TEMA 14 LA RUPTURA DE LA TRADICIÓN. EL ARTE EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX.

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1 TEMA 14 LA RUPTURA DE LA TRADICIÓN. EL ARTE EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX. El fenómeno de las vanguardias en las artes plásticas. Influencia de las tradiciones no occidentales. En el siglo XX las artes figurativas experimentan una profunda transformación llegando a la abstracción, donde la pintura pierde su carácter de representación de la realidad concreta, es decir, deja de ser figurativa. Los artistas no van a hacer más que traducir las concepciones sociales e intelectuales de un momento histórico. Por tanto son los cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad. Los manifiestos que preceden a muchas de las corrientes artísticas de este siglo XX son la expresión más clara del arte como concepto, más allá de su expresión material. Todos estos movimientos parten de la idea matriz de buscar nuevos medios expresivos, nuevos temas y lenguajes. La revolución de la física con la teoría de la relatividad de Einstein y las doctrinas de Freud sobre el subconsciente, llevan a la pintura a posiciones desconcertantes a veces para los propios artistas. El pintor de 1900 se entera de que el espacio y la materia son realidades diferentes a las visibles y que el ser humano es mucho más complejo y profundo de lo que se creía siglos antes. Y ha de llevar al lienzo estas dimensiones nuevas descubiertas por la ciencia. De la objetividad pasamos a la subjetividad del artista. El artista se encuentra en una doble encrucijada: representar o interpretar la realidad. Pero la representación ya la realiza un nuevo invento, la fotografía, mientras aparatos, como el microscopio, descubren a la pupila humana dimensiones hasta entonces desconocidas de la materia. La fotografía aérea y los montajes fotográficos desplazan al arte pictórico hacia la interpretación antes que hacia la representación. Pero en la nueva forma de entender la realidad y el arte concurren aspectos políticos e históricos. La situación de la política internacional, con formación de bloques y tensiones permanentes, dejan entrever la posibilidad de un conflicto que puede afectar a Europa (I y II guerra mundial, Revolución rusa ). También los problemas de la industrialización y el hacinamiento de las masas humanas en megalópolis agravan las tensiones del ser humano que se asoma al siglo XX. A la vez, los artistas empiezan a traducir otras tradiciones culturales no occidentales, que influirán en su nueva manera de entender el arte. De este modo, el grabado japonés y el arte primitivo (desde el arte africano al ibérico) dejan su 1

2 huella en los pintores y escultores, por su aire de infantilismo e ingenuidad, tan lejos de la tradición intelectual de occidente. Las vanguardias artísticas, algunas de corta duración, fueron corrientes de creación que buscaban la apertura de nuevos caminos expresivos. En ellas, la libertad del artista y su oposición a las pautas precedentes fueron la norma, tal y como se manifestó en los manifiestos publicados, en rápida sucesión, desde los primeros años del siglo. París será el centro artístico. Para comprender las diferentes tendencias y analizar sus rasgos distintivos, es conveniente separarlas, pero no se debe perder de vista su coexistencia, sus correlaciones y mutuas influencias; en ocasiones, resulta difícil incluir una obra determinada en una u otra vanguardia. Así, cada artista pasará por fases de experiencia dentro de las diversas tendencias y se mantendrá fiel a aquella que mejor coincidiera con su manera personal de entender la belleza. La idea común era afirmar que el objetivo de las artes ya no era la representación fiel de la realidad. Fauvismo y expresionismo. El fauvismo nace a principios de siglo ( ) en Francia, cuando el crítico Louis Vauxcelles se refiere a un grupo de artistas como fauves (fiera) formado por Matisse, Derain, Vlaminck, Dufy o Rouault. Este grupo creó gran conmoción en el Salón de otoño de 1905 por su libre utilización del color que hacían en sus cuadros, verdadero protagonista, suponiendo una reacción contra el Impresionismo. La profundidad queda desplazada por otros valores. El dibujo, consistente en gruesas líneas oscuras, define amplias áreas de colores arbitrariamente utilizados y muy contrastados, dando sensación de irrealidad, tal y como sucedía en las obras de Gauguin. Estos pintores se agruparán entre para seguir después caminos diferentes. El origen de estos pintores está en los nabis (profetas), grupo de artistas formado por Bonnard, Vuillard, Denis y Serusier, que se consideraban herederos de Gauguin, al tiempo que rechazaban el Impresionismo. Estaban fuertemente influidos por el grabado japonés (cuya incidencia en los impresionistas y postimpresionistas fue muy importante), y en sus obras serán frecuentes los colores antinaturalistas y, al mismo tiempo, dotados de una gran intensidad y brillantez. Estas características fueron tomadas por los pintores fauvistas, pero los fauves separan color-objeto, se independizan. Para respetar al objeto, que se perdería entre las arbitrariedades coloristas, la línea recupera su energía con trazos gruesos y nítidos. La luz suele desaparecer y con ello la profundidad. Los temas suelen ser igual que los impresionistas: paisajes, personajes en habitaciones, naturalezas muertas 2

3 Su personalidad más importante fue Henry Matisse ( ), fuertemente influido por los impresionistas, Van Gogh, Gauguin, las cerámicas persas, las telas moriscas y el arte africano. Sus primeras obras estaban fuertemente influenciadas por el puntillismo, como Lujo, calma y voluptuosidad, pero poco el color se adueña de sus obras. Lo importante para él no era emplear grandes cantidades de color, sino contrastarlo adecuadamente, y la solidez de las obras. Sus obras más importantes, por como ilustran sus ideas, son el Retrato de la raya verde, La danza, La habitación roja y Odalisca con pantalones. Maurice Vlaminck era un gran conocedor de la obra de Van Gogh, y emplea los colores con una gran libertad y energía aplicándolos, en ocasiones, directamente del tubo, como Paisaje con árboles rojos. Raoul Dufy realizó escenas de ocio en los hipódromos, salas de conciertos, playas.en las que la línea describe con rapidez los elementos, como El artista y su modelo. Georges Rouault, quién se inició en el arte dentro de la restauración de las vidrieras, aspectos que son perceptibles en sus obras, en la que los oscuros colores están separados por gruesos trazos negros que recuerdan al emplomado. Uno de sus temas favoritos es el de los payasos, casi siempre de rostros tristes. El Expresionismo abarcó diferentes ámbitos artísticos: pintura, literatura, música, cine. En los primeros años del siglo XX aparecerán una serie de pintores con el deseo de reflejar en sus obras sus experiencias emocionales y espirituales, su visión de la realidad. El vehículo para conseguirlo son los colores, mostrando preferencia por el negro, expresión cromática de su atormentada visión de la vida. Sus cuadros sirven para sacar a la luz un mundo de angustias y miedos, una reacción ante la realidad de lo que se precipitaba sobre Europa (la 1ºGM). Como precedentes debemos considerar a Goya, Van Gogh, el belga James Ensor y la obra del noruego Edward Munch ( ). Sus temas principales son el sufrimiento psíquico, la angustia y la muerte, que se reflejan en los rostros desencajados de sus personajes, y el pesimismo vital. Su obra más conocida es El grito (1893), donde una figura fantasmagórica está trazada con líneas ondulantes en amarillo y naranja, transmitiendo sensación de angustia, desesperación e inestabilidad. Los pintores expresionistas se unieron en una serie de grupos a lo largo del siglo XX. El primero fue El Puente (Die Brücke), integrado por pintores como Nolde, Kirchner, Müller, Heckel y Schmidt, fuertemente influenciados por Van Gogh, Klimt, Gauguin, la escultura africana, el románico y el gótico. Este grupo se constituye en Dresde en 1905 y, para ellos, lo verdaderamente prioritario es la forma por encima del tema. Su técnica, similar a veces a los fauves, prefiere los tonos oscuros, con una concepción atormentada y la plasmación de las angustias del ser humano. 3

4 Su pintor más representativo es Ernst Ludwig Kirchner ( ) que, influido en cierta medida por el arte africano, pinta en sus cuadros personajes de siluetas alargadas y trazos nerviosos, figuras que se agolpan ignorándose en las calles de las ciudades. Sus obras son un reflejo de la deshumanización de las grandes urbes y los oscuros deseos del ser humano. Emil Nolde ( ) representó en muchos de sus cuadros temas de carácter religioso (cuadros sobre la vida de Cristo), con trazos gruesos, rostros que imitan máscaras, la influencia del arte primitivo y la simplicidad. (nota: En 1910, el historiador Worringer acuña el término expresionismo para estos pintores nórdicos que usan su arte como un recurso catártico para expresar sus angustias). El siguiente paso en el expresionismo lo representa El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), grupo formado a finales de 1911 en Munich, en torno a la figura de Kandinsky. A diferencia de El Puente, el grado de cohesión alcanzado por los integrantes de El Jinete Azul fue menor y mostraron un mayor interés por los aspectos estéticos y una menor preocupación por los problemas sociales. Defendieron cualquier manifestación artística caracterizada por la espontaneidad, el arte primitivo, de los niños, de los enajenados mentales y el arte naif (ingenuo) de Henry el aduanero Rousseau. Wasily Kandinsky ( ), de origen ruso, desarrolló la mayor parte de su obra en Alemania. Toma como referencia la pintura figurativa para llegar a la abstracción, tendencia artística que consiste en el abandono del arte figurativo fundamentado en la representación más o menos objetiva de lo que nos rodea. Su visión abstracta busca plasmar emociones, frente a la corriente posterior más fría y matemática, representado por el constructivismo ruso y el neoplasticismo holandés. Para Kandinsky pintura y música estaban íntimamente relacionados (como escribió en De lo espiritual en el arte), incluso llegó a hacer un estudio sobre la coloración de los sonidos y cómo influye en el espíritu (el azul aleja y llama al hombre al infinito, el verde es el equilibrio entre el azul y el amarillo, el blanco el silencio y el negro la nada). Cada uno de sus cuadros son una sinfonía cromática, pura música visual. Otros miembros destacados del Jinete Azul son Alexei Jawlensky, muy próximo al fauvismo por sus colores estridentes y formas angulosas. Franz Marc, colaborador de Kandinsky, definía el arte como la fusión del alma y la naturaleza. La mayor parte de sus cuadros están protagonizados por animales de colores arbitrarios y formas ondulantes. August Macke llena sus lienzos de colores brillantes y luminosos, de animales y paisajes que simplifica descomponiendo, sin llegar al cubismo, en formas geométricas. 4

5 Pero el expresionismo no se extinguirá tras la 1º Guerra mundial. La visión de los mutilados, la desolación que invade los campos y ciudades de Europa incita a los pintores a traducir en su arte el dolor de aquel tiempo de locura. El Expresionismo en Austria está representado por Oscar Kokoschka ( ), autor independiente que posee un estilo muy personal. Herido en la guerra, sus obras de estos años constituyen una manifestación de asco por la degradación a la que ha llegado la humanidad. No le interesa la definición de las formas, prefiere los contornos borrosos y movidos, como se aprecia en La tempestad o Mujer en azul. Su pincelada es pastosa y ondulante por influencia de Van Gogh. Una de sus obras más importantes es La novia del viento, autorretrato de Alma Mahler. Otros expresionistas a destacar son el francés Rouault, Egon Schiele o el italiano Modigliani. Cubismo y Futurismo. El apelativo cubismo fue también acuñado por el crítico Luis Vauxcelles, quien en 1908 decía que las telas de Georges Braque estaban compuestas de pequeños cubos. El punto de partida del cubismo es el cuadro Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso de En 1913 Guillaume Apollinaire publicó el primer ensayo sobre los pintores cubistas. Solo con la aparición del movimiento cubista el arte dejó de considerarse el intérprete de la naturaleza exterior. Este movimiento se nutre, intelectualmente, de las nuevas teorías físicas sobre el espacio, de la obra de Schopenhauer El mundo como representación, pero la fuente inspiradora es la obra de Cezanne, que ya tendía a dividir y descomponer los objetos en formas geométricas, que los cubistas llevarán a sus máximas consecuencias. Los cubistas no utilizan la perspectiva convencional (que nace en el Renacimiento), renuncian a la profundidad y a los colores de la realidad, ni adoptan un punto de vista único. Un sentido más austero les lleva hacia los tonos neutros: grises, blancos, verdes claros; los ángulos desde los que contempla el objeto se multiplican para obtener así la 4º dimensión o suma de todas las perspectivas; reflejan en sus cuadros todas las maneras de ver un objeto de manera simultánea (de perfil, de frente); los interiores se representan mediante transparencias, la luz desaparece definitivamente y la exaltación del plano es más intensa que en el fauvismo. Sus temas preferidos son aquellos que les permite trabajar libremente, ensayar sus teorías, por ello prefieren representar objetos cotidianos. Se distinguen tres momentos diferentes en el cubismo: Analítico: descompone la figura en superficies de formas geométricas de colores planos que se denominan facetas. 5

6 Hermético: las facetas son de un pequeñísimo tamaño y se plantean dificultades para reconocer el objeto representado. Sintético: donde se incluyen nuevos materiales, es decir, se emplea el collage, enriqueciendo la plástica y provocando contrastes de texturas y representando mejor la esencia de los objetos. Los cubistas más representativos son Picasso, Braque y Juan Grís. Georges Braque ( ) empezó pintando cuadros impresionistas y fauves, pero el descubrimiento de Cezanne y conocer a Picasso cambia su obra, encontrando en el cubismo su verdadera identidad. Son característicos sus cuadros de naturalezas muertas sobre una pequeña mesa redonda. Braque es un pintor que ejerció una influencia decisiva en el arte contemporáneo abriendo el camino para la llegada a la abstracción. En 1912 añade letras y recortes pegados a sus obras (papiers collés). Juan Gris ( ) vivió cierto tiempo en París y su amistad con Picasso le acercó al cubismo. En la primera etapa de su obra podemos ver la descomposición del objeto sin llegar al extremo del cubismo hermético. Más tarde se interesará por la utilización del papel en sus pinturas. A medida que va evolucionando, su estilo se irá haciendo más sobrio y sencillo. Defendió la idea de una pintura en la que se parta de lo general para llegar a lo concreto: Cezanne parte de una botella para llegar al cilindro, mientras que yo, parto del cilindro para llegar a la botella. El cubismo dio origen a una serie de movimientos como el Tubismo y el Orfismo. El Tubismo estaba representado por Fernand Leger, que partió de Cezanne para llegar a un estilo próximo al cubismo que interpretó bajo un particular punto de vista. Para él, la máquina, la civilización industrial y el mundo del trabajo son los temas esenciales de sus obras. Su cuadro más conocido es La gran parada (1954) en el que los personajes son simples y elementales como meras máquinas desprovistas de cualquier rasgo de humanidad. El Orfismo descompone los objetos en figuras geométricas, pero convirtiendo los cuadros en verdaderas explosiones de color a diferencia del cubismo analítico. Robert Delaunay encarna a la perfección lo que fue este movimiento, haciendo que el color se convirtiese en el elemento nuclear de su obra (conocía bien las teorías de Chevreul y la obra de Seurat). Pero la repercusión del cubismo fue tan amplia que afectó al mundo de la escultura. Su objetivo fundamental será la simplificación de los volúmenes que se recomponen según las necesidades de cada caso, alejándose cada vez más de la 6

7 realidad, y buscaban la valoración de los nuevos materiales. La primera expresión de la escultura cubista fue realizada en 1909 por Picasso: Cabeza de mujer. Henri Laurens se puso en contacto con el cubismo a través de Braque, repitiendo siempre los mismos temas: frutas, botellas, instrumentos musicales., de madera o chapa pintada. Alexander Archipenko estaba interesado por el cubismo y la escultura africana, empleando en sus obras materiales como el alambre y el cristal (Medrano 1). Su obra más conocida es Andando (1912), en la que juega con las formas cóncavas y convexas, espacios macizos y vacíos que permiten la introducción del aire, del hueco. Ossip Zadkine incorpora al cubismo una cierta humanización, como lo demuestra en la ciudad destruida, en la que aparece un hombre que eleva sus brazos al cielo en señal de ira. Raymond Duchamp-Villon roza la abstracción en alguna de sus obras, y Jacques Lipchitz destaca por un análisis profundo de todas las posibilidades de los volúmenes y, especialmente, de los perfiles. De un modo gradual llegará a una geometrización casi absoluta, como se aprecia en Mujer recostada. También destacaron por su pureza geométrica Constantin Brancusi o los españoles Julio González, pionero en el uso del hierro soldado en la escultura, y Pablo Gargallo. Con el cubismo la pintura inicia un viaje apasionante por las realidades que el cerebro humano puede construir o destruir libremente. El Futurismo Este movimiento aparece en 1909 y duró tan sólo siete años. El futurismo está dotado de un fuerte contenido ideológico, como se puede apreciar en el manifiesto que publicó su líder Marinetti en Le Figaro, donde desprecia enérgicamente los valores tradicionales y ensalza una nueva sociedad industrial en la que se da primacía a la velocidad, al poder, a la guerra, a la violencia, al patriotismo y al militarismo. Su arte arraigó con fuerza en algunas ciudades del norte de Italia, como Milán y Turín. Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad. El coraje, la audacia, la rebelión, serán elementos esenciales de nuestra poesía. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia. Queremos glorificar la guerra única higiene del mundo el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer. Queremos destruir los museos, las 7

8 bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y contra toda vileza oportunista y utilitaria. En la pintura se trató de plasmar el movimiento, la velocidad, para lo que se representaban las diferentes posiciones que adoptaba un objeto en la trayectoria de su desplazamiento, símbolo de la vorágine de la vida moderna. Umberto Boccioni pinta la ciudad se despierta, en la que unos caballos realizan grandes empeños por despegar del suelo encarnando los esfuerzos que, diariamente, hacen las ciudades por ponerse en marcha. También realizó escultura con sensación de continuidad en el espacio, como en El hombre que anda. Carlo Carrá realiza El funeral del anarquista Galli, donde recoge las manifestaciones que tuvieron lugar a la muerte de este personaje tras una huelga. Gino Severini preferirá en cambio los ambientes nocturnos, alegres y luminosos. Giacomo Balla descompone el movimiento en La niña que corre por el balcón, Dinamismo de un perro y Automóvil y Ruido. Dadá y surrealismo. Miró y Dalí. La guerra dispersa los grupos de pintores que se han formado en París, Munich o Milán. Algunos se refugian en 1915 en la neutral Suiza y se congregan en Zurich, en el café bohemio Voltaire. Salvo Marcel Duchamp, el resto de artistas no habían triunfado (Tristan Tzara, Picabia o Hans Arp), pero pronto encontraron el apoyo de maestros como Picasso o Kandinsky. Creían que la destrucción de la guerra había ido tan lejos que debían colaborar en destruir la pintura, traer un nuevo orden al mundo. Abrieron un diccionario al azar y encontraron la voz infantil Dadá con la que bautizaron al grupo. En su fundación se une la decepción ante la situación mundial (culpaban de ello al orden burgués), el desencanto personal de pintores escasamente considerados y el deseo de llevar a la pintura la destrucción que asolaba a Europa. Sus primeros manifiestos son de sabotaje artístico, la destrucción para ellos también es creación. Empeñados en escandalizar a la burguesía utilizan distintos medios, como hacer cuadros con basura, exaltar un urinario a la categoría de arte o poner bigotes a la Gioconda. Se rebelan contra las normas y la lógica. Se crearon varios centros dadaístas por distintas ciudades alemanas. Debemos destacar a Francis Picabia, que refleja el componente dadá en obras como Veo otra vez, el recuerdo de mi querida Udnie, interpretando a la máquina como una amenaza. Marcel Duchamp realizó cuadros como Desnudo bajando una escalera, de claro componente cubista y futurista. Pero será en los ready-made, que desvinculaba al objeto de su función tradicional y le otorga, por su nueva e inusual ubicación o título, un significado y una dimensión artística de la que en un principio carecía. Además, se burló del arte del pasado y lo puso en tela de juicio, como en la obra L.H.O.O.Q, donde pinta bigotes a la Gioconda. 8

9 Pasada la histeria de la guerra los maestros más importantes derivan hacia otros caminos y el dadaísmo se extingue en 1919; su fuego purificador no podía mantenerse encendido tras el final de los combates. Surrealismo De la mano del escritor André Breton, la actitud del movimiento Dadá deriva hacia un intento de mayor envergadura después de la 1º guerra mundial. Breton estimaba que la situación histórica de posguerra exigía del arte un nuevo esfuerzo de indagación para comprender en su totalidad el ser humano, una insatisfacción orientada a la creación de un mundo onírico; como estudiante de medicina había trabajado las doctrinas de Freud y sus métodos de investigación, y pensó en la aplicación del psicoanálisis, entendiendo que la palabra escrita discurre tan deprisa como el pensamiento (automatismo psíquico) y que las ensoñaciones también podían ser métodos de creación artística. En definitiva el Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños, de los fenómenos de la consciencia, cuya importancia estaba siendo demostrada por el psicoanálisis, un mundo fuera de la razón y las leyes de la lógica y se invita a la liberación del subconsciente. En el 1º Manifiesto del Surrealismo (1924), Breton define el propósito del grupo de escritores y pintores que se congregan en sesiones en las que se aplica el automatismo para crear frases y grafismos y, privados de la aplicación lógica, descubren las profundidades del espíritu. La poesía, el teatro, el cine (Luis Buñuel), la pintura y la fotografía se afanan en representar este mundo absurdo ya que los fenómenos del subconsciente escapan de la razón (precedentes: El Bosco, Brueghel, Goya). Los pintores utilizan distintos recursos para concretar su mundo particular: animación de lo inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, cosas incongruentes, perspectivas vacías y creación evocativa del caos. El sexo es uno de los temas más recurrentes. Además aportaron nuevas técnicas, como el frottage (actor de pasar un lápiz por encima de un papel que está colocado sobre una superficie rugosa como la madera o un tejido), el collage y el automatismo. Dentro de los pintores surrealistas existen dos tendencias: Pintores que tienden a la abstracción para crear sus universos propios iconográficos, tomando como punto de partida el subconsciente. Ej. Miró, André Masson, Max Ernst o Yves Tanguy. 9

10 Aquellos que realizan una pintura figurativa basada en la asociación extraña e inusual de imágenes. Ej. Dalí, Magritte, Paul Delvaux y Oscar Domínguez. Yves Tanguy se caracteriza por los paisajes imaginarios y desolados, plagados de formas óseas que proyectan en el suelo grandes sombras y horizontes lejanos detrás de los que le gustaba imaginar que podía vivir. André Masson refleja en sus obras su personalidad agresiva a través del dibujo rápido, inmediato y espontáneo. En Bélgica destaca Rene Magritte, quién descubrió su concepto pictórico al ver la obra de Giorgio De Chirico. Sus cuadros están repletos de metáforas visuales cuyas claves suelen esconderse tras los títulos de los cuadros. En ellas es difícil discernir la realidad y la ficción. Paul Delvaux es otro representante de este estilo, que se caracteriza por grandes lienzos de desnudos femeninos de cánones clásicos. Los dos grandes representantes serán españoles. Salvador Dalí ( ) se integrará en la vertiente figurativa del surrealismo a partir de Su pintura impresionó gracias a la utilización del método paranoico-crítico, basado en objetivar y sistematizar el delirio, manteniendo así la vigencia del sueño en la vigilia. Nacido en Figueras, pronto demostró su habilidad en el dibujo, instalándose en la Residencia de Estudiantes de Madrid junto a Luis Buñuel y Federico García Lorca. A partir de 1929, tras conocer a André Breton, se inicia en el surrealismo. Su producción presenta una técnica depuradísima, en la que las formas reales aparecen hermosamente reproducidas pero carentes del significado que se le suele adjudicar. El dibujo es un elemento decisivo de su obra, siendo Dalí un gran admirador de pintores como Rafael, Piero Della Francesca, Millet, Velázquez y los pintores barrocos (como El cristo de Port-Lligat o La última cena). Comienza a recurrir a determinados temas que permanecerán de un modo constante en su obra: formas blandas que se deslizan por una superficie, anamorfosis o imágenes cifradas (imágenes que sólo aparecen mirando el cuadro de determinada manera), paisajes desolados.muchos de sus repertorios iconográficos aparecen también en las obras de Luis Buñuel (Un perro andaluz, La edad de oro). Ej. La persistencia de la memoria (1931) o El gran masturbador. Al igual que a muchos autores, la guerra civil le conmovió profundamente y le llevó a pintar Construcción blanda con judías hervidas: premonición de la guerra civil. En ella, bajo un cielo de blancas y algodonosas nubes, un ser monstruoso y deforme se autodestruye. Fuente de inspiración de su obra fue su mujer Gala, protagonista de muchas de sus obras. Con el paso de los años su obra se fue haciendo cada vez más conservadora, centrándose en el dibujo y las perspectivas forzadas. 10

11 El otro gran representante es Joan Miró ( ), que realizó un surrealismo muy personal, ajustándolo a su visión del mundo y su universo particular constituido por la línea, el punto, la estrella, las formas cartilaginosas, colores planos y estridentes cerca de preceptos infantiles. Su lenguaje se basa en el color y en los trazos ingenuos. Sus trabajos, aun cuando puedan parecer complicados jeroglíficos, siempre se realizan sobre esquemas lúcidos y ordenados. Las composiciones son solo trazos salpicados de amarillos, rojos, azules, en los que las referencias espaciales y el volumen están totalmente ausentes. Ej. El baile del arlequín, La noche y la luz. Los inicios de la abstracción. El objeto había sido sometido en la pintura del siglo XX a toda suerte de experimentos: reducido a color en el fauvismo, soñado en el surrealismo, geometrizado en el cubismo, distorsionado en el expresionismo, vibrado dinámicamente en el futurismo. El propósito de los artistas abstractos es prescindir de los elementos figurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin relación con la realidad visual. Se trata de un intento anterior al surrealismo, pero que lo desborda en el tiempo puesto que al agotarse la escuela surrealista la bandera que guía a los pintores es la abstracción. La obra de arte se convierte en realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, casas sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar, con un lenguaje sin formas, como el de la música, la necesidad interior. Son obras que cuesta asimilar, en las que no tiene sentido hallar similitudes con los objetos reales; lo único posible es juzgarlas desde la estética y la sensibilidad particular. Kandinsky, como ya hemos comentado antes, hacia 1908, fue el primero que analiza la pintura no figurativa. No rompe todavía con los elementos figurativos del Expresionismo, pero poco a poco sus armonías de colores eliminan toda connotación figurativa. Su aventura intelectual es de enorme audacia, con constantes dudas y tumbos. Su compañero en las clases de la Bauhaus, el suizo Paul Klee, explica en sus escritos como los elementos gráficos (punto, línea, plano, espacio) adquieren significación por una descarga de energía dentro de la mente del artista. En Kandinsky y Klee el color se ordena libremente a impulsos de la inspiración. Algunas de las obras de Klee aluden a la hostilidad de los tiempos bélicos que le tocó vivir, pero dominan los cuadros en los que el color y el componente gráfico se aúnan en característicos pictogramas que guardan cierta similitud con los jeroglíficos. 11

12 Pero en otras corrientes de la abstracción se buscan relaciones matemáticas entre las formas coloreadas. En Rusia Kasimir Malevich ( ) crea el Suprematismo, o el mundo de la no representación. En el texto proponía que el artista se liberase de cualquier finalidad en el arte y que se dejase guiar tan sólo por su propia sensibilidad plástica. No comprendía el motivo por el cual el arte debía representar las formas de la naturaleza. Su color más representativo es el blanco y la forma, el cuadrado. Los colores son absolutamente planos, no hay gradación tonal alguna, rompiendo definitivamente con la idea de profundidad que había imperado en occidente. El Neoplasticismo holandés nace en el segundo decenio del siglo XX, al mismo tiempo que la revista De Stijl. Piet Mondrian será su principal exponente, abstrayendo todas las formas y todos los colores, partiendo del cubismo sintético, y reduciéndolo todo a colores primarios nítidamente definidos. Sus cuadros son entramados de líneas negras perfectamente trazadas que encierran espacios de colores planos y generalmente primarios (rojo, azul y amarillo). En estos cuadros las líneas horizontales son equivalentes a la tensión vida-muerte, mientras que las verticales son las que hacen referencia a los hechos orgánicos. Otro importante miembro de esta corriente fue Theo Van Doesburg, primer neoplasticista en trazar diagonales. Picasso. Primeros pasos: Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga en Su padre, José Ruiz Blasco era pintor, aunque la familia pasaba por estrecheces económicas. La familia tuvo que trasladarse a La Coruña y, posteriormente, a Barcelona, donde Picasso entró en la Escuela de Bellas Artes de La Lonja. Su primer gran cuadro, en 1895, es La primera comunión, de tendencia academicista. Ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, obteniendo en 1897 su obra Ciencia y caridad gran éxito. Tras conocer ampliamente el museo del Prado, vuelve a Barcelona para curarse de la escarlatina. Una vez restablecido se instala en Horta de Ebro con el pintor Manuel Pallarés. En 1899 regresa a Barcelona y frecuentando el círculo Els Quatre Gats, cafetería donde se reunían artista como Santiago Rusiñol e Isidro Nonell, y lo decora con 24 retratos en los muros. Pero el centro artístico era París, donde marcha para estudiar a Toulousse- Lautrec, Cezanne o Degas. Época azul y rosa:

13 El suicidio de su amigo el poeta Casagemas y las dificultades económicas marcan el comienzo del llamado periodo azul, con cuadros alusivos a la muerte de Casagemas, influenciado por el Entierro del Conde Orgaz. Predomina el azul, símbolo del sufrimiento que le inspiraba este acontecimiento, y sus penurias económicas. Los personajes serán ciegos, mendigos (El ciego, La vida, La celestina), que tienden a la estilización para acentuar la sensación de soledad y angustia, y una visión pesimista de la existencia. En 1904 se inicia la etapa rosa, donde Picasso pasa a la melancolía, prestando especial predilección por los personajes circenses. La mujer de la corneja representa la transición hacia este periodo. La melancolía aparece impregnada de cierta dulzura, incluso de cierta sensualidad, al perder las figuras sus perfiles agudos y se tornan más redondeados y suaves. Ej. La familia de Saltimbanquis y El equilibrista de la bola (1905), muestran además el conocimiento de la escultura clásica que Picasso había alcanzado tras visitar el museo del Louvre. En 1906 conoció a Matisse contribuyendo notablemente a que su paleta se aclarase. Nacimiento del cubismo: En 1906 Picasso visita una exposición de escultura negra, estudia los antiguos relieves ibéricos y el arte egipcio, y en 1907 recibe el impacto de la exposición de Cezanne. La transición del periodo rosa al cubismo lo encontramos en obras como el Retrato de Gertrude Stein (1906) y Las dos mujeres desnudas (1906), donde se percibe una clara influencia de Cezanne y la escultura íbera. El punto de partida de Las señoritas de Avignon es, posiblemente, El baño turco de Ingres. Pero en la obra de Picasso los cuerpos de las mujeres han sido reducidos a los elementos indispensables, se han geometrizado y simplificado. Las posturas, algunas, son imposibles; los rostros recuerdan a las máscaras africanas. En esta obra la luz ilumina por igual toda la superficie al tiempo que se combina en una misma figura la visión de frente con la de perfil, como ya se vio en la plástica egipcia. El cuadro es una rebelión contra el arte occidental, un intento por romper todo lo que se había hecho antes y un empeño en abandonar la tridimensionalidad. En 1909 se instala en Horta de Ebro, realizando el llamado cubismo analítico, en el que se llega a la paulatina desaparición del propio motivo y al distanciamiento del natural, que también aplicó al retrato (Retrato de Ambroise Vollard). La superficie del cuadro se dividía en facetas, pequeñas superficies de un solo color limitadas por líneas rectas. También realizó en este momento collage. Los años 20 y 30 en la obra Picassiana. En 1917 viaja a Italia empapándose del clasicismo, reapareciendo de nuevo la figura humana. En 1922 pinta Jóvenes corriendo por la playa, canto a la 13

14 feminidad mediterránea de formas rotundas y sólidas. Las figuras monumentales son simples y claras, carentes de movimiento, como si de inmensas columnas se tratara. También pintará a su hijo vestido de arlequín. En 1921 vuelve al cubismo para realizar Los tres músicos, obra en la que un Pierrot, un arlequín y un monje, miembros de la Comedia del Arte Italiana, tocan instrumentos camuflados tras una máscara. En 1920, ya consagrado, se acerca al surrealismo (influenciado por Tanguy o Miró) en La mujer con flor, en el que el rostro y la flor se confunden y se hacen considerablemente irreales. En Interior con mujer dibujando y Muchachas jugando en un barco, las figuras, de formas óseas y redondeadas, recuerdan a las esculturas de Henry Moore. Su amor por la vida no le oculta los absurdos de la realidad, el ascenso de los fascismos, la economía desbocada, y poco a poco se inclinará hacia una representación inédita de la realidad. Picasso y la guerra. El 26 de abril de 1937 la legión Cóndor alemana, participante en la guerra civil junto al bando nacional, bombardea la localidad vizcaína de Guernica. Impactado por el hecho, Picasso se inspira para realizar el encargo de la República para el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937.Para llegar a la versión definitiva realizó un gran número de bocetos que culminan en la colosal obra. También Mujer llorando muestra la difícil situación de España, en una mujer doliente reflejada de frente y de perfil, de perfiles cortantes e hirientes. Sus temáticas se impregnan de enorme sufrimiento y desolación hasta el final de la 2º guerra mundial, como en Gato y Pájaro o Cráneo de Buey. De 1946 a Cansado de París, decide comprarse una casa en la Provenza, en Mènerbes, aislándose cada vez más de su fama. Llena los cuadros de balcones abiertos al azul del Mediterráneo, con palomas o temas pastorales. Es la época de Antibes. En 1955 se compra una villa en Cannes, donde inicia una reflexión sobre el arte, de tal modo que vuelve sus ojos a los grandes maestros: Velázquez, Goya, David, Manet. Así, recurre a cuadros como Las meninas o Desayuno en la hierba, reinventándolos según su manera de ver el arte. Su obra final es más luminosa y serena. En los últimos años realiza con intensidad grabados y cerámica fundiendo animales, formas geométricas y humanas, en una síntesis de sus experiencias estéticas. Murió en Mougins el 8 de abril de Aportación al arte moderno. 14

15 La obra de Picasso es un símbolo de nuestra época, sus miedos y angustias. Se trata de un nuevo humanismo, que se distancia del humanismo renacentista en dos conceptos: Es un humanismo angustiado y colectivo. Frente a la concepción antropocéntrica renacentista, que ensalza la belleza armónica, el humanismo picassiano traduce el sufrimiento de la humanidad. Su aportación al arte contemporáneo estriba en su enorme capacidad para fusionar elementos de culturas antiguas con lo contemporáneo, pero siempre en constante investigación. A partir de su obra, el arte pictórico no podrá detenerse en la representación cromática del mundo visible. Representa al artista libre frente a la tradición, convencionalismos ni prejuicios de los contemporáneos; su pincel le lleva continuamente a trabajar en nuevos caminos. Eso sí, con las constantes del compromiso con el tiempo en el que vivió y su solidaridad con los humildes de cualquier lugar o momento. El protagonismo de la escultura española. En España debemos destacar la importancia de cuatro grandes escultores a lo largo del siglo XX: Julio González, Pablo Gargallo, Alberto Sánchez y Eduardo Chillida. Julio González ( ) era amigo de Picasso, sobre todo en París. Su aportación a la renovación escultórica se produjo fundamentalmente en el ámbito de los nuevos materiales, en su caso, el hierro forjado. Tras unos años apegado a la abstracción, recupera el Naturalismo en obras como Montserrat gritando, escultura que se exhibió junto al Guernica en la Exposición Universal de París de Pablo Gargallo ( ) destaca por pasar de un estilo influenciado por el clasicismo, buscando la simplificación de las formas (ej. La pequeña faunesa de pie), a una estética donde sustituye los volúmenes sólidos por el juego entre el macizo y vacío y se percibe en su obra la influencia del Cubismo. Esto se trasluce en El gran profeta, que resume bastante su concepción escultórica. Alberto Sánchez Pérez ( ) evolucionó hacia una escultura en la que el vacío desempeña un papel esencial y en la que nunca se llega a la abstracción. De esta manera prefirió las formas macizas y las formas curvas e indefinidas que paulatinamente pierden su relación con la realidad. Así, le gustará 15

16 combinar la geometría del cubismo, la angustia del expresionismo y la tendencia a la abstracción, en formas que sólo lejanamente recuerdan al modelo, como Perro asustado o Signo de mujer rural. Eduardo Chillida ( ), trabajó sobre todo con el hierro, que puede aparecer combinado con granito, acero Sus obras son de grandes dimensiones y suelen estar integradas por varias piezas que se unen para conformar un todo, integrando arquitectura y escultura. Algunas de sus obras pretenden unir arte y naturaleza, como El peine del viento en San Sebastián. 16