11. EL TEATRO POSTERIOR AL 36: TENDENCIAS, RASGOS PRINCIPALES Y AUTORES MÁS SIGNIFICATIVOS.

Transcripción

1 11. EL TEATRO POSTERIOR AL 36: TENDENCIAS, RASGOS PRINCIPALES Y AUTORES MÁS SIGNIFICATIVOS. La victoria del general Franco en la Guerra Civil ( ) tuvo consecuencias devastadoras para la economía y la cultura españolas, agravados por el aislamiento internacional que los vencedores de la Segunda Guerra Mundial impusieron a la Dictadura franquista. La sociedad española vivió empobrecida y hambrienta hasta 1953 cuando EE.UU. pactó con el régimen la instalación de bases militares a cambio de ayuda económica. En 1955, España ingresa en la Organización de las Naciones Unidas (ONU). Al término de la guerra, se habían exiliado gran parte de los representantes de la cultura y una todopoderosa censura la reducía a la ideología del régimen, el nacional-catolicismo. En cuanto al teatro español de posguerra, los primeros años es bastante pobre, sobre todo si se compara con el desarrollo que el género adquiere en otros lugares. Está marcado por la ausencia de dramaturgos insustituibles, como Valle-Inclán, Lorca, Muñoz Seca y Miguel Hernández, muertos en esos años, y por el exilio de los autores citados. A ello se suman otros factores determinantes, como la censura, el aislamiento cultural y la dependencia respecto a los intereses empresariales. Además, en esta época, importaba transmitir la ideología del régimen por distintas vías: negación de las aportaciones más relevantes de la preguerra, como el teatro de Valle, estrenos de obras que exaltaban los valores de los vencedores (La Santa Hermandad, de Marquina, por ejemplo) El teatro del exilio (Rafael Alberti, Max Aub ). El teatro de los años cuarenta: la comedia burguesa, el teatro de humor (Enrique Jardiel Poncela y Miguel Mihura). Al terminar la Guerra Civil, el teatro español había perdido a los autores más innovadores: Valle-Inclán, García Lorca y Miguel de Unamuno. Otros grandes dramaturgos están en el exilio: Max Aub, Rafael Alberti y Alejandro Casona, y allí (Argentina y México, principalmente) escriben algunas obras que no se conocen en España hasta bastantes años después. Presentan gran diversidad de tendencias, aunque se acercan a un tema común: España, como paraíso perdido. Alejandro Casona cultiva un teatro poético, de evasión, con tintes simbólicos: La dama del alba (1944), Los árboles mueren de pie (1950), La casa de los siete balcones (1957). Max Aub, realiza un teatro testimonial y censura la triste suerte del hombre contemporáneo, víctima de intereses y absolutismos. Entre sus obras: San Juan (1943), Morir por cerrar los ojos (1944) y El cerco (1968), sobre la figura del Che Guevara. Por su parte, Rafael Alberti escribe un teatro político lleno de símbolos, con una técnica esperpéntica: El adefesio (1943) y Noche de guerra en el Museo del Prado (1956). La década de los cuarenta es una época de fervor triunfalista, pero también de miseria y rencor. El espectáculo teatral del momento permanece aislado del exterior y sometido a una férrea censura. Las dos tendencias más destacadas son un teatro continuista, burgués y convencional, y otro de carácter humorístico. El teatro burgués, continuista y convencional procede de la alta comedia de Benavente y triunfa durante toda la segunda mitad del siglo XX. Se trata de un teatro en el que predominan las comedias de salón, en las que se defienden los valores conservadores y en las que predomina la preocupación por la correcta construcción y elegantes diálogos, que nada nuevo aportan al teatro. En este teatro se inscriben autores como Joaquín Calvo Sotelo (La vida inmóvil, en 1939), Juan Ignacio Luca de Tena ( Dónde vas, Alfonso XII?, en 1957), José 1

2 María Pemán (Los tres etcéteras de don Simón, en 1958), Víctor Ruiz Iriarte, Edgar Neville y el propio Benavente (La vida en verso, en 1951, o Aves y pájaros, en 1940). Teatro cómico, de humor. Es quizás lo más interesante del período. El teatro de humor ya había tenido un gran éxito en la España de la primera mitad del siglo (astracán de Muñoz Seca o los sainetes populares y tragicómicos de Carlos Arniches). Ahora sobresalen dos figuras que realizan un teatro de humor renovado, con situaciones ingeniosamente construidas en las que lo inverosímil y hasta lo absurdo se convierten en protagonistas absolutos. Su teatro aprovecha las posibilidades cómicas del lenguaje (equívocos y juegos de palabras disparatados) y esconde, a menudo, una visión marga y escéptica de la realidad. Esas dos figuras son las siguientes: - ENRIQUE JARDIEL PONCELA. Creó un audaz tipo de comicidad, introduciendo lo inverosímil, lo disparatado. Rompe con las formas tradicionales del humor y lleva a cabo un teatro que intenta desasirse de la lógica, a través de situaciones inverosímiles, con personajes atípicos y diálogos humorísticos con los que intenta alejarse de los tópicos. Pero esta osadía se estrelló con los gustos de un público cerrado a la comprensión de su originalidad y de su inventiva. En este período, destacan Un marido de ida y vuelta (1939) y Eloísa está debajo de un almendro (1940). - MIGUEL MIHURA. Opta por un humor cercano al absurdo, a través de la dislocación del lenguaje, lejos del humor casticista dominante en los escenarios. Además expone una visión diferente de la sociedad, por su simpatía hacia unos personajes libres de prejuicios y marginales, enfrentados con un mundo cursi y convencional, que representa el orden y la decencia. Destaca su obra Tres sombreros de copa, escrita en 1932 y estrenada en 1952, que logró el éxito entre un público joven universitario. Otras: Melocotón en almíbar (1958) y Ninette y un señor de Murcia (1964). Ambos presentan facetas que se han considerado precedentes del teatro del absurdo El realismo social de los años cincuenta: Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre. Al final de los años cuarenta, aparece una corriente existencial que, en la época de los 50, evoluciona hacia una nueva etapa: el teatro social, realista, de protesta y de denuncia: es la época del realismo social. Es un teatro de testimonio y compromiso que no siempre puede estrenarse debido a la censura (fueron muchas las dificultades que los autores encontraron para difundir sus obras, por lo que se trataba de un teatro soterrado ), y que aborda temas cercanos a los tratados en la poesía social: conflictos personales y colectivos (angustias de los jóvenes, esclavitud del trabajador, penosa situación de los obreros que se ven obligados a emigrar), falta de libertad, la moral absurda, enfrentamientos ideológicos, marginación y desigualdad social. El género utilizado es el drama. El lenguaje es realista, pero en ocasiones se carga de símbolos e imágenes. El teatro existencial y de testimonio social tiene como pineros a Antonio Buero Vallejo y a Alfonso Sastre, con sus obras Historia de una escalera (1949) y Escuadra hacia la muerte (1953), respectivamente, obras que son signos de un teatro distinto que quiere hacerse un sitio en la escena, frente a lo trivial o lo convencional. - ANTONIO BUERO VALLEJO ( ). Su teatro es una lúcida indagación sobre los aspectos trágicos de la condición humana, un análisis de la sociedad en la que el hombre está sometido a fuerzas alineadoras y lucha constantemente por buscar la verdad. Su finalidad es 2

3 conmover al espectador, reflexionar, pensar, en definitiva, y hacerle tomar conciencia sobre los conflictos individuales y colectivos. Los temas de su obra son la denuncia de la injusticia o el inconformismo ante un mundo hostil, el sufrimiento, la búsqueda de la verdad y la lucha por la libertad, la frustración y la utopía imposible. En sus obras indaga sobre la condición humana. Sus personajes viven en un eterno interrogante pero apoyados en la esperanza. En ellos prima lo moral sobre lo teórico. Utiliza personajes antagonistas resignados y rebeldes, conformistas e inconformistas que, a veces, simplemente reflejan la ambigüedad del ser humano. Buero Vallejo cultiva el drama y la tragedia, y recupera para el teatro la función catártica de la tragedia clásica. En su obra se distinguen tres etapas: una existencial, con Historia de una escalera, obra con la que se inicia la renovación de la escena española y que refleja un mundo gris, de vecinos con ilusiones y frustraciones, una vida inútil llena de fracasos; también destaca En la ardiente oscuridad (1950), obra en la que plasma el inconformismo humano ante las propias limitaciones; una social, que se inicia con Hoy es fiesta (1956) y continúa con El tragaluz (1967) y Llegada de los dioses (1971); y, por último, una etapa de renovación formal en la que sigue con sus preocupaciones ideológicas, pero introduce algunos elementos renovadores, como sucede con los efectos de inmersión en La Fundación (1973). - ALFONSO SASTRE. Pertenece plenamente al realismo social y su teatro se caracteriza por una actitud de denuncia social animada por una fuerte voluntad de renovación formal. Defiende un teatro de denuncia y protesta, que sea un instrumento agitador y transformador de la realidad. En su obra domina el tema de la opresión y predomina el aspecto social sobre el individual. Recoge elementos de la tragedia clásica, del esperpento y del teatro épico de Brecht. Su obra más representativa es Escuadra hacia la muerte, grito contra la guerra en la que desarrolla el conflicto entre el principio de autoridad y el de libertad. Otras obras son La mordaza, Guillermo Tell tiene los ojos tristes y La sangre y la ceniza, etc. Otros dramaturgos del realismo social son Lauro Olmo (La camisa, 1962), José M. Rodríguez Méndez (Los inocentes de la Moncloa, 1960), Carlos Muñiz (El tintero, 1961) y José Martín Recuerda (Los salvajes en Puente San Gil, 1961) El teatro desde los años sesenta hasta 1975: teatro comercial, teatro social, teatro experimental (Fernando Arrabal y Francisco Nieva), teatro simbolista y teatro independiente. Poco a poco, la influencia del teatro innovador europeo (teatro vanguardista de Antonin Artaud, teatro del absurdo de Eugene Ionesco o Samuel Beckett) llega a los autores españoles. Hacia 1970 se produce un movimiento de renovación teatral que se opone a la estética realista. Se busca un nuevo lenguaje dramático basado en el espectáculo, en la escenografía y en las técnicas audiovisuales. Casi se destruye la acción y se utiliza la alegoría y la abstracción como en una ceremonia ritual. Se les ha llamado autores de teatro subterráneo. Todos se muestran disconformes con el sistema establecido y quieren elevar su protesta a través del teatro. Los temas son la realidad contemporánea, la injusticia social, la pobreza, la soledad y la incomunicación en el mundo moderno. El personaje dramático es raras veces una persona. Es más bien un signo, una figura simbólica: el poder, la dictadura, la presión social. El escenario se puebla de una variada fauna y de artilugios mecánicos que se convierten en alegorías del mundo moderno y del progreso. 3

4 Desde un punto de vista formal, el texto no es el soporte básico, es solo una parte del espectáculo que se completa con luz, proyecciones audiovisuales, gestos, objetos variados (una jaula, una cadena, una red, una taza de váter ) y está abierto a improvisaciones. La acción y el lenguaje son parabólicos, significan más allá de sí mismos. La acción está constituida de fragmentos que no siempre componen una historia. Los actores se mezclan con los espectadores y se da un sentido lúdico festivo potenciando la capacidad comunicativa del teatro. Es un teatro espectáculo de creación colectiva. Sin embargo, la ambigüedad del sistema de signos, la abstracción excesiva, el carácter críptico de los símbolos utilizados y, en ocasiones, la falta de tensión dramática hace que este teatro no consiga siempre el favor del público y que sea siempre un teatro minoritario. Herederos del teatro del absurdo y del teatro de la crueldad, dos autores españoles, Fernando Arrabal y Francisco Nieva, han creado originales dramaturgias con dificultades de aceptación en el panorama teatral español. FERNANDO ARRABAL. Polifacético artista, pintor, novelista y cineasta, es uno de los dramaturgos más originales de nuestro tiempo y desarrolla gran parte de su obra en Francia. Crea su llamado teatro pánico, escrito y estrenado en París con rasgos oníricos tomados del Surrealismo y con la confusión, el humor absurdo, el terror, el azar y la euforia como rasgos característicos. Sobresale en él una actitud de rebeldía ante lo absurdo y la sinrazón del mundo. Los temas más frecuentes son la religión y la sexualidad, junto con la política, el amor y la muerte. Un pesimismo existencial planea sobre todas sus obras. Las más importantes son Pic-nic (1952), Los hombres del triciclo (1953), El cementerio de automóviles (1957) y El arquitecto y el emperador de Asiria (1967). FRANCISCO NIEVA. Su teatro conecta con el teatro del absurdo, sin embargo, en sus obras siempre hay una posibilidad que conduce a la salvación. Opta por la idea de un teatro catártico y liberador, cuya finalidad es mostrar la esencia del hombre. El tema básico en su obra es la represión de la sociedad, que degrada al ser humano al impedir el desarrollo de sus necesidades profundas. Ante ello se erige la transgresión, a menudo debida a la necesidad de una liberación sexual. Nieva divide sus obras en cuadros más o menos cortos, con numerosos cambios de escenario, donde se evidencia la técnica cinematográfica de división en secuencias. Toma como base el lenguaje popular, a partir de ahí realiza una elaboración cuidadosa, con técnicas del surrealismo y del absurdo consiguiendo un estilo particular. Su obra se puede dividir en tres géneros: - Teatro furioso (dramas cercanos al esperpento con un lenguaje barroco): es el caso de Pelo de tormenta (1962) - Teatro de farsa y calamidad: Malditas sean Coronada y sus hijas (1968) - Teatro de crónica y estampa: un teatro más informativo, Sombras y quimera de Larra. En el teatro de renovación tienen protagonismo los grupos de teatro independiente, que realizan espectáculos de gran impacto social en su momento. Entre estos grupos sobresalen TEI (Teatro Experimental Independiente), Los Goliardos, Tábano, Akelarre y los catalanes Els Comediants, Teatre Lliure y Els Joglars, que comienza en los años sesenta creando un teatro innovador y progresista sin palabras: mimodramas. A pesar de los aires renovadores, también en los sesenta hay una promoción de autores 4

5 que estrenan con gran éxito comedias burguesas convencionales: Alfonso Paso con La boda de la chica (1960) y Cena de matrimonios (1962); Jaime de Armiñan con Pisito de solteras (1962) y Juan José Alonso Millán con El crimen al alcance de la clase media (1965). 5