UNA TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE

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1 UNA TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE FICHA AUTOR: George Pierre SEURAT ( ) - SEURAT FECHA: LOCALIZACIÓN: Instituto de Arte - CHICAGO ESTADOS UNIDOS ESTILO: Pintura Neoimpresionista ANÁLISIS El tema no puede ser más costumbrista. Se trata de una escena cotidiana que se podía ver en los alrededores de la Grande Gatte, a orillas del Sena, en donde las distintas clases sociales pasean o descansan en sus riberas. Un tema, por lo tanto, profano, tan típico del siglo XIX que, sin embargo, y como más tarde veremos, en realidad es una pura excusa. óleo. El soporte es lienzo mientras los colores se aplican, en pequeños puntos, al La composición es sumamente compleja y estudiada, lo cual entra en contradicción con el aparente ambiente costumbrista y espontáneo del que hablábamos. Los pesos se encuentran sumamente organizados por medio de la colocación de las figuras, las luces y sombras y la perspectiva. Así tenemos una parte inferior dominada por una pesada sombra que se conecta de forma intensa por la vertical de los dos personajes de la derecha y de una forma más sutil en el centro e izquierda. Tras ella aparece la gran zona iluminada cuya figura de transición sería la mujer de rojo con sombrilla. Toda la composición está dominada por la interacción de numerosas verticales que son compensadas por horizontales y diagonales de sentido izquierda derecha (sombras, ribera). La línea ha desaparecido virtualmente (aunque en nuestra visión reaparezca en las formas compositivas, como ya se dijo), mientras que el color y sus gradaciones toma la máxima importancia. Su forma de trabajarlo es sumamente novedosa, aplicándolo en pequeños puntos sobre el lienzo para conseguir un efecto visual concreto: aprovechar la capacidad de combinar los colores cercanos que tiene nuestra pupila, creando así los tonos intermedios que produce la luz natural sobre los objetos. En lo que se refiere a su composición, el negro de la banda inferior estabiliza todo el cuadro, mientras los rojos animan toda la superficie del cuadro creando numerosas rutas visuales que nos hacen desplazarnos por él de izquierda a derecha, entrando y saliendo en su profundidad. Como contrapunto de ellos y a fin de crear el equilibrio deseado, todo el fondo frío en varios matices nos crea un fondo homogeneo en el que destaquen tanto los oscuros como los cálidos. La luz, principal objeto del cuadro, es natural y representativa, intentando llevar a sus máximas consecuencias las teorías cromáticas expuestas por Chrevaul que ya habían utilizado de forma más intuitiva los impresionistas: crear colores puros sobre el cuadro para reflejar su impacto sobre los distintos colores y objetos que, por su parte, proyectan sombras que ya no son negras sino violetas o azuladas, como pretendía ya Monet.

2 La perspectiva, de nuevo, está sumamente cuidada, con una paradójica condición. Mientras las numerosas diagonales y la multitud de espacios intermedios que tenemos nos obliga a desplazarnos hacia el punto de fuga junto a la cabeza de los personajes de la derecha, el propio autor nos genera numerosos obstáculos (árboles, figuras humanas) con los que tapona estos huecos visuales, obligándosnos una y otra vez a cambiar de dirección al no poder avanzar hasta el punto final. Las figuras se nos presentan (pese al tema) en exceso hieráticas, sin expresiones y con un movimiento controlado. Predomina en ellas el prefil estricto o la vista frontal, eliminando casi por completo los tres cuartos, como era habitual en la época. Su construcción, sumamente geométrica les dan un punto más de solidez e inmovilidad. COMENTARIO Nos encontramos con la obra maestra de Seurat, el gran neoimpresionista que intentó objetivar los avances impresionistas y utilizarlos sobre una trama conceptualmente clásica. Como ya se ha vista existen numerosos paralelismos de su obra con la generación impresionista anterior (interés por la luz, efectos cromáticos en el ojo humano, utilización de colores puros sólo unidos visualmente, escenarios naturales, sombras coloreadas ). Sin embargo Seurat no se limita a ello, sino que quiere darle un carácter científico y clásico. El primero de ellos se conoce popularmente como puntillismo (aunque Seurat prefería el término neoimpresionismo), pues su técnica, lenta y minuciosa que rompía con el carácter abocetado y fugaz del impresionismo, consistía en poner una trama de puntos de color puro tan íntimamente relacionados que el ojo humano termina por mezclar sus tonos (como, muchos años después la fotografía utilizará con el sistema offset, creando entramados de puntos grises que el ojo reconvertiría en imagen, o en la actualidad la fotografía digital ha convertido en píxeles, cuantos más existan mayor nitiedez tendrá la imagen que, por supuesto, nunca llegará a ser como la realidad, pues su sucesivo aumento nos terminaría por enseñar la trama coloreada). Conceptualmente, por tanto, Seurat (como gran parte de los posimpresionistas) no pretenden el ideal utópico del impresionismo de crear una representación de la realidad, sino, más bien, un simulacro de la misma, haciéndonos conscientes que la pintura (como ya había descubierto Manet, y mucho antes Velázquez) es tan sólo una traducción de la realidad a otros medios plásticos en donde el espectador debe tener una distancia concreta y la ingenuidad de creer lo que está viendo. En lo relativo a la perspectiva y sendido del espacio del cuadro se inspira en el probablemente pintor más abstracto de todo el Quattrocento: Piero de la Francesca. De él deriva su composición, figuras o perspectiva, esa sensación de actitud silenciosa, cuasi religiosa, en donde las figuras se terminan por convertir en volúmenes bajo el dominio del color y la luz. Con todo ello creará un arte que tiene mucho de mental. Su muerte temprana y la asimilación superficial de su pintura por parte de sus discípulos (Signac) harán que esta vía quede muerta para la modernidad, pese a sus numerosos hallazgos formales y simbólicos en el estudio del color y la línea y sus relaciones fisiológicas.

3 JUGADORES DE CARTAS FICHA AUTOR: Paul CÉZANNE ( ) - CEZANNE FECHA: LOCALIZACIÓN: Museo Orsay PARÍS FRANCIA ESTILO: Pintura Postimpresionista ANÁLISIS Cezanne hizo una serie con este tema empezando con cinco jugadores hasta quedar reducido a estos dos. El gran objetivo fue desde el primer momento el estudio y recuperación de las formas geométricas básicas desde la realidad. Por la luz artificial que incide sobre la botella y la oscuridad insinuada detrás de la ventana, la partida se desarrollaría a última hora de la tarde La composición es equilibrada pero algo asímétrica : la botella con reflejo blanco ( indicio de luz artificial) parece ocupar el centro pero un poco desplazada hacia la izquierda, detrás se intuye el paisaje. En el lado izquierdo personaje maduro de la pipa ( jardinero de su padre) es ligeramente mayor y aparece completo sentado sobre la silla y con un pequeño espacio detrás, mientras que en lado derecho el personaje joven está incompleto, por tanto composición abierta. Con dos diagonales imáginarías se formarían cuatro triángulos en dos de ellos quedarían los jugadores con sus miradas, en el triángulo inferior la mesa y en el superior la ventana. El punto de tensión son las manos y las cartas que es donde se cortan las diagonales. Los brazos están doblados en ángulo recto y también van a converger sobre la mesa. Es evidente la geometrización en toda la composición. El cuerpo del jugador mayor es cilíndrico acabado en ojiva en el cuello, el brazo también cilindro, la botella igual, el sombrero jugador joven es un tronco de cono. Los colores predominantes son cálidos destacando la amplia gama de marrones, desde los claros tonos arena hasta los sepias pasando por los marrones rojizos y anaranjados. El contraste de colores intensifica la idea de confrontación: jugador con pipa chaqueta con marrones y malvas, pantalón amarillo, a la inversa que su contrincante: chaqueta amarilla pantalón marrón y malva, sombras violáceas. En la ventana pinceladas sueltas y yuxtapuestas. Los dos jugadores están concentrados mirando sus naipes, el mayor tiene la cabeza levantada y el otro la tiene más baja y rostro más serio parece preocupado más tenso porque tal vez le toque jugar a él o no ve claro el resultado de la partida. Por tanto cartas más claras y cabeza más erguida parecen indicar el triunfo. COMENTARIO Dentro del Impresionismo Cézanne es el defensor o impulsor de la forma en la composición. Aunque Cézanne comenzó como impresionista, muy pronto inicia un camino individual que le provocó cierto aislamiento y poca aceptación. Eso contrasta con la importancia que adquiere tras su muerte que le hace ser un

4 precursor de las vanguardias, especialmente aquellas que apuestan por lo geométrico o las formas como sería el cubismo y posteriormente la abstracción. Picasso estimaba mucho la obra de Cézanne, llegando a decir que era " la madre de todos nosotros". La principal idea de Cézanne es la reconstrucción de las formas desmaterializadas por los impresionistas, es decir.la recuperación del volumen mediante la geometrización: la naturaleza se transforma en cilindros, conos, esferas ; y la utilización de amplias manchas de color que también contribuyen a la geometrización como en la Montaña de Santa Victoria. El pintor introduce o multiplica los enfoques o puntos de vista, rompiendo con la perspectiva de origen renacentista. La temática se reduce a unos pocos temas trabajados en forma de series con una gran minuciosidad y esmero ( racionalismo): Los jugadores de cartas, Paisajes como Las vistas de la montaña de Santa Victoria y los bodegones.

5 MANZANAS Y NARANJAS FICHA AUTOR: Paul CÉZANNE ( ) - CEZANNE FECHA: 1899 LOCALIZACIÓN: Museo Orsay PARÍS FRANCIA ESTILO: Pintura Postimpresionista ANÁLISIS Se trata de un bodegón realizado con la técnica del óleo sobre lienzo. En la obra que vemos las piezas de fruta destacan por su esfericidad. Algunas realmente no parecen tales frutas, sino simples círculos o esferas, cuyos volúmenes nos vienen dados por la precisión de los contornos y perfiles, construidos a través de la modulación del color que en este caso sólo cuenta con una sola gama de tonos, rojos y naranjas. En la captación del espacio rompe con las normas tradicionales: En el cuadro algunos objetos presentan una doble visión perspectiva. Así, el cuenco que en el centro guarda la fruta presenta, en su parte superior, un punto de vista, y en su parte inferior, otro, como visto desde arriba. Y lo mismo ocurre con los distintos objetos entre sí. Mientras el plato de la izquierda presenta una perspectiva casi vertical, la jarra se ve frontalmente. Así la composición se enriquece porque ofrece dentro de una misma imagen múltiples puntos de vista, como si nosotros nos moviéramos delante de esta mesa con fruta. Esto es visible en el mantel, cuyos pliegues, duros y aristados, como acartonados, adquieren el volumen y relieve por efecto de los matices de color. La composición se organiza con una colgadura que cierra la perspectiva y un marcado triángulo blanco, con el frutero central en su vértice; crea así una estructura estable y sólida. Recuerda las naturalezas muertas flamencas del siglo XVII. En resumen, esta obra nos ofrece una visión intelectualizada de la realidad, muy distante de la concepción simplemente visual que tenían de esa misma realidad los impresionistas. COMENTARIO El postimpresionismo es un término histórico-artístico acuñado por el crítico inglés Roger Fry con motivo de una exposición de Cezanne, Gaugin y Van Gogh celebrada en Londes en Se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX. Los postimpresionistas derivan desde el impresionismo hacia una pintura personal que anuncia los movimientos pictóricos más importantes del XX. Surge como una extensión del impresionismo pero a su vez rechaza las limitaciones de éste. Creen que el impresionismo, en su afán por captar la luz del natural, había disuelto las formas y que los elementos del cuadro habían perdido volumen, dibujo y sentido del espacio. El postimpresionismo consigue una recuperación del dibujo y se preocupa por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. Ahora el color tendrá un valor subjetivo y expresivo, aunque no coincida con la realidad, pues se busca el color por su carga emotiva. Las formas se harán más claras y nítidas, más volumétricas, llegando incluso a geometrizarlas. Y estas formas son más claras si los colores están contrastados entre sí. Y para terminar, las composiciones son más

6 sencillas y estáticas. Pero a partir de estos presupuestos, cada pintor, tendrá su propia personalidad. Cezanne recupera en su pintura el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas hechas con pinceladas constructivas. Las formas de las cosas no cambian aunque cambie la luz que les dé, y son las formas las que realmente sabemos siempre cómo son. Y la mejor manera destacar las formas es reduciendo las formas a figuras geométricas básicas y claras: cilindro, cono, esfera, circunferencia, triángulo, etc. Todo esto sin renunciar a un color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas, pues el color aporta luz y reconstruye la forma. No usó el sistema de claroscuro tradicional. Esta forma de pintar origina pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista, como se aprecia en este bodegón. Reivindica el componente bidimensional de la pintura; no le interesa la profundidad ni la perspectiva tradicional, ni siquiera la tridimensionalidad. En su época de madurez, momento al que pertenece el cuadro, hace suyo un género que entonces estaba desprestigiado: el bodegón o naturaleza muerta. Para Cézanne el bodegón es un tema de estudio, ideal para probar, combinar y componer pequeñas cosas de la vida. Además, el bodegón le obliga a grandes sesiones de trabajo para aprehender el objeto en su entidad, no para copiarlo fotográficamente. Se dio cuenta, por ejemplo, que las frutas varían con el paso del tiempo, y también los pliegues de los manteles; por eso terminó enyesando los manteles y pintando frutas de cera.

7 LA NOCHE ESTRELLADA FICHA AUTOR: Vincent VAN GOGH ( ) VAN GOGH FECHA: 1889 LOCALIZACIÓN: MOMA Nueva York ESTADOS UNIDOS ESTILO: Pintura Postimpresionista ANÁLISIS La obra que a continuación recibe el nombre de "La noche estrellada" y es una obra pintada por el pintor holandés Vicent Van Gogh en junio de 1889, trece meses antes de su suicidio. Se trata de una obra que debemos encuadrar dentro del movimiento potsimpresionsista. Esta obra nos muestra una vista nocturna de Saint_Rémy. Concretamente es una vista desde la ventana de su habitación en el manicomio de esta localidad donde se encontraba recluido desde el mes de mayo. La obra se divide en dos planos diferenciados, separados por la línea de las montañas. Más de la mitad del cuadro lo ocupa el cielo estrellado siendo el auténtico protagonista del cuadro. En la mitad inferior del cuadro se observa el pueblo cuyas casas aparecen representadas con trazos rectos y del que sobresale el campanario puntiagudo, elemento vertical que rompe la horizontalidad de la composición. En un primer plano apareces unos cipreses, tema presente en los cuadro realizados en este periodo, que adquieren formas ondulantes que les asemejan a llamas, elevándose y uniendo ambos planos. Las líneas de las montañas del horizonte se ondulan a semejanza del cielo en una dirección ascendente de izquierda a derecha. En el cielo observamos como dos espirales se envuelven mientras once estrellas parecen iluminar la noche como si de lámparas de gas se tratasen. A nuestra derecha, un astro de mayor tamaño de color naranja, quizás la luna, parece confundirse con el sol. La técnica usada por el pintor es el óleo, aplicado en abundancia, técnica del empaste, con pinceladas vigorosas y cortas que contribuyen a la fuerza expresiva de la obra. La gama cromática usada por Van Gogh es fría con predominio de azules, celestes, verdes y grises, aunque también como contrapunto cromático usa el naranja y amarillo de las estrellas, colores complementarios al azul dominante en la obra. Se observa como el color, la mancha aplicada con el pincel en pequeñas pinceladas, alargadas y rectas unas veces, cortas y onduladas otras, sustituye al dibujo de manera que tan sólo algunas líneas oscuras sirven para dar forma precisamente a los elementos más físicos y materiales del cuadro, como las casas del pueblo, las montañas o los cipreses. COMENTARIO En esta obra Van Gogh volvía a los temas nocturnos que ya había representado en ocasiones anteriores, durante su estancia en París y Arlés. Sin embargo, Van Gogh renuncia a la observación directa y no nos muestra la noche de una manera realista sino de una manera sentida, vivida por el pintor e un momento de recaída de su enfermedad mental.

8 Durante la etapa de Saint-Rémy, en la que pinta este cuadro, Van Gogh se muestra muy sensible al movimiento presente en su obra a través de dos formas básicas y contrapuestas: la línea curva, ondulante de trazo continuo, y las líneas rectas trazadas a base de rayas. Ambos elementos combinados en su obra transmiten una energía no desprovista de intranquilidad y acusada tensión, como podemos observar en su último autorretrato, realizado en septiembre de ese mismo año de Así, el pintor nos muestra una imagen de contraste entre la ciudad, oscura y dormida, tan sólo iluminada por las tenues luces de algunas casas, representadas por pequeñas manchas horizontales amarillas, que contrastan con el espectáculo del cielo, donde el movimiento arremolinado parece adquirir un sentido místico iluminado por las estrellas y la luna. Van Gogh parece querer mostramos un Universo que no es estático sino en el que distintas fuerzas parecen luchar entre sí. No hay calma ni quietud, sino un movimiento que, como un remolino, parece recorrer el cuadro. Este movimiento, en este caso acendente, también se transmite en el ciprés, el elemento más oscuro del cuadro, que parece servir de conexión entre el mundo terrenal y celestial. Frente al movimiento del cielo y la naturaleza contrasta la quietud y serenidad que transmite el pueblo, como si Van Gogh quisiera mostrarnos la actitud del hombre, ajena al espectáculo de na naturaleza que se celebra ante sus ojos. Esta obra de Van Gogh, una de las más complejas de analizar, muestra como Van Gogh, recluido y víctima de su enfermedad usa la pintura para mostrar más que la realidad observable y cambiante, como había sido el motivo de los pintores impresionistas, su visión de la misma realidad, alterada por sus sentimientos desbordados. Así, Van Gogh, partiendo del impresionismo se anticipa a lo que será el expresionismo, como podemos observar en esta extraordinaria obra.

9 EL SEGADOR FICHA AUTOR: Vincent VAN GOGH ( ) VAN GOGH FECHA: 1889 LOCALIZACIÓN: Museo Van Gogh AMSTERDAM - HOLANDA ESTILO: Pintura Postimpresionista ANÁLISIS Y COMENTARIO Dicho cuadro representa a un campesino (segador), que esta segando el trigo. El Segador de Van Gogh es una pintura hecha de pintura de óleo y lona. Esta obra está en la colección del Museo de Van Gogh en Amsterdam. Esta obra de arte se puede analizar por: tema, color y pincelada. El campo de trigo es tema común para los temas de Van Gogh durante su estancia Saint Remy de Provence. De hecho, en la obra de arte, el campo de trigo e incluso toda la vista representada era lo que realmente veía Van Gogh asomandose a su ventana. Él solía crear muchas obras maestras. se sabía que el campo era un tema al que a Van Gogh le apasionaba. Además, esta obra de arte hizo mucho con el color. Es obvio que casi todos los colores pertenecen a la gama fría de colores, colores neutros y tonos de colores armoniosos. Este cuadro lo pintó mientras se encontraba ingresado en un manicomio por voluntad propia. Retrata lo que ve desde la ventana de su habitación, llegando a pintar este paisaje varias veces. Se dice que el campesino es un símbolo de la muerte y que este cuadro es la antítesis de La noche estrellada, ya que refleja la tranquilidad del día para alejar el miedo de la muerte por la noche. El postimpresionismo es un estilo comprendido entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, posterior al impresionismo y al neoimpresionismo (puntillismo). Este término lo empezó a utilizar el crítico Roger Fry en 1910 para encajar a tres pintores de finales del siglo XIX: Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. Les une el interés por el color y la necesidad de recrear un espacio que ven (plein air) pero con detalles irreales. Le dan mucha importancia a la luz, utilizan pinceladas sueltas muy características y colores vivos que muchas veces expresan sus sentimientos en la obra. Los temas que destacan son los paisajes, las naturalezas muertas (bodegón) y las figuras humanas. Van Gogh nació en Holanda en 1853 y posiblemente sufrió alguna enfermedad como esquizofrenia. Sintió un fuerte compromiso social que le hizo querer llegar a ser pastor protestante. En su primera etapa (hasta 1886) le influye el realismo de Millet y pinta la vida de gente humilde, campesinos, mineros recrea un ambiente sombrío, con colores oscuros y negros. Su segunda etapa comienza cuando se muda a París, donde su hermano Theo, que trabajaba en una galería, le introduce en las vanguardias; y destacamos las cartas que se enviaban entre ellos (Cartas a Theo). Al ver a los impresionistas su paleta cambia a colores más vivos y llamativos. Le fascinaban los paisajes, el grabado japonés y el puntillismo, realizando una pintura empastada. En la tercera etapa se establece en Arlés, París, por el clima luminoso que le permitía pintar mejores cuadros. Durante esta etapa desarrolla su estilo más personal. Vivía en la casita amarilla junto con Gaugin, a quien le pintó los girasoles para decorar su habitación. Cuando le da un brote de locura se corta la

10 oreja y se la envía a su amigo, haciendo que este se vaya de la casa. Al final de esta etapa sus cuadros se vuelven más coloridos (azules, amarillos, violetas ) y tiene una pincelada pastosa (mucha cantidad de pintura); poniendo el color al servicio de la expresión. En 1890 se suicidó en un campo de trigo. Van Gogh es el precedente del expresionismo.

11 LA VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN FICHA AUTOR: Paul GAUGUIN ( ) - GAUGUIN FECHA: 1888 LOCALIZACIÓN: National Gallery EDIMBURGO ESCOCIA (R.U.) ESTILO: Pintura Postimpresionista ANÁLISIS Se trata una vez más de un óleo sobre lienzo de tamaño medio. Una de las obras más interesantes de las que realizó Gauguin durante su estancia en Pont-Aven en Siempre se considera como una de las primeras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar desde ahora. Fue pintado para una iglesia de la zona pero el párroco la rechazó; en primer plano vemos a una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, en actitud de rezar, mientras al fondo coloca la supuesta visión que tienen las devotas bretonas tras el sermón, donde aparece Jacob luchando con el ángel, siendo esta escena la parte simbólica, aunque el artista represente ambas imágenes de manera simultánea. Gauguin utiliza, como en obras anteriores, la influencia de la estampa japonesa ya que rehúsa manejar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras planas. Los colores también han experimentado un cambio importante, son colores puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la planitud. El contorno de las figuras empieza a estar muy delimitado, siguiendo un estilo típico de estos momentos llamado "cloisonnisme", inspirado en la realización de esmaltes y de vidrieras, rellenando esos contornos con colores muy vivos. Gauguin está orgulloso de esta pintura y sobre todo de las figuras, "muy rústicas y supersticiosas", como él mismo escribe a Van Gogh. COMENTARIO Una de las obras más interesantes de las que realizó Gauguin durante su estancia en Pont-Aven en Siempre se considera como una de las primeras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar desde ahora. Fue pintado para una iglesia de la zona pero el párroco la rechazó; en primer plano vemos a una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, en actitud de rezar, mientras al fondo coloca la supuesta visión que tienen las devotas bretonas tras el sermón, donde aparece Jacob luchando con el ángel, siendo esta escena la parte simbólica, aunque el artista represente ambas imágenes de manera simultánea. Gauguin utiliza, como en obras anteriores, la influencia de la estampa japonesa ya que rehúsa manejar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras planas. Los colores también han experimentado un cambio importante, son colores puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la planitud. El contorno de las figuras empieza a estar muy delimitado, siguiendo el "cloisonnisme rellenando esos contornos con colores muy vivos. Gauguin está orgulloso de esta pintura y sobre todo de las figuras, "muy rústicas y supersticiosas", como él mismo escribe a Van Gogh. Decepcionado con el impresionismo y el realismo, Gauguin consideraba que el arte europeo se había vuelto muy repetitivo y le faltaba el simbolismo propio de otras culturas como la asiática y la africana. El uso experimental del color y su estilo sintetista, fueron elementos claves para su distinción respecto al impresionismo. Su trabajo fue gran influencia para

12 los vanguardistas franceses y muchos otros artistas modernos como Pablo Picasso y Henri Matisse. Gauguin había recibido influencias de diversas fuentes: por un lado, había pasado su infancia en Perú y también había vivido en la isla de Martinica junto a una pequeña comunidad de artistas indios. Ambas experiencias determinarían el primitivismo en su futura obra, es decir, la consideración de que la vida era más significativa antes de la civilización moderna. Viviendo en París, Gauguin visitaba frecuentemente, junto a otros pintores, la comunidad de artistas de Pont-Aven, en Bretaña, al noroeste de Francia. Allí, admiraba la vestimenta que usaban las mujeres y parecían interesarle sus costumbres, así como su simplicidad en la vida cotidiana. Si en cualquier obra impresionista se tiende a disolver la autonomía de las figuras mediante reflejos y juegos de luz y, a fundir cualquier color creando una atmósfera común, en la pintura cloisonniste, los contornos netos marcan el aislamiento entre los cuerpos. Las siluetas, recortadas entre sí, se sitúan en un plano cromático uniforme, con desproporciones y sin conexiones de escala. Las sombras dejan de existir para que no haya ningún vínculo de unión entre las imágenes y el plano donde residen. El impresionismo ha abandonado a Gauguin.

13 EL MERCADO (A MATETE) FICHA AUTOR: Paul GAUGUIN ( ) - GAUGUIN FECHA: 1892 LOCALIZACIÓN: Kunstmuseum Basilea - SUIZA ESTILO: Pintura Postimpresionista ANÁLISIS La escena parece estar protagonizada por unas prostitutas que se ofrecían en el mercado de Papeete, por tanto es probable que el autor quisiera indicar la influencia de la llegada de los occidentales en aquellos Mares del Sur. La composición muestra influencia del arte egipcio que el autor decía que era "el arte primitivo más sabio de todos". Es reconocible esta influencia en las piernas y cabezas de perfil y tronco de frente y también en las dos figuras que se encuentran detrás que parecen sacadas de los relieves egipcios. La composición es abierta con una figura a nuestra derecha incompleta probable influencia de los encuadres de la fotografía. En esta misma figura el detallado pareo refleja, a su vez, la influencia de la estampa japonesa.. También presenta doble punto de vista o encuadres por una parte frontal en el pareo y por otra el pie parece captado desde lo alto. Las figuras no tienen volumen o corporeidad. y se recortan, casi planas, sobre el fondo. La técnica es la que ya empleaba en sus obras en Bretaña y que aparece también en obras de Van Gogh. Primero realiza la silueta o dibujo de la figura, tal como se hacía en el arte de las vidrieras ( cloisonismo ) y luego rellena este contorno de colores puros. El color o colores son intensos son colores sin gradaciones, amarillos, naranjas, rojos, azules o grises que contrastan con el marrón de los rostros En la elección del color se presenta arbitrariedad, los colores no tienen que corresponder con la naturaleza sino con su imaginación como se observa en los troncos de los árboles azul-morado, en el suelo del primer plano anaranjado, en el cielo del fondo amarillo. No existe movimiento, ni tampoco expresión pero el primitivismo de los gestos, el paisaje y los colores transmiten serenidad y frescura frente a la cultura occidental COMENTARIO Gauguin aporta la pintura como idea respondiendo el color a subrayarla. Comenzó a dedicarse tarde a la pintura a partir de Esta decisión le acarreó pobreza y el abandono de de su mujer e hijos. Defraudado del mundo que veía y enamorado del primitivismo de Bretaña y de las noticias que le llegaban de la vida de los habitantes de los Mares del Sur abandona Francia y viaja a Tahití en 1891, donde se instaló definitivamente en 1895 hasta que la presión de las autoridades coloniales le obligaron a huir a las islas Marquesas. Pretendió dar una nueva visión del mundo exaltando lo exótico e ingenuo de Tahiti y el primitivismo de Bretaña.

14 Pretendía transmitir ideas mediante la simplificación de la forma. En este sentido es el antecedente del simbolismo. Extiende los colores en amplios campos dentro de gruesas líneas (cloisonismo) por influencia del arte medieval y estos colores son fuertes, vivos, puros, colores planos y muchas veces arbitrarios que no responden a lo que llamamos realidad, pues para ello ya está la fotografía. Todo arte es una representación pero Gauguin entiende el arte como libertad y el color muchas veces como símbolo, en este sentido inspiró a los o al fauvismo. Sus cuadros sin profundidad (casi sin perspectiva ) dominados por el color y el dibujo, son capaces de transmitir poesía y símbolos.