EL LENGUAJE DEL ARTE HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO

1. EL LENGUAJE DEL ARTE Entendemos por lenguaje artístico aquél que utiliza un medio específico para expresar y representar ideas y sentimientos estéticos. Las artes plásticas utilizan un lenguaje esencialmente visual. El arte se expresa por medio de la armoniosa combinación de los elementos que representan a la imagen: Formas, colores y espacios: en dibujo y pintura; Volumen, en escultura y arquitectura.

1. EL LENGUAJE DEL ARTE Formas universales Formas contemporáneas LA ARQUITECTURA y EL URBANISMO LA ESCULTURA FOTOGRAFÍA COMIC CINE CARTEL TELEVISIÓN VIDEO ARTE ARTE DIGITAL LAS ARTES DECORATIVAS (mosaico, vidriera, etc.) LA PINTURA

Elementos para el análisis del lenguaje visual ARQUITECTURA: Tipo de edificio, materiales, estructura: planta, muros, pilares bóveda, decoración, estilo ESCULTURA: tipo (bulto, relieve ), técnica, material, motivo, rasgos estilísticos PINTURA: técnica (fresco óleo, acuarela ), soporte, motivo o temática, características de la representación

1.1. Arquitectura La arquitectura se anticipó a las demás disciplinas artísticas desde la aparición del Neolítico, y particularmente desde que se construyeron los primeros asentamientos urbanos. Por consiguiente, de ella han dependido la pintura y la escultura, además de otras obras muebles. De esta manera, la arquitectura se convirtió en un campo de experimentación constante que directamente influyó en la evolución del arte en general.

1.1. Arquitectura Elementos: La representación del edificio: el estudio de la planta y el alzado. Los materiales constructivos. Los elementos sustentantes. Los tipos de cubierta. La incidencia de la luz y el color. El volumen. La proporción y la armonía.

La representación del edificio La planta o alzado (Dibujo arquitectónico de un edificio representado en sección horizontal). El alzado (dibujo de la representación vertical del edificio). La sección (dibujo de un corte transversal del alzado de un edificio). sección alzado planta

La representación del edificio

Planta, sección y alzado de un tholos griego

Planta de un templo griego Soportes Espacio interior Escaleras Muros

El templo griego

Plantas de iglesias

Iglesia románica

Los materiales constructivos Adobe, madera, piedra, mármol, ladrillo, hierro, vidrio etc. Condicionan la factura del edificio y la percepción interna y externa del mismo. SUSTENTANTES (soportes) ELEMENTOS QUE CONFORMAN EL EDIFICIO MUROS (soporte y cerramiento lateral) MACIZOS (aparejo) y VANOS (ventanas y puertas) PILARES (sección poligonal) COLUMNAS (sección circular) DINTEL (arquit. adintelada o arquitrabada) * ARCOS (Arquit. abovedada) SOSTENIDOS (cubierta) * Entablamento clásico a doble vertiente * Bóveda de cañón, de crucería * Cúpula de 1/2 naranja, sobre trompas o pechinas LA INCIDENCIA DE LA LUZ Y EL COLOR EL VOLUMEN LA PROPORCIÓN Y LA ARMONÍA

Los materiales constructivos Condicionan la factura del edificio y la forma en que lo percibimos, tanto en el interior como en el exterior. La diversidad de materiales es notable a lo largo de la historia: adobe, madera, piedra, mármol, ladrillo, hierro, hormigón, cristal, acero, etc..

Los elementos sustentantes Muros y tipos de aparejo Soportes: pilar, pilastra, columna, pie derecho, ménsula, estribo, dintel

El muro

Contrafuertes

La columna

El pilar y la pilastra

Los elementos sustentantes Hacen posible la construcción del edificio, permitiendo la elevación de muros, pisos y cubiertas. Columna (soporte vertical de sección circular). Dinteles (pieza horizontal que soporta una carga). Pilar (soporte vertical de sección poligonal). Arcos (pieza curva de variada tipología). El más común es el de medio punto. El Muro (diferentes formas de aparejo).

Los tipos de cubiertas La cubierta: Es el elemento sustentado del edificio. Según utilice el plano o la curva recibe el nombre de adintelada o abovedada.

La cubierta: techumbre plana o adintelada

La cubierta: techumbre arqueada o abovedada Bóveda de cañón Bóveda de arista

Las cubiertas

El arco y sus partes

Tipos de arco

Bóvedas

Partes de una cúpula

La cúpula

Los sistemas constructivos

La luz y el color como elementos arquitectónicos Contribuyen a modelar el espacio interior y exterior del edificio. Pueden provocar diferentes sensaciones en el espectador: agitación, tensión, serenidad; por otro lado, en ocasiones juegan un papel simbólico que subraya determinados significados de la obra arquitectónica.

El volumen en la obra arquitectónica El juego de masas y volúmenes es un elemento poderoso en arquitectura pues contribuye a subrayar aspectos como la grandiosidad del edificio o su carácter simbólico. Desde siempre la monumentalidad arquitectónica ha sido un valor muy estimado por todos los poderes de la tierra. Museo de Arte Contemporáneo de Río de Janeiro Coliseo de Roma

1.2. Escultura

Qué es esculpir? Esculpir es dar forma a la materia, cualquier tipo de materia, destacando los valores táctiles de la misma para transmitir ciertas sensaciones. El Doríforo. Escultura en mármol del siglo I, de 2,12 metros de altura. Copia romana de un original en bronce de Policleto, del año 450-440 antes de Cristo.

Primeras diferencias En una primera diferenciación: Escultura exenta o de bulto redondo. Relieve (altorrelieve, mediorrelieve, bajorrelieve), cuando la obra está adherida a un plano, del que sobresale en mayor o menor medida.

Escultura (dar forma a la materia) MÉTODOS MATERIALES (determinan la calidad táctil de la obra) TÉCNICAS AÑADIENDO MODELADO BLANDOS (barro, yeso, cera ) DUROS metales SOLDADURA madera ENCOLADO

Escultura (dar forma a la materia) MÉTODOS MATERIALES TÉCNICAS SUSTRAYENDO PIEDRA (mármol, caliza) ESCULPIDO CINCELADO MADERA TALLA

Escultura (dar forma a la materia) MÉTODOS MATERIALES TÉCNICAS VACIANDO METALES, ESCAYOLA VACIADO/ HORMIGÓN, PLÁSTICO MOLDEADO (a la cera perdida)

Tipología en escultura BULTO REDONDO Ó EXENTA (aislada, en tres dimensiones) Estatua: escultura exenta de un ser humano. Cabeza, Busto, Torso. Cariátide, Atlante. Postura: yacente, sedente, orante, ecuestre RELIEVE (labrada en un muro o fondo, del que sobresale) Alto relieve (sobresale +50%) Medio relieve (50%) Bajo relieve (-50%) Bajo relieve esbozado: scchiacciato Hueco relieve: rehundido

Escultura exenta o bulto redondo: tipologías BUSTO TORSO ATLANTE ESTATUA CARIÁTIDE CABEZA

Escultura: tipología según la postura YACENTE ECUESTRE ORANTE SEDENTE

El relieve: tipologías El relieve es la modalidad escultórica en la que lo representado no aparece aislado, sino adherido a una superficie que le sirve de fondo, poseyendo unas características que lo acercan a la pintura. Según el porcentaje de figura que sobresalga del fondo distinguimos varios tipos: MEDIORRELIEVE ALTORRELIEVE BAJORRELIEVE

El relieve: tipologías UNA MISMA OBRA PUEDE CONTENER TODAS LAS TIPOLOGÍAS

Elementos formales que se interrelacionan en cualquier obra escultórica LOS MATERIALES LA TEMÁTICA EL VOLUMEN EL MOVIMIENTO LA COMPOSICIÓN LA PROPORCIÓN LA EXPRESIÓN FORMAL LA MASA LA LUZ EL COLOR LA FUNCIÓN Y EL SIGNIFICADO DE LA OBRA

Los materiales Su tratamiento y naturaleza determinan la calidad táctil de la obra y las sensaciones que ésta transmite. madera terracota mármol bronce

Los materiales Los materiales ofrecen diversas calidades: dureza, compacidad, ductilidad, frialdad, suavidad, etc. y sus contrarios, a través del tacto. El tratamiento de la superficie exterior de los materiales: finas y pulidas, aristadas, rugosas, etc.

Los materiales En el siglo XX se utilizan gran variedad de nuevos materiales en escultura : acero, hormigón, hierro, yeso, tela, cartón, plástico, acrílico, etc.

Acabado, textura y policromía La escultura se percibe a través de la superficie exterior, su forma-superficie y su completa percepción debería ser mediante el tacto a la vez que la vista. La vista nos da la información del color, la luz que refleja, los añadidos, etc., pero mediante el tacto se obtiene una mejor sensación de la textura y del acabado de la obra.

Acabado, textura y policromía El acabado de una obra es muy personal para el artista ya que hay obras que pueden presentar un aspecto inacabado y sin embargo el artista considera concluida la escultura. Por otra parte los distintos acabados de las partes pueden reflejar la textura de los materiales que representan de forma que la piel humana puede aparecer muy pulida y un vestido rugoso.

La expresión formal La escultura, igual que las demás artes plásticas, es representativa en el aspecto formal. Sin embargo no siempre las formas de la escultura son reconocibles en la naturaleza sino que pueden aparecer volúmenes inexistentes o irreconocibles.

La expresión formal Escultura figurativa es aquella que representa temas y formas reconocibles (personas, animales, objetos,...).

La expresión formal A su vez podría ser: Naturalista: si las formas se parecen a como existen en la naturaleza. Podemos distinguir entre: Realista: si las personas, objetos,... aparecen con sus características peculiares y presentan, también, sus deformidades. Idealizada: si no se representa a un individuo concreto con detalles específicos sino a uno genérico, perfecto. Esquemática: si las formas están simplificadas y no contienen todas las partes de los objetos sino sólo aquellas que los identifican.

La expresión formal Escultura abstracta es aquella que no representa temas convencionales sino volúmenes, formas geométricas, signos,... Se le denomina también escultura no figurativa.

Temática y expresión de la escultura El escultor no ha sido siempre autónomo a la hora de elegir tos temas que iba a representar sino que, frecuentemente, el cliente imponía el tema que deseaba bien fuera un retrato, una imagen devocional o una escultura decorativa. Precisamente son la iconografía y la iconología las encargadas del estudio de la temática representada y su significación simbólica.

Temática y expresión de la escultura También se le ha impuesto al escultor a menudo la expresión formal de los temas representados bien sea para inspirar piedad, mostrar la dignidad y autoridad del representado o cualquier otra manifestación expresiva.

Reposo y movimiento Durante la mayor parte de la Historia del Arte la escultura ha sido estática, es decir los objetos y figuras representadas no se mueven realmente salvo en casos excepcionales. Sólo desde el comienzo del S. XX se han realizado de forma sistemática esculturas con movimiento real: los móviles de A. Calder, por ejemplo, o la escultura cinética actual.

Reposo y movimiento A pesar del estatismo tradicional los escultores han buscado la forma de representar las formas y las personas simulando un cierto movimiento interno por distintos medios.

Reposo y movimiento Podemos decir que el MOVIMIENTO se puede conseguir: Real: móviles. Sugerido mediante: El ritmo: Por multiplicación de líneas. Por ritmos ondulantes. Por las posiciones inestables. La tensión: indicando un movimiento en potencia. La acción: movimiento en el acto por la propia acción que se realiza.

Reposo La concentración y el reposo son el resultado de las líneas verticales que dominan la composición.

Movimiento La disposición de las figuras es la variable que logra trasmitir movimiento o reposo. La disposición de una figura o de todo un grupo escultórico determina la composición de la obra. El predominio de líneas diagonales o curvas imprime a la obra dinamismo.

Masa Determinado por la sensación de peso que transmite la obra. O la ausencia de la misma, jugando con el vacío, el hueco, la antimasa.

Situación del espectador respecto a la escultura exenta Para la completa percepción de la escultura deberíamos tocarla ya que la sensación táctil puede ser tan importante, y en ocasiones más, que la percepción visual. Sin embargo nos debemos conformar con la mera contemplación visual de la obra para evitar con nuestro contacto el deterioro de la misma.

Situación del espectador respecto a la escultura exenta Esta diapositiva no se refiere a la posición en la que está colocada la escultura en el espacio: una escultura exenta puede haberse colocado junto a una pared y no por eso se convierte en un relieve. Además debemos tener en cuenta al observar una reproducción de una obra que no debemos dejarnos llevar por la posición que adoptó el fotógrafo al realizar la fotografía; ésta puede tener un encuadre oblicuo en la que se vea parte de frente y parte de un lateral y no por eso la obra tiene escorzo. Se trata de comprender si la escultura está hecha para verla desde un punto de vista concreto y si tiene un único punto de vista o hay que girar en torno a ella.

El volumen El carácter tridimensional de la escultura comporta volumen. La obra debe ser capaz de crear espacio a su alrededor, de modo que pueda ser contemplada desde diversos ángulos. Cuando la escultura está ligada a la arquitectura (ya sea por ser un relieve o por estar inserta la obra en un espacio cerrado) la calidad volumétrica de la misma se halla limitada (lo cual ha ocurrido durante gran parte de la historia).

El volumen De forma breve podríamos reducir la cuestión observando que una escultura puede estar hecha para verse de frente, en escorzo o se debe girar alrededor de ella. La frontalidad no significa que no podamos rodear la obra, ya que ésta es exenta, sino que está pensada para que se vea totalmente de frente y ése es su principal punto de vista. Hay esculturas que presentan cierta torsión y que, si la vemos totalmente de frente, no la percibimos íntegramente. Finalmente hay épocas en las que la escultura tiene un movimiento muy fuerte y se debe contemplar girando alrededor de ella; en ocasiones, como en el manierismo, además ese desplazamiento debe ir acompañado de una visión helicoidal.

La composición Puede adoptar, a partir del movimiento de la obra o la ausencia del mismo, diferentes soluciones. Destacan dos tendencias: composiciones cerradas, recogidas sobre sí mismas; o composiciones abiertas, cuando la obra se abre hacia el exterior, potenciando su movimiento.

La proporcionalidad La proporción o su ausencia, forman parte de la búsqueda de determinadas sensaciones o ideales de belleza. Las propuestas responden, en consecuencia, a lo que se entiende por clasicismo o anticlasicismo.

Factores visuales: luz y color El uso de la luz, de cómo incide sobre la superficie de la obra, sirve al artista para modelar, crear volumen y movimiento. El color ha sido utilizado para subrayar determinados aspectos de la obra: realismo, simbolismo, etc. El uso de diferentes materiales y texturas contribuye a subrayar estos aspectos.

Función y significado de la escultura Actualmente existe cierta tendencia a considerar a la escultura como un elemento decorativo, pero generalmente se ha utilizado con otros fines independientemente de su carácter ornamental. Entre ellos se pueden señalar la función mágico-religiosa y simbólica de las imágenes en todas las religiones (salvo en la musulmana que no las utiliza); algunas han sido representativas con un carácter ideológico o de ostentación; han servido como cauce a la expresión del ideal de belleza en distintas culturas; y, sobre todo en el caso del relieve, han tenido una importante función narrativa y conmemorativa.

1.3. La pintura

Qué es pintar? Lo específico de la pintura: Representación plástica en superficie de dos dimensiones. Intento de simular una ventana abierta. La pintura es la más popular de las artes visuales, la más democrática, por cuanto su apreciación o percepción no requiere, aparentemente, un gran esfuerzo intelectual. Pintar es, en definitiva, atrapar la imagen sobre la materia, mediante la técnica del dibujo y el uso del color. Pero todo esto es sólo en apariencia.

Los aspectos materiales de la pintura: la materia pictórica Soporte: muro, lienzo, madera, papel, etc. Elementos aglutinantes para el color: aceite, clara de huevo, agua, etc. En la época contemporánea: arena, trapos, metal, y cualquier otro material La materia pictórica o cantidad de pasta determina, en cierto modo, la textura, es decir, las sensaciones táctiles que la obra pictórica transmite (lisa, pastosa, rugosa, mate, brillante, etc.).

La técnica pictórica MATERIALES TÉCNICAS SOPORTES DETERMINAN EXIGEN COLORES (pigmentos) AGLUTINANTES (adherentes y protectores de los colores) FRESCO ACUARELA TÉMPERA AGUADA (GUACHE) TEMPLE ÓLEO ENCÁUSTICA (en caliente) ceras, lápices de colores PASTEL ACRÍLICO MOSAICO VIDRIERA MURO PAPEL PAPEL ESTUCO TABLA TELA METAL MADERA CARTÓN SUELO VANOS

Las técnicas más frecuentes en la historia FRESCO (PIGMENTOS CON AGUAL Y CAL COMO AGLUTINANTE) Técnica propia de la pintura mural

Las técnicas más frecuentes en la historia TEMPLE (PIGMENTOS CON YEMA DE HUEVO O GOMA ARÁBIGA COMO AGLUTINANTE) Es toda aquella pintura que utiliza un diluyente acuoso. Se puede aplicar sobre madera, lienzo o pared. Al contrario que el fresco se seca más lentamente y corre el riesgo de descascarillarse.

Las técnicas más frecuentes en la historia ÓLEO (PIGMENTOS CON ACEITE REFINADO DE LINAZA COMO AGLUTINANTE) Utiliza aceite para disolver los colores, dando brillo al lienzo o a la madera sobre la que se aplica (permite retocar y corregir).

Las técnicas más frecuentes en la historia MOSAICO (PEQUEÑAS TESELAS DE PASTA VÍTREA O PIEDRA DE COLORES)

Las técnicas más frecuentes en la historia VIDRIERA (VIDRIO DE COLORES)

Otras técnicas pictóricas Acuarela: Utiliza mucha agua como diluyente, y muy poca cantidad de aglutinante (goma, baba de caracol, glicerina...). Pastel: Es una pintura seca, se utiliza para la confección de lápices de colores, por ello sus soportes habituales son tela y papel. La propia grasa de la piel funciona como diluyente. El gouache: Utiliza como aglutinante agua gomosa, lo que da texturas más pastosas y gruesas de mayor contenido expresivo. Su soporte habitual es la tela. Polímeros o acrílicos: son pinturas plásticas o acrílicas, cuyo aglutinante es cola o resinas sintéticas. Tiene gran densidad, por eso seca con rapidez.

La línea (el dibujo) Permite la identificación y el reconocimiento de las formas pictóricas. Según el trazo varía su expresión plástica: Trazo continuo y cerrado (propósito descriptivo). Trazo grueso y vehemente (expresivo). Trazo abierto (imaginativo y poético). Trazo curvilíneo (sensualidad).

La línea (el dibujo) El trazo predominante le confiere a la obra una significación simbólica: Líneas verticales: elevación mística. Líneas triangulares: equilibrio. Líneas circulares: perfección.

El volumen A pesar del carácter bidimensional de la pintura, el autor puede conseguir transmitir efectos de tridimensionalidad, es decir, de volumen mediante el uso adecuado de la línea, el color, la perspectiva y la luz.

La perspectiva Esta técnica permite simular la profundidad (la tercera dimensión de la que carece la pintura), creando la ilusión del espacio en el conjunto de la obra. Diferenciar: la perspectiva medieval, la perspectiva lineal del Renacimiento y la perspectiva aérea.

El color Es la esencia de la pintura, y tiene valor por sí mismo. Diferenciar colores: Primarios o puros (amarillo, rojo y azul). Secundarios o binarios, surgen cuando los primarios se mezclan entre sí (anaranjado, violeta, verde). Los colores pueden ser: Cálidos (amarillo, anaranjado, rojo), que expanden luz y avanzan hacia el espectador Fríos (violeta, azul, verde), que absorben luz y se alejan del espectador.

El color En la paleta del pintor los colores se pueden asociar y mezclar de manera infinita, a la búsqueda de efectos visuales o sensoriales Existe, además, un componente simbólico en algunos colores que varía según la época o la cultura.

La luz O su ilusoria representación dentro del cuadro, ya sea como un elemento de la composición o como un elemento expresivo. El tratamiento que el autor haga de la misma determina ambos valores: Luz diáfana y homogénea: equilibrio y armonía. Luz contrastada: dinamismo y expresividad. Luz cenital: orden y estatismo. Luz oblicua: movimiento y profundidad.

La composición Es la articulación, ordenación, de todos los elementos de la expresión plástica y de las sensaciones que en conjunto nos produce. Las posibilidades compositivas son infinitas y vienen determinadas por aspectos como la perspectiva, la luz, el color, la línea, las formas, las interrelación expresiva, la disposición general, etc.

La composición Predominan las composiciones cerradas y las abiertas. Composiciones piramidales, oblicuas, centrífugas, centrípetas, simétricas, etc.