PRESENTACIÓN: Los griegos

Transcripción

1 PRESENTACIÓN: Los griegos Clase sin Power Point, introducción a los griegos. Nos presentamos y hablamos con los alumnos: por qué han elegido la asignatura, qué estudios se plantean de cara al futuro, grado de interés (introducir dinámica del seminario). Puntos tratados: a. El espíritu griego: la excelencia (areté), mentalidad agonística. La kalokagathía: la búsqueda de lo bello y verdadero b. Ars y techne. Concepto de akmé c. Griego vs. bárbaro: lengua y religión (excursus sobre los santuarios griegos fundamentales, el término de graeci) d. Cronología básica de los griegos: 1. preguntamos aquello que conocen: helenismo (Alejandro, 323 a. C.) 2. Situamos el I milenio a. C: origen de la POLIS, s. VIII a. C. (recordar) e. Diferenciamos entre polis y ethnos, la Grecia clásica definida como poliádica, la Grecia helenística presidida por la figura del basileus. f. Introducimos el concepto de clásico, en el sentido de referente. Situamos el momento clásico de Grecia: Atenas en el siglo V a. C. Explicamos el sentido diacrónico de selección g. A partir de la ubicación de la época clásica introducimos el sentido de postclasicismo en relación al helenismo, y de arcaísmo en relación al período preparatorio h. Insinuamos los dos espacios geográficos principales de la Grecia clásica: la mal llamada Grecia continental, en realidad Mar Egeo, y la Magna Grecia: exponente del fenómeno colonial (ad s. VII a. C.) i. Justificamos nuestra selección del temario a partir de la Grecia del I milenio a. C.: limitaciones tiempo, selección externa en función temario prueba selectivo, pero sin olvidar su importancia capital en el origen de la cultura occidental GENERAL ARTE GRIEGO 1. Ars / Techne: 2. Curiosidad intelectual del artesano griego ante ciertos problemas, en especial a partir del siglo VII a. C., de donde se marca inicio de la época arcaica para el arte: o Problema general: estática y movimiento (recordar filosofía presocrática: SER y DEVENIR) o Problema construcción: sostener una construcción de piedra (PERMANENTE) en lugar de una de madera y adobe 3. Con Grecia apreciamos una completa evolución desde lo arcaico a lo helenístico (barroco) 4. En el arte griego desaparece el colosalismo oriental: el hombre es la medida de todas las cosas (Sócrates), de ahí que su arquitectura esté proporcionada y en armonía con el hombre

2 ARQUITECTURA GRIEGA Introducción Una de las máximas consecuciones del arte griego ha sido dar una tipología de construcción arquitectónica a través de unos estilos 1 u órdenes que han perdurado a lo largo del tiempo, por lo que hoy conocemos la arquitectura griega con el nombre de arquitectura clásica. Esta tipología no surgió ex nihilo, sino de un arduo proceso de prueba y selección, en el que a partir del siglo VII (inicio del período arcaico) fue decisiva la trasposición a piedra de formas arquitectónicas muy anteriores realizadas antes en materiales tales como la madera, el adobe o la terracota. Las formas básicas a las que nos referimos son el mégaron (rectangular) y el tholos (circular), la búsqueda arqueológica de precedentes nos retrotrae más allá del II milenio a. C., si bien en lo que a nosotros nos interesa, las bases de la arquitectura griega se gestaron en época histórica, culturas minoica y micénica, que a su vez estaban influenciadas por culturas y civilizaciones mediterráneas tales como la egipcia o la hitita. Baste aquí señalar que la cultura micénica (mediados II milenio a. C.) presenta con función palacial el mégaron y con función funeraria el tholos. La cultura micénica no desconoce el empleo de la piedra en sus construcciones, la clave del período arcaico es que traspone a piedra las formas de construcción que eran propias en Grecia en ese amplio y muy desconocido período que conocemos como época oscura, que enlaza la cultura griega desde el final del mundo micénico hasta la aparición de la Grecia arcaica En este estudio, partimos siempre de restos arqueológicos, sitos en yacimientos ocupados durante siglos (reformas, destrucciones, abandonos, etc.), de donde necesitamos de plantas y reconstrucciones aproximadas para recuperar el sentido estético original de una construcción en un momento dado. Las principales construcciones que protagonizan este paso fueron realizadas para honrar a sus dioses con el fin de que perduraran en el tiempo. Es por ello que el estudio de la arquitectura griega parte y tiene como base principal el estudio del templo griego, entendido como morada del dios (en concreto de su estatua de culto), y que es por ello la manifestación más representativa y monumental. En este sentido cabe tener en cuenta dos variables: 1. Desde sus orígenes, la construcción en piedra en Grecia se distingue por una rara perfección, especialmente patente en los aparejos 2 : los sillares eran asegurados con grapas y al muro, una vez finalizado, se le sometía a un cuidadoso alisado 1 Etimología: stu=loj, o(, pilar o soporte de madera. 2 Forma de disponer los elementos empleados en la construcción de un muro.

3 2. El templo griego ignora el espacio interno, está concebido como la morada del dios y los ritos tienen lugar fuera del mismo. El esquema constructivo del templo griego es muy elemental: el trilito, esto es, la combinación de una losa de piedra horizontal, con otros bloques de piedra vertical para su apoyo, lo que conocemos como arquitectura adintelada o arquitrabada (si bien conocían también, el arco y la falsa bóveda), en la que la carga se dispone de forma horizontal, de suerte que las columnas ayudan a aliviar la sensación de masa. En cuanto a la planta, eligieron, especialmente, un tipo planta rectangular derivado del mégaron micénico, de función palacial y no diferenciadamente sagrada. Se trataba de una sala rectangular, precedida por un porche sostenido por columnas, que presenta en el fondo el espacio dedicado a la eschara u hogar, sobre este esquema nos aparece mutatis mutandis la estructura del templo griego que diferencia atrio y cella Porche sostenido por columnas (1) Sala rectangular (2) Eschara u hogar (3) Pronaos Naos Estatua de culto (2) (3) (1) Palacio de Tirinto, ca a. C. (apud. Arte Griego I) Proporción y belleza Para los griegos, la búsqueda de una correcta disposición del templo lleva a que la arquitectura antes que una técnica de construcción se convierta en número, proporción y equilibrio. El período arcaico muestra los esfuerzos que llevan a la fijación en época clásica de unas leyes o normas que codifican la organización del edificio según un orden interno, un kosmos, de proporción y analogía recíproca, esto es, un esquema fijo reglado de relaciones recíprocas entre las partes y los elementos constituyentes que permitiera al arquitecto controlar el resultado final en un espacio dado, ya que el templo edificio sagrado- debe adaptarse al templum espacio sagrado- y no al revés. La

4 belleza del edificio es según este orden, de la misma forma que sucede en escultura con las partes y miembros del cuerpo de un hombre bien formado. Estas reglas fijas son desconocidas en gran medida, no porque no faltaran tratados de arquitectura, sino porque estos se han perdido mayoritariamente, de forma que a penas sí contamos con obras tardías como De Architectura del romano VITRUVIO e indicaciones diseminadas aquí y allá en las fuentes clásicas, que se ven complementadas con las hipótesis generadas a partir de los restos arqueológicos, en muchas ocasiones muy exiguos. Aún así y sin descender aquí a detalles más precisos, podemos distinguir unos principios directrices de equilibrio: proporción: fijación de medidas a partir del cálculo de módulos constantes (número de oro o número F) analogía: simetría y correspondencia entre las partes y los elementos de la obra y de toda la obra en su conjunto. La construcción del templo requería armonizar las partes diferenciadas en la planta del edificio con los distintos elementos constitutivos del mismo. Es por ello, que a través de planta y elementos los historiadores del arte catalogan a un templo griego cualquiera: I. Planta: Partes Uno de los logros de la arquitectura griega es la distinción orgánica de tres partes fundamentales en el templo, a. Sala, naos (lat. cella): espacio central del templo en el que se guardaba la estatua de culto b. Atrio, pronaos c. Atrio posterior, opistodomos (recordar simetría) A ello se pueden añadir ciertas variaciones, en especial: o el ádyton (lit. inaccesible ), espacio independiente de la naos que en ciertas ocasiones aparece como una subdivisión de la cella sólo accesible desde el opistodomos (en otros casos se halla rodeando o bajo la cella) o templos hípetros: algunos templos no contaban con una cella propiamente dicha, sino que el espacio de ésta era ocupado por un patio a cielo abierto en el que se halla uno o varias capillas con la estatua del dios (naiskos)

5 Tipología Según la distribución de la planta Áptero puro (21) 3 (edificio sin pórtico columnado) Áptero (22) in antis (30), columnas entre las antas 4. Normalmente aparece como dístilo: di-stilo, dos columnas entre las antas Áptero próstilo (23). Normalmente aparece como tetrástilo (32). El desarrollo simétrico entre fachadas conduce al áptero anfipróstilo (24) Períptero (25)= peristilo, peri-stilo: la cella está rodeada de columnas: (pteroma). Entre columnas y paredes de la cella se distribuye un paso, ambulatio. La distancia del intercolumnio será regulada según proporción (misma distancia entre intercolumnios que la que guarda respecto a las paredes en derredor). Una versión es el templo pseudoperíptero (26), en el que las columnas aparecen adosadas a los muros de la cella. Por el contrario, el templo díptero (28), es aquel templo períptero con doble fila de columnas (entre fila y fila, distancia de un intercolumnio). Versión de este es el pseudodíptero (29), templo períptero de una sola fila de columnas, pero situadas estas a una distancia superior a dos intercolumnios respecto a las paredes de la cella. Según la cella: Íptero (27), templo con columnas dentro de la naos Hípetro, a cielo abierto, templo cuya cella está descubierta Según el número de columnas en los lados cortos: Dístilo (30). Normalmente in antis Tetrástilo (31) Hexástilo (32) Octástilo (33) Decástilo 3 Etimológicamente áptero ( a-ptero) significa sin alas. 4 Anta: pilastra cuadrangular que refuerza o decora el final de una pared, especialmente los muros largos que forman la cella del templo, prolongados en la fachada formando un pórtico.

6 II. Elementos: de la misma forma que señalábamos para la planta, la arquitectura griega tiene también como logro la distinción funcional entre: o Elementos de base: estilóbato o crepidoma, en forma de tres escalones o gradas sirve siempre como base o pedestal del templo o Elementos de soporte: columna (basa, fuste y capitel) y muro o Elementos de coronamiento: arquitrabe o elemento horizontal sostenido, donde se distingue friso y cornisa de la techumbre, frontón: la techumbre a dos aguas conforma este espacio triangular en los lados cortos Los tres órdenes griegos: dórico, jónico y corintio La codificación de la arquitectura griega condujo al surgimiento de los estilos u órdenes, que pueden definirse como soluciones armónicas, orgánicas y razonadas de elementos estructurales y decorativos, que acaban por ser canonizadas a partir del período clásico. A partir de la codificación en piedra que nos permite rastrear la evolución la arquitectura griega distinguimos dos órdenes, dórico y jónico, cuyos principios divergentes justifican el que se les estudie siguiendo una oposición rigurosa: Orden Dórico Orden Jónico GEOGRAFÍA ORIGEN VALORES ASOCIADOS MATERIAL Grecia continental y Magna Grecia Jonia y fachada oriental egeo Viril: fuerte y señorial Calificativos: Solidez, claridad orgánica, precisión, magnificencia Femenino: elegante y fastuoso Calificativos: Gracia, esbeltez, decorativismo, lujo Piedra local Mármol El orden corintio es en origen una variación del capitel del orden jónico, que se creó a finales del siglo V y que tuvo un enorme éxito a partir de época helenística. Nosotros vamos a estudiar la evolución de los órdenes distinguiendo desde el origen a la codificación clásica de los órdenes dórico y jónico, añadiendo un apéndice sobre el origen del orden corintio. A partir de época clásica veremos la arquitectura desde un punto de vista conjunto, a sabiendas que vamos a limitar injustificadamente nuestra exposición al siglo V a. C. Orden dórico arcaico El orden dórico parece ser el más antiguo, y se le considera el orden básico, generador de los posteriores. Según los valores estéticos asociados al dórico, se trata de una conceptualización sencilla del espacio arquitectónico, tanto por la distribución de sus elementos constructivos como por los escasos elementos decorativos. Desde el punto de vista formal, a. La columna no presenta basa, y si la tiene es la más simple. Su fuste, monolítico o compuesto por tambores es liso o recorrido por canales verticales

7 que se llaman estrías. Su capitel, es el más sencillo de decoración: después de una pieza de transición del fuste, llamada collarino, se pasa al equino de sección oblicua biselada y posteriormente al recto ábaco, donde apoyaran los bloques del arquitrabe. b. El entablamento se divide en tres partes: o el arquitrabe, normalmente liso, o el friso dividido en triglifos, a modo de tres líneas verticales, y las métopas, que generalmente contienen decoración en relieve. Los triglifos se sitúan sobre columnas, en los intercolumnios y en las esquinas o la cornisa. Sobre esta, en los lados cortos se sitúa el tímpano triangular que también suele hallarse decorado con esculturas de bulto redondo a modo de relieve Repasando las principales etapas de su evolución: a. Ca. 625 a. C. los etolios renuevan el santuario de Thermos, consagrado desde ahora al dios Apolo (sin fuentes documentales es imposible asegurar si el templo anterior, cf. arte pregriego, estaba consagrado a Apolo u otra divinidad). Todavía: número impar de columnas en la fachada (pentástilo) Cella alargada y profunda (la pronaos es muy reducida) Hilera de columnas en medio de la cella (para sostener la techumbre) Perístasis alrededor de la cella La planta manifiesta ya un criterio de claridad orgánica b. Templo de Ártemis en Corfú (ca. 600 a. C.) Octástilo Cella muy alargada, dividida en tres naves por dos hileras de columnas Perístasis: ambulatio muy ancha Presenta pronaos y opistodomos, en ambos se define ya la solución canónica de columnas pares entre las antas c. Templo de Hera en Olimpia (ca. 600 a. C.) La cella sigue siendo alargada, pero mejora la organización del espacio colocando dos hileras laterales de cuatro columnas cada una. Templo que manifiesta ya con seguridad el modelo de templo dórico d. Templo de Apolo en Corinto (540 a. C.) Hexástilo (columnas monolíticas): 6 x 15 Ubicación: paraje despejado presidido por la mole de Acrocorinto (leyenda de la captura de Pegaso por Belerofonte)

8 Columnas: estampa típica del clásico arcaico: estría viva, equino bulboso, ábaco macizo. En origen, las columnas llevaban un estuco calcáreo que disimula la porosidad de la piedra local Cella subdividida en tres naves por dos hileras de columnas (quizás distribuidas en dos pisos). Particularidad: la cella está distribuida en dos espacios diferenciados e independientes, a los que se accede respectivamente desde pronaos y opistodomos. En el estilóbato se consigue un efecto convexo en el piso. Evergetismo: tiranía de los cipsélidas (Cipselo, 657 a. C.) La actividad constructiva de la época viene en buena parte determinada por la rivalidad de las grandes familias que ven en la construcción de grandes templos una forma de expresar su fuerza y su poder: Cipsélidas en Corinto, Alcmeónidas en Delfos e. Templo de Apolo en Delfos (525 a. C.): erigido por los Alcmeónidas (exiliados de Atenas). Hexástilo, canon según templo de Corinto. Decoración escultórica: maestro ático, Antenor f. Templo arcaico de Atenea en la Acrópolis de Atenas: erigido por los Pisistrátidas (tiranía de 561 a 510 a. C.). En esta época se introduce el gusto por introducir rasgos jonios a edificios dóricos, aspecto que será retomado por los arquitectos del Partenón clásico g. Templos arcaicos en colonias griegas de la Magna Grecia (Sur de Italia y Sicilia): Posidonia (Paestum en época romana, actualmente Pesto) Basílica, ca. 550 a.c. Dedicado a Hera: elementos inusuales en distribución (Perístasis de 9 x 18; ) y decoración inusual en arranque del equino. Arte colonial. Templo de Ceres, dedicado realmente a Atenea, fin. S. VI: hexástilo, más canónico y en las líneas de la Grecia continental (incorporación de elementos jónicos y evolución del capitel, más cerrado concorde con las tendencias en la Grecia continental), sin dejar formas provinciales : decoración labrada por debajo del equino. Sicilia: templos grandiosos en sus principales ciudades, como Siracusa, Selinunte, Acragas, Segesta. Acrópolis de Segesta Templos C y D, dedicados a divinidades locales. El templo C, ca. 550 a. C., el templo D es algo posterior. Rasgos arcaicos: Cella alargada, adyton al fondo de la misma, ambulatio amplia; asimismo presente en decoración metopas

9 Arquitectura jónica: Templo F, ca Da sensación de mazo de columnas por los muretes que cierran los intercolumnios Templo G, ca. 520, dedicado a Apolo. Su dilatada construcción ofrece una muestra de la evolución de las columnas dóricas entre 510 y 470. De hecho la obra (templo octástilo y períptero), quedó inacabado. Templo E, dedicado a Hera, relacionado estrechamente con el de Zeus en Olimpia. Su construcción pudo llevar a que el anterior quedara inacabado. Desde un punto de vista formal: a. la columna: o reposa sobre una basa cuyo diseño tiene una ornamentación propia, la ática: dos toros y una o dos escocías o el fuste muestra mayor esbeltez de proporciones que el dórico; y se presenta normalmente acanalado (no arista viva) o el capitel esta formado por una gran espiral doble o voluta que se origina después del collarino. b. El entablamento es menos alto que en el dórico. o el arquitrabe se desarrolla en tres bandas lisas o platabandas, o el friso es corrido, y suele estar decorado con relieves o la cornisa suele estar decorada con dentículos, flechas y ovas. Desde un punto de vista orgánico: a. El templo jónico gusta del modelo díptero b. La amplia cella suele contar sólo con pronaos c. El sentido innato de pulcritud y suntuosidad lleva a la utilización de materiales nobles (mármol), en lugar de la piedra local propia del templo dórico arcaico El historiador romano del Arte, VITRUVIO, nos habla de su génesis: Cuando decidieron levantar un templo en honor a Diana, inventaron un nuevo estilo, dándole esbeltez al aplicar la misma proporción que en el estilo anterior, pero ahora relacionándolo con las pisadas de una mujer. Hicieron que la anchura de la columna fuera la octava parte de su altura, para que tuviera un aspecto más grácil. Después pusieron en su base un anillo a manera de calzado, y en el capitel colocaron como cabellera unos bucles rizados que le caían a derecha y a izquierda, y con ondas y guirnaldas adornaron la rente como si llevara flequillo. A lo largo de todo el fuste marcaron estrías como si fuesen los pliegues de las estolas que llevan las matronas. Así hicieron el modelo de los dos estilos de columnas uno de belleza severa, sin adornos, varonil, y el otro con la figura, la ornamentación y la proporción femenina... Y como los primeros que lo usaron fueron los jonios se le llamó estilo jónico. Tres templos de época arcaica representan las esencias del arte jónico. Se trata de tres santuarios que vamos a ver por orden cronológico, a sabiendas de que como lugares de culto centenarios explicar la evolución diacrónica de los templos requeriría un espacio inabarcable para nosotros

10 Por orden cronológico: Heraion de Samos, Artemision de Éfeso y Didimaion de Apolo (Dídimo, cerca de Mileto) 1. Heraion de Samos: a. Primera construcción jónica en la primera mitad del siglo VIII, realizado en piedra, madera y adobe. b. 670 a. C. Cella muy alargada rodeada por una perístasis sencilla que en el frente principal se hace doble. Precedente de la perístasis c. Tirano Polykrates ( a. C.), respeta planta pero aplica perístasis en 3 columnas en los lados cortos a imagen del Artemision de Éfeso. Decoración con palmetas y capullos de gran plasticidad (antecedente en tesoro de los Siphnios en Delfos) 2. El Artemision de Éfeso (1 de las 7 maravillas del Mundo Antiguo) 550 a. C., los efesios, aprovechando la experiencia del Heraion de Samos construyeron un templo monumental a su patrona Ártemis. Se conoce el nombre de los arquitectos cretenses: Chresiphrón y Metágenes, junto a Teodoros (arquitecto en el Heraion, fase intermedia). La solución fue la creación de un templo díptero con triple fila de columnas en los lados cortos, prolongándolas en una pronunciada pronaos que las lleva hacia el interior del edificio: apariencia de un auténtico bosque de columnas de tamaño colosal. La gracia no sólo es la multiplicación y dimensiones de los elementos, sino el descubrimiento de multitud de soluciones que articulan sabiamente el conjunto. Junto a ello: suntuosidad del mármol y copiosa y original decoración, especialmente los tambores inferiores de las columnas decorados con figuras en relieve. 3. Didymaion de Apolo (en Dídyma), cercanías de Mileto, iniciado ca. 300 a. C: sigue la línea de colosalismo del Artemision, aquí santuario oracular. Se recurre a un templo díptero, pero introduciendo la novedad de convertir la cella propiamente dicha en un espacio descubierto dentro del que se sitúa una capilla o naiskos para la imagen de culto. Desde el exterior parecía un templo convencional. Toma también del Artemision la solución de decorar la parte inferior de los fustes, en este caso con imágenes de korai jónicas. El orden corintio Es el último de los órdenes clásicos en aparecer, en esencia no constituye un orden de arquitectura, sino que es una variante más esbelta y decorativa del estilo jónico. Se creó a finales del siglo V a. C. pero su uso se generalizó en la época helenística (a partir del siglo III a. C.). Formalmente consta de una basa y un fuste acanalado y lo más específico de dicho estilo es su capitel que después de un collarino resaltado, consta de una doble fila de hojas de acanto, caulículos, y cuatro volutas simétricas en las esquinas que sostienen el ábaco. Este capitel tendrá numerosas variantes griegas y romanas que darían origen al orden compuesto romano.

11 Según la tradición griega, su inventor no es un arquitecto, sino el escultor Kallímachos. Se explica así que el orden corintio ofrezca un sentido más decorativo y estilizado. El origen es muy curioso: Kallímachos había encontrado en el suelo una cesta con hojas de acanto. Inspirándose en ese hallazgo, realiza la forma del capitel corintio. Progresivamente se fue introduciendo la columna corintia, consagrada en el Templo de Apolo, en Bassae. Cuando lleguen los ss. IV y III a.c. se generalizará el empleo del orden corintio. Ejemplos representativos del estilo corintio son en Atenas: La Linterna de Lisícrates (finales s. III a. C., que luce en primicia columnas corintias en el exterior) y el colosal Olimpieon (s. II a. C.). La importancia del orden corintio se abre paso con el Helenismo, siendo progresivamente el más empleado, hasta el punto que en época del Imperio Romano se crea su celebérrima variante del orden compuesto. Una y otra variante tendrían un éxito absoluto en el arte europeo desde el renacimiento al neoclásico. ARTE CLÁSICO El clasicismo griego no puede ser asignado a una polis u otra, sin que por ello podamos negar que fragua en la Atenas de la segunda mitad del s. V a. C., la polis liderada por Pericles se convierte en centro helénico del arte y del pensamiento. La arquitectura alcanza plenamente su grado de madurez en el templo, pero a ello se añaden edificios que al compás de ciertos certámenes religiosos van ganando protagonismo, nos referimos a las instalaciones vinculadas a los agones deportivos, musicales o teatrales desarrollados en las panegirías griegas tales como teatros, odeones, estadios o hipódromos. Este tipo de edificios van a ir ganando un protagonismo civil antes incluso que religioso que va preparando a la eclosión arquitectónica a partir de época helenística. La amplia época clásica abarca un período cercano a dos siglos de historia y producción artística griega, no nos debe extrañar que según su origen, madurez y desarrollo final se hallan distinguido hasta cinco etapas dentro de la misma: 1. Transición de la época Arcaica a la Clásica ( a. C.) 2. Alta época clásica o estilo severo ( a. C.) 3. Época clásica plena o madura ( /420 a. C.) 4. Estilo bello (430/ a. C.) 5. Segundo Clasicismo o clasicismo tardío ( a. C.) Transición de la época arcaica a la clásica ( a. C.) A principios del siglo V el orden dórico se acerca a la consecución definitiva del ideal del templo clásico a través de dos edificios, el templo de Aphaia en Egina y el tesoro de los atenienses en Delfos o Templo de Afaia en la isla de Egina ( a. C.): los eginetas erigen este templo en honor de Aphaia, una divinidad local asociada a la diosa Atenea. Templo hexástilo y períptero la naos adopta una estructura simétrica: pronaos y opistodomos sendos atrios columnas in antis.

12 El espacio interior de la cella se divide en tres naves, más ancha la central, por medio de dos filas de columnas, que además sustentan un orden superior. El material utilizado fue la caliza local, estucada, lo que le confiere una extraordinaria blancura y luminosidad Policromía: el blanco se la piedra se conserva en los elementos arquitectónicos que definen la fábrica del edificio (muros, fustes, arquitrabe), mientras que los elementos complementarios son policromados según la alternancia bícroma que es ya típica desde época severa: negro o azul para resaltar las verticales, rojo para iluminar las horizontales. De la misma forma, en las esculturas de los frontones (escenas de la Guerra de Troya relacionados con héroes eginetas), se conserva el blanco resplandeciente del mármol de Paros para las partes desnudas de los cuerpos, mientras que los detalles (armas, chiton de la diosa, peinados, etc.) estaban policromados predominando el rojo. Toda la escena resaltaba sobre el fondo azul del frontón, conforme al carácter etéreo e ideal de la escena. La obra es dotada de un carácter mucho más airoso, apenas es perceptible el avance que supone el inmediato templo de Zeus en Olimpia. Ello es conseguido a través de: El friso se contrae (menor sensación de pesadez) Las columnas resultan más esbeltas, en ello resulta muy importante la evolución del perfil del equino, mucho más airoso Incorporación de refinamientos ópticos o Tesoro (thesauros) de los Atenienses (490 a. C.): se halla junto a la Via Sacra que conduce al templo de Apolo en el santuario de Delfos, junto a la stoa de los atenienses. Templo áptero, in antis. Manifiesta el templo dórico reducido a su esencia más sucinta. Metopas: tema de amazonomaquia y hazañas del héroe ateniense Teseo y de Heracles. Alta época clásica o estilo severo ( a. C.) o Templo de Zeus en Olimpia ( a. C.): Los habitantes de Elis deciden erigir un nuevo templo a Zeus tras aniquilar a la vecina ciudad de Pisa (742 a. C.). El prestigio del santuario, la importancia de los Juegos Olímpicos, el celebérrimo Zeus de Fidias, crearían el sentido panhelénico del mismo. Las fuentes conservan el nombre del arquitecto: Libón de Elis, autor del canon clásico, del arquetipo del templo dórico que resume y revisa toda la experiencia anterior.

13 Templo hexástilo y períptero de proporciones perfectamente pensadas y observadas, sin que ello resienta el sentido de libre plasticidad, es decir la individualidad de cada elemento según su función y significado en el conjunto. La perístasis aparece definida según el módulo de 6 x 13 columnas. Desconocemos el sistema de proporciones, pero se rige por la organicidad, el orden y la subordinación de las partes al todo. Interior de la cella: tres naves, la central el doble de ancha que las laterales, y con doble orden de columnas superpuestas. La colosal estatua de Zeus, realizada por Fidias unos 30 años después de la edificación del templo, guardaba proporción con la cella (basa ocupaba todo el ancho y una tercera parte de la nave central, el alto por completo), sin embargo, a posteriori, según el gusto en época romana fue muy criticado, tal y como reflejó ESTRABÓN: si se levantara se golpearía la cabeza contra la techumbre.) Material: piedra local, sobre el que se aplicaba un estuco de mármol en polvo, dejando el mármol tallado para la decoración arquitectónica. Refinamientos y correcciones: Principio de contracción de esquina, para corregir las desavenencias de triglifos y metopas respecto a los ejes de las columnas Estudio de la proporción adecuada para el éntasis de los fustes de las columnas Forma canónica de ábaco y equino, de dimensiones interdependientes y ajustados a la tensión precisa del edificio. Los elementos horizontales se someten al efecto de la curvatura, antídoto ideal contra deformaciones ópticas. o Canon dórico en Magna Grecia: templo de Posidón o Zeus en Posidonia, templo E de Selinunte. Sendos ejemplos se corresponden a la perfección con los modelos continentales en Egina y Olimpia. Época clásica plena o madura ( /420 a. C.) El arcontado de Pericles ( a. C.) constituye la pentecontecia, período de apenas 50 años, cuyo esplendor y brillantez inextinguibles, constituye un cenit en la historia de la Historia de la Cultura. o Acrópolis de Atenas: Partenón ( a. C.), Propíleos ( a. C.), Erecteion (406 a. C.) o Hephasteion (449 a. C.): monumento ateniense en el que más se deja sentir el impacto del Partenón. Templo ubicado en el extremo noroccidental del ágora de Atenas a Hefesto y Atenea, divinidades protectoras de la industria artesana. Templo dórico canónico (6 x 13) Mármol pentélico Interior de la Cella delimitada en forma de U, como Partenón

14 Incorpora correcciones en materias de proporciones: esbeltez columnas, contracción de metopas, curvatura y policromía. Decoración mural pintada y estucada de las paredes de la cella, que incorpora la columnata interior a la visión pictórica: enmarque arquitectónico o integración de la arquitectura en la pintura: germen de un género de gran desarrollo en el tiempo. o Templo de Poseidón en el cabo Sunión: arquitecto ateniense influido por Iktinios, como Hephasteion. Extremo más meridional del Ática, última proyección sobre el Egeo, ideal para sugerir la epifanía del dios, y recordar el imperialismo marítimo ateniense. Templo hexástilo La esbeltez de las columnas recuerda a la arquitectura jónica del siglo IV. o Templo de Apolo Epicuro en Phigalía (Bassai): templo erigido a Apolo Epicuri en acción de gracias por haber remitido una peste terrible en la región de Bassai (Phigalia, Arcadia), año 429 a. C. Se llamó al arquitecto Iktinios, que puso en marcha soluciones aún más avanzadas que en el Partenón. Arquitectura que gusta sorprender Utiliza piedra local para el núcleo de la obra y mármol para los elementos decorativo Templo dórico, cuya planta presenta una inspiración arcaica: alargada (6 x 15) Cella: de las paredes salen contrafuertes a los que adosa medias columnas jónicas, introduciendo la movilidad en las líneas. Parece recordar a la cella del Heraion de Olimpia, pero lo organiza según la forma en U del Partenón, añadiendo la novedad de un capitel corintio en las columnas del fondo. Estilo bello (430/ a. C.) o Erecteion o Templo de Atenea Nike Segundo Clasicismo o clasicismo tardío ( a. C.) o Mausoleo de Halicarnaso (ca. 350 a. C.): Mausolo, sátrapa de Caria, mandó construir en Halicarnaso (Bodrum), una tumba monumental en forma de casa o templo en mármol, al modo de las tumbas que se veían en el sur de Anatolia. o Santuario de Epidauro: Teatro de Epidauro El teatro era, junto con otras construcciones como anfiteatros y circos, un edificio para espectáculos públicos. Su función era la de servir de marco a las representaciones teatrales a las que acudía numeroso público, de ahí que se construyeran con gran cabida. Los griegos aprovecharon la pendiente natural de las colinas más próximas a la ciudad para excavar en ellas las graderías de sus teatros, a veces tallados en

15 la misma roca, aprovechando el pié mismo de la colina para la construcción de la escena y la orchestra. Las partes del teatro son: la gradería (cavea o koilón) que son los escalones destinados al público, en ocasiones cubiertos con grandes losas de piedra. La orchestra que corresponde a la zona situada entre el graderío y la línea recta que limita el escenario. Era el lugar dedicado a los coros, que acompañaban la representación teatral. Debido a la mayor importancia que tenía el coro en el teatro griego, éste tenía forma circular, a diferencia del romano, que tenía forma semicircular. El escenario (scena) era un largo rectángulo frente a la orquesta donde se realizaban las representaciones teatrales y que estaba levantado sobre un zócalo para facilitar la visión de la representación teatral. Análisis de la obra. El teatro de Epidauro constaba de cincuenta y cinco graderías, divididas en dos fases, calculadas según una pendiente perfecta, al pie de la cual se situaba la orquestra y la escena. Las dimensiones de las graderías para el público alcanzaron enorme extensión en las ciudades helenísticas. Los teatros eran una verdadera vanidad de la época; las ciudades menos importantes rivalizaban entre sí para construir grandes teatros que pudieran acoger cada vez más espectadores, el de Epidauro tenía capacidad para albergar a espectadores. El arquitecto que lo construyó, con toda probabilidad, fue Polícleto el Joven, nieto del escultor del siglo V, que lo comenzaría en torno al año 330 a. C., situándolo a unos 500 m. al sudeste del santuario de Asclepio. Cada cuatro años tenía lugar la panegiría de las Asklepeia en Epidauro, que combinaba pruebas gimnásticas y musicales. Significado. El teatro de Epidauro es una de las maravillas de la arquitectura griega, por la geometría de sus líneas, por la perfecta visibilidad de escena y por su asombrosa acústica, siendo además el que está en mejor estado de conservación. El teatro griego, al igual que otros modelos artísticos griegos, sobre todo de la época helenística, fueron los grandes inspiradores de la arquitectura romana posterior. CARACTERÍSTICAS Y EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA

16 A. Características generales a. Materiales: Piedra (mármol) y bronce, siempre policromados. La escultura procede de modelos orientales, que se van perdiendo, progresivamente, formalismos y convencionalismos. b. Cuerpo humano: Se representa como ejemplo de belleza física y equilibrio espiritual. La figura humana es el leit-motiv de la escultura griega, el hombre: vestido o desnudo, en reposo o movimiento, erguido o sedente. c. Idealización: La representación masculina y femenina se idealiza. Se busca el modelo ideal aplicando un canon de anatomía y proporciones. Desde fecha se conquistará: El volumen El movimiento La expresión de sentimientos y emociones

17 B. Escultura arcaica (siglos VIII-VI a. C.) o Influencia oriental, sobre todo egipcia. En el siglo VIII a. C. encontramos estatuillas femeninas de marfil. En el siglo VII a. C. leones vigilando santuarios y esfinges. Sabemos de la existencia del xóanon: esculturas de dioses de madera recubiertas de láminas metálicas, cuya invención se atribuye a Dédalo. A mediados del siglo VI a. C. el repertorio se multiplica con esculturas de bulto redondo y relieves. Entre las esculturas de bulto redondo son importantes las korai y los kouroi. o Las korai: son figuras femeninas siempre jóvenes esculpidas en piedra, vestidas con el chiton, túnica, encima el péplum, manto corto o el himatión o manto largo formando pliegues. Inspiradas en modelos orientales, son frontales, planos, hieráticas y de bulto redondo. Su rostro con ojos almendrados, que miran al espectador, sonrisa arcaica, rizos ordenados simétricamente y algún indicio de movimiento (brazos), las manos y los pies grandes y desclazos (dignidad) Dama de Auxerre (cf. comentario) Escultura de bulto redondo que representa a una mujer joven vestida con el chiton y el peplo. Figura erguida. El punto de vista es frontal. Piernas juntas, brazos adheridos al cuerpo, con el derecho tocando el pecho. La cabeza está muy trabajada: sonrisa arcaica, ojos almendrados, pelo con tirabuzones ordenados simétricamente. La túnica tiene decoración incisa, y un cinturón que resalta las caderas y los senos. De los hombros sale un manto corto. Las manos y los pies son especialmente grandes. Estuvo policromada como toda estatuaria griega. El conjunto se ha esculpido sobre una peana cúbica que forma parte de la misma pieza. Es una obra bastante arcaica y tosca pero con un intento de modelado que la aleja de los modelos egipcios. o Los kouroi: es el tipo masculino, desnudo, con la pierna izquierda adelantada y los brazos pegados al cuerpo. Son esculturas monumentales en los que predomina la ley de frontalidad, son rígidos y de anatomía geométrica. El rostro tiene ojos almendrados, sonrisa arcaica y rizos ordenados geométricamente sobre los hombros. A finales del siglo VI a. C. evolucionan hacia el naturalismo. Tenían dos funciones, función votiva (monumento que recuerda a un personaje) y función funeraria (muestra al difunto en plena vitalidad).

18 Aunque cada kouroi se aplicaba a un individuo no pretendía retratarlo Kouroi de Anavyssos Escultura funeraria de un joven fallecido en combate, esto lo sabemos por la inscripción de la base. Es un de los kouroi más representativos del intermedio entre los arcaicos y de los que anuncian el naturalismo. Sus formas son más redondeadas, la anatomía mejor conseguida y el volumen se ha tratado con delicadeza. Es de composición cerrada, sin flexibilidad, gira sobre sí misma, lo brazos pegados al cuerpo. La cabeza es lo más tradicional: ojos almendrados, sonrisa arcaica, larga cabellera de rizos sobre los hombros, expresión distante, representando una idea y no el retrato de una persona. Algunos aspectos anatómicos nos muestran el camino hacia el naturalismo. o Los relieves y otras esculturas Moscóforo: joven que lleva un becerro para el sacrificio, esta imagen será tomada por el cristianismo representando a Jesús pastor de hombres. Jinete rampín: hombre sobre caballo (hippos) Decoración escultórica de los templos: en esta época aparecen los relieves para metopas, frisos y frontones; son los primeros programas narrativos. Parten de un tema mitológico. Los escultores tienen que vencer dos dificultades: adaptar las figuras a un marco determinado, componer las escenas de una forma equilibrada C. ESCULTURA CLÁSICA Estilo severo (1ª mitad s. V a. C.) Es una etapa de transición entre el período arcaico y el pleno clasicismo. o La representación anatómica ya es natural y empiezan a centrarse en la interioridad del ser humano (Atenea pensativa). o También se domina el movimiento potencial (Poseidón del Cabo Artemisión y Auriga de Delfos). Estas dos últimas obras son originales, pero la mayoría que conservamos son copias romanas. o También es original el Trono Ludovisi, gran bloque de mármol que representa en bajorrelieve el nacimiento de Venus del mar (Venus Anadiómena). Dos horas paradas en la costa, se disponen a cubrirla con un lienzo. Estilo clásico (2ª mitad s. V a. C.)

19 Es la culminación de la escultura griega. Se domina la anatomía y el movimiento, la musculatura es real (diartrosis: articulación movible). Se representan acciones, las vestiduras dejan translucir el cuerpo, técnica de los paños mojados, se utilizan nuevos recursos: como el contrapposto, un pie adelantado y apoyado en el suelo y el otro levantado como si estuviera caminando. Todo está subordinado a la belleza ideal de dioses y héroes, los rostros son inalterables, serenos y con una dignidad suprema. Se representan héroes y dioses con las mismas características. Destacan tres grandes escultores: Mirón, Polícleto (el viejo) y Fidias. MIRÓN ( a. C.) Realizó un gran número de bronces representando a dioses y atletas vencedores. Le preocupaba representar el acto de movimiento sin violencia ni agitación. Mostraba posturas inestables que sugirieran la acción. Se conservan numerosas referencias escritas de su obra, pero nada original perdura. Conocemos dos de sus obras, gracias a las copias en mármol romanas: el grupo de Atenea y Marsias y el discóbolo. Comentario del discóbolo: representa a un joven atleta que concentra todo su esfuerzo en el momento previo a lanzar el disco. POLICLETO Su postura es inestable y su composición cerrada: formada por una curva brazo-cabeza-brazo- y por una S cabeza-tronco-extremidades. Representa el movimiento en potencia; el estudio anatómico, la tensión de los músculos, etc. es perfecta. Sin embargo, el rostro no acompaña la acción: es sereno y distante, el cabello es plano. Escultura de bulto redondo que se hizo para representar la victoria de un atleta. El punto de vista es frontal Representa la realidad basada en las proporciones matemática, escribió un tratado sobre las proporciones ideales entre las partes del cuerpo, Canon. Aplicó esta teoría a una escultura en bronce conocida como el dorífero. Comentario del dorífero: siguiendo el Canon, esta escultura tiene como unidad básica la cabeza, y el cuerpo es 7,66 veces la cabeza. Además el rostro se divide en tres partes iguales. Representa a un joven desnudo, en marcha, contrapposto. Porta una pesada lanza. Un brazo está flexionado por el codo mientras que el otro está relajado junto al cuerpo.

20 El rostro es sereno, gira levemente, y termina con la ley de frontalidad. Escultura de bulto redondo, exenta. La original era de bronce, pero la conocemos por copias romanas en mármol. A pesar del realismo es una abstracción idealizada abstracta. Otras obras de Policleto son el diadumeno ( el que ciñe la cinta de la victoria) y la amazona herida. FIDIAS Es la figura más importante de la escultura clásica. Fue arquitecto, pintor y escultor. Trabajó como coordinador de la obras de la Acrópolis bajo mandato de Pericles. Concede a sus personajes un aspecto superior y semidivino. Es la culminación de la belleza serena, del equilibrio físico y moral y de la flexibilidad y trasparencia de las vestimentas. Su principal innovación técnica es la de los paños mojados. Tenemos muchas referencias a obras suyas. Realizó esculturas colosales en bronce: Atenea Promachos. Esculturas crisoelefantinas: Atenea Partenos y el Zeus de Olimpia, su obra más importante es la decoración del Partenón. Comentario del friso de las Panateneas: es el friso del muro exterior del Partenon, de un metro de alto y 160 m. de largo. Es un relieve corrido que representa la solemne procesión de las Grandes Panateneas, fiesta que se celebraba cada cuatro años, en la que se subía a la acrópolis a entregar un peplo al templo: En los laterales aparecen los atenienses a caballo (hippeis) con carros de ofrendas y animales para el sacrificio En la fachada oriental se relata la entrega de un peplo al arconte Basileo (magistrado que asumía las funciones sacerdotales del antiguo rey o basileus). La escena es observada por los Doce dioses principales sentados en sus tronos. Destaca por la variedad: se diferencian posturas y actitudes. Se domina el movimiento de personas y animales, se aplica la técnica de los paños mojados, los pliegues se mueven con naturalidad y el volumen de los cuerpos está plenamente conseguido. Esta variedad de elementos queda conjuntada por un ambiente solemne, religioso y grave que envuelve por igual a bestias, hombres y dioses. Es un relieve pictórico, destaca la iluminación que es, en parte, provocada por el reflejo del mármol, lo que incrementa el claroscuro. Estilo clásico (s. IV a. C.)

21 Es una época de crisis político-religiosa. Se desarrolla un creciente escepticismo religioso. Esto influye en la escultura: Comienza a desaparecer el distanciamiento por la serenidad clásica Preocupación por el naturalismo Gestos y actitudes humanas Expresión de sentimientos y pasiones Autores: Praxíteles, Escopas y Lisipo PRAXÍTELES Las características de su obra son la gracia, la delicadeza y la elegancia. Destacan por tener formas blandas y redondeadas, sin aristas ni rugosidades. La luz resbala suavemente por la superficie, el cabello está formado por grandes mechones con claroscuro. Introduce la curva praxiteliana, el cuerpo se arquea (por lo que necesita un apoyo externo) y el personaje, dirige su mirada hacia algo. Sus obras producen sensación de esbeltez y tienen muchos puntos de vista. Entre sus obras destacan: Hermes con el niño Dioniso (original), Apolo sauróctono y Afrodita de Cnido. Comentario de la Afrodita de Cnido (ca. 360 a. C.): Constituye el mayor éxito de su producción, es la diosa del Amor (Eros), que fue adquirida por los habitantes de Cnido y es considerada protectora de los navegantes. Es la primera representación desnuda de una diosa (con el pretexto que sale del baño). Con la mano izquierda coge el paño apoyada en la hidra, y con la derecha se tapa púdicamente, la mirada es dulce y sonríe levemente. Esta obra nos muestra la progresiva desacralización de los dioses griegos. Es una escultura de bulto redondo con múltiples puntos de vista. El templete donde estaba colocada estaba abierto por todas partes para que pudiera verse desde cualquier ángulo la efigie de la diosa, esculpida, según se creía, con el favor de la misma. Es un modelo de belleza femenina y se pueden observar todas las características de las obras de Praxíteles: gracia delicadeza y elegancia formas blandas y redondeadas sin aristas ni rugosidades curva praxiteliana punto de apoyo externo mirada dirigida hacia un punto mechones con claroscuro

22 ESCOPAS ( a. C.) Escopas, arquitecto y escultor, fue el inventor del estilo patético, así llamado por el pathos (el sentimiento), bien definido por la expresión doliente con el que era usual caracterizar la cara de las propias estatuas. Se caracteriza por expresar la condición humana revelando las interioridades del alma y sus pasiones. Escopas exalta este sentimiento trágico, con características bocas entreabiertas, cuerpos que se mueven en espiral y ojos hundidos. Ha sido seguramente el primer escultor de la mente humana, casi un escultor-psicólogo, un artista capaz de robar los sentimientos, la angustia, la expresión de sus sujetos para poder infundirlos en el mármol. No se contentaba con representar el exterior del sujeto sino que quería a toda costa entrar en los pliegues del alma y descubrir todos los secretos recónditos: el dolor, la tristeza, la desilusión. Desaparece la serenidad clásica y hay una mayor teatralidad. Los relieves del friso oriental del Mausoleo de Halicarnaso (en su juventud): Amazonomaquia. Frontones del templo de Atenea Alea en Tegea (Peloponeso): lucha de Aquiles y Télefo (hijo de Heracles y de Auge, princesa de Tegea) y cacería del jabalí calidonio por Atalanta Ménade: retorcida bajo el efecto de la locura báquica LISIPO (390 a. C. 300 a. C.) Con él surge el retrato, fue el retratista oficial de Alejandro Magno (a partir del 335 a. C.). Aparecen aspectos físicos y belleza interior. Crea un nuevo canon de belleza, el cuerpo 8 veces el tamaño de la cabeza. Las obras en las que retrató a Alejandro se han perdido (a penas sí se conserva algún fragmento de copias romanas e informaciones en obras literarias) Su obra más importante es el Apoxiómeno, del que se conserva una copia romana en mármol, mientras que el original era de bronce. Representa a un joven atleta griego en una posición vulgar. Se está quitando la arena pegada a su cuerpo debido al sudor con un estrígilo, instrumento de la época, de metal, hierro o bronce (que los romanos llamaban strigilis), que sólo usaban los hombres y, principalmente, los atletas: parecido a un rascador, se utilizaba para limpiarse el polvo, sudor y el aceite en exceso que se extendía por la piel antes de los concursos.

23 La copia romana decoraba las termas de Agripa en Roma (junto a la copia de un león también de Lisipo) Su principal problema era la conquista de la tercera dimensión, realizar estatuas que no tengan un único punto de vista esencial, sino que inviten a darles la vuelta. El apoxiómeno entusiasmaba al público romano, la idea de lanzar hacia delante los brazos del atleta vencedor que se limpia el sudor, brazos que sólo pueden verse si se da la vuelta a la estatua. Hércules en reposo o Hércules Farnesio: conocido por la copia libre y con músculos exagerados. En este caso el pie se avanza, mientras que la mano se esconde tras la espalda, para invitarnos a rodearla. D. ESCULTURA HELENÍSTICA Características generales Durante este período predominó la representación de la realidad (apareciendo elementos feos). El movimiento se representa en acción y las composiciones son complejas. Se representan sentimientos, sobretodo dolor (pathos). Abundan los retratos que buscan representar física y moralmente al personaje. Alegorías sobre temas religiosos (representación de un símbolo). Se abandonan los modelos clásicos. Intenso realismos representando el drama y el sufrimiento. Se representa al hombre en todas las etapas de la vida, la figura humana pierde la medida. Se representan estados emocionales muy intensos. Cambian los temas: son menos los religiosos y entran temas alegóricos. Se forman grupos escultóricos. La técnica es muy depurada, superficies lisas y pulidas, utilización del claroscuro. Composiciones llenas de diagonales, curvas y escorzos, que rompen con lo clásico. En esta etapa no hay escultores únicos, sino escuelas regionales con características propias: 1. Escuela de Atenas: La escuela más clásica de todas, en la que los escultores hacían copias de obras clásicas para los romanos. Las obras más importantes son Apolonio de Atenas (s. I a. C.): Torso de Belbedere Boeto de Calcedonia (ca a. C.): el niño de la Oca. Grupo original en bronce, esquema en pirámide, ritmo helicoidal. La Venus de Milo (ca a. C.)