TEMA 1 TÉCNICAS DE GRABADO DIRECTAS: GRABADO AL BURIL GRABADO A LA PUNTA SECA GRABADO A LA MANERA NEGRA

Transcripción

1 TEMA 1 TÉCNICAS DE GRABADO DIRECTAS: GRABADO AL BURIL GRABADO A LA PUNTA SECA GRABADO A LA MANERA NEGRA

2 A mediados del siglo XV aparece el grabado en hueco o grabado en talla, sin que podamos precisar su origen. La opinión más generalizada, otorga la paternidad a un orfebre florentino: Maso Finiguerra, que con la finalidad de obtener un calco de sus trabajos consistentes en esmaltes sobre plata grabada, llamados niellos, entinta las incisiones efectuadas en el metal, y limpia la superficie, de modo que la tinta sólo quede en los surcos. Posteriormente estampa sobre un papel humedecido, por medio de la presión de un rodillo blando. En la segunda mitad del siglo XV, en Italia Mantegna crea una escuela en la que el grabado en hueco adquiere gran importancia. A finales del siglo XV y principios del XVI, destaca la figura de Alberto Durero. Y es en este siglo en el que el grabado adquiere categoría de arte mayor. Se va superando la función de ilustración y reproducción realizada por expertos artesanos, y es el genio de los grandes maestros como Rembrandt o Goya entre otros muchos, el que se sirve del grabado para crear bellas estampas. Aún así, el grabado llamado de reproducción, en el que la parte creativa no existe, continuará hasta que aparecen los medios de reproducción fotomecánicos. A partir de este momento, el grabado por fin se utilizará como un medio de creación en el que se valoran sus efectos expresivos propios.

3 GRABADO AL BURIL GRABADO AL BURIL El nombre de la técnica proviene del útil que se emplea para grabar: el buril, que también era usado por los orfebres. El instrumento se compone de una varilla de acero de una determinada sección (triangular, romboidal ) que va montada en un mango con forma de seta. El buril bien afilado, incide en el metal y levanta una viruta que deja el surco limpio. El efecto gráfico que produce, es el de una línea nítida, cuya característica principal es la de tener un comienzo y un final más fino que la parte central más gruesa. El manejo del buril es complicado, y requiere un largo aprendizaje. Tiene su origen en la primera mitad del siglo XV, y se convertirá desde el principio en la técnica de grabado reproductivo por excelencia, porque su naturaleza técnica permitía obtener el mayor número de estampas de todos los procesos de Grabado. El principal desarrollo de esta técnica se da en los siglos XVI, XVII y XVIII. Jean Duvet es uno de los más destacados burilistas de esta época. En el Siglo XVII comienza a utilizarse junto con el aguafuerte de línea con el que se crearán los trazos iniciales de la imagen, que después se ensancharán con buril para construir los valores tonales. Es obligado mencionar al más destacado burilista de toda la historia: Robert Nanteuil, que representó a buril las más variadas texturas de carnaciones y telas como no se ha vuelto a repetir, pese a la gran escuela de seguidores que tuvo en su época. En el siglo XIX el Grabado al buril sobre cobre, fue sustituido primero por acero y finalmente por la xilografía a contrafibra en el grabado reproductivo. Como un intento desesperado de competir con la fotografía, recientemente surgida, Ferdinand Gaillard realizará imágenes a buril cuyos trazos están por debajo del umbral de la visión normal: se anunciaba el final de un periodo. Los artistas más interesantes que usaron esta técnica como medio creativo fueron Alberto Durero, Jean Duvet y William Blake. En la primera mitad del siglo XX toma un nuevo auge a partir de artistas como Stanley William Hayter, Josef Hecht, Roger Viellard o Henry-Georges Adams. La gran destreza requerida para grabar con esta técnica, ha determinado su uso por los artistas, limitándolo a figuras aisladas en la segunda mitad del siglo XX como: Walter Chamberlain, Mauricio Lasanski, Armin Landeck, Norman Morgan, Ramos Uranga o Gabo Peterdi.

4 Mantegna

5 Hans Collaert (S.XVI-XVII)

6 Jean Duvet

7 Robert Nanteuil

8 Ferdinand Gaillard

9 Gabo Peterdi.

10 GRABADO A LA PUNTA SECA A diferencia del grabado al buril, esta técnica es la más sencilla y directa del grabado en talla. No requiere un aprendizaje previo, aunque si es necesario conocer como se desarrolla el proceso y sus recursos, para aprovechar todas sus posibilidades. En un principió se usó como un recurso complementario del grabado al aguafuerte de línea, pero más tarde ya se utilizaría como técnica independiente. Consiste en hacer incisiones directamente sobre una plancha por medio de un punzón de acero montado en un mango. El modo de manejarlo es similar al de cualquier útil de dibujo, con la diferencia de que su desplazamiento sobre la plancha no es tan fluido, lo que otorga a la línea un carácter de trazo rotundo, nervioso La punta de acero al incidir sobre el metal lo va desplazando, y crea así un surco con unas rebabas características llamadas barbas. Éstas también retienen tinta en la estampación, y confieren a la línea otra peculiaridad en su aspecto, ya que en lugar de ser un trazo nítido, como en el grabado al buril, presenta en sus bordes un flocado o velo característico de esta técnica. El mayor inconveniente es la corta vida que tiene la matriz en su edición, ya que la presión de la prensa y el desgaste del entintado, acaban por hacer desaparecer las barbas. La Punta Seca tiene sus orígenes a finales del siglo XV. El origen y desarrollo de esta técnica está unido a la técnica del Aguafuerte en la que se usa para trazar el mismo útil: un punzón de acero de punta cónica. Los trabajos más significativos de esta época son los realizados por Alberto Durero. Su uso hasta finales del siglo XIX es escaso por lo limitado del número de estampas que se pueden obtener, en un momento en que en el Grabado lo que se pretendía era precisamente, obtener el máximo número de estampas.

11 La técnica fue usada en este periodo puntualmente por artistas como Rembrandt, que buscaban en el Grabado aspectos creativos más que reproductivos, o Piranessi en el s. XVIII. A finales del siglo XIX tomará un gran impulso por la posibilidad técnica del acerado que permitirá obtener ediciones prácticamente ilimitadas y por la difusión de los grabados de McNeil Whistler. A principios del siglo XX destacan las figuras de Muriehead Bone, que realizó puntas secas de extraordinaria riqueza tonal y gráfica, y las directas y expresivas de Auguste Rodin. Los Expresionistas Alemanes de principios del siglo XX impulsaron esta técnica en la que vieron una gran afinidad con el espíritu de lo que querían transmitir. Los trabajos más destacados son los de Munch, Nolde Y Beckman. En la década de los 20 será Jaques Villon quien le dará un nuevo impulso desde la Calcografía del Louvre. En la década de los 30 será el Atelier 17 al frente de Standley William Hayter el que tomará el relevo a través de los trabajos de numerosos artistas. Posteriormente tendrá una difusión más amplia de la mano de artistas como Miró, Picasso o Chagall. En la década de los 50 Arthur Deshaies introducirá un soporte alternativo al metal: el plástico, que por su menor dureza y desde su transparencia abrirá nuevos caminos que hoy se siguen recorriendo. Jiri Anderle. José Fuentes

12 Durero

13 Rembrandt

14 Piranessi

15 McNeil Whistler.

16 Muriehead Bone

17 Jiri Anderle

18 José Fuentes

19 GRABADO A LA MANERA NEGRA

20 GRABADO A LA MANERA NEGRA Consiste en crear sobre la plancha una estructura uniforme de puntos grabados en hueco, que al estampar, produzcan una superficie negra. Para conseguir ese punteado, se utiliza un instrumento que se llama berceau, que consiste en una cuchilla curva y dentada, que al colocarla sobre la plancha y haciendo un movimiento de balanceo, crea perforaciones o puntos con barbas. El paso repetido en varias direcciones, creará una superficie punteada. A partir de aquí, la imagen se crea por medio de un rascador y un bruñidor, lana de acero y lijas de grano muy fino. Estos útiles irán creando medios tonos y blancos, es decir, irán sacando luces a partir del negro inicial. Es una técnica de proceso bastante laborioso. El resultado es de mancha de carácter algodonoso, ya que no suele haber líneas ni contornos definidos o rotundos. La invención de esta técnica se atribuye al grabador alemán Ludwig von Siegen a mediados del siglo XVII. Príncipe Rupert la introdujo en Inglaterra, donde tuvo su máximo desarrollo desde mediados del siglo XVII hasta mediados del XIX, como técnica de reproducción de pinturas. En este sentido, Nicholaas Verkolje, autor de finales del XVII principios del XVIII, reproduce pinturas de Schalcken, célebre por sus representaciones de luces y sombras. Gautier Dagoty, en el s.xviii,realiza grabados con sobreimpresión a cuatro clores utilizando un proceso derivado del ideado por Jacob Christoph Le Blond, a partir de tres planchas. Él añade una cuarta en negro o marrón. Sin embargo las maneras negras de David Lucas interpretando pinturas de Constable no son copias, sino soberbias interpretaciones de gran calidad. Las obras de John Martin conocido por sus impresionantes grabados del Antiguo y Nuevo Testamento realizados en esta técnica, presentan una enorme riqueza grafica y gran teatralidad. O el Liber Studiorum que contiene cien estampas, la mayoría realizadas en manera negra por W. Turner con resultados de gran calidad. A principios del siglo XX destaca la obra de Georges Rouauld, que combinó en sus grabados la técnica de la manera negra con la del aguafuerte. En la década de los 30 Pablo Picasso realizará una serie de estampas: La Suit Vollart, usando aguatinta para crear el grano y bruñéndola en vez del graneado con cuna. En la segunda mitad del siglo, hay un resurgimiento de esta técnica de manos de artistas como: Yozo Hamaguchi que la combina con otras en sus imágenes, o Mario Avati cuya obra gráfica está realizada en esta técnica, en la que introdujo el color a partir de 1970; o artistas como Reinold Weidennar, Jozef Gielniak o Judit Foster que han desarrollado este proceso en su obra gráfica desde claves estéticas distintas.

21 Ludwig von Siegen

22 Príncipe Rupert

23 Nicholaas Verkolje

24 Gautier Dagoty

25 David Lucas

26 David Lucas

27 W. Turner

28 Pablo Picasso

29 Goya

30 Mario Avati