1. LA POESÍA DURANTE LA GUERRA CIVIL (MIGUEL HERNÁNDEZ)

Transcripción

1 Literatura Española. 2º de Bachillerato TEMA 9. La poesía española posterior a 1936: tendencias, rasgos principales, autores y obras más significativas. 1. La poesía durante la Guerra Civil (Miguel Hernández). La poesía en los años cuarenta: poesía arraigada (Luis Rosales) y desarraigada (Dámaso Alonso). 2. La poesía social de los años cincuenta: Gabriel Celaya, José Hierro y Blas de Otero. 3. La poesía en los sesenta y primeros setenta: la Generación del 50 (Ángel González, José Ángel Valente y Jaime Gil de Biedma) y los Novísimos (Pere Gimferrer y Antonio Martínez Sarrión). 1. LA POESÍA DURANTE LA GUERRA CIVIL (MIGUEL HERNÁNDEZ). LA POESÍA EN LOS AÑOS CUARENTA: POESÍA ARRAIGADA (LUIS ROSALES) Y DESARRAIGADA (DÁMASO ALONSO) El fin de la Guerra Civil da comienzo a la dictadura y a una dura posguerra marcada por la pobreza, la censura que nos mantiene aislados y hace que la cultura permanezca ajena a la europea y el exilio de muchos intelectuales. A partir de los años cuarenta la poesía lírica se encuentra con un panorama de silencio, dolor y muerte impuestos por un conflicto que había durado tres años. Difícil era entonces asumir el papel de poeta en un país destrozado, tanto material como espiritualmente. Algunos poetas de la Generación del 98 y del 27 estaban muertos (Unamuno, Machado, Lorca), otros expatriados (Guillén, Alberti, Cernuda, Salinas...) y otros obligados al silencio (Dámaso Alonso, Aleixandre...). El campo de la lírica quedaba así yermo. Resulta complicado sistematizar la poesía de los años cuarenta, pues coinciden en esta época autores de diferentes generaciones y escuelas. Publican obras importantes poetas del 27, como Dámaso Alonso y Vicente Aleixandre, y jóvenes de la denominada Generación del 36, a su vez muy variada. A pesar de la diversidad de tendencias y estilos, todos los autores coinciden en recuperar (como antes de la guerra habían intentado los poetas del 27) la hondura de los temas humanos (la lucha social, la religiosidad, la muerte, la incomunicación, el amor, etc.). Los poetas del exilio siguieron caminos diversos, pero en su producción sobresale el tema de España, como ocurre en la obra de León Felipe ( ), poeta de difícil adscripción entre las tendencias de preguerra. En sus poemarios (Versos y oraciones de caminante ( ), Drop a star (1933), El español del éxodo y del llanto (1939), etc.), desarrolla temas como la condición humana, la injusticia, el desorden, la rebeldía contra la historia, etc. Además de Felipe, continúan su obra en el exilio poetas de generaciones anteriores como Juan Ramón Jiménez, Cernuda, Guillén, Salinas, Alberti, Prados o Altolaguirre La poesía durante la Guerra Civil: Miguel Hernández. Miguel Hernández (Orihuela, Alicante, 1910), poeta del amor, del dolor y del pueblo, ha sido considerado genial epígono de la Generación del 27, a cuyos poetas admiró y con los que comparte la magistral combinación de tradición y modernidad, y es, a la vez, punto de referencia insoslayable para la poesía humanizada de posguerra. Es, por ello, una figura de anclaje entre las generaciones del 27 y el 36. 1

2 Su estilo poético se caracteriza por la forma auténtica y apasionada de expresar su mundo humano y doméstico, lo cual lo aleja de la frialdad de la vanguardia; destacan, además, la originalidad de sus metáforas, creadas a partir de un lenguaje inmediato y familiar, y el dominio de la métrica tradicional (sonetos, octavas reales, romances, serventesios, etcétera). En cuanto al contenido, su poesía gira en torno a temas universales: la vida y su manifestación suprema, el amor; la muerte, siempre al acecho; el compromiso político y la lucha por la justicia social. La evolución de su obra, que en algunos momentos coincide con la de la Generación del 27, puede dividirse en varias etapas ligadas a la biografía del autor: Primera época: tras algunos poemas poco relevantes, publica una primera obra de estilo gongorino, Perito en Lunas (1934), escrita en octavas reales, influida por el 27 y en la que se mezclan metáforas tradicionales e imágenes vanguardistas. Con El rayo que no cesa (1936) inicia su madurez artística. En esta obra sobresalen los sonetos; el autor se muestra sucesivamente enamorado, ilusionado y desdeñado por la amada. Aparecen también otros temas, como el destino y la muerte, destacados en la impresionante Elegía a Ramón Sijé. Segunda etapa: con la guerra, su compromiso político queda plasmado en Viento del pueblo (1937), en el que la poesía de combate, escrita con un lenguaje directo y propagandístico, convive con la preocupación social en poemas como El niño yuntero. En esta etapa combina el verso libre y la métrica tradicional. Con El hombre acecha (1939) hace referencia a su desencanto ante la tragedia de la guerra y el sentimiento de haber sido vencido. Tercera etapa: a ella corresponden los poemarios escritos en prisión. El Cancionero y romancero de ausencias ( ) supone la cima poética del autor, donde va desgranando temas como el amor, la libertad y la difícil situación de su familia, con un lenguaje intenso y depurado que se apoya en estrofas muy breves. Su dramática situación personal y la cercanía de la muerte dotan a esta obra de fuerza y autenticidad La poesía arraigada. Luis Rosales. Las primeras corrientes poéticas de posguerra, que muestran su preocupación por los temas humanos, se fragmentarán en dos tendencias fundamentales: la poesía arraigada y la poesía desarraigada. Estos nombres, asignados por Dámaso Alonso, implican dos maneras distintas de analizar y vivir el momento histórico. A esta corriente pertenecen casi todos los autores de la Generación del 36 que permanecieron en España y que se identifican con el régimen franquista, aunque posteriormente se distancien de él. Estos poetas, nacidos en torno a 1910, estuvieron vinculados a las revistas Garcilaso y Escorial, dirigidas respectivamente por José García Nieto y Dionisio Ridruejo. En la primera se publicaban poemas de corte tradicional, con Garcilaso de la Vega como símbolo del equilibrio y recuperación de los valores del imperio español. Las características principales de esta corriente son: Una visión del mundo distanciada de la realidad cotidiana del país. Los poetas se cobijan en una existencia agradable y ordenada que vuelve la vista a lo doméstico y familiar, al paisaje, al amor, a las cosas bellas... Una religiosidad armónica en la que Dios, como elemento fundamental de orden, les aporta serenidad y confianza. 2

3 La utilización de una métrica clásica que refleja ese espíritu equilibrado; por ello van a retomar estrofas y composiciones clásicas, sobre todo el soneto. Posteriormente, la mayoría de ellos utilizará el verso libre. Los poetas arraigados son Luis Rosales, cuya obra La casa encendida, de 1949) ha sido considerada una de las mejores de nuestra lírica; Leopoldo Panero (Escrito a cada instante, 1949), Luis Felipe Vivanco (Continuación a la vida, 1949) o Dionisio Ridruejo (En la soledad del tiempo, 1944). Luis Rosales. ( ). Estudia Filosofía, Letras y Derecho en la Universidad de Granada, su ciudad natal. En 1930 se traslada a Madrid para continuar sus estudios y entabla allí amistad con los garcilasistas Luis Felipe Vivanco, Leopoldo Panero, Dionisio Ridruejo y José García Nieto. Pronto se convierte en la cabeza de la Generación del 36 y en uno de los máximos exponentes de la denominada "poesía arraigada". Publica sus primeros poemas en las revistas Los cuatro vientos, Cruz y raya, Vértice y El gallo. En Madrid publica un libro de poesía amorosa, Abril, donde se refleja la influencia de Garcilaso de la Vega en el poeta. Parte de su obra comienza a publicarse también en la revista Caballo verde, fundada por Pablo Neruda y que recoge trabajos de otros poetas como Vicente Aleixandre o Miguel Hernández. En 1937 colabora en la revista Jerarquía y varios años más tarde, es secretario de la revista Escorial. En 1949 publica La casa encendida y en 1979 Diario de una resurrección, ambas consideradas sus obras cumbre. Desde 1953 hasta 1965 dirige la revista Estafeta literaria, que es posteriormente continuada por Nueva estafeta ( ). Durante estos años se doctora en Filosofía. Estudioso de los manuscritos del Siglo de Oro español, pasa a formar parte de la Hispanic Society of America y en 1962 ingresa como miembro de número en la Real Academia Española. En 1982 recibe el Premio Miguel de Cervantes como reconocimiento a toda su obra La poesía desarraigada. Dámaso Alonso Opuesta a la corriente anterior, tanto temática como formalmente, la poesía desarraigada cultiva una línea existencialista, que expresa la desorientación y el caos de la vida humana. La influencia de Miguel Hernández en esta tendencia se hace notar. Estos poetas se reúnen en torno a una serie de revistas, de las cuales la más destacada es Espadaña, dirigida por Victoriano Crémer y Eugenio de Nora. Características principales de esta tendencia son: Un sentimiento de angustia y desesperación ante las circunstancias; la idea de haber sido arrojados a un mundo absurdo produce en ellos un vacío difícil de llenar. Dios no es ya un símbolo de equilibrio y serenidad, sino la única posibilidad de salvación del hombre, por lo que se dirigen a él increpándole y mostrándole el sufrimiento del mundo. Los temas muestran más apego a la realidad del momento: la muerte, la soledad, la violencia... La existencia se ve como una lucha con el medio o con el mundo interior. 3

4 El abandono del ámbito personal para dirigirse a los demás, en un intento de solidarizarse con los que sufren; esta idea sentará, años después, las bases de la poesía social. El estilo deja de ser clásico y se torna desgarrado, casi violento; esto se refleja en la utilización de un lenguaje coloquial brusco y duro; la métrica tradicional se sustituye a veces por el verso libre y el versículo, que dejan mayor libertad para la manifestación de la angustia existencial. A esta corriente pertenecen autores de diferentes épocas y procedencias: Dámaso Alonso y Vicente Aleixandre (Sombra del paraíso, 1944), como representantes de la Generación del 27, junto a poetas más jóvenes como Gabriel Celaya (Movimientos elementales, 1947) y Blas de Otero (en poemas como Hombre), que evolucionarán posteriormente hacia la poesía social. Otros autores son: Carlos Bousoño, Eugenio de Nora, Ramón de Garciasol, Victoriano Crémer, José Luis Hidalgo o Josefina Rodríguez. Dámaso Alonso ( ) Madrileño. Filólogo y profesor universitario, fue el impulsor de los estudios gongorinos en la década de los veinte y uno de los más importantes ensayistas de nuestra literatura. Como poeta es justo reconocer su papel renovador en la poesía española de posguerra. De este modo, hay dos etapas en su creación separadas por la Guerra Civil: la primera, representada por Poemas puros: poemillas de la ciudad (1924), se inscribe en la poesía pura heredada de Juan Ramón, combinada con cancioncillas tradicionales, por cuanto observamos también en él la mezcla de tradición y renovación. La segunda, de carácter existencial y social, que clama ante el dolor, la miseria y la alienación, tiene como eje su libro Hijos de la ira (1944), uno de los más influyentes de la poesía desarraigada, por lo que cabría extenderse más en su figura como poeta de posguerra. Este libro que supone un grito terrible contra la injusticia y el sufrimiento humanos, en el que se pide a Dios que dé sentido a una vida dominada por el caos. El lenguaje es agresivo, con una combinación de símbolos y metáforas que configuran imágenes alucinantes. Poemas emblemáticos son Mujer con alcuza, que clama contra la injusticia y la suerte de los abandonados del mundo, o Insomnio, donde se ofrece la visión de un Madrid poblado de cadáveres reales y simbólicos en versículos que expresan una enorme desazón. 2. LA POESÍA SOCIAL DE LOS AÑOS CINCUENTA: GABRIEL CELAYA, JOSÉ HIERRO Y BLAS DE OTERO A mediados de los años cincuenta surge un nuevo concepto de poesía, alejado tanto de la expresión de la intimidad de los poetas arraigados como de las angustias existenciales de los desarraigados. El poeta se convierte en un testigo de su época y utiliza su palabra para cambiar el mundo, tomando partido ante las circunstancias sociopolíticas españolas. Partiendo, pues, de la poesía desarraigada se ha pasado a la poesía social. Según Celaya, un poeta no puede ser neutral, por ello, los mismos que en la década anterior gritaron contra el dolor y manifestaron su angustia, a partir de 1950 denunciaron la marginación, el paro, la falta de libertad, y exigieron la justicia y la paz para España, una patria amada y rota que se convertiría en protagonista de sus versos: 4

5 Victoriano Crémer, Eugenio de Nora, José Hierro, Ramón de Garciasol, Celaya, Blas de Otero... La publicación en 1955 de Cantos Iberos, de Gabriel Celaya, y Pido la paz y la palabra, de Blas de Otero marcará el comienzo de esta tendencia, que llega hasta los años sesenta. Las características de la poesía social son: El distanciamiento de todo esteticismo mediante un lenguaje inmediato y desnudo de recursos retóricos, a veces cercano al prosaísmo y al panfleto. Los poetas se dirigen a la mayoría, de ahí la pretensión de claridad y el tono coloquial. Por tanto, se valora más el contenido que el aspecto formal de los poemas, si bien los grandes poetas aciertan a descubrir los valores poéticos de la lengua cotidiana. El paso del yo (existencial, personal) al nosotros (social y colectivo) en un intento de crear una conciencia solidaria que proteste por la injusticia social. El tema de España, tratado desde una perspectiva con tintes políticos. De ello pueden dar cuenta algunos títulos: Que trata de España (Otero), Tierras de España (Garciasol), Canto a España (José Hierro), Dios sobre España (Bousoño), etc Gabriel Celaya. ( ) Seudónimo de Rafael Múgica Celaya Nacido en Hernani. Es uno de los más representativos poetas de la poesía social de los cincuenta. Cursó el bachillerato en San Sebastián y la carrera de ingeniero industrial en Madrid. En esta última ciudad vivió en la Residencia de Estudiantes, experiencia que dejó en él un recuerdo imborrable. Sus primeras tentativas como poeta no fueron aceptadas en modo alguno por su familia, razón por la cual eligió escribir con seudónimo. Con este nombre, pues, apareció su primer libro de poemas: Marea del silencio (1935). Su relación con su mujer, Amparo Gastón, fue decisiva a lo largo de su vida. En más de una ocasión, Celaya dijo de viva voz que todo cuanto era como poeta y persona a ella se lo debía. Otro encuentro que influyó en la pareja de escritores fue el conocimiento que trabaron con Jorge Semprún (a la sazón, Federico Sánchez), a través del cual ingresaron en las filas del Partido Comunista. Esa militancia llegó hasta el final de sus días y los marcó para siempre. En 1946 aparece su ensayo erótico-simbólico Tentativas, y constituyó asimismo el momento a partir del cual dio conferencias, colaboró en la prensa, fundó con su mujer la colección de poesía Norte y tradujo obras de R. M. Rilke, A. Rimbaud, P. Eluard y otros. Autor muy prolífico, de casi un centenar de obras, encuentra su voz propia -un decir sencillo y cordial, humano y prosaico- con los libros Movimientos elementales (1947) y, sobre todo, con Tranquilamente hablando (1947) y Las cosas como son (1949). En los libros siguientes, reclama y practica una poesía de protesta, instrumento de su compromiso político; es, junto con Blas de Otero y Celso Emilio Ferreiro, uno de los poetas más representativos de la poesía social de los cincuenta: Las cartas boca arriba, de 1951, Lo demás es silencio (1952), Paz y concierto (1953) Cantos iberos, de 1954, De claro en claro (1956), Las resistencias del diamante (1957) y Episodios nacionales, de Luego su escritura, aún sin renunciar a los pasados planteamientos, evoluciona y experimenta en cauces nuevos, como el intimista en Cantata en Aleixandre (1959) y La linterna sorda (1964) y el neovanguardismo de Campos semánticos (1971). Entre sus 5

6 restantes colecciones cabe mencionar Canto en lo mío (1968), El derecho y el revés (1973), Buenos días, buenas noches (1976) y Penúltimos poemas (1982). A pesar de que en 1986 fue galardonado con el Premio Nacional de las Letras Españolas, los últimos años de su vida transcurrieron entre penurias económicas que le llevaron a vender su biblioteca a la Diputación Provincial de Guipúzcoa, y a que el Ministerio de Cultura se hiciera cargo del coste de su estancia en el hospital en José Hierro ( ). Nace en Madrid. Su familia se traslada a Santander siendo niño y allí estudia la carrera de perito industrial, que tuvo que interrumpir en Su primer poema, Una bala le ha matado, aparece publicado en Al finalizar la Guerra Civil es detenido y procesado. Permanece en la cárcel hasta 1944 y allí empieza a interesarse de forma sistemática por la literatura, apareciendo ya en sus primeros escritos diversos hechos vividos durante la contienda. Cuando sale de prisión se traslada a Valencia y participa en la fundación de la revista Corcel. En 1944 realiza la primera crítica pictórica sobre la obra de Benito Ciruelos. Durante los años 40 vuelve a Santander y trabaja en diferentes oficios. En 1946 se relaciona con el renovador grupo Proel, editor de la revista poética del mismo nombre en la que publica en 1947 su primer libro de poemas, Tierra sin nosotros, que nos proporciona las desoladas claves donde arraiga, no ya sólo este libro, sino buena parte de la producción surgida de la guerra: la patria un día habitable aparece en ruinas. En 1950 escribe Con las piedras, con el viento que es el testimonio de una experiencia amorosa abocada, también, al fracaso, y en 1953 aparece Antología poética, una amplia selección de su obra lírica. Durante esa época fija su residencia en Madrid, donde comienza a trabajar en Radio Nacional de España, además de realizar crítica de arte y colaborar en revistas y periódicos. En 1954 edita Estatuas yacentes y en 1962 el volumen Poesías completas. Durante las décadas siguientes continúa creando poesía, participa en actividades literarias, realiza crítica de arte analizando la obra de artistas del campo de la pintura y de la escultura, y forma parte de numerosos jurados literarios. Pronuncia gran número de conferencias sobre poesía y arte en la mayoría de las capitales europeas y sus poemas figuran en las más destacadas antologías de poesía contemporánea Blas de Otero ( ) Su obra ofrece una evolución que va desde el desasosiego casi místico en sus libros más propiamente existencialistas, hasta la entrega de su vida y su obra por la paz del hombre y la justicia. Tras su primera obra, Cántico espiritual (1942), que recuerda poderosamente y no sólo en el título a San Juan de la Cruz, podemos distinguir en su obra tres etapas: En su primera etapa, cultivó una poesía desarraigada y existencial, en la que utiliza un lenguaje tenso y violento, quebrado por continuos encabalgamientos que producen un ritmo muy marcado y original, sobre todo en los sonetos. Es una poesía, estremecedora por su tono desgarrado, que se centró en la búsqueda angustiosa de Dios, del amor y del sentido de la existencia humana, como se 6

7 aprecia en Ángel fieramente humano (1950) y Redoble de conciencia (1951). Los dos libros se publicaron posteriormente bajo el título de Ancia, obtenido de la combinación de los anteriores (Ángel...conciencia). Se convirtió, más tarde, en una de las figuras más representativas de la poesía social. Se aleja de lo personal para volverse solidariamente hacia lo colectivo. Utiliza un lenguaje coloquial y sencillo, en un intento de llegar a la inmensa mayoría 1. A esta segunda etapa pertenecen obras como Pido la paz y la palabra ( ): Ahora ya no es Dios quien le importa, sino los hombres que desasosegadamente viven y mueren sin encontrar la paz para sus almas ni la felicidad para sus cuerpos. Pero el poeta, ante tanto sufrimiento, no se siente vencido: Yo soy un hombre literalmente amado / por todas las desgracias y gracias tan grande la esperanza, nos dice en otro poema. En lo que podríamos llamar tercera etapa, iniciada a mediados de los sesenta, intenta recuperar la palabra poética del prosaísmo en el que había caído. Retorna a lo íntimo y utiliza básicamente el verso libre, el versículo y algunos recursos del surrealismo. A esta etapa pertenecen Hojas de Madrid ( ) y un libro en prosa, Historias fingidas y verdaderas, de voluntad experimentalista. Son destacables en su lengua poética la sintaxis abrupta, los abundantes recursos fónicos (aliteraciones, paronomasias), las reiteraciones, el uso de antítesis y oxímoron, los juegos de palabras, el uso del léxico popular y, en particular, el uso transgresor del lenguaje literal. 3. LA POESÍA EN LOS SESENTA Y PRIMEROS SETENTA: LA GENERACIÓN DEL 50 (ÁNGEL GONZÁLEZ, JOSÉ ÁNGEL VALENTE Y JAIME GIL DE BIEDMA) Y LOS NOVÍSIMOS (PERE GIMFERRER Y ANTONIO MARTÍNEZ SARRIÓN) 3.1. La poesía en los años 50 y 60. Aunque la poesía social se prolonga en los años sesenta, ya en la década de los cincuenta habían aparecido poetas nuevos que representarán pronto su superación. Pese a que algunos compartan con los poetas sociales una visión crítica de la realidad y unas actitudes éticas comunes (como el sentido de la solidaridad), los diferencia el mayor esmero en el cuidado de las formas poéticas y el retorno a los temas eternos de la poesía. Son los llamados niños de la guerra, que vivieron la contienda en su niñez o adolescencia, por lo que este tema estará también presente en su obra. Los nombres que se harán más notorios son los de Ángel González (1925), Jaime Gil de Biedma ( ), José Ángel Valente ( ), Francisco Brines (1932), Claudio Rodríguez ( ). Éstos y otros (Carlos Barral, José María Valverde, Félix Grande, Caballero Bonald, J.Agustín Goytisolo, Carlos Sahagún, A.Gamoneda, Eladio Cabañero, etc.) han sido recogidos en ciertas antologías bajo el rótulo de Grupo poético o Promoción de los años 50. Tal denominación parece poco acertada porque, si bien comienzan a escribir en los cincuenta, su poesía marcará, sobre todo, la década 1 Recuérdese el lema de Juan Ramón en su ideal de poesía pura, liberada de lo anecdótico humano: a la minoría, siempre. 2 En los libros siguientes, En castellano (1959) y Que trata de España (1964), más irónico, en el que incluye estrofas de la tradición popular castellana, sigue dirigiendo su poesía a la inmensa mayoría y a la patria que lo vio nacer. 7

8 siguiente, cuando alcanzarán su madurez creadora, coincidente con el agotamiento del realismo social. No parece muy apropiado hablar de grupo : en nada se parecen el lenguaje cotidiano y directo de J.A.Goytisolo, el intelectual y simbolista de Valente o Gamoneda y el clasicista impregnado de surrealismo de Claudio Rodríguez. No obstante, es indudable que presentan rasgos comunes, indicio de que la poesía se orienta por nuevos derroteros. Se observan en ellos las siguientes características: Una preocupación fundamental por el hombre, por los problemas éticos, sociales, existenciales e históricos que enlaza con el humanismo existencial, aunque en este caso huyen de todo tratamiento patético. La finalidad de la poesía, como la de todo arte señala Claudio Rodríguez consiste en revelar al hombre aquello por lo cual es humano, con todas sus consecuencias. Cabe señalar, en este sentido, el supremo magisterio de Antonio Machado, y la influencia de otros poetas como Luis Cernuda, Vicente Aleixandre, Leopoldo Panero o Luis Rosales. Dan frecuentes muestras de inconformismo frente al mundo en que viven, pero cierto escepticismo los aleja de la poesía social. Lo propio de estos poetas es la creación y consolidación de una poesía de la experiencia personal. De acuerdo con ello, sus temas se caracterizan, en buena parte, por un retorno a lo íntimo: el fluir del tiempo, la evocación nostálgica de la infancia, lo familiar, el amor y el erotismo, la exaltación de la amistad como valor supremo y universal... La anécdota realista es el punto de partida para exponer sus propias vivencias; no rehúyen la expresión directa de los sentimientos y comunican sin pudor su intimidad, a veces teñida de un escepticismo dolorido. En cuanto al estilo, rechazan por igual el patetismo de la poesía desarraigada y el habitual prosaísmo de los poetas sociales. Si muchos siguen fieles a un estilo conversacional, antirretórico, ello no debe ocultar una exigente labor de depuración y de concentración de la palabra. Sin embargo, no les tientan las experiencias vanguardistas: se quedan en un tono cálido, cordial, compensado con un frecuente empleo de la ironía. Normalmente hay ausencia de estrofas y rimas; prefieren una estructura narrativa en el poema, y usan mucho las reiteraciones y los paralelismos. Introducen el léxico urbano, con coloquialismos y prosaísmos de clara intención irónica. De entre los títulos publicados por estos autores podemos destacar Don de la ebriedad (1953), de Claudio Rodríguez; Salmos al viento (1958), de J.A.Goytisolo; La memoria y los signos (1966), de J.A.Valente; Tratado de urbanismo (1967), de Ángel González; Poemas póstumos (1968), de Gil de Biedma La poesía en los años 70 El grupo de los Novísimos se da a conocer a través de la antología de J.M.Castellet Nueve novísimos poetas españoles (1970), título que da nombre a la generación. Son poetas novísimos Leopoldo María Panero, Pere Gimferrer, Manuel Vázquez Montalbán, Vicente Molina Foix, Ana María Moix, Félix de Azúa, Antonio Martínez Sarrión, José María Álvarez y Guillermo Carnero. A éstos habría que añadir otros como Antonio Colinas, Luis Alberto de Cuenca o Luis Antonio de Villena, que participan de algunos de los rasgos de los Novísimos, si bien no siguen todos sus 8

9 planteamientos estéticos. Otra fecha importante es 1966, año de publicación de Arde el mar, de Pere Gimferrer, libro que marca la ruptura con las poéticas anteriores. Los Novísimos fueron presentados como un movimiento de ruptura vanguardista con la poesía social e indagador de un nuevo lenguaje que llegó al experimentalismo formal. No creían que la poesía pudiera cambiar la realidad y rechazaron conceptos tan extendidos como compromiso, testimonio y solidaridad. Adoptaron, pues, una actitud formalista. Características de la poesía novísima son: Deseo de ruptura con la poesía anterior: se manifiesta claramente en el rechazo del uso directo del yo, en la oposición al estilo realista y en la ausencia de posturas éticas o sociales. Modelos poéticos muy variados: por un lado, recuperan la vanguardia (el cubismo, el surrealismo, a través de Aleixandre y los postistas...); por otro, recogen influencias del simbolismo francés, del modernismo y de poetas ingleses contemporáneos. Exhibicionismo cultural: introducen elementos temáticos provenientes de mitologías exóticas y decadentes (ambientaciones lujosas, exóticas, en la línea modernista) o de la cultura de masas (el cine, la televisión, el rock, las novelas policíacas, la publicidad, los cómics, las revistas de modas, la música pop, etc.). Así los medios de comunicación de masas se convierten en referente cultural y fuente de nuevos mitos populares. Los poemas se llenan de nombres de ciudades o de personas, de descripciones de vestidos, fiestas, mitos orientales o clásicos, y mitos contemporáneos (Marilyn, Bogart, Che Guevara, Kennedy, etc.). Asimilan, pues, una mitología frívola o vuelven a temas y asuntos de otras épocas, de origen cultural e histórico, por lo que también se les llama culturalistas. Experimentación lingüística: buscan una expresión poética llamativa, caracterizada por un lenguaje rico y barroco. Practican la escritura automática, que evita el discurso lógico, con la ruptura del verso, la disposición gráfica original, o la supresión de los signos de puntuación, y emplean técnicas como la del collage: extensas citas preceden al poema o se incorporan a él versos completos de otros autores, letras de canciones, frases publicitarias, textos de manuales de instrucciones... Este uso de la intertextualidad, en ocasiones excesivo, hace del poema un objeto metaliterario, cargado de referencias culturales. Además, alternan un lenguaje exuberante de imágenes opacas y visionarias con otras técnicas, como la métrica culta del modernismo, pero tampoco abandonan el tono coloquial de algunos poetas de la generación anterior. Los novísimos de la tendencia culturalista y surrealista son Gimferrer: Arde el mar, La muerte en Beverly Hills (1968), El vendaval (1989); Guillermo Carnero: Dibujo de la muerte (1967), El sueño de Escipión (1971), El azar objetivo (1975); Antonio Colinas: Truenos y flautas en un templo (1972), Sepulcro en Tarquinia (1975), Astrolabio (1979)) y Luis Alberto de Cuenca (Elsinore (1972), Scholia (1975). En la tendencia más coloquial, irónica y crítica destacamos a M.Vázquez Montalbán (Una educación sentimental (1967); Coplas a la muerte de mi tía Daniela (1973), A la sombra de las muchachas sin flor (1973), Praga (1982) y Leopoldo María Panero (Así se fundó Carnaby Street (1970), Teoría (1973), Dioscuros (1982). 9