LA POESÍA ESPAÑOLA EN LAS TRES DÉCADAS POSTERIORES A LA GUERRA CIVIL: MIGUEL HERNÁNDEZ, BLAS DE OTERO Y GIL DE BIEDMA

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1 LA POESÍA ESPAÑOLA EN LAS TRES DÉCADAS POSTERIORES A LA GUERRA CIVIL: MIGUEL HERNÁNDEZ, BLAS DE OTERO Y GIL DE BIEDMA 1. INTRODUCCIÓN: PANORAMA DE LA POESÍA ESPAÑOLA DE POSGUERRA. Entre 1936 y 1939 se desarrolló una literatura de propaganda ideológica: el poema se convirtió en un arma de lucha con el que cada bando ensalzaba al compañero y atacaba al enemigo. Esta producción no se caracterizó, en general, por su calidad; sin embargo, debe destacarse la figura de Miguel Hernández cuya obra, iniciada antes de la contienda, alcanzó su madurez en estos años. El fin de la Guerra Civil da comienzo a la dictadura y a una dura posguerra marcada por la pobreza, la censura que nos mantiene aislados y hace que la cultura permanezca ajena a la europea y el exilio de muchos intelectuales. Por ello, a partir de los años cuarenta la poesía lírica se encuentra con un panorama de silencio, dolor y muerte impuestos por un conflicto que había durado tres años. Difícil era entonces asumir el papel de poeta en un país destrozado, tanto material como espiritualmente. Algunos poetas de la Generación del 98 y del 27 estaban muertos (Unamuno, Machado, Lorca), otros expatriados (Guillén, Alberti, Cernuda, Salinas...) y otros en un ambiente poco propicio (Dámaso Alonso, Aleixandre...). El campo de la lírica quedaba así yermo. LA VOZ PERSONAL DE MIGUEL HERNÁNDEZ. Miguel Hernández (Orihuela, Alicante, 1910), poeta del amor, del dolor y del pueblo, ha sido considerado genial epígono de la Generación del 27, a cuyos poetas admiró y con los que comparte la magistral combinación de tradición y modernidad, y es, a la vez, punto de referencia insoslayable para la poesía humanizada de posguerra. Es, por ello, una figura de anclaje entre las generaciones del 27 y el 36. Su estilo poético se caracteriza por la forma auténtica y apasionada de expresar su mundo humano y doméstico, lo cual lo aleja de la frialdad de la vanguardia; destacan, además, la originalidad de sus metáforas, creadas a partir de un lenguaje inmediato y familiar, y el dominio de la métrica tradicional (sonetos, octavas reales, romances, serventesios, etcétera). En cuanto al contenido, su poesía gira en torno a temas universales: la vida y su manifestación suprema, el amor; la muerte, siempre al acecho; el compromiso político y la lucha por la justicia social. La evolución de su obra, que en algunos momentos coincide con la de la Generación del 27, puede dividirse en varias etapas ligadas a la biografía del autor: Primera época: tras algunos poemas poco relevantes, publica una primera obra de estilo gongorino, Perito en Lunas (1934), escrita en octavas reales, influida por el 27 y en la que se mezclan metáforas tradicionales e imágenes vanguardistas. Con El rayo que no cesa (1936) inicia su madurez artística. En esta obra sobresalen los sonetos; el autor se muestra sucesivamente enamorado, ilusionado y desdeñado por la amada. Aparecen también otros temas, como el destino y la muerte, destacados en la impresionante Elegía a Ramón Sijé. Segunda etapa: con la guerra, su compromiso político queda plasmado en Viento del pueblo (1937), en el que la poesía de combate, escrita con un lenguaje directo y propagandístico, convive con la preocupación social en poemas como El niño yuntero. En esta etapa combina el verso libre y la métrica tradicional. Con El hombre acecha (1939) hace referencia a su desencanto ante la tragedia de la guerra y el sentimiento de haber sido vencido. Tercera etapa: a ella corresponden los poemarios escritos en prisión. El Cancionero y romancero de ausencias ( ) supone la cima poética del autor, donde va desgranando temas como el amor, la libertad y la difícil situación de su familia, con un lenguaje intenso y depurado que se apoya en estrofas muy breves. Su dramática situación personal y la cercanía de la muerte dotan a esta obra de fuerza y autenticidad. 2. LA POESÍA EN LOS AÑOS CUARENTA. Las primeras corrientes poéticas de posguerra, que muestran su preocupación por los temas humanos, se fragmentarán en dos tendencias fundamentales: la poesía arraigada y la poesía desarraigada. Estos nombres, asignados por Dámaso Alonso, implican dos maneras distintas de analizar y vivir el momento histórico. 1

2 La poesía arraigada. A esta corriente pertenecen casi todos los autores de la Generación del 36 que permanecieron en España y que se identifican con el régimen franquista, aunque posteriormente se distancien de él. Estos poetas, nacidos en torno a 1910, estuvieron vinculados a las revistas Garcilaso y Escorial, dirigidas respectivamente por José García Nieto y Dionisio Ridruejo. En la primera se publicaban poemas de corte tradicional, con Garcilaso de la Vega como símbolo del equilibrio y recuperación de los valores del imperio español. Las características principales de esta corriente son: Una visión del mundo distanciada de la realidad cotidiana del país. Los poetas se cobijan en una existencia agradable y ordenada que vuelve la vista a lo doméstico y familiar, al paisaje, al amor, a las cosas bellas... Una religiosidad armónica en la que Dios, como elemento fundamental de orden, les aporta serenidad y confianza. La utilización de una métrica clásica que refleja ese espíritu equilibrado; por ello van a retomar estrofas y composiciones clásicas, sobre todo el soneto. Posteriormente, la mayoría de ellos utilizará el verso libre. Los poetas arraigados son Luis Rosales, cuya obra La casa encendida, de 1949) ha sido considerada una de las mejores de nuestra lírica; Leopoldo Panero ( Escrito a cada instante, 1949), Luis Felipe Vivanco ( Continuación a la vida, 1949) o Dionisio Ridruejo ( En la soledad del tiempo, 1944 La poesía desarraigada. Opuesta a la corriente anterior, tanto temática como formalmente, la poesía desarraigada cultiva una línea existencialista, que expresa la desorientación y el caos de la vida humana. La influencia de Miguel Hernández en esta tendencia se hace notar. Estos poetas se reúnen en torno a una serie de revistas, de las cuales la más destacada es Espadaña, dirigida por Victoriano Crémer y Eugenio de Nora. Las características principales de esta tendencia son: Un sentimiento de angustia y desesperación ante las circunstancias; la idea de haber sido arrojados a un mundo absurdo produce en ellos un vacío difícil de llenar. Dios no es ya un símbolo de equilibrio y serenidad, sino la única posibilidad de salvación del hombre, por lo que se dirigen a él increpándole y mostrándole el sufrimiento del mundo. Los temas muestran más apego a la realidad del momento: la muerte, la soledad, la violencia... La existencia se ve como una lucha con el medio o con el mundo interior. El abandono del ámbito personal para dirigirse a los demás, en un intento de solidarizarse con los que sufren; esta idea sentará, años después, las bases de la poesía social. El estilo deja de ser clásico y se torna desgarrado, casi violento; esto se refleja en la utilización de un lenguaje coloquial brusco y duro; la métrica tradicional se sustituye a veces por el verso libre y el versículo, que dejan mayor libertad para la manifestación de la angustia existencial. A esta corriente pertenecen autores de diferentes épocas y procedencias: Dámaso Alonso y Vicente Aleixandre ( Sombra del paraíso, 1944), como representantes de la Generación del 27, junto a poetas más jóvenes como Gabriel Celaya ( Movimientos elementales, 1947) y Blas de Otero (en poemas como Hombre ), que evolucionarán posteriormente hacia la poesía social. Cabe destacar, entre las obras que se publican, un poemario de Dámaso Alonso que lo identifica plenamente con esta corriente tras haber cultivado una poesía pura en su etapa anterior. Se trata de Hijos de la ira (1944), libro que supone un grito terrible contra la injusticia y el sufrimiento humanos, en el que se pide a Dios que dé sentido a una vida dominada por el caos. El lenguaje es agresivo, con una combinación de símbolos y metáforas que configuran imágenes alucinantes. Poemas emblemáticos son Mujer con alcuza, que clama contra la injusticia y la suerte de los abandonados del mundo, o Insomnio, donde se ofrece la visión de un Madrid poblado de cadáveres reales y simbólicos en versículos que expresan una enorme desazón. 2

3 3. LA POESÍA SOCIAL DE LOS AÑOS CINCUENTA. A mediados de los años cincuenta surge un nuevo concepto de poesía, alejado tanto de la expresión de la intimidad de los poetas arraigados como de las angustias existenciales de los desarraigados. El poeta se convierte en un testigo de su época y utiliza su palabra para cambiar el mundo, tomando partido ante las circunstancias sociopolíticas españolas. Partiendo, pues, de la poesía desarraigada se ha pasado a la poesía social. Según Celaya, un poeta no puede ser neutral, por ello, los mismos que en la década anterior gritaron contra el dolor y manifestaron su angustia, a partir de 1950 denunciaron la marginación, el paro, la falta de libertad, y exigieron la justicia y la paz para España, una patria amada y rota que se convertiría en protagonista de sus versos: Victoriano Crémer, Eugenio de Nora, José Hierro, Celaya, Blas de Otero... La publicación en 1955 de Cantos Iberos, de Gabriel Celaya, y Pido la paz y la palabra, de Blas de Otero marcará el comienzo de esta tendencia, que llega hasta los años sesenta. Las características de la poesía social son: El distanciamiento de todo esteticismo mediante un lenguaje desnudo de recursos retóricos, a veces cercano al prosaísmo y al panfleto. Los poetas se dirigen a la mayoría, de ahí la pretensión de claridad y el tono coloquial. Por tanto, se valora más el contenido que el aspecto formal, si bien los grandes poetas aciertan a descubrir los valores poéticos de la lengua cotidiana. El paso del yo (existencial, personal) al nosotros (social y colectivo) en un intento de crear una conciencia solidaria que proteste por la injusticia social. El tema de España, tratado desde una perspectiva con tintes políticos. De ello pueden dar cuenta algunos títulos: Que trata de España (Otero), Tierras de España (Garciasol), Canto a España (José Hierro), Dios sobre España (Bousoño), etc. Blas de Otero ( ) Su obra ofrece una evolución que va desde el desasosiego casi místico en sus libros más propiamente existencialistas, hasta la entrega de su vida y su obra por la paz del hombre y la justicia. Tras su primera obra, Cántico espiritual (1942), que recuerda poderosamente y no sólo en el título a San Juan de la Cruz, podemos distinguir en su obra tres etapas: En su primera etapa, cultivó una poesía desarraigada y existencial, en la que utiliza un lenguaje tenso y violento, quebrado por continuos encabalgamientos que producen un ritmo muy marcado y original, sobre todo en los sonetos. Es una poesía, estremecedora por su tono desgarrado, que se centró en la búsqueda angustiosa de Dios, del amor y del sentido de la existencia humana, como se aprecia en Ángel fieramente humano (1950) y Redoble de conciencia (1951). Los dos libros se publicaron posteriormente bajo el título de Ancia, obtenido de la combinación de los anteriores (Ángel...conciencia). Se convirtió, más tarde, en una de las figuras más representativas de la poesía social. Se aleja de lo personal para volverse solidariamente hacia lo colectivo. Utiliza un lenguaje coloquial y sencillo, en un intento de llegar a la inmensa mayoría 1. A esta segunda etapa pertenecen obras como Pido la paz y la palabra ( ): Ahora ya no es Dios quien le importa, sino los hombres que desasosegadamente viven y mueren sin encontrar la paz para sus almas ni la felicidad para sus cuerpos. Pero el poeta, ante tanto sufrimiento, no se siente vencido: Yo soy un hombre literalmente amado / por todas las desgracias y gracias tan grande la esperanza, nos dice en otro poema. En lo que podríamos llamar tercera etapa, iniciada a mediados de los sesenta, intenta recuperar la palabra poética del prosaísmo en el que había caído. Retorna a lo íntimo y utiliza 1 Recuérdese el lema de Juan Ramón en su ideal de poesía pura, liberada de lo anecdótico humano: a la minoría, siempre. 2 En los libros siguientes, En castellano (1959) y Que trata de España (1964), más irónico, en el que incluye estrofas de la tradición popular castellana, sigue dirigiendo su poesía a la inmensa mayoría y a la patria que lo vio nacer. 3

4 básicamente el verso libre, el versículo y algunos recursos del surrealismo. A esta etapa pertenecen Hojas de Madrid ( ) y un libro en prosa, Historias fingidas y verdaderas, de voluntad experimentalista. Son destacables en su lengua poética la sintaxis abrupta, los abundantes recursos fónicos (aliteraciones, paronomasias), las reiteraciones, el uso de antítesis y oxímoron, los juegos de palabras, el uso del léxico popular y, en particular, el uso transgresor del lenguaje literal. 4. LA POESÍA EN LA DÉCADA DE LOS SESENTA: GENERACIÓN DEL 50 Aunque la poesía social se prolonga en los años sesenta, ya en la década de los cincuenta habían aparecido poetas nuevos que representarán pronto su superación. Pese a que algunos compartan con los poetas sociales una visión crítica de la realidad y unas actitudes éticas comunes (como el sentido de la solidaridad), los diferencia el mayor esmero en el cuidado de las formas poéticas y el retorno a los temas eternos de la poesía. Son los llamados niños de la guerra, que vivieron la contienda en su niñez o adolescencia, por lo que este tema estará también presente en su obra. Los nombres que se harán más notorios son los de Ángel González (1925), Jaime Gil de Biedma ( ), José Ángel Valente ( ), Francisco Brines (1932), Claudio Rodríguez ( ). Éstos y otros (Carlos Barral, José María Valverde, Félix Grande, Caballero Bonald, J.Agustín Goytisolo, Carlos Sahagún, A.Gamoneda, Eladio Cabañero, etc.) han sido recogidos en ciertas antologías bajo el rótulo de Grupo poético o Promoción de los años 50. Tal denominación parece poco acertada porque, si bien comienzan a escribir en los cincuenta, su poesía marcará, sobre todo, la década siguiente, cuando alcanzarán su madurez creadora, coincidente con el agotamiento del realismo social. No parece muy apropiado hablar de grupo : en nada se parecen el lenguaje cotidiano y directo de J.A.Goytisolo, el intelectual y simbolista de Valente o Gamoneda y el clasicista impregnado de surrealismo de Claudio Rodríguez. No obstante, es indudable que presentan rasgos comunes, indicio de que la poesía se orienta por nuevos derroteros. Se observan en ellos las siguientes características: Una preocupación fundamental por el hombre, por los problemas éticos, sociales, existenciales e históricos que enlaza con el humanismo existencial, aunque en este caso huyen de todo tratamiento patético. La finalidad de la poesía, como la de todo arte señala Claudio Rodríguez consiste en revelar al hombre aquello por lo cual es humano, con todas sus consecuencias. Cabe señalar, en este sentido, el supremo magisterio de Antonio Machado, y la influencia de otros poetas como Luis Cernuda, Vicente Aleixandre, Leopoldo Panero o Luis Rosales. Dan frecuentes muestras de inconformismo frente al mundo en que viven, pero cierto escepticismo los aleja de la poesía social. Lo propio de estos poetas es la creación y consolidación de una poesía de la experiencia personal. De acuerdo con ello, sus temas se caracterizan, en buena parte, por un retorno a lo íntimo: el fluir del tiempo, la evocación nostálgica de la infancia, lo familiar, el amor y el erotismo, la exaltación de la amistad como valor supremo y universal... La anécdota realista es el punto de partida para exponer sus propias vivencias; no rehúyen la expresión directa de los sentimientos y comunican sin pudor su intimidad, a veces teñida de un escepticismo dolorido. En cuanto al estilo, rechazan por igual el patetismo de la poesía desarraigada y el habitual prosaísmo de los poetas sociales. Muchos siguen fieles a un estilo conversacional, antirretórico, pero ello no debe ocultar una exigente labor de depuración y de concentración de la palabra. Sin embargo, no les tientan las experiencias vanguardistas: se quedan en un tono cálido, cordial, compensado con un frecuente empleo de la ironía. Normalmente hay ausencia de estrofas y rimas; prefieren una estructura narrativa en el poema, y usan mucho las reiteraciones y los paralelismos. Introducen el léxico urbano, con coloquialismos y prosaísmos de clara intención irónica. 4

5 Gil de Biedma ( ) «Nací en Barcelona en 1929 y aquí he residido casi siempre. Pasé los tres años de la guerra civil en Nava de la Asunción, un pueblo de la provincia de Segovia en donde mi familia posee una casa a la que siempre acabo por volver. La alternancia entre Cataluña y Castilla, es decir: entre la ciudad y el campo o, para ser más exacto, entre la vida burguesa y la vie de chateau, ha sido un factor importante en la formación de mi mitología personal. Estudié Derecho en Barcelona y Salamanca; me licencié en Desde 1955 trabajo en una empresa comercial. Mi empleo me ha llevado a vivir largas temporadas en Manila, ciudad que adoro y que me resulta bastante menos exótica que Sevilla, porque la entiendo mejor. Me quedé calvo en 1962; la pérdida me fastidia pero no me obsesiona dicen que tengo una línea de cabeza muy buena. Gano bastante dinero. No ahorro. He sido de izquierdas y es muy probable que siga siéndolo, pero hace ya algún tiempo que no ejerzo.» «Bien. Supongamos ahora que han pasado doce años desde que escribí lo anterior. Y aun vayamos más lejos, supongamos lo más terrible: que nuestra suposición tuya y mía, lector, acuérdate sea la verdad absoluta. Qué diré entonces que ha sido de mí durante este espacio interlinear? Lo primero y lo instintivo, es decir que nada. Luego, tras algún pensar, ciertos hechos se imponen ( ) En 1974 publiqué un diario mío de 1956 titulándolo Diario de un artista seriamente enfermo y en 1980 reuní mis ensayos de crítica literaria y algunas otras cosas en un volumen: El pie de la letra. (Nota biográfica. Jaime Gil de Biedma: Las personas del verbo, Seix Barral.) Jaime Gil de Biedma y Alba muere en Barcelona el 8 de enero de La creación literaria de Jaime Gil de Biedma, reunida en Las personas del verbo (1975 y 1982), es breve. Según él, su poesía consistió en inventarme una identidad; inventada ya y asumida, lo que produjo su abandono temprano de la escritura. En relación con ese afán de hallar una identidad propia está el tema principal de su obra: el paso del tiempo, vinculado con el recuerdo y el análisis de las experiencias personales, desde la infancia hasta la madurez; el discurrir contrasta el punto de vista del presente y del pasado. Al paso del tiempo se liga el amor, otro de los temas importantes en la obra de Gil de Biedma, además de los espacios urbanos. En las personas del verbo se recogen, reagrupados y con añadidos y supresiones, los poemas de los siguientes libros: Compañeros de viaje (1959). Aparecen el mundo de la infancia y de la adolescencia, la amistad, la ciudad y también el amor terminado. Los últimos poemas tratan del dolor y el sufrimiento en la historia de España. Moralidades (1966). Reflexión sobre la situación de España: los valores de la burguesía, la Guerra Civil Poemas póstumos (1968). En la madurez del poeta se intensifican la pesadumbre por el fluir inexorable del tiempo y la desilusión por lo no obtenido. En cuanto a los rasgos estilísticos, la voz poética de los textos de Gil de Biedma se dirige con frecuencia a un tú o a un vosotros; el desdoblamiento del yo construye un diálogo que posibilita una visión irónica y distanciada. En sus poemas incluye elementos narrativos y descriptivos. Destaca el prosaísmo del registro coloquial, el tono conversacional y la intertextualidad (citas y autocitas). 5