórico, establezca una relación con el film, si la hay. Elabore un análisis del punto de vista que recorre la dirección del film. Considere la estructura del film, los cursos y recursos de la puesta en escena. Analice algún personaje protagónico, establezca sus movimientos emocionales. Interprete como se decide realizar los encuadres y cuáles son los movimientos de cámara y como se relacionan con la narrativa. Dé ejemplos específicos contando las secuencias. Estudie como la paleta de colores esta interactuando con los movimientos dramáticos, si estos están vinculados con algún personaje o espacio en particular. Dé ejemplos específicos. Determine cuál es la función que representa la luz en el film. Establezca conclusiones claras. Mínimo, 6 carillas con fotos incluidas.

2 El color proporciona mayor adecuación a la realidad, ya que el mundo es en colores, y una más amplia libertad para el juego de carácter creativo. Los cineastas del cine en blanco y negro, no obstante, llegaron a adquirir unas cotas altísimas de perfección fotográfica, de contrastes entre luz y sombras y una sorprendente profesionalidad en el uso de la iluminación. La luz es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. Sin luz no hay cine. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de una película. En claroscuro está filmada, por ejemplo, El sur, de Victor Érice. En el cine en blanco y negro lograron algunos cineastas como Eisenstein o Fritz Lang dominar el mundo de luces y sombras, dando a la sombra carácter protagonista, utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y cigarros. La niebla y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las sombras y no solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes. Debido a ello podemos deducir que la iluminación es un factor fundamental en el mundo del cine. En este trabajo decidimos investigar al Director de fotografía Matthew Libatique, (nacido el 19 de julio 1968). Es un cineasta americano conocido por su trabajo con el director Darren Aronofsky en películas como π y La Fuente. Entre las películas más notables de Libatique incluyen éxitos de taquilla como Iron Man, Iron Man 2, y Requiem por un sueño. En 2010, fue nominado para un Premio de la Academia a la Mejor Fotografía por su trabajo en Cisne Negro, por la que ganó su segundo Independent Spirit premio. Además, también ha ganado premios a la mejor cinematografía en la Asociación de Críticos de Cine de Los Angeles, NY Film Critics Online, SF Film Critics, entre muchos otros. De acuerdo con sus trabajos elegimos estudiar dos de sus grandes éxitos: El Cisne Negro (The Black Swan 2010) y Iron Man 2 (2010) En ambas películas Matthew logra componer su ligazón con la narrativa, lo vemos por separado en el caso de Iron Man y Iron Man 2, películas de acción en su mayoría, bastante iluminadas y brillantes exceptuando normalmente las escenas de suspenso elaborándolas con un clima mas gris y tenebroso. También al ser una película de acción con mucho trabajo en croma de montaje profesional Matthew realizo un excelente trabajo fusionando una perfecta iluminación con este elemento de fondo neutro.

3 Pero sin embargo film que más no llamó la atención fue El Cisne Negro. En esta película tenemos una fotografía, donde tanto el director, Darren Aronofsky, como el director de fotografía, Matthew Libatique, intentaron reforzar hasta la exasperación, la sensación de ahogamiento, de depresión narcisista, en definitiva de angustia interior, que es casi el leitmotiv del film. Se ha filmado en un aspecto 2.35:1, con cámaras Arriflex y Canon EOS 5D y 7D. Estas últimas ofrecen una gran profundidad de campo (sin duda, esencial para la película que querían hacer).por un lado, eligió soportes que dieran una textura al fotograma, entre vintage y artística, al mismo tiempo que oscura. Cosa que sirvió a dos propósitos, ya que la película con una alta sensibilidad nos da textura y permite a la vez captar más luz natural. mezclando magistralmente tomas en HD con tomas en 16 mm. que luego serían infladas a la copia en 35 mm, de tal forma que no se nota diferencia entre formatos. La paleta de color se ha reducido ostensiblemente, hasta alcanzar un blanco y negro en color, por así llamarlo, con una luz muy suave y de empleo muy clásico. Soberbia, que repercute al ballet, dulzura y soltura por un lado que representa al cisne blanco y oscuridad y disturbia que representa al cisne negro. La elección de las cámaras, obedecía a dos objetivos: primero el darle ese aspecto al

4 fotograma antes comentado; y segundo, el contar la historia de una manera mucho más documental, o cinema verité si te suena más el termino (cámaras al hombro, seguimientos de steadycam imposibles, grabación en interiores claustrofóbicos etc ). Por otro lado, jugó con dos tipos de iluminación diferentes: Por una parte, la iluminación del teatro, tal y como se espera de un teatro, dura, frontal, dejando a las figuras casi sin textura. Jugando con el diccionario, se diría que es una iluminación de teatro la que realza la teatralidad del momento, y excepto algunos retoques de relleno, seria la misma que se encuentra en un teatro real. Por la otra parte, tenemos lo que ocurre fuera, entre bambalinas, en la calle y en casa. Aquí Libatique intento conseguir una luz natural, siendo en ocasiones difícil discernir qué luz ha usado o cómo la ha puesto; haciendo que caigamos en el error de pensar que no se ha usado luz artificial, lo cual hace que su trabajo sea aun mas loable y meritorio. Toda la película se vive con un ambiente algo turbio y frío porque así es la vida de la protagonista Nina una chica insegura, que vive manipulada y presionada por su madre, sufre mucho al ser tan perfeccionista y no poder encajar con el papel que quiere conseguir en una obra muy importante, el papel del cisne negro. Muchas escenas se desarrollan de noche en el metro de la ciudad de Nueva York mientras ella lucha con su maligno subconsciente, que la quiere convertir en ese personaje negro que ella inconscientemente sí desea poseer para poder desenvolverse en el rol que quiere interpretar dentro de la obra de ballet y es así como se ve una lucha interna consigo misma. Lo que hace la fotografía en estos escenarios es que todo se torne mucho mas dramático de lo que es. Nos expone una luz aun más fría y oscura lo que nos hace entrar en una atmósfera en donde también sintamos las mismas inseguridades de la protagonista y vivamos mas a pecho sus miedos, que es lo que realmente se quiere lograr en este trabajo. En postproducción ya no nos queda mucho que decir, pues prácticamente todo se usó para reforzar lo conseguido con las cámaras. Se desaturó la imagen para hacerla más fría, e incluso se viro a azul, para aumentar la sensación, pero también se viro a colores cálidos las tomas de los lugares donde Nina se sentía más segura (como su habitación, o la discoteca, en el momento que las drogas la liberan de su opresión).

5 La parte de los encuadres tiene en esta película dos normas básicas. La primera es cerrar la imagen hasta lo que los fotógrafos llamamos ahogar la imagen. En términos fotográficos, lo que sobra alrededor del sujeto, objeto o detalle enmarcado en un encuadre, se denomina aire, y se suele dejar el aire para jugar con los diferentes encuadres que hay, basándolos en la regla de los tercios, o rompiéndola siempre con criterio. Si al encuadre, le quitamos ese aire, ahogaremos la toma. Pero, si como es el caso, es lo que queremos, jugará a nuestro favor a la hora de narrar nuestra historia. El 99% de las tomas de Cisne negro son así, incluidas los planos generales, donde casi siempre, hay algo en primer plano, rellenando y asfixiando el encuadre. El momento estelar de Matthew en ésta película sin duda es la escena del sueño con la que inicia el film, Nina (la protagonista) envuelta en una hipnotizante danza de ballet con un diabólico acompañante saliendo y entrando de la luz, apareciendo y desapareciendo, convirtiendose en príncipe y luego en demonio en un plano cámara en mano de gran complejidad.

6 Bibliografía: cisne-negro