HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO 1.- BREVE REPASO DEL ARTE ANTIGUO. 2.- GOYA Podemos considerar que el arte contemporáneo empieza con Goya. Su obra se desarrolla a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Es uno de los pintores más importantes de toda la Historia del Arte. Fue muy revolucionario. Hasta este momento los artistas hacían las obras por encargo de los clientes, ya fueran los clientes los reyes, los nobles o la Iglesia. Y pintaban lo que les encargaban. Los artistas no daban su propia opinión a través de las obras, el mensaje de la obra de arte era el que le decía el cliente. Hasta este momento también, el objetivo técnico de la pintura era que lo pintado se pareciera todo lo posible a la realidad. Goya cambió todo esto. Goya cierra todo el Arte Antiguo y abre el Arte Contemporáneo. Él es la llave que abre una nueva era del arte. Goya pone sobre la mesa y plantea una serie de nuevas posibilidades y opciones que se desarrollarán a lo largo de todo el siglo XIX y XX por todos los artistas de toda esta época que supone el Arte Contemporáneo. A partir de la obra de Goya se desarrolla el impresionismo, la pintura social, el expresionismo, el surrealismo,.. Pero sobre todo a partir de Goya, los artistas ya no pintan lo que les manda el cliente sino que pintan lo que quieren y utilizan el arte para EXPRESAR su propia opinión sobre el mundo, la vida, sus propios sentimientos, etc. Goya pintó cuadros de encargo para reyes y nobles en los que daba su opinión política y personal sobre ellos, criticando la situación social y política de España. Denunció la crueldad de la guerra, el sufrimiento del pueblo, las injusticias sociales, etc. Y todo ello le ocasionó problemas y enfrentamientos con el poder y la justicia. 3.- ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX En el siglo XIX se inventan dos cosas que revolucionan la arquitectura: el hormigón y las grandes estructuras de hierro y gracias a esto se pueden construir rascacielos y más baratos. Desarrollo de la industria metalúrgica (las estructuras de hierro). Los arquitectos se plantean hacer viviendas para la gente pobre pero que sean más sanas aunque baratas de hacer, y así surgen en las ciudades los barrios obreros. Otro suceso importante en el siglo XIX es la aparición de muchos restos y yacimientos griegos y romanos y se desarrolla una afición y gusto por las ruinas y los tiempos pasados. Así surge une un estilo arquitectónico (el ROMANTICISMO) en el que con los materiales modernos (hormigón, hierro, ) construyen edificios imitando los estilos antiguos (NEORROMÁNICO, NEOGÓTICO, ).hasta llegar al ECLECTICISMO (mezcla de estilos y elementos de manera arbitraria, Opera de Paris). MODERNISMO: El modernismo busca la belleza frente al mundo industrializado. GAUDÍ: intenta acercarse a la arquitectura natural de Dios: las colmenas de las abejas,
el tejido celular, ramificaciones de los árboles, escamas de los reptiles, estructuras de los huesos, las montañas, 4.- PINTURA Y ESCULTURA DEL SIGLO XIX Después de vivir la revolución intelectual y filosófica que supuso la Ilustración y la razón, el cambio político que supuso la caída del Antiguo Régimen, la revolución social que supuso la decadencia de la nobleza y el clero frente al surgimiento de la burguesía y el proletariado en las ciudades, y la revolución económica que supuso la industrialización, en el siglo XIX sucede algo muy importante: se inventa la fotografía y esto afecta mucha a la escultura y a la pintura. Durante toda la Historia del Arte, la escultura y la pintura tuvieron como objetivo reproducir de la manera más realista posible la naturaleza. Esto requiere un gran esfuerzo y tiempo que ahora al tomar una fotografía se consigue mucho mejor, en un instante y sin esfuerzo. Esto obliga a la escultura y la pintura a replantearse sus objetivos y su razón de ser. Por primera vez en la Historia del Arte los escultores y pintores se dedican a experimentar e investigar con la pintura y la escultura haciendo con ellas lo que les da la gana. El resultado son los ISMOS que componen el arte del siglo XIX y las VANGUARDIAS del siglo XX. A todo este arte le toca vivir una serie de años llenos de cambios muy bruscos políticos, sociales, económicos, en el que las noticias se conocen enseguida gracias a la prensa (que antes no existía), el teléfono, el telégrafo, la televisión, y varias guerras se suceden muy rápido, son a nivel mundial y son muy destructivas. A todos estos artistas les toca reflejar todos estos cambios y sufrimientos, porque además ahora los artistas se sienten comprometidos con su tiempo. El arte contemporáneo, a diferencia del antiguo, ha sido siempre rechazado e incomprendido y visto como peligroso, perseguido, marginado. En la escultura del siglo XIX, en la que se tratan temas íntimos que nunca se habían tratado, solo destaca RODIN. ROMANTICISMO. Sentimientos, Naturaleza, el yo, espontaneo, libre. Nacionalismo, búsqueda de sus caracteres, descubrimiento de lo exótico, los enigmas interiores del ser humano, los sentidos, el poder de la naturaleza. Relación con el COSTUMBRISMO. Simbolismo. Gran importancia del paisaje. FRIEDRICH, DELACROIX, FORTUNY, TURNER. Dentro del Romanticismo está el PRERRAFAELISMO (el arte como refugio poético, religiosidad, MILLAIS, ROSETTI). JULIO ROMERO DE TORRES Y SOROLLA aunque son del siglo XX continúan la línea costumbrista del XIX. REALISMO. Hacen una representación objetiva del mundo, el entorno. Temas sociales. Se hacen caricaturas políticas en la prensa. MILLET, DAUMIER, SOLANA.
MODERNISMO. Objetos artesanales de gran lujo y refinados contra la producción industrial y basta. KLIMT. Búsqueda de belleza en un mundo industrializado. IMPRESIONISMO. Mediante manchas y a través de la ilusión óptica se consigue la impresión de realidad cuando el cuadro se ve de lejos. (RENOIR, MANET, MONET). Son la respuesta por ser marginados de los Salones de arte Oficiales. Impresión al amanecer fue un escándalo social cuando se mostró en una Exposición en 1874 y los llamaron impresionistas de una manera despectiva. El almuerzo de Manet también fue un escándalo en 1863. Se estudia en profundidad la teoría y el comportamiento de los colores Pintaban al aire libre y estudiaban los cambios de luz en los diferentes momentos del día. Los cuadros se construyen a través del color, no de las formas. Relación con los estudios de óptica. Influencia en la composición de la instantánea fotográfica. También están influenciados por las estampas japonesas: colores claros y planos. La fugacidad de la vida moderna: produce sensaciones. Los lienzos y pinturas industriales permiten trabajar al aire libre y son baratos. PUNTILLISMO. Persigue lo mismo que el impresionismo pero con pequeños puntitos en vez de con manchas. (SEURAT, SIGNAC). POSTIMPRESIONISMO. A partir de lo aprendido en el impresionismo, algunos pintores siguen investigando con el color y las formas. (VAN GOGH, GAUGUIN, MATISSE, CEZANNE, DEGAS). Cezanne: en sus cuadros las formas se basan siempre en la esfera, el cono y el cilindro. Todo presenta formas simplificadas y esenciales, las cosas se amontonan unas sobre otras creando planos. Van Gogh a veces raya el cuadro con el mango del pincel, tiene una técnica muy libre y del paisaje hace interpretaciones muy subjetivas., no tuvo formación, respondía a la necesidad creativa de su yo interior, se fue a vivir al Sur de Francia. Gauguin se fue a Tahití. FAUVISMO: fauves = salvajes, fieras. Por el color: inventados, puros, estridentes, libres. 5.- ARQUITECTURA DEL SIGLO XX En el siglo XX surgen dos estilos MINIMALISTAS (que significa menos es más): FUNCIONALISMO (líneas rectas). ORGANICISMO (LÍNEAS CURVAS). Hay una nueva concepción de los espacios. Los rascacielos surgen en la Escuela de Chicago y luego se desarrollan en Manhattan (1929-40), como símbolo de prosperidad de EEUU. WRIGHT, GROPIUS, MIES VAN DER ROHE, LE CORBUSIER.
Desaparece el concepto de fachada. Ausencia ya total de decoración. Carácter utilitario y social, funcional de los espacios, en función del uso. En el Urbanismo hay una separación consciente y muy fuerte de los centros históricos y los ensanches. 6.- PINTURA Y ESCULTURA DEL SIGLO XX Recordemos que seguimos la evolución iniciada en el siglo XIX por los cambios sucedidos (sociales, políticos, económicos y de pensamiento), y por la aparición de la fotografía. Y que esto obliga a la escultura y la pintura a replantearse sus objetivos y su razón de ser. Por primera vez en la Historia del Arte los escultores y pintores se dedican a experimentar e investigar con la pintura y la escultura haciendo con ellas lo que les da la gana. El resultado son los ISMOS que componen el arte del siglo XIX y las VANGUARDIAS del siglo XX. A todo este arte le toca vivir una serie de años llenos de cambios muy bruscos políticos, sociales, económicos, en el que las noticias se conocen enseguida gracias a la prensa (que antes no existía), el teléfono, el telégrafo, la televisión, internet y las nuevas tecnologías. Y varias guerras se suceden muy rápido, son a nivel mundial y son muy destructivas. A todos estos artistas les toca reflejar todos estos cambios y sufrimientos, porque además ahora los artistas se sienten comprometidos con su tiempo. El arte del siglo XX, al igual que el del siglo XIX y a diferencia del antiguo, también ha sido siempre rechazado e incomprendido y visto como peligroso, perseguido, marginado. El siglo XX vive una gran explosión de creatividad, los artistas son muy comprometidos socialmente. El arte ya no admite límites ni esquemas prefijados. Suceden cosas y surgen inventos que influyen en el arte y en la manera de ver el mundo: los microscopios, rayos X, el cine, que nos muestra un mundo de ensueño, los aviones, la luz eléctrica, el subconsciente. La Revolución Rusa y Proletaria, las dos Guerras, el Nazismo. Las Vanguardias traspasaron fronteras. Las Vanguardias del siglo XX además colaboraron mucho con los Ballets, el teatro y el cine. Hicieron diseños de vestuarios, escenografías, decorados. Y su influencia ayudó a crear la danza contemporánea. Los Ballets Rusos de JEAN COCTEAU. La Bauhaus. Alemania. 1919: Manifiesto. Belleza en el diseño de objetos útiles. La Residencia de Estudiantes de Madrid (Lorca, Buñuel, Dalí, ) en los años 20. Los artistas españoles se rebelaron contra la situación política del país. Después de la II Guerra Mundial el eje de gravedad del mundo del arte se desplaza de Europa (París) a EEUU (Nueva York). Hay un proceso de globalización, popularización. En la escultura a partir del siglo XX ya más claramente se estudia la luz, el espacio, el volumen, la textura, los huecos, los volúmenes ausentes. GABO, CALDER (el azar y la ingravidez), BRANCUSSI, PEVSNER, RODTCHENKO, MOORE, GARGALLO, JULIO GONZALEZ, TATLIN.
FUTURISMO. MARINETTI, SEVERINI, CARRÁ, BALLA. Manifiesto de 1909. Plantea una nueva actitud ante la vida. Introducen en la pintura el sonido, el ruido, la velocidad. Exaltan la industria, los motores, las maquinas, el dinamismo de la vida moderna, las líneas de fuerza y energía. Quieren un mundo nuevo basado en el progreso científico, velocidad, ansia por el futuro. EXPRESIONISMO. Las formas se deforman a propósito para conseguir una expresión muy exagerada de sentimientos muy trágicos: dolor, soledad, violencia, Sufrimiento interior. La belleza se destruye deliberadamente. (en escultura GIACOMETTI, BRANCUSSI, JULIO GONZÁLEZ, en pintura NOLDE, MUNCH). CUBISMO. En vez de estudiar el color, lo que hacen es estudiar la forma y la perspectiva. Cogen un objeto o persona y la dibujan en el mismo cuadro como si lo vieran desde diferentes ángulos. Fragmentación en planos. Las cosas no se ven tal y como son. Dibujar las cosas también tal y como las imaginamos, ideación. (JUAN GRIS, BRAQUE, PICASSO). Picasso trabajó mucho los sentimientos del dolor y la destrucción. SURREALISMO. Representan escenas que no existen en la realidad, como si fueran sueños o pesadillas. Manifiesto en 1924 de BRETON. Llevan al extremo el separarse de la lógica y la realidad y representan significados de la dimensión psíquica mas profunda del hombre, es decir, el subconsciente. Más allá de la razón y lo moral (sexual, violencia). Con Freud y Einstein se plantean nuevos conceptos sobre el Universo y la Psique humana. Cosas absurdas e imposibles. (MAGRITTE, DALI, BUÑUEL). Influencian a HICHKOCH y a los Ballets. Dalí: liberación de traumas, relaciones ocultas que existen entre las cosas. DADAISMO. Es un estilo que surge de un grupo de artistas que se refugian en Suiza (Zurich) huyendo de la I Guerra Mundial y hacen unos cuadros con collages en los que todo parece roto y sin sentido. Manifiesto de 1916. Dadá es un sonido infantil, no significa nada. Protestar y provocar. Fotomontajes, collages, montajes construidos. Sacan objetos de su contexto y juegan con ellos. Objetos de la vida cotidiana. DUCHAMP, PICABIA, MAN RAY.
EL ARTE AL SERVICIO DE LOS TOTALITARISMOS. Los totalitarismos persiguieron a las vanguardias y a sus artistas. Impusieron un arte al servicio de sus propósitos políticos, inexpresivo, sin creatividad. Propaganda. POP ART. En los años 50 y 60 del siglo XX, EEUU vive un momento de expansión económica y viven el Modo de Vida Americano, consumista, materialista y vacío de pensamiento y valores. Los propios artistas americanos crean un arte criticando esto. Representan objetos y mitos de la sociedad de consumo y de masas como Dioses Banales. (OLDENBURG, LICHTENSTEIN, WARHOLL). ABSTRACTO. El Arte abstracto son manchas que no representan nada. Expresa lo vacío de la sociedad actual. Se inventa un lenguaje visual nuevo y libre, con imágenes mentales, incluso espiritual. Kandinsky para explicar su arte al publico tuvo que escribir muchos artículos en El Jinete Azul y libros. Buscan el equilibrio y la composición. Materialidad por si misma, masa, tensión, composición. Expresa vacio, energía, ira, calma, azar. Busca la armonía, similar a la de la música, donde los colores y las líneas son como las notas y tonos. Trasladan una emoción lirica. Según son las manchas puede ser ABSTRACTO GEOMÉTRICO o ABSTRACTO GESTUAL. (KANDINSKY, KLEE, MONDRIAN, POLLOCK, MIRÓ). Miró hace una realidad mágica que se mueve con libertad. LA ACTUALIDAD. Nuevas tecnologías (electrónica, videos, informática), ARTE ÓPTICO (efectos ópticos), CINÉTICO (movimiento), MINIMAL ART (lo mínimo, Sin título, solo presencia), ARTE POVERA (reflexión sobre el material en si), HAPPENINGS (acontecimiento en un sitio representado por personas, se espera azar, improvisación y participación del público), PERFORMANCE (lo mismo pero sin participación del publico), BODY ART (con el cuerpo), INSTALACIONES. BASQUIAT (grafitero). HIPERREALISMO (se trabaja el cuadro o la escultura de manera muy realista, hasta parecer una foto). ARTE NAIF (arte infantil, inocente, ingenuo).