COMENTARIO DE UN EDIFICIO BARROCO. San Carlo alle quatre fontane de Borromini

Transcripción

1 COMENTARIO DE UN EDIFICIO BARROCO. San Carlo alle quatre fontane de Borromini 1.- Identificación de la obra. Autor: Franceso Borromini. Arquitecto barroco italiano del segundo tercio del S. XVII. (Biografía y obra) La iglesia de San Carlo alle quatre fontane es uno de los edificios más originales y uno de los que mejor expresa los ideales estéticos del Barroco; y el primer encargo importante que se le hace a este arquitecto. Fue realizada entre La fachada se termina en El edificio es de reducidas dimensiones al igual que la riqueza de la orden Las Trinitarias- para la que fue hecha, aunque la fantasía utilizada le da una apariencia mucho mayor. 2. Análisis formal - Los materiales empleado son pobres: ladrillo y estuco, aunque aparentan ser materiales nobles, una ilusión óptica propia del Barroco. La fachada exterior es de piedra. - La planta presenta un contorno sinuoso. A partir de la forma de una elipse crea una planta a base de segmentos de óvalos, unos cóncavos y otros convexos. El contorno con entrantes u salientes permite al arquitecto conseguir en el interior y el exterior del edificio dos de los caracteres típicos del Barroco: la complejidad y el movimiento. - El alzado viene determinado por el plano, por lo que el muro - interior y exterior- se articula en curvas y contracurvas. Esta es una de las grandes innovaciones de Borromini que para animar las superficies planas no acude a una decoración recargada sino dando al muro movimiento. A la vez, el ondulamiento produce efectos de claroscuro dando así a la luz un gran efecto decorativo. En el interior, utiliza como elementos constructivos, arcos de medio punto, gigantescas columnas de orden compuesto entre las que se sitúan nichos, vanos y molduras; sobre ellas descansa un entablamento que se articula en tramos rectos y tramos ondulados. Sobre el entablamento se elevan pechinas y arcos de medio punto que sostienen una cúpula ovalada, que descansa sobre un anillo y se remata con una linterna octogonal convexa. La cúpula está decorada con una especie de casetones hexagonales, octogonales y en forma de cruz que disminuyen de tamaño en altura. Esta decoración de la cúpula produce un fuerte efecto de luces y sombras. El espacio interior se aleja de la claridad espacial del Renacimiento, que permitía al espectador apreciar sin esfuerzo el conjunto, ya que aquí no es posible comprender los elementos que la componen y cómo se relacionan. Lo primero que aprecia es el ritmo ondulante desde cualquier parte en la que esté situado. La fachada de piedra, construida después, es puro dinamismo y movimiento ondulante. Está constituida por dos pisos y tres calles verticales. En la parte baja, la calle central es convexa mientras que las laterales son cóncavas. La planta baja con su entablamento establece el movimiento principal del conjunto: cóncavo-convexocóncavo. En la planta superior el movimiento es cóncavo-cóncavo-cóncavo pero el pequeño templete elíptico, que rellena el hueco central, hace que este tramo parezca convexo siempre el espectador no se fije en la parte superior de la fachada. La planta superior está rematada también por un entablamento pero fragmentado en tres por el gran medallón sostenido por ángeles. Utiliza abundantes elementos decorativos para acentuar el claroscuro y el movimiento: arquitectónicos (columnas de orden gigante y columnas de orden menor, entablamentos) y escultórico; el remate en forma de llama que sustituye al tradicional frontón; el uso de las columnas adosadas en El Barroco europeo 1

2 lugar de pilastras que coloca unas junto a otras para dar mayor sensación de movimiento ascendente; la alternancia entre ventanas ovaladas y nichos con esculturas, la balaustrada y la decoración de follaje contribuyen a conseguir el efecto deseado. Destaca la conversión de elementos estructurales (columnas, entablamentos) en ornamentales. 3. Análisis estilístico. La concepción del espacio que se descompone en elementos independientes-, la ornamentación y el sentido del movimiento ondulante o los contrastes hacen de este edificio un ejemplo del Barroco. El interés por los muros ondulantes y la conversión de los elementos estructurales en ornamentales le identifican con Borromini frente a la arquitectura de Bernini de mayor ilusionismo y ostentación. El interés puesto en la elipse hay que relacionarlo con las teorizaciones que sobre esta forma, sus leyes y propiedades, está haciendo Kepler ESCULTURA BARROCA. EL EXTASIS DE SANTA TERESA. BERNINI 1.- Identificación de la obra. Este grupo, una de las esculturas más significativas del Barroco, fue realizado por Bernini entre para la Capilla Cornaro en la iglesia de Santa Mª de la Victoria de Roma. El autor es un artista polifacético -arquitecto, escultor, pintor, comediógrafo y compositor- aunque él se sintió sobretodo escultor. (Vida y obra). Sus obras son de gran riqueza decorativa (mármoles veteados, bronces, estucos pintados), buscando el colorido y los juegos de luz y sombra. Le interesa la fusión de la escultura y la pintura con la arquitectura, para conseguir efectos escenográficos. Su fecunda obra ha sido muy imitada. Tipología: es una escultura de bulto redondo para ser colocada en la parte central del altar y vista de frente. Tema: representa a la santa en pleno arrebato místico. El artista se basa en un episodio que la santa describe en el libro de su vida, cuando en sueños un ángel se le aparece y le traspasa el pecho con un dardo encendido, produciéndole a la vez dolor y deleite. El tema era de gran actualidad porque se había producido la canonización de la santa poco tiempo antes (1622) junto a otros santos (S. Ignacio, San Isidro), lo que obligó a los artistas a crear una nueva iconografía: la de las visiones y experiencias místicas como signos evidentes de santidad. 2. Aspectos formales: Materiales y técnica. Está hecha con mármol blanco sin policromar. El encuadro -con mármoles y jaspes de color- es polícromo contribuyendo a resaltar el blanco de la escultura. En su forma de expresión es una obra figurativa y naturalista pero interesa sobretodo la expresividad y el movimiento agitado. El Barroco europeo 2

3 La expresividad es teatral y un tanto exagerada en el caso de la santa: los ojos cerrados y la boca entreabierta reflejan un profundo dolor y a la vez el placer. El abandono de manos y pies indican lo mismo. La expresividad es algo menor en el ángel que muestra una sonrisa de ingenua bondad con algo de tristeza. El cuerpo cubierto de ropajes con pliegues agitados transmite una sensación de intenso movimiento, que se propaga a todo el conjunto. La sensación de inestabilidad las figuras parecen volar y se alzan sobre una nube- acentúa el dinamismo. La composición también contribuye a acentuar el dinamismo. Se trata de una composición en aspa y abierta, ya que se proyecta hacia el exterior. La luz es dirigida desde arriba, pasajera e inestable, y refuerza la sensación de fugacidad de la escena. Los ropajes agitados producen efectos de claroscuro. La calidad técnica es perfecta: el artista es capaz de expresar las diversas calidades de los tejidos (el tejido de la túnica del ángel es fino frente al grueso de la santa). El mármol parece que se ha convertido en un objeto dúctil como la cera. La teatralidad. La obra escultórica no está concebida como algo aislado sino dentro de un conjunto escultóricoarquitectónico que se asemeja a una obra de teatro. El tema reviste en principio un carácter de intimidad o recogimiento pero se presenta como un espectáculo en medio de un escenario. El hecho teatral queda reforzado por las pinturas laterales en las que aparecen los donantes como espectadores y por los rayos dorados, etc. Se ha diluido los límites entre la realidad y la ficción. Es la época del auge del teatro cuya influencia llega a todas la artes. 3. Análisis estilístico. Se trata de una imagen religiosa típica del Barroco católico que tiene como fin impresionar, enseñar y convencer a los fieles haciéndoles participar de la acción. Para ello, se elige un instante fugaz e inestable, y se intenta atraer la atención hacia un punto de vista único, disponiendo los demás elementos de forma sofisticada para lograr este objetivo. Por su temática, dinamismo, sentido del conjunto buscando la teatralidad, contrastes de luz y sombra y riqueza decorativa es un ejemplo destacado de escultura barroca que se dirige a conmover a los sentidos. El Barroco europeo 3

4 ANÁLISIS Y COMENTARIO PINTURA BARROCA 1. Identificación de la obra. VOCACIÓN DE SAN MATEO DE CARAVAGGIO Autor: Caravaggio (Vida y obra) Tipología. Es un óleo sobre lienzo que pertenece al ciclo de la Vida de San Mateo, su primer gran encargo eclesiástico para decorar la capilla Contarelli de la iglesia romana de San Luis de los Franceses, donde aún se conserva. La vocación de San Mateo está situada enfrente de El martirio de San Mateo Género religioso, aunque el autor lo trata como una escena de género (vida cotidiana). El tema de la obra es religioso: representa el momento en que Cristo llama a San Mateo a seguirle. Por la derecha entra Cristo con San Pedro y con una mano extendida señala a San Mateo. Todos los personajes se vuelven y Mateo se señala a sí mismo, sorprendido por la inesperada llamada. Aunque se trate de un tema religioso, el espectador lo percibe como una escena cotidiana que se desarrolla en una taberna donde un conjunto de personas, vestidas a la usanza de la época, están sentadas en torno a una mesa de juego. El pintor ha sustituido la iconografía tradicional por una representación cotidiana y vulgar. 2. Aspectos formales La forma de expresión es el realismo naturalista ya que toma como modelo la realidad circundante sin someter a ninguna idealización, pero es un realismo matizado, teatralizado, con una fuerte expresividad como se puede observar en los gestos especialmente de las manos. El Barroco europeo 4

5 La escena se desarrolla en un oscuro interior, con una composición es bastante estática y sobria, en horizontal, con pocos personajes divididos en dos grupos que enlazan gracias a la dirección de la mano de Cristo. La composición es menos dinámica que otras obras barrocas posteriores. La luz es el elemento principal del cuadro: la escena está iluminada por dos focos exteriores procedentes de la derecha que iluminan unas partes y dejan otras en la penumbra produciendo fuertes contrastes. La luz sirve para resaltar los contornos y el color de las figuras y para reforzar el dramatismo y la expresividad dejando en penumbra no que no es importante en ella como los pies de algunos personajes. La luz tiene además un efecto simbólico: el mundo sobrenatural formado por Cristo y Pedro (los pies desnudos y la túnica simbolizan la santidad) trae la luz verdadera al mundo material. 3. Análisis estilístico El cuadro es el ejemplo de arte al servicio de la propaganda católica de la Contrarreforma. En este caso, como muchos otros, se trata de fomentar el culto a los santos rechazado por los protestantes-. El pintor trata el tema religioso como un cuadro de costumbres para acercar el hecho religioso al creyente y lo dota de fuerte expresividad para excitar la devoción. Estas exigencias eran impuestas a los artistas por aquellos que les solicitaban la obra. La obra es representativa de principios del Barroco o estilo tenebrista. La luz y el claroscuro alcanzan un papel preponderante pero todavía no están desarrollados los rasgos más específicos del Barroco como es la disolución de los contornos por efecto de la luz como ocurrirá en Velásquez o Rembrandt. ÁNALISIS Y COMENTARIO. EL DESCENDIMIENTO DE RUBENS. 1. Identificación de la obra Autor (Vida y obra) Tipología.- Es un óleo pintado hacia Forma parte de un tríptico sobre hechos de la vida de Cristo en el que también se muestran la Visitación de la Virgen y la Presentación de Jesús en el Templo. Se conserva en la catedral de Amberes (Bélgica). Género religioso. Tema.- El descendimiento de la cruz es un tema religioso muy representado anteriormente que pone en acción a numerosos personajes: José de Arimatea, la Virgen, la Magdalena, etc. El pintor lo desarrolla con grandilocuencia y espectacularidad. 2. Aspectos formales La forma de expresión es realista con gran carga expresiva. La composición es en diagonal o aspa, muy utilizada en el barroco porque permite resaltar el movimiento y la profundidad. Domina el cuadro una gran diagonal marcada por la luz- que desde el codo del personaje superior llega hasta el pie de María Salomé, que se cruza con otras secundarias y con un línea vertical (va desde la parte superior de la cruz hasta los pies de San Juan). Todas las líneas de la composición se encuentran en el cuerpo de Cristo hacia el que se quiere centrar la atención del espectador y en torno al que se organizan los demás personajes El Barroco europeo 5

6 La escena desborda el marco y crea un espacio abierto, más allá de los límites del cuadro para introducir al espectador en el cuadro. La obra destaca por la sensación de movimiento, un incesante juego de curvas que confluyen en el cuerpo de Cristo y en su costado sangrante, y el dramatismo que acentúan la iluminación, los cuerpos musculosos en tensión y la naturaleza con fuertes nubarrones. La gama cromática es muy amplia, algo propio de Rubens, contrastando tonos fríos y cálidos, y predomina el color sobre el dibujo reflejándose la influencia veneciana. 3. Análisis estilístico. Rubens es un claro ejemplo de propaganda de fe a través de la predicación visual. Desarrolla el hecho religioso con grandes descomposiciones efectistas, espectaculares y teatrales que se dirigen a los sentidos más que a la reflexión. Es un cuadro representativo del Barroco por la composición en diagonal, el predominio de las líneas curvas, el claroscuro, los contrastes cromáticos y dinamismo y la teatralidad de la escena. ANÁLISIS Y COMENTARIO. LA RONDA DE LA NOCHE. REMBRANDT 1. Identificación de la obra La Ronda de la noche. Rembrandt. Rijksmuseum (Amsterdam). Tipología. Es un enorme óleo sobre lienzo realizado por Rembrandt en El título correcto de esta obra es La Compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytemburch. El título popular se debe a un error de interpretación del siglo XIX debido a la suciedad del cuadro. La restauración en 1947 demostró que se trataba de una escena diurna. Fue un encargo de la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar el Cuartel General de la Guardia Cívica de dicha ciudad. De ahí sus grandes dimensiones. Con motivo de un traslado, en 1719, sufrió un recorte por sus cuatro lados. Conocemos el formato original por dos copias (una acuarela y un óleo) del siglo XVII. Género. Se trata de un retrato corporativo, típico de la tradición pictórica holandesa, que surgió de la costumbre que tenían las corporaciones de exponer en sus sedes sociales el retrato de sus miembros. El principal representante El Barroco europeo 6

7 de este género es Frans Hals. Generalmente eran cuadros horizontales, estáticos, en los que personajes aparecían sentados y una luz uniforme resaltaba sus rostros dando a todos más o menos la misma importancia. En esta obra Rembrandt rompió este esquema. Tema. El pintor representa el momento en que la Compañía sale de su cuartel y se pone en marcha, dirigida por el capitán Cocq y el teniente Van Ruytenburch. Aparecen 16 soldados, llevando banderas, tambores y otros instrumentos. Vemos también otros personajes: una niña fuertemente iluminada (en la que se ha querido ver un retrato juvenil de su esposa ya fallecida de tuberculosis) un enano, un perro que ladra, añadidos por el pintor para animar la escena. 2. Aspectos formales: La composición: muy compleja, aparentemente desordenada. Presenta al grupo de forma espontánea y libre, captado en un instante, como si se tratase de una fotografía. Hay enorme animación y ruido, cada uno hace cosas distintas, en las más variadas actitudes y posturas, con movimiento vivo. Los retratados dejan de tener la misma importancia en la composición: en el primer plano en el centro aparecen el capitán y el teniente perfectamente iluminados, y el resto aparece en un segundo plano organizándose en grupos triangulares, con un movimiento curvo. Unas figuras son muy visibles, pero otras desaparecen en la penumbra y sólo vemos sus cabezas. Los personajes están colocados en cuatro planos de profundidad; existen multitud de líneas, con predominio de las diagonales y el zig- zag para dar dinamismo. La luz es la auténtica protagonista con gran preocupación por el claroscuro: zonas de penumbra dorada contrastan con otras fuertemente iluminadas que deslumbran (la niña que corre, el gallo colgado del cinturón). Aunque se aprecia la influencia de Caravaggio, frente a éste -que utiliza un potente foco de luz-, aquí la luz parte de distintos focos, y parece salir del interior de las figuras, irreal, creando una atmósfera mágica y misteriosa. La luz sirve para crear distintos niveles de profundidad. El color: es muy rico, lleno de contrastes y matices. Destacan el brillante amarillo del traje del teniente, con un fajín rojo anaranjado, frente al negro del traje del capitán en el centro del cuadro. Predominan los tonos cálidos, dorados. El color ha sido aplicado con pinceladas anchas, espontáneas y pastosas. El dibujo: Rembrandt pinta ahora sin apoyo del dibujo que pierde importancia frente al color. Los contornos están muy diluidos. El cuadro está constituido por la luz y el color. En el cuadro observamos otro recurso característico de la pintura barroca: los personajes que parecen estar mirando directamente al espectador para romper los límites entre lo real y lo representado. 3. Análisis estilístico El cuadro fue encargado para adornar la sede de una corporación. La mayoría de los retratos no quedaron contentos porque no aparecían con claridad ni se mostraba el rango que poseían por lo que Rembrandt tardó en cobrar los 1600 florines (posiblemente los dos oficiales pagaron más por ocupar un lugar preeminente en el cuadro). En la obra, Rembrandt ha roto con los convencionalismos del retrato en grupo de tradición holandés al ordenar a los personajes no por su jerarquía sino por razones plásticas, supeditando sus intereses particulares a la unidad de acción. El pintor demuestra con ello su libertad de espíritu y su modernidad. En la obra observamos todas las características típicas del Barroco: composiciones llenas de movimiento y dinamismo, con predominio de líneas diagonales y curvas; colorido rico y variado, con un color que unifica el cuadro (el dorado); contrastes de luces y sombras; desvalorización de la línea; realismo y gusto por el detalle; falta de claridad y confusión (lo más iluminado es lo que menos percibimos, como la enigmática niña), etc. El Barroco europeo 7