CINQUECENTO. Siglo XVI. Composiciones en una sola escena. De esquemas triangulares.

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Soledad Pinto Sánchez
hace 7 años
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1 CINQUECENTO. Siglo XVI El marco arquitectónico pierde importancia. La pintura se independiza. Composiciones en una sola escena. De esquemas triangulares. Abandono progresivo de los contornos muy definidos por las figuras. Preocupación por el movimientos y la luz. El tratamiento de la luz es más real, de tal modo que se incluyen matices que hacen diferenciar los distintos momentos del día. Este hecho da lugar a un mayor estudio de las sombras. Búsqueda de la belleza ideal y se mantiene el orden, la simetría, el equilibrio y la serenidad en las obras.

2 Leonardo da Vinci ( ) Autorretrato El hombre de Vitrubio

3 Leonardo fue el prototipo de hombre humanista renacentista, artista polifacético, científico dotado de un conocimiento casi universal (ingeniería, anatomía, botánica, arquitectura, filosofía ). Escribió un Tratado de la pintura y, aunque no dejó muchas obras, su aportación a la historia de la pintura fue trascendental: introdujo el sfumato (esfumado), técnica que difumina los contornos logrando un mayor naturalismo y dando paso a la perspectiva aérea (simula el efecto atmosférico que la luz ejerce sobre los objetos, dependiendo de donde se encuentren situados, representándose los más alejados de forma menos nítida que los cercanos).

4 LA ÚLTIMA CENA: La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la derecha

5 Gioconda o Mona Lisa Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El esfumado (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa.

6 Rafael Sanzio de Urbino ( ) Es conocido como el pintor que mejor representó el clasicismo. Hijo de pintor y escritor, heredó de su padre los ideales humanistas. A lo largo de su vida consiguió en sus obras la anhelada asimilación del mundo pagano y el cristianismo.

7 LA ESCUELA DE ATENAS:

9 Miguel Ángel Buonarroti ( ) Al ser escultor, Miguel Ángel da importancia al dibujo y utiliza el color como auxiliar con el fin de dar volumen a los cuerpos. Estos tomaron apariencia de esculturas, especialmente los desnudos, como los de la Capilla Sixtina ( ), encargo de Julio II. Realizó una trama arquitectónica ficticia para distribuir pasajes del Génesis, junto a ellos ignudis (muchachos desnudos), profetas y sibilas (mujer mitológica con poderes para la profecía).

10 BÓVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA:

12 Tiziano Vencelio ( ) Pintor cortesano de fama internacional, desarrolló tanto la temática pagana como la religiosa. Pronto abandonó el dibujo y la pincelada detallista, para utilizar la pincelada suelta, de marcada modernidad, en la que llegó a sustituir los pinceles por los dedos. Su gran producción de obras puede agruparse en tres géneros: Religiosas: destaca la Virgen de Pésaro, contrasta con la Coronación de espinas de los últimos tiempos, más dinámica y pincelada muy suelta. Retratos: destaca el Emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg. La armadura y elegancia del caballo dan al emperado la imagen de vencedor en medio de un ambiente de penumbra y misterio. Mitológicos: Sobresalen los desnudos femeninos, bañados de luz suave que modela los cuerpos.

13 Amor profano y amor sacro Representa una escena con una doncella vestida lujosamente sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad). La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo..

14 Venus de Urbino, 1538.

15 Realizado por: SERAFAFIN FDEZ para 2º de la ESO

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