4.1. Características. } A diferencia de lo que ocurre con la escultura, la pintura

Transcripción

1 4. PINTURA

2 4.1. Características } A diferencia de lo que ocurre con la escultura, la pintura apenas contaba con modelos clásicos, puesto que los hallazgos de Pompeya y Herculano, únicas pinturas de la Antigüedad grecorromana conocidas entonces, tuvieron escasa repercusión. Por eso los pintores neoclásicos se inspiraron en los relieves antiguos.

3 4.1. Características } La técnica preferida es el óleo sobre lienzo. La aplican cuidadosamente de modo que resultan texturas lisas y brillantes.

4 4.1. Características } El dibujo es componente prioritario, pues delimita las formas con contornos firmes y seguros, y organiza el ritmo de las composiciones. El modelado se consigue mediante suaves gradaciones de luces y sombras: pintan con una luz uniforme y clara, frecuentemente fría, que precisa los volúmenes y da solemnidad al ambiente.

5 4.1. Características } El color tiene menos importancia. La gama cromática se redujo, de modo que se imponen los colores primarios que sirven para crear límites definidos entre zonas, evitando superposiciones.

6 4.1. Características } Las composiciones buscan la claridad, el equilibrio y la simetría. A veces el gesto y la actitud de las figuras pecan de excesiva teatralidad. El movimiento parece estereotipado.

7 4.1. Características } Los temas preferidos son los mitológicos, los históricos y el retrato.

8 4.2. Autores y obras más significativas } Francia fue el centro de la pintura neoclásica. Los máximos representantes son David e Ingres: } David alcanzó su fama en la época de la Revolución y del Imperio Napoleónico. Su influencia fue tan grande que se convirtió en un verdadero dictador de las artes, llegando a suprimir la Academia. Simpatizó con las ideas revolucionarias como muestra en La muerte de Marat. Durante el Imperio se convirtió en primer pintor de la Corte, al servicio del programa político de Napoleón, que requería del arte como medio de propaganda. En La coronación de Napoleón, un lienzo de enormes dimensiones, reflejó la pompa imperial. Antes había pintado obras destacadas como El juramento de los Horacios y El rapto de las Sabinas, ambas de marcado clasicismo neoclásico.

9 El juramento de los Horacios, de David Su obra maestra, realizada con 36 años (en 1784). Esta obra muestra la primacía de la lealtad militar a la patria sobre los lazos familiares. Representa una escena de la historia romana en la que los ciudadanos republicanos toman las armas como personas libres para influir con su propia actitud en el desarrollo del Estado.

10 El juramento de los Horacios, de David Representa la promesa que hacen los tres hermanos Horacios, designados por suerte entre el pueblo romano, para enfrentarse a otros tantos albanos y decidir, en un combate singular, los destinos de Roma y Alba, que se encontraban en guerra. David se centra en el momento en que los Horacios reciben las espadas de su padre.

11 El juramento de los Horacios, de David No son reyes ni príncipes los que toman decisiones sino ciudadanos libres que defienden a la Nación. Horacio con sus hijos juran defender con su sangre a la República Romana Libertad o muerte.

12 La muerte de Sócrates, de David La obra muestra la condena de Sócrates a beber veneno (cicuta), por haber criticado la tiranía que Critias ejercía sobre Atenas. Los discípulos de Sócrates se muestran desesperados por la medida, y uno de ellos, Crito, le propone al filósofo la huída.

13 La muerte de Sócrates, de David Sin embargo, Sócrates, en medio de la agitación, la tristeza y el dolor, se muestra entero y con el brazo en alto explica a sus alumnos que el filósofo debe enfrentarse con entereza a cualquier circunstancia de la vida y entre ellas, la muerte, el acto final de todo ser humano.

14 La muerte de Marat, de David La representación de Marat asesinado (1793) mártir de la Revolución, nos muestra tal como lo había visto el día de su muerte. Este lienzo retrata la tragedia del patriota, que en el momento crítico del cumplimiento de sus deberes a la patria, cae victima del puñal. Marat era llamado el amigo del pueblo por editar un periódico con ese nombre; era de los jacobinos. Es asesinado por Carlota Corday (girondino).

15 La muerte de Marat, de David Es una obra que funge como un panfleto político. No representa el acuchillamiento del periodista. David se vio profundamente afectado por la caída de Robespierre. Los intereses políticos habían dado vida a su arte; una vez que tuvo que renunciar a ellos, sus principios sólo pudieron aplicarse a problemas puramente artísticos.

16 El rapto de las Sabinas, de David Comenzada cuando el Directorio le liberó de la cárcel y terminada en El propio David ya no estaba satisfecho con sus obras anteriores. Creía que estaba demasiado influidas por las antigüedades romanas.

17 El rapto de las Sabinas, de David Por ello, quiso crear una obra de estilo griego es decir, una obra de un refinamiento y una abstracción superiores. Esta pintura fue admirada en particular por las capas altas de la sociedad del Directorio.

18 El rapto de las Sabinas, de David David representa la idea de reconciliación entre los franceses, y muestran muy adecuadamente el espíritu neoclásico. El verdadero arte clásico había desdeñado el movimiento como elemento particular.

19 El rapto de las Sabinas, de David Por eso David cambia la significación del tema, y, en vez de representar el rapto, escogido por renacentistas y barrocos, acepta el afán pacificador de las Sabinas, que tratan de calmar la disputa entre romanos y sabinos.

20 El rapto de las Sabinas, de David Una figura femenina situada en primer término recuerda el dios que había en el centro de los frontones griegos, suministrando un eje de simetría a toda la composición. Los héroes aparecen ya desnudos, solamente provistos de sus armas, según se ven en las obras griegas.

21 Juramento de juego de la pelota, de David

22 Napoleón cruzando los Alpes, de David David conservó bajo Napoleón la destacada posición social y artística que había recuperado con las Sabinas del Directorio. Napoleón apreciaba a David; pues Napoleón necesitaba artistas que glorificaran su nombre y no podía escapar a un hombre tan importante.

23 Napoleón cruzando los Alpes, de David En "Napoleón cruzando los Alpes" (1801) se da un paso por el que trascienden los presupuestos estrictamente neoclásicos. El gesto de Napoleón y su caballo, agitados por la tormenta de una naturaleza amenazadora, nos introduce en el universo de los planteamientos románticos.

24 Coronación de Napoleón, de David Finalmente, en "La coronación de Napoleón" (1805-7) nos muestra toda la pompa en la que las ideas revolucionarias se han disipado. Los personajes representados se han apropiado de los rasgos distintivos de los que derrocaron. Es el reflejo admirable de la pompa lujosa que Napoleón hizo inherente a su imperio.

25 Coronación de Napoleón, de David David representa la soberbia de un emperador que se corona él mismo, sustituyendo así el poder papal por el imperial. Napoleón recupera los atributos del Antiguo Régimen pero vestido de Revolución. A partir de 1804, Napoleón decide consolidar la situación autonombrándose emperador de la República y obliga a Pío VIII a coronarle emperador.

26 Coronación de Napoleón, de David Tal y como cuenta la historia, Napoleón le arrebató de las manos la corona para coronarse él mismo. David ha elegido el momento en que una vez coronado Napoleón se dispone ahora a coronar a Josefina, primero él, luego ella y por último el Papa.

27 4.2. Autores y obras más significativas } Ingres fue un excelente dibujante, tanto, que ha dado lugar a la frase hecha, dibujar a lo Ingres, para referirse a quien lo hace de forma perfecta. Estudió largos años en Italia, guardando siempre gran admiración por Rafael y toda la pintura italiana renacentista. Gran defensor del Neoclasicismo, algunas de sus obras pueden ser catalogadas ya de prerrománticas, como La fuente, cuyo desnudo marmóreo se complementa con una cierta melancolía. Su tema preferido fue el desnudo femenino: Odaliscas, El baño turco.

28 La fuente, de Ingrés La figura femenina que simboliza el nacimiento de una fuente encuentra su eco más directo en la Venus Anadiomena que el pintor realizó en el año 1808, retocada en El tema es el mismo, un bellísimo desnudo femenino pintado con la excusa de la mitología. Ingres realizó dos versiones de La Fuente; ésta se encuentra en el Museo del Louvre y fue pintada tan sólo un año antes de la muerte del pintor. El significado del cuadro es la alegoría del nacimiento de los ríos: una fuente escondida en el bosque, cuya penumbra puede apreciarse en la iluminación del óleo, simbolizada por una joven casi adolescente. Tradicionalmente se habían utilizado jóvenes o niñas para representar fuentes o manantiales, así como ancianos acompañados de niños para representar ríos con sus afluentes. La iconografía que utiliza Ingres tiene, pues, su raíz en el arte clásico y sobre todo en el renacentista.

29 La gran odalisca, de Ingrés

30 El baño turco, de Ingrés El tema eterno de Ingres, el cuerpo femenino desnudo, se nos muestra de nuevo en este cuadro como único motivo, repetido como eco en los cuerpos de las veinticuatro mujeres que aparecen en la escena. Parece ser que el artista tomó como fuente el relato de una dama del siglo XVIII, Lady Montagu, esposa del embajador inglés en Constantinopla, que visitó en dicha ciudad un baño femenino.

31 El baño turco, de Ingrés Sus descripciones hablan de doscientas mujeres desnudas entregadas al placer ocioso de cuidar sus cuerpos. Ingres transcribió los pasajes más sensuales desde muy temprano y los mantuvo en sus cuadernos de notas. El tondo muestra una visión casi clandestina, como la de un espectador que penetra en la intimidad del baño a través de un agujero en la pared.

32 4.2. Autores y obras más significativas } En España la nómina de pintores neoclásicos es muy poco significativa, aunque vino al servicio de la corte un pintor prestigioso, el alemán Antonio Rafael Mengs, muy influido por las ideas de Winckelmann. Carlos III le encargó pintar en el palacio real de Madrid el fresco de La Apoteosis de Trajano, que ejerció gran influencia en los pintores españoles. Colaborador de Mengs fue Francisco Bayeu. Ya en el siglo XIX, merecen citarse Vicente López, excelente retratista, y José de Madrazo que en La muerte de Viriato enlaza con la manera de hacer de David.

33 Carlos III, de Rafael Mengs Antonio Rafael Mengs, de origen alemán, trabajó para el rey Carlos III, que pretendía extender la Ilustración y el Neoclasicismo al panorama cultural español. Este retrato fue realizado a modo de resumen de las nuevas teorías pictóricas que se pretendían implantar. Mengs muestra en este lienzo toda la habilidad de su técnica aplicada al retrato de estado. El rey está captado de tres cuartos, vestido con su brillante armadura, como jefe militar de la monarquía. La banda de seda que cruza su pecho, con las condecoraciones, parece que se pueda tocar, puesto que reproduce magistralmente las arrugas de haber estado plegada, y los brillos fascinantes del tejido. La figura se apoya estructuralmente sobre dos elementos: en primer lugar, la mesa sobre la que se encuentran los símbolos de poder.

34 Carlos III, de Rafael Mengs En segundo lugar, por el fondo arquitectónico, que muestra una columna clásica y una gran cortinaje rojo. Esto presta solidez a la composición, la misma solidez que ha de tener un gobernante. El paño rojo brillante es un alegre contrapunto de color, así como un homenaje a la pintura veneciana, que Mengs conocía directamente, especialmente a Tiziano. La captación de las calidades materiales es asombrosa en su virtuosismo. Pero carece de la penetración psicológica que mostrarán los retratos de época posterior, durante el Romanticismo. Es una muestra del retrato oficial o de aparato, en el cual lo que se pretende es mostrar con solemnidad el status del representado, cosa que Mengs consigue a la perfección.

35 La muerte de Viriato, de José de Madrazo

36 Francisco de Goya, de Vicente López Tal vez fue la personalidad del retratado lo que traspasó de fuerza y vigor la pintura conformista de López, pero no hay duda, de que como en el cuadro del organista, nos encontramos ante un prodigioso retrato, ambos expuestos en el Museo del Prado. La fidelidad al modelo no se desequilibra hacia lo físico y la captación de las materias, las texturas o el color, sino que se encuentra compensada con una perfecta penetración psicológica del sujeto, que parece hablarnos directamente desde esos ojos profundos y ese gesto imperioso.

37 Francisco de Goya, de Vicente López Goya aparece, como era frecuente en la época, con sus atributos de pintor, la paleta, los pigmentos extendidos y los pinceles en la mano. Se trata de un maravilloso homenaje de López al gran genio que desbordó la vida de su época.